Disco
Disco es un género de música dance y una subcultura que surgió en la década de 1970 en los Estados Unidos. escena de la vida nocturna urbana. Su sonido se caracteriza por ritmos de cuatro en el suelo, líneas de bajo sincopadas, secciones de cuerdas, metales y trompetas, piano eléctrico, sintetizadores y guitarras rítmicas eléctricas.
Disco comenzó como una mezcla de música de lugares populares entre los italoamericanos, los hispanos y latinoamericanos y los afroamericanos en Filadelfia y la ciudad de Nueva York a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. Disco puede verse como una reacción de la contracultura de la década de 1960 tanto al dominio de la música rock como a la estigmatización de la música dance en ese momento. Se desarrollaron varios estilos de baile durante el período de popularidad de la música disco en los Estados Unidos, incluidos "the Bump" y "el ajetreo".
En el transcurso de la década de 1970, la música disco se desarrolló aún más, principalmente por artistas de los Estados Unidos y Europa. Artistas conocidos incluyen: ABBA, Bee Gees, Donna Summer, Gloria Gaynor, Giorgio Moroder, Baccara, Boney M., Earth Wind & Fire, Chaka Khan, Chic, KC y Sunshine Band, Thelma Houston, Sister Sledge, Sylvester, The Trammps y Village People. Si bien los artistas atrajeron la atención del público, los productores de discos que trabajaban detrás de escena jugaron un papel importante en el desarrollo del género. A fines de la década de 1970, la mayoría de las principales ciudades de EE. UU. tenían prósperas escenas de clubes nocturnos, y los DJ mezclaban discos de baile en clubes como Studio 54 en Manhattan, un lugar popular entre las celebridades. Los asistentes a los clubes nocturnos a menudo usaban atuendos caros y extravagantes, que consistían predominantemente en pantalones o vestidos sueltos y sueltos para facilitar el movimiento mientras bailaban. También había una subcultura de drogas próspera en la escena disco, particularmente de drogas que mejorarían la experiencia de bailar con la música alta y las luces intermitentes, como la cocaína y los quaaludes, siendo estos últimos tan comunes en la subcultura disco que fueron apodados & #34;galletas disco". Las discotecas también se asociaron con la promiscuidad como reflejo de la revolución sexual de esta época en la historia popular. Películas como Fiebre del sábado por la noche (1977) y Gracias a Dios es viernes (1978) contribuyeron a la popularidad de la música disco.
La música disco declinó como una tendencia importante en la música popular en los Estados Unidos después de la infame Disco Demolition Night, y su popularidad continuó disminuyendo drásticamente en los Estados Unidos a principios de la década de 1980; sin embargo, siguió siendo popular en Italia y algunos países europeos durante la década de 1980, y durante este tiempo también comenzó a ponerse de moda en otros lugares, como la India y el Medio Oriente, donde se mezclaron con estilos folclóricos regionales como ghazals y danza del vientre. Disco eventualmente se convertiría en una influencia clave en el desarrollo de la música electrónica de baile, música house, hip hop, new wave, dance-punk y post-disco. El estilo ha tenido varias escenas nuevas desde la década de 1990, y la influencia de la música disco sigue siendo fuerte en la música pop estadounidense y europea. Ha estado en marcha un renacimiento desde principios de la década de 2010, alcanzando una gran popularidad a principios de la década de 2020. Los álbumes que han contribuido a este renacimiento incluyen Confessions On A Dance Floor, Random Access Memories, The Slow Rush, Cuz I Love You , Nostalgia del futuro, Oye U X, Melodrama, ¿Cuál es tu placer?, About Last Night..., Róisín Machine, y el propio álbum de Kylie Minogue titulado Disco.
Etimología
El término "discoteca" es la abreviatura de la palabra discothèque, una palabra francesa para "biblioteca de discos fonográficos" derivado de "bibliothèque". La palabra "discoteca" tenía el mismo significado en inglés en la década de 1950.
"Discoteca" se utilizó en francés para un tipo de club nocturno en París, Francia, después de que estos recurrieran a reproducir discos durante la ocupación nazi a principios de la década de 1940. Algunos clubes lo utilizaron como su nombre propio. En 1960, también se usó para describir un club nocturno parisino en una revista inglesa.
En el verano de 1964, un vestido corto sin mangas llamado "vestido de discoteca" fue brevemente muy popular en los Estados Unidos. El primer uso conocido de la forma abreviada "disco" describió este vestido y se encontró en The Salt Lake Tribune el 12 de julio de 1964, la revista Playboy lo usó en septiembre del mismo año para describir los clubes nocturnos de Los Ángeles.
Vince Aletti fue uno de los primeros en describir la música disco como un sonido o un género musical. Escribió el artículo principal "Discotheque Rock Paaaaarty" que apareció en la revista Rolling Stone en septiembre de 1973.
Características musicales
Jugar(help·info)
Jugar(help·info)La música generalmente superpone voces altísimas, a menudo reverberadas, a menudo duplicadas por trompetas, sobre un 'pad' de fondo. de pianos eléctricos y "chicken-scratch" guitarras rítmicas tocadas en una guitarra eléctrica. La guitarra principal aparece con menos frecuencia en la música disco que en el rock. "El "arañazo de gallo" el sonido se logra presionando ligeramente las cuerdas de la guitarra contra el diapasón y luego soltándolas rápidamente lo suficiente para obtener un [sonido] de póquer ligeramente silenciado mientras se rasguea constantemente muy cerca del puente." Otros instrumentos de teclado de acompañamiento incluyen el piano, el órgano eléctrico (durante los primeros años), los sintetizadores de cuerda y los teclados electromecánicos como el piano eléctrico Fender Rhodes, el piano eléctrico Wurlitzer y el Hohner Clavinet. La canción de Donna Summer de 1977 'I Feel Love', producida por Giorgio Moroder con un destacado sintetizador Moog en el ritmo, fue una de las primeras pistas disco en utilizar el sintetizador.
El ritmo lo establecen líneas de bajo prominentes y sincopadas (con un uso intensivo de octavas rotas, es decir, octavas con las notas sonando una después de la otra) tocadas en el bajo y por bateristas que usan un kit de batería, africano/latino. percusión y batería electrónica como los módulos de batería Simmons y Roland. El sonido se enriqueció con líneas solistas y partes armónicas interpretadas por una variedad de instrumentos orquestales, como arpa, violín, viola, violonchelo, trompeta, saxofón, trombón, clarinete, fliscorno, corno francés, tuba, corno inglés, oboe, flauta (a veces especialmente la flauta contralto y ocasionalmente la flauta baja), flautín, timbales y cuerdas de sintetizador, sección de cuerdas o una orquesta de cuerdas completa.
La mayoría de las canciones disco tienen un ritmo constante de cuatro en el suelo establecido por un bombo, un patrón de hi-hat de corchea o semicorchea con un charles sibilante abierto en el contratiempo y un sonido pesado, línea de bajo sincopada. Un error de grabación en la canción de 1975 "Bad Luck" de Harold Melvin & Se dice que las notas azules donde el hi-hat de Earl Young sonaba demasiado alto en la grabación establecieron los hi-hats fuertes en la música disco. Otros ritmos latinos como la rumba, la samba y el cha-cha-cha también se encuentran en las grabaciones disco, y los polirritmos latinos, como un ritmo de rumba sobre un merengue, son comunes. El patrón de corchea a menudo es compatible con otros instrumentos, como la guitarra rítmica, y puede estar implícito en lugar de estar presente explícitamente.
Las canciones suelen utilizar la síncopa, que consiste en acentuar ritmos inesperados. En general, la diferencia entre la música disco, o cualquier canción de baile, y una canción de rock o popular es que en la música de baile el bombo golpea cuatro al suelo, al menos una vez por compás (que en 4/ 4 tiempos son 4 tiempos por compás). Disco se caracteriza además por una división de semicorcheas de las negras, como se muestra en el segundo patrón de batería a continuación, después de un patrón de batería de rock típico.
El sonido orquestal suele conocerse como "sonido disco" se basa en gran medida en las secciones de cuerdas y metales que tocan frases lineales, al unísono con las voces altísimas, a menudo reverberadas, o tocando rellenos instrumentales, mientras que los pianos eléctricos y las guitarras de scratch crean el 'pad' de fondo. sonido que define la progresión de la armonía. Por lo general, toda la duplicación de partes y el uso de instrumentos adicionales crea un rico "muro de sonido". Hay, sin embargo, sabores más minimalistas de discoteca con instrumentación reducida y transparente.
Desde el punto de vista armónico, la música disco normalmente contiene acordes mayores y menores de siete, que se encuentran más a menudo en el jazz que en la música pop.
Producción
El "sonido disco" fue mucho más costoso de producir que muchos de los otros géneros musicales populares de la década de 1970. A diferencia del sonido más simple de banda de cuatro miembros del funk, la música soul de finales de la década de 1960 o los pequeños tríos de órgano de jazz, la música disco a menudo incluía una gran banda, con varios instrumentos de cuerda (guitarra, teclados, sintetizador), varios tambores o instrumentos de percusión (batería, percusión latina, batería electrónica), una sección de vientos, una orquesta de cuerdas y una variedad de música "clásica" instrumentos solistas (por ejemplo, flauta, flautín, etc.).
Las canciones disco fueron arregladas y compuestas por arreglistas y orquestadores experimentados, y los productores de discos agregaron sus toques creativos al sonido general utilizando técnicas de grabación multipista y unidades de efectos. Grabar arreglos complejos con una cantidad tan grande de instrumentos y secciones requirió un equipo que incluía un director, copistas, productores de discos e ingenieros de mezcla. Los ingenieros de mezcla tenían un papel importante en el proceso de producción disco, porque las canciones disco usaban hasta 64 pistas de voces e instrumentos. Los ingenieros de mezcla y los productores de discos, bajo la dirección de los arreglistas, compilaron estas pistas en una composición fluida de versos, puentes y estribillos, completa con construcciones y pausas. Los ingenieros de mezcla y los productores discográficos ayudaron a desarrollar el "sonido disco" creando una mezcla disco sofisticada y con un sonido distintivo.
Los primeros registros eran el "estándar" versión de tres minutos hasta que a Tom Moulton se le ocurrió una forma de alargar las canciones para poder llevar a una multitud de bailarines en un club a otro nivel y mantenerlos bailando más tiempo. Descubrió que era imposible hacer que los sencillos de vinilo de 45 RPM de la época fueran más largos, ya que normalmente no podían contener más de cinco minutos de música de buena calidad. Con la ayuda de José Rodríguez, su ingeniero de remasterización/masterización, grabó un sencillo en un 10" disco en lugar de 7". Cortaron el siguiente sencillo en un 12" disco, el mismo formato que un álbum estándar. Moulton y Rodríguez descubrieron que estos discos más grandes podían tener canciones y remixes mucho más largos. 12" Los discos individuales, también conocidos como "Maxi singles", se convirtieron rápidamente en el formato estándar para todos los DJ del género disco.
Cultura de club
Discotecas
A fines de la década de 1970, la mayoría de las principales ciudades de EE. UU. tenían prósperas escenas de discotecas. Las escenas más grandes se produjeron sobre todo en la ciudad de Nueva York, pero también en Filadelfia, San Francisco, Miami y Washington, D.C. La escena se centró en discotecas, clubes nocturnos y fiestas privadas en lofts.
En la década de 1970, las discotecas notables incluyeron "Crisco Disco", "The Sanctuary", "Leviticus", "Studio 54" y "Paradise Garage" en Nueva York, "Artemis" en Filadelfia, "Studio One" en Los Ángeles, "Dugan's Bistro" en Chicago, y "La biblioteca" en atlanta
A fines de la década de 1970, Studio 54 en Midtown Manhattan era posiblemente el club nocturno más conocido del mundo. Este club desempeñó un papel formativo importante en el crecimiento de la música disco y la cultura de los clubes nocturnos en general. Fue operado por Steve Rubell e Ian Schrager y era conocido por el hedonismo que se desarrollaba en su interior; los balcones eran conocidos por encuentros sexuales y el consumo de drogas era rampante. Su pista de baile estaba decorada con una imagen del "Hombre en la Luna" que incluía una cuchara de cocaína animada.
El "Copacabana", otro club nocturno de Nueva York que data de la década de 1940, tuvo un renacimiento a fines de la década de 1970 cuando adoptó la música disco; se convertiría en el escenario de una canción de Barry Manilow del mismo nombre.
En Washington, D.C., las grandes discotecas como "The Pier" ("Pier 9") y "El otro lado," originalmente considerado exclusivamente como "bares gay", se volvió particularmente popular entre los estudiantes universitarios homosexuales y heterosexuales del área de la capital a finales de los años 70.
En 1979 había entre 15 000 y 20 000 clubes nocturnos en los EE. UU., muchos de los cuales abrían en centros comerciales, hoteles y restaurantes suburbanos. Las franquicias Club 2001 fueron la cadena de discotecas más prolífica del país. Aunque se hicieron muchos otros intentos de franquiciar discotecas, 2001 fue el único que lo logró con éxito en este período de tiempo.
Equipos de luz y sonido
Los potentes sistemas de sonido de alta fidelidad con bajos intensos se consideraron una parte clave de la experiencia de discoteca. "[David] Mancuso, presentador de la fiesta en el loft, presentó las tecnologías de conjuntos de tweeters (grupos de pequeños altavoces que emiten frecuencias altas, ubicados sobre el piso) y refuerzos de graves (conjuntos adicionales de subwoofers ubicados a nivel del suelo) en el comienzo de la década de 1970 para potenciar los agudos y los graves en los momentos oportunos y, a finales de la década, ingenieros de sonido como Richard Long habían multiplicado los efectos de estas innovaciones en lugares como el Garage."
Los diseños de iluminación típicos para las pistas de baile disco podrían incluir luces multicolores que giran o parpadean al ritmo, luces estroboscópicas, una pista de baile iluminada y una bola de espejos.
DJ
Los disc jockeys (DJ) de la era disco a menudo mezclaban canciones existentes usando máquinas de cinta de carrete a carrete y agregaban pausas de percusión, nuevas secciones y nuevos sonidos. Los DJ seleccionaban canciones y ritmos de acuerdo con lo que querían los bailarines, haciendo la transición de una canción a otra con un mezclador de DJ y usando un micrófono para presentar canciones y hablar con el público. Se agregaron otros equipos a la configuración básica de DJ, proporcionando manipulaciones de sonido únicas, como reverberación, ecualización y unidad de efectos de eco. Con este equipo, un DJ podría hacer efectos como cortar todo menos la línea de bajo de una canción y luego mezclar lentamente el comienzo de otra canción usando el crossfader del mezclador de DJ. Los DJ disco estadounidenses notables incluyen a Francis Grasso de The Sanctuary, David Mancuso de The Loft, Frankie Knuckles de Chicago Warehouse, Larry Levan de Paradise Garage, Nicky Siano, Walter Gibbons, Karen Mixon Cook, Jim Burgess, John "Jellybean& #34; Benítez, Richie Kulala de Studio 54 y Rick Salsalini.
Algunos DJ también eran productores de discos que creaban y producían canciones disco en el estudio de grabación. Larry Levan, por ejemplo, fue un prolífico productor de discos además de DJ. Debido a que las ventas de discos a menudo dependían de la actuación de los DJ en las pistas de baile de los principales clubes nocturnos, los DJ también influyeron en el desarrollo y la popularización de ciertos tipos de música disco que se producían para los sellos discográficos.
Baile
En los primeros años, los bailarines en las discotecas bailaban en un "hang loose" o "estilo libre" Acercarse. Al principio, muchos bailarines improvisaron sus propios estilos y pasos de baile. Más adelante en la era disco, se desarrollaron estilos de baile populares, incluidos "Bump", "Penguin", "Boogaloo", "Watergate" y "Robot". En octubre de 1975 reinaba el ajetreo. Era muy estilizado, sofisticado y abiertamente sexual. Las variaciones incluyeron Brooklyn Hustle, New York Hustle y Latin Hustle.
Durante la era disco, muchos clubes nocturnos solían organizar competencias de baile disco u ofrecer lecciones de baile gratuitas. Algunas ciudades tenían instructores de baile disco o escuelas de baile, que enseñaban a la gente a hacer bailes disco populares como "tocar el baile", "el ajetreo" y "el cha cha" 34;. La pionera de la enseñanza del baile disco fue Karen Lustgarten en San Francisco en 1973. Su libro The Complete Guide to Disco Dancing (Warner Books 1978) fue el primero en nombrar, desglosar y codificar los bailes disco populares como formas y distinguir entre bailes disco freestyle, en pareja y en línea. El libro encabezó la lista de libros más vendidos del New York Times durante 13 semanas y fue traducido al chino, alemán y francés.
En Chicago, se lanzó el programa de televisión de baile disco Paso a paso con el patrocinio de la compañía Coca-Cola. Producido en el mismo estudio que Don Cornelius usó para el programa de televisión de danza/música sindicado a nivel nacional, Soul Train, la audiencia de Step by Step' creció y el programa se convirtió en un éxito. El dúo de baile dinámico de Robin y Reggie dirigió el espectáculo. La pareja pasó la semana enseñando baile disco a los bailarines en las discotecas. El programa instructivo se transmitía los sábados por la mañana y tenía muchos seguidores. Los espectadores de esto se quedaban despiertos toda la noche los viernes para poder estar en el plató a la mañana siguiente, listos para volver a la discoteca el sábado por la noche conociendo los últimos pasos de baile personalizados. Los productores del programa, John Reid y Greg Roselli, aparecían habitualmente en funciones de discoteca con Robin y Reggie para buscar nuevos talentos de baile y promocionar próximos eventos como 'Disco Night at White Sox Park'.
En Sacramento, California, el Rey Disco Paul Dale Roberts bailó para el Libro Guinness de los récords mundiales. Roberts bailó durante 205 horas, lo que equivale a 8 días y medio. Otros maratones de baile se llevaron a cabo después de que Roberts mantuviera el récord mundial de baile disco durante un corto período de tiempo.
Algunos grupos de baile profesionales notables de la década de 1970 incluyeron Pan's People y Hot Gossip. Para muchos bailarines, una fuente clave de inspiración para el baile disco de la década de 1970 fue la película Fiebre del sábado por la noche (1977). Esto se convirtió en el estilo de música y baile de películas como Fame (1980), Disco Dancer (1982), Flashdance (1983) y Los últimos días de la discoteca (1998). El interés por el baile disco también ayudó a generar programas de televisión de competencia de baile como Dance Fever (1979).
Moda
La moda disco estuvo muy de moda a fines de la década de 1970. Los asistentes a las discotecas a menudo vestían modas glamorosas, caras y extravagantes para salir por la noche en su discoteca local. Algunas mujeres usarían vestidos transparentes y sueltos, como los vestidos Halston o pantalones sueltos y acampanados. Otras mujeres usaban ropa ajustada, reveladora y sexy, como blusas sin espalda sin espalda, pantalones disco, 'hot pants', o ropa corporal de spandex que abrazaba el cuerpo o 'catsuits'. Los hombres usarían camisas Qiana de poliéster brillante con estampados coloridos y cuellos extra anchos y puntiagudos, preferiblemente abiertos en el pecho. Los hombres a menudo usaban trajes de Pierre Cardin, trajes de tres piezas con chaleco y chaquetas camiseras de poliéster de doble punto con pantalones a juego conocidos como el traje de ocio. Los trajes de ocio de los hombres generalmente se ajustaban al cuerpo en algunas partes del cuerpo, como la cintura y la parte inferior, pero la parte inferior de los pantalones se ensanchaba en forma de campana para permitir la libertad de movimiento.
Durante la era disco, los hombres participaban en elaborados rituales de arreglo personal y dedicaban tiempo a elegir ropa de moda, ambas actividades que se habrían considerado "femeninas" según los estereotipos de género de la época. Las bailarinas usaban maquillaje brillante, lentejuelas o ropa de lamé dorado que brillaba bajo las luces. Los colores llamativos eran populares para ambos sexos. Los zapatos de plataforma y las botas para ambos sexos y los tacones altos para las mujeres eran calzado popular. Los collares y medallones eran un accesorio de moda común. Con menos frecuencia, algunos bailarines de discoteca usaban disfraces extravagantes, vestidos de mujer, cubrían sus cuerpos con pintura dorada o plateada, o usaban atuendos muy diminutos que los dejaban casi desnudos; estos atuendos poco comunes tenían más probabilidades de verse en fiestas de loft y discotecas de la ciudad de Nueva York solo por invitación.
Subcultura de drogas
Además de los aspectos de baile y moda de la escena de las discotecas, también había una próspera subcultura de drogas de club, en especial de drogas que mejorarían la experiencia de bailar con la música fuerte y con graves intensos y las luces de colores intermitentes. como la cocaína (apodada "blow"), el nitrito de amilo ("poppers") y la "... otra droga de club por excelencia de la década de 1970, Quaalude, que suspendía la coordinación motora y daba la sensación de que los brazos y las piernas se habían convertido en 'Gelatina'" Los quaaludes eran tan populares en las discotecas que la droga recibió el apodo de "galletas disco".
Paul Gootenberg afirma que "[l]a relación de la cocaína con la cultura disco de la década de 1970 no puede enfatizarse lo suficiente..." Durante la década de 1970, el consumo de cocaína por parte de celebridades acomodadas llevó a su "glamorización" y a la opinión generalizada de que se trataba de una 'droga blanda'. LSD, marihuana y "speed" (anfetaminas) también eran populares en las discotecas, y el uso de estas drogas "...contribuía a la calidad hedonista de la experiencia en la pista de baile". Dado que los bailes disco se llevaban a cabo típicamente en clubes nocturnos y clubes de baile con licencia de licor, los bailarines también consumían bebidas alcohólicas; algunos usuarios combinaron intencionalmente el alcohol con el consumo de otras drogas, como Quaaludes, para un efecto más fuerte.
Erotismo y liberación sexual
Según Peter Braunstein, las "cantidades masivas de drogas ingeridas en las discotecas produjeron el siguiente fenómeno cultural de la era disco: la promiscuidad desenfrenada y el sexo en público. Si bien la pista de baile era el escenario central de la seducción, el sexo real generalmente tenía lugar en las regiones inferiores de la discoteca: los baños, las escaleras de salida, etc. En otros casos la discoteca se convirtió en una especie de 'plato principal' en el menú de un hedonista para salir de noche." En el club nocturno The Saint, un alto porcentaje de los bailarines y clientes masculinos homosexuales tendrían relaciones sexuales en el club; por lo general, tenían relaciones sexuales sin protección, porque en 1980 aún no se había identificado el VIH-SIDA. En The Saint, "los bailarines se fugaban a un balcón superior sin vigilancia para tener relaciones sexuales". La promiscuidad y el sexo público en las discotecas formaban parte de una tendencia más amplia hacia la exploración de una expresión sexual más libre en la década de 1970, una era que también se asocia con "clubes de swingers, jacuzzis [y] fiestas clave".
En su artículo, "En defensa de la música disco" (1979), Richard Dyer reivindica el erotismo como una de las tres principales características de la música disco. A diferencia de la música rock, que tiene un erotismo muy fálico centrado en el placer sexual de los hombres sobre otras personas, Dyer describe la música disco como un erotismo de cuerpo completo no fálico. A través de una variedad de instrumentos de percusión, la voluntad de jugar con el ritmo y la repetición interminable de frases sin interrumpir al oyente, la discoteca logró este erotismo de cuerpo completo al restaurar el erotismo en todo el cuerpo para ambos sexos. Esto permitió la expresión potencial de sexualidades no definidas por la polla/pene y el placer erótico de cuerpos que no están definidos por una relación con un pene. La liberación sexual expresada a través del ritmo de la música disco se representa aún más en los espacios del club en los que creció la música disco.
En Modulations: A History of Electronic Music: Throbbing Words on Sound de Peter Shapiro, habla sobre el erotismo a través de la tecnología que utiliza la música disco para crear su audaz sonido. La música, afirma Shapiro, es un complemento de "la ética de que el placer es política de la cultura posterior a Stonewall". Explica cómo el "mecanoerotismo" que vincula la tecnología utilizada para crear el sonido mecánico único de la música disco con el erotismo, sitúa el género en una nueva dimensión de la realidad que vive fuera del naturalismo y la heterosexualidad.
Utiliza los sencillos de Donna Summer "Love to Love You Baby" (1975) y "Siento amor" (1977) como ejemplos de la siempre presente relación entre las líneas de bajo sintetizadas y los fondos de los sonidos simulados de los orgasmos. La voz de Summer resuena en las pistas y las compara con los fanáticos de la música disco, fervientes por las drogas y sexualmente liberados, que buscaban liberarse a través de la "estética del sexo con máquinas" de la música disco. Shapiro ve esto como una influencia que crea subgéneros como hi-NRG y dub-disco, que permitieron explorar más a fondo el erotismo y la tecnología a través de intensas líneas de bajo sintetizado y técnicas rítmicas alternativas que aprovechan todo el cuerpo en lugar de lo erótico obvio. partes del cuerpo.
El club nocturno de Nueva York The Sanctuary, dirigido por el DJ residente Francis Grasso, es un excelente ejemplo de esta libertad sexual. En su historia de la cultura del disc jockey y de los clubes, Bill Brewster y Frank Broughton describen el Santuario como "repleto de hombres homosexuales recién liberados, luego sacudidos (y revueltos) por una pesada mezcla de música dance y farmacoya de píldoras y pociones, el resultado es un festival de carnalidad." The Sanctuary fue la "primera discoteca gay totalmente desinhibida en Estados Unidos" y aunque el sexo no estaba permitido en la pista de baile, los rincones oscuros, los baños y los pasillos de los edificios adyacentes se utilizaban para la orgía como compromisos sexuales.
Al describir la música, las drogas y la mentalidad liberada como una trifecta que se une para crear el festival de la carnalidad, Brewster y Broughton incitan a los tres como estímulos para el baile, el sexo y otros movimientos corporales que contribuyeron a las vibraciones corporales dentro de la Santuario. Esto apoya el argumento de que la música disco jugó un papel facilitador de esta liberación sexual que se experimentaba en las discotecas. Además, esto, junto con la reciente legalización de los abortos, la introducción de los antibióticos y la píldora, todo ello facilitó un cambio cultural en torno al sexo, de uno de procreación a uno de placer y disfrute, fomentando un marco muy positivo para el sexo en torno a las discotecas.
Además, además de que el sexo gay era ilegal en el estado de Nueva York, hasta 1973 la Asociación Estadounidense de Psiquiatría clasificaba la homosexualidad como una enfermedad. Se puede entender que esta ley y clasificación combinadas han disuadido en gran medida la expresión de lo queer en público, por lo que se puede considerar que la dinámica liberadora de las discotecas ha proporcionado un espacio para la autorrealización de las personas queer. La fiesta en el club/casa de David Mancuso, The Loft, fue descrita como una "actitud pansexual [que] era revolucionaria en un país donde hasta hace poco era ilegal que dos hombres bailaran juntos a menos que hubiera una mujer presente; donde las mujeres estaban legalmente obligadas a usar al menos una prenda reconocible de ropa femenina en público; y donde los hombres que visitaban los bares gay solían llevar consigo el dinero de la fianza."
Historia
Décadas de 1940 a 1960: primeras discotecas
La música disco se desarrolló principalmente a partir de la música que era popular en las pistas de baile de los clubes que comenzaron a tocar discos en lugar de tener una banda en vivo. Las primeras discotecas tocaban sobre todo música swing. Más tarde, el ritmo y el blues uptempo se hicieron populares en los clubes estadounidenses y en los discos de soul y glam rock del norte en el Reino Unido. A principios de la década de 1940, los clubes nocturnos de París recurrieron a reproducir discos de jazz durante la ocupación nazi.
Régine Zylberberg afirmó haber fundado la primera discoteca y haber sido la primera DJ de club en 1953 en el "Whisky à Go-Go" en París. Instaló una pista de baile con luces de colores y dos tocadiscos para poder reproducir discos sin tener un hueco en la música. En octubre de 1959, el propietario del Scotch Club en Aquisgrán, Alemania Occidental, optó por instalar un tocadiscos para la noche de apertura en lugar de contratar una banda en vivo. Los clientes no quedaron impresionados hasta que un joven reportero, que estaba cubriendo la inauguración del club, tomó impulsivamente el control del tocadiscos e introdujo los discos que eligió para reproducir. Klaus Quirini luego afirmó haber sido el primer DJ de club nocturno del mundo.
Década de 1960 a 1974: precursores y música disco temprana
Durante la década de 1960, el baile de discoteca se convirtió en una tendencia europea que fue recogida con entusiasmo por la prensa estadounidense. En este momento, cuando la cultura discotequera de Europa se hizo popular en los Estados Unidos, varios géneros musicales con ritmos bailables se popularizaron y evolucionaron en diferentes subgéneros: Rhythm and Blues (originado en la década de 1940), soul (fines de la década de 1950 y 1960).), funk (mediados de la década de 1960) y go-go (mediados de la década de 1960 y 1970; más que "disco", la palabra "go-go" originalmente indicaba un club de música). Los géneros musicales, que fueron interpretados principalmente por músicos afroamericanos, influirían en gran parte de la música disco temprana.
También durante la década de 1960, el sello discográfico Motown desarrolló su propio enfoque, descrito como "1) canciones de estructura simple con melodías sofisticadas y cambios de acordes, 2) un patrón de batería implacable de cuatro tiempos, 3) un evangelio uso de voces de fondo, vagamente derivadas del estilo de las Impressions, 4) un uso regular y sofisticado tanto de trompas como de cuerdas, 5) cantantes principales que estaban a medio camino entre la música pop y gospel, 6) un grupo de músicos acompañantes que estaban entre los más diestros, conocedores y brillantes de toda la música popular (los bajistas de Motown han sido durante mucho tiempo la envidia de los bajistas de rock blanco) y 7) un estilo triple de mezcla que dependía en gran medida de la limitación y ecualización electrónicas (aumentando las frecuencias de rango alto) para dar al producto en general un sonido distintivo, particularmente eficaz para la transmisión por radio AM." Motown tuvo muchos éxitos con los primeros elementos disco de bandas como Supremes (por ejemplo, 'You Keep Me Hangin' On' en 1966), Stevie Wonder (por ejemplo, 'Superstition' en 1972), The Jackson 5 y Eddie Kendricks ('Keep on Truckin' en 1973).
A fines de la década de 1960, los músicos y el público de las comunidades negra, italiana y latina adoptaron varios rasgos de las subculturas hippie y psicodélica. Incluyeron el uso de lugares de música con un sonido fuerte y abrumador, bailes de forma libre, iluminación alucinante, disfraces coloridos y el uso de drogas alucinógenas. Además, la positividad percibida, la falta de ironía y la seriedad de los hippies dieron forma a la música proto-disco como el álbum Love Is the Message de MFSB. En parte gracias al éxito de Jimi Hendrix, los elementos psicodélicos que eran populares en la música rock de finales de la década de 1960 se abrieron paso en el soul y la música funk temprana y formaron el subgénero soul psicodélico. Se pueden encontrar ejemplos en la música de los Chambers Brothers, George Clinton con su colectivo Parliament-Funkadelic, Sly and the Family Stone y las producciones de Norman Whitfield con The Temptations.
Las largas introducciones instrumentales y la orquestación detallada que se encuentran en las pistas de soul psicodélico de Temptations también se consideran soul cinematográfico. A principios de la década de 1970, Curtis Mayfield e Isaac Hayes lograron éxitos con canciones de soul cinematográficas que en realidad fueron compuestas para bandas sonoras de películas: 'Superfly'. (1972) y "Tema de Shaft" (1971). Esta última a veces se considera una de las primeras canciones disco. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, el soul de Filadelfia y el soul de Nueva York se desarrollaron como subgéneros que también tenían una percusión lujosa, arreglos de orquesta de cuerdas exuberantes y procesos de producción de discos costosos. A principios de la década de 1970, las producciones de Philly soul de Gamble y Huff evolucionaron de los arreglos más simples de finales de la década de 1960 a un estilo que presentaba cuerdas exuberantes, líneas de bajo contundentes y ritmos deslizantes de hi-hat. Estos elementos se volverían típicos de la música disco y se encuentran en varios de los éxitos que produjeron a principios de la década de 1970:
- "Love Train" del O'Jays (con M.F.S.B. como banda de copia de seguridad) fue lanzado en 1972 y superó el Billboard Hot 100 en marzo de 1973
- "El amor que perdí" por Harold Melvin & the Blue Notes (1973)
- "Ahora que encontramos amor" por el O'Jays (1973), más tarde un éxito para el Tercer Mundo en 1978.
- "TSOP (El sonido de Filadelfia)" de MFSB con voces de Los Tres Grados, una canción sin palabras escrita como el tema para Soul Train y un #1 golpe en el Billboard Caliente 100 en 1974.
Otras pistas disco tempranas que ayudaron a dar forma a la música disco y se hicieron populares en las pistas de baile de discotecas y fiestas (underground) incluyen:
- "Soul Makossa" de Manu Dibango fue liberado por primera vez en Francia en 1972. Fue recogido por la escena de la discoteca subterránea en Nueva York y posteriormente consiguió un lanzamiento adecuado en los EE.UU., alcanzando #35 en el Billboard Caliente 100 en 1973.
- "La noche" de las cuatro estaciones fue liberado en 1972, pero no fue inmediatamente popular. Apeló a la escena del alma del norte y se convirtió en un éxito en el Reino Unido en 1975.
- "Tema del amor" por la Orquesta ilimitada del amor conducida por Barry White, una canción instrumental originalmente aparecida en Bajo la influencia de... Amor ilimitado en julio de 1973, de la que se culpó como soltero en noviembre de ese año. Posteriormente, el director lo incluyó en su propio álbum debut Rhapsody en blanco (1974) donde la pista alcanzó el número uno en la Billboard Caliente 100 temprano ese año.
- "Jungle Fever" de The Chakachas fue liberado por primera vez en Bélgica en 1971, fue posteriormente liberado en los EE.UU. en 1972, donde alcanzó el #8 en el Billboard Caliente 100 ese mismo año.
- "Girl You Need a Change of Mind" de Eddie Kendricks fue lanzado en mayo de 1972, en el álbum People... Espera.
La música disco estuvo dominada por productores discográficos y sellos discográficos como Salsoul Records (Ken, Stanley y Joseph Cayre), West End Records (Mel Cheren), Casablanca (Neil Bogart) y Prelude (Marvin Schlachter), por nombrar algunos. pocos. El género también fue moldeado por Tom Moulton, quien quería extender el disfrute de las canciones de baile, creando así la mezcla extendida o 'remix', pasando de un sencillo de tres minutos a 45 rpm a uno mucho más largo de 12'.; registro. Otros DJs y remezcladores influyentes que ayudaron a establecer lo que se conoció como el "sonido disco" incluyó a David Mancuso, Nicky Siano, Shep Pettibone, Larry Levan, Walter Gibbons y Frankie Knuckles, con sede en Chicago. Frankie Knuckles no solo fue un importante DJ disco; también ayudó a desarrollar la música house en la década de 1980.
Disco llegó a las ondas de televisión como parte del programa de variedades de música/baile Soul Train en 1971 presentado por Don Cornelius, entonces Disco Step-by-Step Television de Marty Angelo. Espectáculo en 1975, Steve Marcus' Disco Magic/Disco 77, Soap Factory de Eddie Rivera y Dance Fever de Merv Griffin, presentados por Deney Terrio, a quien se le atribuye haber enseñado a bailar al actor John Travolta para su papel en la película Fiebre del sábado por la noche, así como DANCE, con sede en Columbia, Carolina del Sur.
En 1974, WPIX-FM de la ciudad de Nueva York estrenó el primer programa de radio disco.
Primera cultura disco en Estados Unidos
En la década de 1970, la contracultura clave de la década de 1960, el movimiento hippie, se estaba desvaneciendo. La prosperidad económica de la década anterior había disminuido y las tasas de desempleo, inflación y delincuencia se habían disparado. Temas políticos como la reacción violenta del Movimiento por los Derechos Civiles que culminó en forma de disturbios raciales, la Guerra de Vietnam, los asesinatos del Dr. Martin Luther King Jr. y John F. Kennedy, y el escándalo de Watergate, dejaron a muchos sintiéndose desilusionados y sin esperanza. El comienzo de la década de los 70 estuvo marcado por un cambio en la conciencia del pueblo estadounidense: el surgimiento del movimiento feminista, la política de identidad, las pandillas, etc. moldearon en gran medida esta era. La música disco y el baile disco proporcionaron un escape de los problemas sociales y económicos negativos. El estilo de baile sin pareja de la música disco permitió que personas de todas las razas y orientaciones sexuales disfrutaran del ambiente de la pista de baile.
En Cosas bellas en la cultura popular, Simon Frith destaca la sociabilidad de la música disco y sus raíces en la contracultura de la década de 1960. "La fuerza impulsora de la escena dance underground de Nueva York en la que se forjó la música disco no fue simplemente la compleja cultura étnica y sexual de esa ciudad, sino también una noción de comunidad, placer y generosidad de la década de 1960 que solo puede describirse como hippie", dice. "La mejor música disco contenía dentro de sí un sentido notablemente poderoso de euforia colectiva."
A menudo se afirma que el nacimiento de la música disco se encuentra en las fiestas de baile privadas organizadas por la casa del DJ David Mancuso de la ciudad de Nueva York que se conoció como The Loft, un club clandestino no comercial al que solo se puede acceder con invitación que inspiró a muchos otros. Organizó la primera gran fiesta en su casa de Manhattan el día de San Valentín de 1970 con el nombre "Love Saves The Day". Después de algunos meses, las fiestas se convirtieron en eventos semanales y Mancuso continuó dando fiestas regulares hasta la década de 1990. Mancuso requería que la música tocada tuviera que ser conmovedora, rítmica e impartir palabras de esperanza, redención u orgullo.
Cuando Mancuso organizaba sus primeras fiestas caseras informales, la comunidad gay (que constituía gran parte de la lista de asistentes de The Loft) a menudo era acosada en los bares y discotecas gay, y muchos hombres gay llevaban consigo el dinero de la fianza. a los bares gay. Pero en The Loft y muchas otras discotecas privadas tempranas, podían bailar juntos sin temor a la acción policial gracias a las políticas clandestinas pero legales de Mancuso. Vince Aletti lo describió "como ir a una fiesta, completamente mezclada, racial y sexualmente, donde no había ninguna sensación de que alguien fuera más importante que los demás". y Alex Rosner reiteró este dicho: "Probablemente era un sesenta por ciento negro y un setenta por ciento gay... Había una mezcla de orientación sexual, había una mezcla de razas, una mezcla de grupos económicos". Una auténtica mezcla, donde el denominador común era la música."
El crítico de cine Roger Ebert calificó el abrazo popular de los exuberantes movimientos de baile disco como un escape de "la depresión general y la monotonía de la atmósfera política y musical de finales de los setenta". Pauline Kael, al escribir sobre la película de temática disco Fiebre del sábado por la noche, dijo que la película y la música disco tocaban "algo profundamente romántico, la necesidad de moverse, bailar y la necesidad de ser quién te gustaría ser. Nirvana es la danza; cuando la música se detiene, vuelves a ser normal."
Primera cultura disco en el Reino Unido
A fines de la década de 1960, el soul uptempo con ritmos pesados y algunos estilos de baile y moda asociados se recogieron en la escena mod británica y formaron el movimiento soul del norte. Con su origen en lugares como Twisted Wheel en Manchester, se extendió rápidamente a otros dancehalls y clubes nocturnos del Reino Unido como Chateau Impney (Droitwich), Catacombs (Wolverhampton), Highland Rooms en Blackpool Mecca, Golden Torch (Stoke-on-Trent) y Casino Wigan. A medida que el ritmo favorito se volvió más acelerado y frenético a principios de la década de 1970, el baile soul del norte se volvió más atlético, pareciéndose un poco a los estilos de baile posteriores de disco y break dance. Con giros, volteretas, patadas de karate y fondos, los estilos de baile de club a menudo se inspiraron en las representaciones teatrales de actos de soul estadounidenses en gira como Little Anthony & los imperiales y Jackie Wilson.
En 1974, había aproximadamente 25 000 discotecas móviles y 40 000 disc jockeys profesionales en el Reino Unido. Las discotecas móviles eran disc jockeys contratados que traían su propio equipo para brindar música para eventos especiales. Las pistas de glam rock fueron populares, con, por ejemplo, el sencillo de 1972 de Gary Glitter 'Rock and Roll Part 2'. se hizo popular en las pistas de baile del Reino Unido aunque no tuvo mucha difusión en la radio.
1974–1977: ascenso a la corriente principal
De 1974 a 1977, la música disco aumentó en popularidad a medida que muchas canciones disco encabezaban las listas de éxitos. 'Rock the Boat' de The Hues Corporation (1974), un sencillo número uno en EE. UU. y un millón de ventas, fue una de las primeras canciones disco en alcanzar el número uno. El mismo año vio el lanzamiento de "Kung Fu Fighting", interpretada por Carl Douglas y producida por Biddu, que alcanzó el número uno tanto en el Reino Unido como en EE. UU., y se convirtió en el sencillo más vendido del año y uno de los singles más vendidos de todos los tiempos con 11 millones de discos vendidos en todo el mundo, ayudando a popularizar en gran medida la música disco. Otro éxito disco notable ese año fue 'Rock Your Baby' de George McCrae: se convirtió en el primer sencillo disco número uno en las listas de éxitos del Reino Unido.
En las secciones del noroeste del Reino Unido, la explosión del soul del norte, que comenzó a fines de la década de 1960 y alcanzó su punto máximo en 1974, hizo que la región fuera receptiva a la música disco, que los disc jockeys de la región traían de Nueva York. Ciudad. El cambio de algunos DJ a los sonidos más nuevos provenientes de los EE. UU. resultó en una división en la escena, por lo que algunos abandonaron el soul de la década de 1960 e impulsaron un sonido soul moderno que tendía a estar más alineado con la música disco que con el soul.
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En 1975, Gloria Gaynor lanzó su primer álbum de vinilo de lado largo, que incluía una nueva versión de "Never Can Say Goodbye" de los Jackson 5. (que, de hecho, es también el título del álbum) y otras dos canciones, "Honey Bee" y su versión disco de "Reach Out (I'll Be There)", encabezó por primera vez las listas de música disco/dance de Billboard en noviembre de 1974. Más tarde, en 1978, la música disco número uno de Gaynor la canción fue "I Will Survive", que fue vista como un símbolo de la fuerza femenina y un himno gay, como su nuevo éxito disco, una nueva versión de 1983 de "I Am What I Am"; en 1979 lanzó 'Let Me Know (I Have a Right)', un sencillo que ganó popularidad en los movimientos de derechos civiles. También en 1975, la Salsoul Orchestra de Vincent Montana Jr. contribuyó con su canción de baile orquestal con sabor latino "Salsoul Hustle", alcanzando el número cuatro en el Billboard Dance Chart y sus éxitos de 1976 " Mandarina" y "Agradable 'n' Naasty", siendo la primera una versión de una canción de 1941.
Canciones como "The Hustle" de 1975 de Van McCoy. y el humorístico Joe Tex 1977 'Ain't Gonna Bump No More (With No Big Fat Woman)' dio nombre a los populares bailes disco "the Bump" y "el ajetreo". Otras canciones disco exitosas tempranas notables incluyen 'You're the First, the Last, My Everything' de Barry White. (1974), 'Lady Marmalade' de Labelle (1974), Disco-Tex y Sex-O-Lettes' "Ponte a bailar'" (1974), Silver Convention's 'Fly, Robin, Fly' (1975) y "Get Up and Boogie" (1976), 'Disco Lady' de Johnnie Taylor (1976), y el exitoso sencillo de Vicki Sue Robinson, 'Turn the Beat Around'. (1976).
Formada por Harry Wayne Casey (también conocido como "KC") y Richard Finch, la banda de Miami KC and the Sunshine Band tuvo una serie de sencillos que llegaron al top 5 entre 1975 y 1977, entre ellos 'Get Down Tonight', 'Así es (me gusta)', '(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty', 'Soy tu Boogie Man' y "Keep It Comin' Amor". En este período, bandas de rock como la English Electric Light Orchestra presentaban en sus canciones un sonido de violín que se convirtió en un elemento básico de la música disco, como en el éxito de 1975 'Evil Woman', aunque el género se describió correctamente como orquestal. roca.
Otros productores disco, como Tom Moulton, tomaron ideas y técnicas de la música dub (que llegó con el aumento de la migración jamaicana a la ciudad de Nueva York en la década de 1970) para ofrecer alternativas a los "four on the floor" estilo que dominaba. DJ Larry Levan utilizó estilos de dub y jazz y técnicas de remezcla para crear versiones tempranas de música house que despertaron el género.
Motown volviéndose disco
Norman Whitfield fue un influyente productor y compositor de Motown Records, conocido por crear innovadores "soul psicodélico" canciones con muchos éxitos de Marvin Gaye, las Velvelettes, las Temptations y Gladys Knight & Los Pips. De alrededor de la producción de Temptations' álbum Cloud Nine en 1968, incorporó algunas influencias psicodélicas y comenzó a producir pistas más largas y fáciles de bailar, con más espacio para partes instrumentales rítmicas elaboradas. Un ejemplo de una pista de soul psicodélico tan larga es "Papa Was a Rollin' Stone", que apareció como una sola edición de casi siete minutos y un disco de 12" de aproximadamente 12 minutos de duración. versión en 1972. A principios de los años 70, muchas de las producciones de Whitfield evolucionaron cada vez más hacia el funk y el disco, como se escucha en los álbumes de Undisputed Truth y el álbum de 1973 G.I.T.: Get It Together. por The Jackson 5. The Undisputed Truth, un acto de grabación de Motown reunido por Whitfield para experimentar con sus técnicas de producción de soul psicodélico, tuvo éxito con su canción de 1971 'Smiling Faces times'. Su sencillo disco "You + Me = Love" (número 43) fue producido por Whitfield y llegó al número 2 en las listas de baile de EE. UU. en 1976.
En 1975, Whitfield dejó Motown y fundó su propio sello discográfico Whitfield Records, en el que también "You + Me = Love" fue lanzado. Whitfield produjo más éxitos disco, como 'Car Wash'. (1976) de Rose Royce de la banda sonora del álbum de la película Car Wash de 1976. En 1977, el cantante, compositor y productor Willie Hutch, que había firmado con Motown desde 1970, ahora firmó con el nuevo sello de Whitfield y marcó un exitoso sencillo disco con su canción "In and Out" en 1982.
Otros artistas de Motown también recurrieron a la música disco. Diana Ross abrazó el sonido disco con su exitosa salida de 1976 "Love Hangover" de su álbum homónimo. Sus clásicos de baile de 1980 "Upside Down" y "estoy saliendo" fueron escritas y producidas por Nile Rodgers y Bernard Edwards del grupo Chic. The Supremes, el grupo que hizo famosa a Ross, consiguió un puñado de éxitos en las discotecas sin ella, entre los que destaca 'I'm Gonna Let My Heart Do the Walking' de 1976. y, su último sencillo en las listas antes de disolverse, 'You're My Driving Wheel' de 1977.
A pedido de Motown de que produjera canciones en el género disco, Marvin Gaye lanzó "Got to Give It Up" en 1978, a pesar de su disgusto por la música disco. Prometió no grabar ninguna canción del género y, de hecho, escribió la canción como una parodia. Sin embargo, varias de las canciones de Gaye tienen elementos disco, como "I Want You" (1975). Stevie Wonder lanzó el sencillo disco "Sir Duke" en 1977 como tributo a Duke Ellington, la influyente leyenda del jazz que había muerto en 1974. Smokey Robinson dejó el grupo de Motown The Miracles para emprender una carrera en solitario en 1972 y lanzó su tercer álbum en solitario A Quiet Storm en 1975, que generó y prestó su nombre a la "Quiet Storm" formato de programación musical y subgénero del R&B. Contenía el sencillo disco 'Baby That's Backatcha'. Otros artistas de Motown que lograron éxitos disco incluyen: el antiguo grupo de Robinson, The Miracles, con "Love Machine" (1975), Eddie Kendricks con 'Keep On Truckin' (1973), los originales con "Down to Love Town" (1976) y Thelma Houston con su versión de la canción de Harold Melvin and the Blue Notes "Don't Leave Me This Way" (1976). El sello continuó lanzando canciones exitosas en la década de 1980 con Rick James' "Súper Freak" (1981) y Commodores' "Lady (Tú me traes arriba)" (1981).
Varios de los artistas solistas de Motown que dejaron el sello tuvieron canciones disco exitosas. Mary Wells, la primera superestrella femenina de Motown con su tema característico 'My Guy' (escrita por Smokey Robinson), abandonó abruptamente el sello en 1964. Reapareció brevemente en las listas de éxitos con la canción disco "Gigolo" en 1980. Jimmy Ruffin, el hermano mayor del cantante principal de Temptations, David Ruffin, también firmó con Motown y lanzó su canción más exitosa y conocida "What Becomes of the Brokenhearted" como sencillo en 1966. Ruffin finalmente dejó el sello discográfico a mediados de la década de 1970, pero tuvo éxito con la canción disco de 1980 "Hold On (To My Love)", que fue escrita y producida por Robin Gibb. de los Bee Gees, por su disco Sunrise. Edwin Starr, conocido por su canción de protesta de Motown "War" (1970), volvió a entrar en las listas de éxitos en 1979 con un par de canciones disco, "Contact" y "H.A.P.P.Y. Radio". Kiki Dee se convirtió en la primera cantante británica blanca en firmar con Motown en los EE. UU. y lanzó un álbum, Great Expectations (1970), y dos sencillos "The Day Will Come Between Sunday and Monday" 34; (1970) y "El amor hace que el mundo gire" (1971), este último dando su primera entrada en la lista (número 87 en la lista de EE. UU.). Pronto dejó la compañía y firmó con The Rocket Record Company de Elton John, y en 1976 lanzó su sencillo más grande y conocido, 'Don't Go Breaking My Heart', una disco dueto con Juan. La canción fue concebida como un afectuoso pastiche de estilo disco del sonido Motown, en particular los varios dúos grabados por Marvin Gaye con Tammi Terrell y Kim Weston.
Muchos grupos de Motown que habían dejado el sello discográfico llegaron a las listas de éxitos con canciones disco. Los Jackson 5, uno de los actos principales de Motown a principios de la década de 1970, dejó la compañía discográfica en 1975 (Jermaine Jackson, sin embargo, permaneció en el sello) después de exitosas canciones como "I Want You Back" (1969) y "ABC" (1970), e incluso la canción disco "Dancing Machine" (1974). Renombrado como 'los Jacksons' (ya que Motown poseía el nombre 'the Jackson 5'), lograron el éxito con canciones disco como "Blame It on the Boogie" (1978), "Sacude tu cuerpo (hasta el suelo)" (1979) y "¿Puedes sentirlo?" (1981) en el sello Epic.
The Isley Brothers, cuya breve permanencia en la compañía produjo la canción "This Old Heart of Mine (Is Weak for You)" en 1966, lanzó exitosas canciones disco como "That Lady" (1973) y "It's a Disco Night (Rock Don't Stop)" (1979). Gladys Knight and the Pips, quienes grabaron la versión más exitosa de "I Heard It Through the Grapevine" (1967) antes de Marvin Gaye, compuso sencillos comercialmente exitosos como 'Baby, Don't Change Your Mind'. (1977) y "Bourgie, Bourgie" (1980) en la era disco. Los Detroit Spinners también firmaron con el sello Motown y tuvieron éxito con la canción producida por Stevie Wonder 'It's a Shame'. en 1970. Se fueron poco después, siguiendo el consejo de su compatriota Aretha Franklin, nativa de Detroit, a Atlantic Records, y tenían canciones disco como "The Rubberband Man" (1976). En 1979, lanzaron una exitosa versión de 'Are You Ready for Love' de Elton John, así como un popurrí de la canción Four Seasons. canción "Working My Way Back to You" y 'Forgive Me, Girl' de Michael Zager. Los propios Four Seasons firmaron brevemente con el sello MoWest de Motown, una subsidiaria de corta duración para artistas de R&B y soul con sede en la costa oeste, y allí el grupo produjo un álbum, Chameleon. (1972) - con poco éxito comercial en los EE. UU. Sin embargo, un sencillo, 'The Night', se lanzó en Gran Bretaña en 1975 y, gracias a la popularidad del circuito Northern Soul, alcanzó el número siete en la lista de sencillos del Reino Unido. Los Four Seasons dejaron Motown en 1974 y tuvieron un éxito disco con su canción 'December, 1963 (Oh, What a Night)'. (1975) para Warner Curb Records.
Eurodisco
Con mucho, el grupo disco europeo más exitoso fue ABBA (1972–1982). Este cuarteto sueco, que cantaba principalmente en inglés, encontró el éxito con sencillos como "Waterloo" (1974), 'Fernando' (1976), 'Arriésgate conmigo' (1978), '¡Dame! ¡Dame! ¡Dame! (Un hombre después de la medianoche)" (1979) y su gran éxito "Dancing Queen" (1976), se ubica como el cuarto acto más vendido de todos los tiempos.
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En la década de 1970 en Múnich, Alemania Occidental, los productores musicales Giorgio Moroder y Pete Bellotte hicieron una contribución decisiva a la música disco con una serie de éxitos para Donna Summer, que se conoció como el "Munich Sound". En 1975, Summer sugirió la letra "Love to Love You Baby" a Moroder y Bellotte, quienes convirtieron la letra en una canción disco completa. El producto final, que contenía las vocalizaciones de una serie de orgasmos simulados, inicialmente no estaba destinado a ser lanzado, pero cuando Moroder lo tocó en los clubes causó sensación y lo lanzó. La canción se convirtió en un éxito internacional, alcanzando las listas de éxitos en muchos países europeos y los EE. UU. (No. 2). Se ha descrito como la llegada de la expresión del crudo deseo sexual femenino a la música pop. Se lanzó un sencillo de casi 17 minutos y 12 pulgadas. El 12" single se convirtió y sigue siendo un estándar en las discotecas de hoy. En 1976, la versión de Donna Summer de 'Could It Be Magic' trajo la música disco aún más a la corriente principal. En 1977 Summer, Moroder y Bellotte lanzaron además 'I Feel Love', como cara B de 'Can't We Just Sit Down (And Talk It Over)', que revolucionó la música dance con su producción principalmente electrónica y fue un gran éxito mundial, generando el subgénero Hi-NRG. Giorgio Moroder fue descrito por AllMusic como "uno de los principales arquitectos del sonido disco". Otro proyecto exitoso de música disco de Moroder en ese momento fue Munich Machine (1976-1980).
Boney M. (1974–1986) fue un grupo disco euro de Alemania Occidental formado por cuatro cantantes y bailarines de las Indias Occidentales ideados por el productor de discos Frank Farian. Boney M. llegó a las listas de éxitos de todo el mundo con canciones como "Daddy Cool" (1976) 'Ma Baker' (1977) y "Ríos de Babilonia" (1978). Otro acto exitoso de grabación de disco euro de Alemania Occidental fue Silver Convention (1974-1979). El grupo alemán Kraftwerk también influyó en Euro disco.
En Francia, Dalida lanzó "J'atendrai" ("I Will Wait") en 1975, que también tuvo éxito en Canadá, Europa y Japón. Dalida se adaptó con éxito a la era disco y lanzó al menos una docena de canciones que se ubicaron entre las 10 mejores en toda Europa y más allá. Claude François, quien se reinventó a sí mismo como el "rey de la música disco francesa", lanzó "La plus belle eligió du monde", una versión francesa de la canción de Bee Gees "Massachusetts& #34;, que tuvo éxito en Canadá y Europa y "Alexandrie Alexandra" fue lanzado póstumamente el día de su entierro y se convirtió en un éxito mundial. Las primeras canciones de Cerrone, "Love in C Minor" (1976), 'Supernaturaleza' (1977) y "Dame amor" (1978) tuvieron éxito en Estados Unidos y Europa. Otro acto euro disco fue el de la diva francesa Amanda Lear, donde el sonido euro disco se escucha más en "Enigma (Give a Bit of Mmh to Me)" (1978). El productor francés Alec Costandinos formó el grupo Euro disco Love and Kisses (1977-1982).
En Italia, Raffaella Carrà fue el grupo disco europeo más exitoso, junto con La Bionda, Hermanas Goggi y Oliver Onions. Su mejor sencillo internacional fue "Tanti Auguri" ("Best Wishes"), que se ha convertido en una canción popular entre el público gay. La canción también se conoce por su título en español "Para hacer bien el amor hay que venir al sur" (que se refiere al Sur de Europa, ya que la canción fue grabada y grabada en España). La versión estonia de la canción "Jätke võtmed väljapoole" fue interpretada por Anne Veski. "A far l'amore comincia tu" ("To make love, your move first") fue otro éxito para ella a nivel internacional, conocido en español como "En el amor todo es empezar", en alemán como "Liebelei" 34;, en francés como "Puisque tu l'aimes dis le lui", y en inglés como "Do It, Do It Again". Fue su única entrada en la lista de singles del Reino Unido, alcanzando el número 9, donde sigue siendo una maravilla de un solo éxito. En 1977, grabó otro exitoso sencillo, "Fiesta" ("The Party" en inglés) originalmente en español, pero luego la grabó en francés e italiano después de que la canción llegara a las listas de éxitos. "A far l'amore comincia tu" también ha sido versionada en turco por la estrella pop turca Ajda Pekkan como "Sakın Ha" en 1977.
Recientemente, Carrà ha ganado nueva atención por su aparición como la solista de baile femenina en una presentación televisiva de 1974 de la canción experimental incomprensible "Prisencolinensinainciusol" (1973) de Adriano Celentano. Un video remezclado con su baile se hizo viral en Internet en 2008. En 2008, un video de una presentación de su único sencillo exitoso en el Reino Unido, "Do It, Do It Again", apareció en el Doctor Quién episodio "Midnight". Rafaella Carrà trabajó con Bob Sinclar en el nuevo single "Far l'Amore" que se lanzó en YouTube el 17 de marzo de 2011. La canción se ubicó en diferentes países europeos. Otro destacado grupo disco europeo fue el grupo de pop Luv' de Holanda.
Euro disco siguió evolucionando dentro de la amplia escena de la música pop, incluso cuando la popularidad de la música disco disminuyó drásticamente en los Estados Unidos, abandonada por los principales sellos discográficos y productores estadounidenses. A través de la influencia de Italo disco, también desempeñó un papel en la evolución de la música house temprana a principios de la década de 1980 y formas posteriores de música electrónica de baile, incluida la música de principios de la década de 1990 & # 39; Eurodanza.
1977–1979: preeminencia del pop
En diciembre de 1977 se estrenó la película Fiebre del sábado por la noche. Fue un gran éxito y su banda sonora se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. La idea de la película surgió de un artículo de la revista Nueva York de 1976 titulado "Ritos tribales del nuevo sábado por la noche" que supuestamente narraba la cultura disco a mediados de la década de 1970 en la ciudad de Nueva York, pero luego se reveló que había sido fabricado. Algunos críticos dijeron que la película "generalizó" disco, haciéndolo más aceptable para los hombres blancos heterosexuales.
Los Bee Gees utilizaron el falsete de Barry Gibb para obtener éxitos como 'You Should Be Dancing', 'Stayin'. Viva, 'Fiebre nocturna', 'Más que una mujer' y 'Te amo de adentro hacia afuera'. Andy Gibb, un hermano menor de los Bee Gees, siguió con sencillos en solitario de estilo similar como 'I Just Want to Be Your Everything', '(Love Is) Thicker Than Water'. y 'Baile de sombras'.
En 1978, la multimillonaria versión disco en vinilo de Donna Summer de "MacArthur Park" fue número uno en la lista Billboard Hot 100 durante tres semanas y fue nominada al premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina. La grabación, que se incluyó como parte de la "MacArthur Park Suite" en su álbum doble en vivo Live and More, tenía ocho minutos y 40 segundos de duración en el álbum. La versión más corta de vinilo de siete pulgadas de MacArthur Park fue el primer sencillo de Summer en alcanzar el número uno en el Hot 100; sin embargo, no incluye el segundo movimiento baladico de la canción. Un remix de 2013 de "MacArthur Park" by Summer encabezó las listas de baile de Billboard marcando cinco décadas consecutivas con una canción número uno en las listas. Desde mediados de 1978 hasta finales de 1979, Summer continuó lanzando sencillos como "Last Dance", "Heaven Knows" (con Brooklyn Dreams), 'Hot Stuff', 'Bad Girls', 'Dim All the Lights' y "On the Radio", todas canciones muy exitosas, que aterrizaron entre las cinco primeras o mejor, en las listas pop de Billboard.
La banda Chic fue formada principalmente por el guitarrista Nile Rodgers, un autodenominado "hippie callejero" de finales de la década de 1960 en Nueva York y el bajista Bernard Edwards. Su popular sencillo de 1978, 'Le Freak', se considera una canción icónica del género. Otras canciones exitosas de Chic incluyen "Good Times" (1979), 'Quiero tu amor' (1979) y "Todos bailan" (1979). El grupo se consideraba a sí mismo como la banda de rock del movimiento disco que cumplió con los ideales de paz, amor y libertad del movimiento hippie. Cada canción que escribieron fue escrita pensando en darle un "significado oculto profundo" o D.H.M.
Sylvester, un cantante extravagante y abiertamente gay famoso por su altísima voz de falsete, obtuvo su mayor éxito disco a finales de 1978 con 'You Make Me Feel (Mighty Real)'. Se dice que su estilo de canto influyó en el cantante Prince. En ese momento, la música disco era una de las formas de música más abiertas a los artistas homosexuales.
The Village People era un grupo de canto y baile creado por Jacques Morali y Henri Belolo para dirigirse al público gay de la música disco. Eran conocidos por sus disfraces en el escenario de trabajos típicamente asociados con hombres y minorías étnicas y lograron un gran éxito con su exitosa canción de 1978 'Macho Man'. Otras canciones incluyen "Y.M.C.A." (1979) y "En la Marina" (1979).
También cabe destacar The Trammps' "Disco Infierno" (1976), (1978, reedición debido a la popularidad ganada por la banda sonora de Saturday Night Fever), Evelyn "Champagne" La 'vergüenza' del rey (1977), 'Boogie Oogie Oogie' de A Taste of Honey (1978), 'Got to Be Real' de Cheryl Lynn (1978), Alicia Bridges' "Me encanta la vida nocturna" (1978), "Born to Be Alive" de Patrick Hernández (1978), Tierra, viento & Fuego's "septiembre" (1978), Melocotones & Herb's 'Shake Your Groove Thing' (1978), 'We Are Family' de Sister Sledge (1979), 'Ring My Bell' de Anita Ward (1979), Kool & las 'Damas' de la Pandilla Noche" (1979), 'What Cha Gonna Do with My Lovin' de Stephanie Mills' (1979), 'Funkytown' de Lipps Inc. (1980), 'Stomp!' de los hermanos Johnson (1980), 'Give Me the Night' de George Benson (1980), 'Sunset People' de Donna Summer (1980), y los diversos intentos de Walter Murphy de llevar la música clásica a la corriente principal, sobre todo su canción disco "A Fifth of Beethoven" (1976), que se inspiró en la quinta sinfonía de Beethoven.
En el apogeo de su popularidad, muchos artistas no disco grabaron canciones con elementos disco, como Rod Stewart con su "Da Ya Think I'm Sexy?" en 1979. Incluso los principales artistas de rock adoptaron elementos de la música disco. El grupo de rock progresivo Pink Floyd usó batería y guitarra estilo disco en su canción "Another Brick in the Wall, Part 2" (1979), que se convirtió en su único sencillo número uno tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. The Eagles hizo referencia a la música disco con "One of These Nights" (1975) y "Disco Strangler" (1979), Paul McCartney &erio; Alas con "Silly Love Songs" (1976) y "Buenas noches esta noche" (1979), Queen con "Another One Bites the Dust" (1980), los Rolling Stones con "Miss You" (1978) y "Rescate emocional" (1980), Stephen Stills con su álbum Thoroughfare Gap (1978), Electric Light Orchestra con "Shine a Little Love" y "Último tren a Londres" (ambos de 1979), Chicago con "Street Player" (1979), The Kinks con "(Wish I Could Fly Like) Superman" (1979), Grateful Dead con "Shakedown Street", The Who con "Eminence Front" (1982) y la J. Geils Band con "Come Back" (1980). Incluso el grupo de hard rock KISS intervino con "I Was Made for Lovin' usted & # 34; (1979), y el álbum de Ringo Starr Ringo the 4th (1978) presenta una fuerte influencia disco.
El sonido disco también fue adoptado por artistas de otros géneros, incluido el éxito número uno de EE. UU. de 1979 "No More Tears (Enough Is Enough)" por la cantante fácil de escuchar Barbra Streisand a dúo con Donna Summer. En la música country, en un intento por atraer al mercado más convencional, los artistas comenzaron a agregar influencias pop/disco a su música. Dolly Parton lanzó un cruce exitoso en las listas de música pop/dance, con sus álbumes Heartbreaker y Great Balls of Fire que contienen canciones con un toque disco. En particular, un remix disco de la canción "Baby I'm Burnin'" alcanzó el puesto 15 en la lista Billboard Dance Club Songs; convirtiéndose finalmente en uno de los mayores éxitos de club del año. Además, Connie Smith hizo una versión de 'I Just Want to Be Your Everything' de Andy Gibb. en 1977, Bill Anderson grabó 'Double S' en 1978, y Ronnie Milsap lanzó 'Get It Up'. y realizó una versión de la canción del cantante de blues Tommy Tucker "Hi-Heel Sneakers" en 1979.
Las canciones, los estándares y los temas televisivos preexistentes que no eran disco se "discoizaban" en la década de 1970, como el tema I Love Lucy (grabado como "Disco Lucy" por Wilton Place Street Band), "Aquarela do Brasil" (grabado como "Brazil" por The Ritchie Family), y "Baby Face" (grabado por Wing and a Prayer Fife and Drum Corps). El rico acompañamiento orquestal que se identificó con la era disco evocó los recuerdos de la era de las big bands, que trajo a varios artistas que grabaron y discoizaron algunos arreglos de big band, incluido Perry Como, quien volvió a grabar su canción de 1945 &# 34;Temptation", en 1975, así como Ethel Merman, quien lanzó un álbum de canciones disco titulado The Ethel Merman Disco Album en 1979.
Myron Floren, segundo al mando en The Lawrence Welk Show, lanzó una grabación de "Clarinet Polka" titulado "Disco Accordion." Del mismo modo, Bobby Vinton adaptó 'The Pennsylvania Polka'. en una canción llamada "Disco Polka". El icono del easy listening Percy Faith, en una de sus últimas grabaciones, lanzó un álbum titulado Disco Party (1975) y grabó una versión disco de su "Theme from A Summer Place" en 1976. Incluso la música clásica se adaptó a la música disco, en particular 'A Fifth of Beethoven' de Walter Murphy. (1976, basada en el primer movimiento de la 5.ª sinfonía de Beethoven) y "Flight 76" (1976, basada en 'Flight of the Bumblebee' de Rimsky-Korsakov), y la serie de álbumes y sencillos Hooked On Classics de Louis Clark.
Muchos temas originales de televisión de la época también mostraron una fuerte influencia disco, como S.W.A.T. (1975), Wonder Woman (1975), Charlie&# 39;s Angels (1976), NBC Saturday Night At The Movies (1976), The Love Boat (1977), The Donahue Show< /i> (1977), CHiPs (1977), The Professionals (1977), Dallas (1978), NBC Sports broadcasts (1978), Kojak (1977) y Los cuadrados de Hollywood (1979).
Los jingles disco también se abrieron camino en muchos comerciales de televisión, incluido el 'Good Mews' de Purina de 1979; comercial de comida para gatos y un "IC Light" comercial de Iron City Brewing Company de Pittsburgh.
Parodias
Se crearon varias parodias del estilo disco. Rick Dees, en ese momento DJ de radio en Memphis, Tennessee, grabó 'Disco Duck'. (1976) y "Dis-Gorilla" (1977); Frank Zappa parodiaba el estilo de vida de los bailarines disco en "Disco Boy" en su álbum Zoot Allures de 1976 y en "Dancin' Tonto" en su álbum Sheik Yerbouti de 1979; "Extraño Al" El álbum debut homónimo de Yankovic de 1983 incluye una canción disco llamada 'Gotta Boogie', un juego de palabras extendido sobre la similitud del movimiento disco con la palabra del argot estadounidense 'moco'. El comediante Bill Cosby dedicó todo su álbum Disco Bill de 1977 a parodias disco. En 1980, Mad Magazine lanzó un disco flexible titulado Mad Disco con seis parodias completas del género. Las canciones de rock and roll que critican la música disco incluyeron 'Old Time Rock and Roll' de Bob Seger; y, en especial, 'Sister Disco' de The Who. (ambos de 1978), aunque The Who's 'Eminence Front' (cuatro años después) tenía un aire disco.
1979–1981: Controversia y disminución de la popularidad
A fines de la década de 1970, se desarrolló un sentimiento anti-disco entre los fanáticos y músicos de la música rock, particularmente en los Estados Unidos. Disco fue criticado como descerebrado, consumista, sobreproducido y escapista. Los lemas "Disco apesta" y "Muerte a la discoteca" se hizo común. Artistas de rock como Rod Stewart y David Bowie, que agregaron elementos disco a su música, fueron acusados de venderse.
La subcultura punk en los Estados Unidos y el Reino Unido a menudo era hostil a la música disco, aunque en el Reino Unido, a muchos de los primeros fanáticos de Sex Pistols, como Bromley Contingent y Jordan, les gustaba la música disco, y a menudo se congregaban en clubes nocturnos como Louise's. en Soho y el Sombrero en Kensington. La canción "Love Hangover" de Diana Ross, el himno de la casa en el primero, fue citado como un favorito particular por muchos de los primeros punks del Reino Unido. La película La gran roca 'n' Roll Swindle y su álbum de banda sonora contenían un popurrí disco de canciones de Sex Pistols, titulado Black Arabs y acreditado a un grupo del mismo nombre.
Sin embargo, Jello Biafra de los Dead Kennedys, en la canción "Saturday Night Holocaust", comparó la música disco con la cultura de cabaret de la era de Weimar en Alemania por su apatía hacia las políticas gubernamentales y su escapismo. Mark Mothersbaugh de Devo dijo que la discoteca era "como una mujer hermosa con un gran cuerpo y sin cerebro", y un producto de la apatía política de esa época. El crítico de rock de Nueva Jersey, Jim Testa, escribió 'Put a Bullet Through the Jukebox', una diatriba mordaz que atacaba la música disco y que se consideraba un llamado a las armas punk. Steve Hillage, poco antes de su transformación de un músico de rock progresivo a un artista electrónico a finales de la década de 1970 con la inspiración de la música disco, decepcionó a sus fanáticos roqueros al admitir su amor por la música disco, y Hillage recordó 'eso'.;es como si hubiera matado a su gato mascota."
El sentimiento anti-disco se expresó en algunos programas de televisión y películas. Un tema recurrente en el programa WKRP en Cincinnati fue una actitud hostil hacia la música disco. En una escena de la película de comedia de 1980 ¡Avión!, un avión descarriado corta una torre de radio con su ala, dejando fuera de combate una estación de radio de discoteca. El 12 de julio de 1979 se conoció como "el día que murió la música disco" debido a Disco Demolition Night, una manifestación anti-disco en un doble título de béisbol en Comiskey Park en Chicago. Los DJs de la estación de rock Steve Dahl y Garry Meier, junto con Michael Veeck, hijo del propietario de los Medias Blancas de Chicago, Bill Veeck, organizaron el evento promocional para los fanáticos del rock descontentos entre los juegos de una doble cartelera de los Medias Blancas que involucró la explosión de discos disco en el jardín central. Cuando el segundo juego estaba a punto de comenzar, la ruidosa multitud irrumpió en el campo y procedió a prender fuego, arrancar asientos y pedazos de césped y otros daños. El Departamento de Policía de Chicago realizó numerosos arrestos y el gran daño al campo obligó a los White Sox a perder el segundo juego ante los Detroit Tigers, que habían ganado el primero.
El declive de la popularidad de Disco después de Disco Demolition Night fue rápido. El 12 de julio de 1979, los seis primeros discos de las listas musicales de Estados Unidos eran canciones disco. Para el 22 de septiembre, no había canciones disco en la lista Top 10 de EE. UU., con la excepción de la instrumental 'Rise' de Herb Alpert, una composición de jazz suave con algunos matices disco. Algunos medios de comunicación, en tonos festivos, declararon la música disco 'muerta'. y el rock resucitado. Karen Mixon Cook, la primera mujer DJ disco, afirmó que la gente todavía hace una pausa cada 12 de julio para un momento de silencio en honor a la música disco. Dahl declaró en una entrevista de 2004 que la música disco "probablemente estaba a punto de desaparecer [en ese momento]. Pero creo que [Disco Demolition Night] aceleró su desaparición".
Impacto en la industria de la música
El movimiento anti-disco, combinado con otros factores sociales y de la industria de la radio, cambió el rostro de la radio pop en los años posteriores a Disco Demolition Night. A partir de la década de 1980, la música country comenzó un lento ascenso en las principales listas de éxitos estadounidenses. Un emblema del ascenso de la música country a la popularidad principal fue la película de 1980 Urban Cowboy, que tuvo un gran éxito comercial. La continua popularidad del power pop y el resurgimiento de los viejos éxitos a fines de la década de 1970 también estuvo relacionado con el declive de la música disco; la película de 1978 Grease fue emblemática de esta tendencia. Coincidentemente, la estrella de ambas películas fue John Travolta, quien en 1977 había protagonizado Fiebre del sábado por la noche, que sigue siendo una de las películas disco más icónicas de la época.
Durante este período de declive de la popularidad de la música disco, varias compañías discográficas cerraron, se reorganizaron o se vendieron. En 1979, MCA Records compró ABC Records, absorbió a algunos de sus artistas y luego cerró el sello. Midsong International Records cesó sus operaciones en 1980. El fundador de RSO Records, Robert Stigwood, dejó el sello en 1981 y TK Records cerró ese mismo año. Salsoul Records continúa existiendo en la década de 2000, pero se utiliza principalmente como una marca de reedición. Casablanca Records había estado lanzando menos discos en la década de 1980 y fue cerrado en 1986 por la empresa matriz PolyGram.
Muchos grupos que fueron populares durante el período disco lucharon posteriormente por mantener su éxito, incluso aquellos que intentaron adaptarse a los gustos musicales en evolución. Los Bee Gees, por ejemplo, solo tuvieron una entrada en el top 10 ('One' de 1989) y tres canciones más en el top 40 (a pesar de grabar y lanzar mucho más que eso y abandonar por completo la música disco en sus canciones de las décadas de 1980 y 1990) en los Estados Unidos después de la década de 1970, a pesar de que numerosas canciones que escribieron y que hicieron que interpretaran otros artistas tuvieron éxito. Del puñado de grupos no derribados por la caída en desgracia de la música disco, destacan Kool and the Gang, Donna Summer, the Jacksons y Gloria Gaynor en particular: a pesar de haber ayudado a < i>definieron el sonido disco desde el principio, continuaron haciendo canciones populares y bailables, aunque más refinadas, para otra generación de fanáticos de la música en la década de 1980 y más allá. Tierra, Viento & Fire también sobrevivió a la tendencia anti-disco y continuó produciendo sencillos exitosos aproximadamente al mismo ritmo durante varios años más, además de una serie aún más larga de éxitos en las listas de R&B que duró hasta la década de 1990.
Seis meses antes del caótico evento (en diciembre de 1978), la popular estación de radio de rock progresivo WDAI (WLS-FM) cambió repentinamente a un formato totalmente disco, privando a miles de fanáticos del rock de Chicago y dejando a Dahl desempleado. WDAI, que sobrevivió al cambio de opinión del público y todavía tenía buenos índices de audiencia en ese momento, siguió tocando disco hasta que cambió a un formato híbrido Top 40/rock de corta duración en mayo de 1980. Otro medio disco que también compitió contra WDAI en el time, WGCI-FM, luego incorporaría R&B y canciones pop en el formato, eventualmente evolucionando hacia una salida urbana contemporánea que continúa en la actualidad. Este último también ayudó a llevar el género house de Chicago a las ondas de radio.
Factores que contribuyen al declive de la música disco
Los factores que se han citado como causantes del declive de la música disco en los Estados Unidos incluyen los cambios económicos y políticos a fines de la década de 1970, así como el agotamiento por los estilos de vida hedonistas llevados por los participantes. En los años transcurridos desde Disco Demolition Night, algunos críticos sociales han descrito la "Disco apesta" movimiento como implícitamente machista e intolerante, y un ataque a las culturas no blancas y no heterosexuales. También se interpretó como parte de una "reacción violenta" cultural más amplia, el movimiento hacia el conservadurismo, que también se abrió paso en la política estadounidense con la elección del presidente conservador Ronald Reagan en 1980, que también condujo al control republicano de el Senado de los Estados Unidos por primera vez desde 1954, además del posterior ascenso de la Derecha Religiosa casi al mismo tiempo.
En enero de 1979, el crítico de rock Robert Christgau argumentó que la homofobia, y muy probablemente el racismo, eran las razones detrás del movimiento, una conclusión secundada por John Rockwell. Craig Werner escribió: “El movimiento Anti-disco representó una alianza profana de funkateers y feministas, progresistas y puritanos, rockeros y reaccionarios. No obstante, los ataques a la música disco dieron una voz respetable a los tipos más feos de racismo, sexismo y homofobia no reconocidos." Legs McNeil, fundador del fanzine Punk, dijo en una entrevista que "los hippies siempre quisieron ser negros". Íbamos, 'a la mierda el blues, a la mierda la experiencia negra'." También dijo que la música disco fue el resultado de un "impío" Unión entre homosexuales y negros.
Steve Dahl, que había encabezado Disco Demolition Night, negó cualquier trasfondo racista u homofóbico en la promoción y dijo: "Es realmente fácil verlo históricamente, desde esta perspectiva, y adjuntar todos esos cosas a ello. Pero no estábamos pensando así." Se ha observado que los críticos británicos del punk rock de la música disco apoyaron mucho el género del reggae pro-negro / antirracista, así como el movimiento de nuevos románticos más pro-gay. Christgau y Jim Testa han dicho que había razones artísticas legítimas para criticar la música disco.
En 1979, la industria de la música en los Estados Unidos sufrió su peor caída en décadas y se culpó a la música disco, a pesar de su gran popularidad. El sonido orientado al productor estaba teniendo dificultades para mezclarse bien con el sistema de marketing orientado a los artistas de la industria. Harold Childs, vicepresidente senior de A&M Records, supuestamente le dijo al Los Angeles Times que "la radio está realmente desesperada por productos de rock" y "todos están buscando rock and roll blanco". Gloria Gaynor argumentó que la industria de la música apoyó la destrucción de la música disco porque los productores de música rock estaban perdiendo dinero y los músicos de rock estaban perdiendo la atención.
1981–1989: Consecuencias
Nacimiento de la música dance electrónica
Disco fue fundamental en el desarrollo de géneros de música dance electrónica como house, techno y eurodance. La canción Eurodisco I Feel Love, producida por Giorgio Moroder para Donna Summer en 1976, ha sido descrita como un hito y modelo para la música dance electrónica porque fue la primera en combinar bucles de sintetizador repetitivos con cuatro continuos. -bombo en el piso y un charles fuera de ritmo, que se convertiría en una característica principal del techno y el house diez años después.
Durante los primeros años de la década de 1980, el sonido disco tradicional caracterizado por arreglos complejos interpretados por grandes conjuntos de músicos de estudio (incluida una sección de trompetas y una sección de cuerdas orquestales) comenzó a desaparecer gradualmente y los tempos y los efectos sintetizados fueron más rápidos., acompañado de guitarra y fondos simplificados, movió la música dance hacia géneros electrónicos y pop, comenzando con hi-NRG. A pesar de su declive en popularidad, la llamada música de club y la música disco de estilo europeo permanecieron "relativamente" éxito a principios de la década de 1980 con canciones como 'Japanese Boy' de Aneka, 'You Dropped a Bomb on Me' de The Gap Band, 'The Weather Girls';s 'It's Raining Men', 'She Works Hard for the Money' de Donna Summer, 'Flashdance' de Irene Cara.. ¡Qué sentimiento! (tema de la película Flashdance, Madonna's "Lucky Star", Laura Branigan's "Self Control", The Pointer Sisters' su álbum, 'Break Out', 'Point of No Return' de Exposé, 'If You Should Ever Be Lonely' de Val Young, y "Rock Steady" de The Whispers. Sin embargo, un renacimiento del estilo disco tradicional llamado nu-disco ha sido popular desde la década de 1990.
La música house mostró una fuerte influencia disco, razón por la cual la música house, con respecto a su enorme éxito en la configuración de la música dance electrónica y la cultura de club contemporánea, a menudo se describe como la "revancha disco". La música house temprana era generalmente música basada en la danza caracterizada por cuatro ritmos repetitivos en el piso, ritmos proporcionados principalmente por cajas de ritmos, platillos de charles fuera de ritmo y líneas de bajo sintetizadas. Si bien el house mostraba varias características similares a la música disco, era más electrónico y minimalista, y el ritmo repetitivo del house era más importante que la canción en sí. Además, el house no utilizó las exuberantes secciones de cuerdas que eran una parte clave del sonido disco.
Legado
Cultura de DJ
La creciente popularidad de la música disco se produjo junto con la evolución del papel del DJ. El DJ se desarrolló a partir del uso de múltiples tocadiscos y mezcladores de DJ para crear una mezcla continua y perfecta de canciones, con una transición de una canción a otra sin interrupciones en la música que interrumpieran el baile. La mezcla de DJ resultante difería de las formas anteriores de música dance de la década de 1960, que estaban orientadas a las actuaciones en vivo de músicos. Esto, a su vez, afectó la disposición de la música dance, ya que las canciones de la era disco generalmente contenían comienzos y finales marcados por un ritmo simple o un riff que podía usarse fácilmente para hacer la transición a una nueva canción. El desarrollo del DJing también estuvo influenciado por nuevas técnicas de turntablism, como beatmatching y scratching, un proceso facilitado por la introducción de nuevas tecnologías de tocadiscos como el Technics SL-1200 MK 2, vendido por primera vez en 1978, que tenía un control de tono variable preciso. y un motor de accionamiento directo. Los DJ solían ser ávidos coleccionistas de discos, que buscaban en las tiendas de discos usados discos de soul oscuros y grabaciones de funk vintage. Los DJ ayudaron a presentar discos raros y nuevos artistas al público del club.
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En la década de 1970, los DJ individuales se hicieron más prominentes y algunos DJ, como Larry Levan, el residente de Paradise Garage, Jim Burgess, Tee Scott y Francis Grasso se hicieron famosos en la escena disco. Levan, por ejemplo, desarrolló un culto de seguidores entre los asistentes al club, quienes se referían a sus sesiones de DJ como 'Saturday Mass'. Algunos DJ usarían grabadoras de carrete a carrete para hacer remixes y ediciones de cintas de canciones. Algunos DJ que estaban haciendo remixes hicieron la transición de la cabina de DJ a convertirse en productores de discos, en particular Burgess. Scott desarrolló varias innovaciones. Fue el primer DJ de discoteca en utilizar tres tocadiscos como fuentes de sonido, el primero en reproducir simultáneamente dos discos combinados, el primer usuario de unidades de efectos electrónicos en sus mezclas y un innovador en la mezcla de diálogos de películas conocidas en sus mezclas. típicamente sobre un descanso de percusión. Estas técnicas de mezcla también se aplicaron a los DJ de radio, como Ted Currier de WKTU y WBLS. Grasso es particularmente notable por sacar a la profesión de DJ de la servidumbre y [convertir] al DJ en el jefe de cocina musical. Una vez que entró en escena, el DJ ya no era responsable de esperar a la multitud de pies y manos, cumpliendo con todas sus solicitudes de canciones. En cambio, con mayor agencia y visibilidad, el DJ ahora podía usar sus propias habilidades técnicas y creativas para preparar un especial nocturno de mezclas innovadoras, refinando su sonido y estética personal, y construyendo su propia reputación.
Post-disco
El sonido post-disco y los géneros asociados con él se originaron en la década de 1970 y principios de la de 1980 con músicos de R&B y post-punk que se centraron en un lado más electrónico y experimental de la música disco, generando boogie, italo disco y baile alternativo. Basándose en una amplia gama de influencias y técnicas no disco, como la "banda de un solo hombre" estilo de Kashif y Stevie Wonder y enfoques alternativos de Parliament-Funkadelic, fue impulsado por sintetizadores, teclados y cajas de ritmos. Los actos posteriores a la discoteca incluyen a D. Train, Patrice Rushen, ESG, Bill Laswell, Arthur Russell. El post-disco tuvo una influencia importante en el dance-pop y fue un puente entre la música disco clásica y formas posteriores de música electrónica de baile.
Primeros hip hop
El sonido disco tuvo una gran influencia en los inicios del hip hop. La mayoría de las primeras canciones de hip hop se crearon aislando las líneas existentes de bajo y guitarra disco y doblándolas con rimas de MC. The Sugarhill Gang usó 'Good Times' de Chic's como base para su canción de 1979 'Rapper's Delight', generalmente considerada como la canción que popularizó por primera vez la música rap en los Estados Unidos y en todo el mundo.
Con influencias de sintetizadores y krautrock, que reemplazaron la base disco anterior, nació un nuevo género cuando Afrika Bambaataa lanzó el sencillo "Planet Rock," generando una tendencia de baile electrónico de hip hop que incluye canciones como "Play at Your Own Risk" de Planet Patrol; (1982), 'One More Shot' de C-Bank (1982), 'Club Underworld' de Cerrone (1984), "Let the Music Play" de Shannon (1983), 'I.O.U.' de Freeez (1983), 'Freak-a-Zoid' de Midnight Star (1983), 'I Feel For You' de Chaka Khan (1984).
Música house y cultura rave
La música house es un género de música dance electrónica que se originó en Chicago a principios de la década de 1980 (ver también: Chicago house). Rápidamente se extendió a otras ciudades estadounidenses como Detroit, donde se convirtió en el techno más duro e industrial, la ciudad de Nueva York (ver también: garage house) y Newark, todas las cuales desarrollaron sus propias escenas regionales.
A mediados y finales de la década de 1980, la música house se hizo popular en Europa, así como en las principales ciudades de América del Sur y Australia. Los primeros éxitos comerciales de la música house en Europa vieron canciones como "Pump Up The Volume" de MARRS (1987), "House Nation" de House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987), "Tema de S'Express" de S'Express (1988) y "Doctorin' la Casa" de Coldcut (1988) en las listas de éxitos. Desde principios hasta mediados de la década de 1990, la música house se ha infundido en la música pop y dance convencional en todo el mundo.
La música house de la década de 2010, si bien mantiene varios de estos elementos centrales, en particular el prominente bombo en cada tiempo, varía mucho en estilo e influencia, desde el deep house conmovedor y atmosférico hasta el acid house más agresivo o el minimalista. microcasa. La música house también se ha fusionado con varios otros géneros creando subgéneros de fusión, como euro house, tech house, electro house y jump house.
A fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, la cultura rave comenzó a emerger de la escena house y acid house. Al igual que el house, incorporó el mismo amor de la cultura disco por la música dance interpretada por DJ sobre potentes sistemas de sonido, la exploración de drogas recreativas y drogas de club, la promiscuidad sexual y el hedonismo. Aunque la cultura disco comenzó clandestinamente, finalmente prosperó en la corriente principal a fines de la década de 1970, y las principales discográficas comercializaron y empaquetaron la música para el consumo masivo. Por el contrario, la cultura rave comenzó clandestinamente y permaneció (en su mayoría) clandestina. En parte, esto fue para evitar la animosidad que todavía rodeaba a la música disco y dance. La escena rave también se mantuvo clandestina para evitar la atención de las fuerzas del orden que se dirigía a la cultura rave debido al uso de almacenes secretos no autorizados para algunos eventos de baile y su asociación con drogas de club ilegales como el éxtasis.
Post-punk
El movimiento post-punk que se originó a fines de la década de 1970 apoyó la ruptura de las reglas del punk rock y rechazó su regreso a la música rock pura. El mantra del post-punk de avanzar constantemente se prestaba tanto a la apertura como a la experimentación con elementos de la música disco y otros estilos. Public Image Limited es considerado el primer grupo post-punk. El segundo álbum del grupo, Metal Box, adoptó por completo el "estudio como instrumento" metodología de la discoteca. El fundador del grupo, John Lydon, ex vocalista de los Sex Pistols, dijo a la prensa que la música disco era la única música que le importaba en ese momento.
No wave fue un subgénero del post-punk centrado en la ciudad de Nueva York. Por valor de sorpresa, James Chance, un miembro notable de la escena sin olas, escribió un artículo en el East Village Eye instando a sus lectores a mudarse a la zona residencial y obtener "trancin' con un poco de funk vudú disco súper radiactivo. Su banda James White and the Blacks escribió un disco disco titulado Off White. Sus actuaciones se parecían a las de los artistas disco (sección de viento, bailarines, etc.). En 1981, ZE Records lideró la transición de no wave al género disco mutante más sutil (post-disco/punk). Actos disco mutantes como Kid Creole and the Coconuts, Was Not Was, ESG y Liquid Liquid influyeron en varios actos post-punk británicos como New Order, Orange Juice y A Certain Ratio.
Nu-disco
Nu-disco es un género de música dance del siglo XXI asociado con el interés renovado en la música disco de los años 70 y principios de los 80, el italo disco de mediados de los 80 y la estética euro disco repleta de sintetizadores. El apodo apareció impreso ya en 2002 y, a mediados de 2008, fue utilizado por tiendas de discos como los minoristas en línea Juno y Beatport. Estos proveedores a menudo lo asocian con reediciones de la música disco de la era original, así como con música de productores europeos que hacen música de baile inspirada en la música disco estadounidense de la era original, el electro y otros géneros populares a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980. También se utiliza para describir la música de varios sellos estadounidenses que anteriormente se asociaron con los géneros electroclash y house francés.
Avivamientos y regreso al éxito general
Resurgimiento de la década de 1990
En la década de 1990, después de una década de reacciones violentas, la música disco y su legado fueron más aceptados tanto por los artistas como por los oyentes de la música pop, a medida que se lanzaban más canciones, películas y compilaciones que hacían referencia a la música disco. Esto fue parte de una ola de nostalgia de la década de 1970 que estaba teniendo lugar en la cultura popular en ese momento. Ejemplos de canciones durante este tiempo que fueron influenciadas por la música disco incluyeron "Groove Is in the Heart" de Deee-Lite; (1990), 'Lemon' de U2 (1993), 'Girls & de Blur's Chicos" (1994) y "Diviérteme" (1995), 'Disco 2000' de Pulp's (1995) y 'Canned Heat' de Jamiroquai. (1999), mientras que películas como Boogie Nights (1997) y The Last Days of Disco (1998) presentaban principalmente bandas sonoras disco.
Resurgimiento de la década de 2000
A principios de la década de 2000, un género disco actualizado llamado "nu-disco" comenzó a irrumpir en la corriente principal. Algunos ejemplos como 'One More Time' de Daft Punk. y 'Amor a primera vista' de Kylie Minogue y 'No puedo sacarte de mi cabeza' se convirtieron en favoritos del club y éxitos comerciales. Varias canciones nu-disco fueron mezclas con el funky house, como "Groovejet (If This Ain't Love)" de Spiller; y 'Lady (Hear Me Tonight)' de Modjo, ambas canciones con muestras de canciones disco más antiguas y alcanzando el número uno en la lista de singles del Reino Unido en 2000. Robbie Williams' sencillo disco "Rock DJ" fue el cuarto sencillo más vendido en el Reino Unido ese mismo año. La canción de Jamiroquai "Little L" y "Asesinato en la pista de baile" de Sophie Ellis-Bextor también fueron éxitos en 2001. La banda de rock Manic Street Preachers lanzó una canción disco, "Miss Europa Disco Dancer", en 2001. La influencia disco de la canción, que aparece en Know Your Enemy, fue descrita como "muy discutido". En 2005, Madonna se sumergió en la música disco de la década de 1970 y lanzó su álbum Confessions on a Dance Floor con excelentes críticas. Además de eso, su canción "Hung Up" se convirtió en una de las 10 principales canciones y en un elemento básico del club, y sampleó la canción de ABBA de 1979 'Gimme! ¡Dame! ¡Dame! (Un hombre después de la medianoche)". Además de su atuendo con influencia disco para premiar espectáculos y entrevistas, su gira Confessions Tour también incorporó varios elementos de la década de 1970, como bolas de discoteca, un diseño de escenario con espejos y el roller derby. En 2006, Jessica Simpson lanzó su álbum A Public Affair inspirado en la música disco y de los 80. El primer sencillo del álbum A Public Affair fue revisado como una competencia de baile disco influenciado por los primeros trabajos de Madonna. El video de la canción fue filmado en una pista de patinaje y presenta un baile de manos en línea.
El éxito de la "nu-disco" El crítico musical Tom Ewing describió el renacimiento de principios de la década de 2000 como más interpersonal que la música pop de la década de 1990: "El renacimiento de la música disco dentro del pop puso de relieve algo que había desaparecido en los años 90: un sentido de la música". no solo por bailar, sino por bailar con alguien. Disco era una música de atracción mutua: cruising, flirteo, negociación. Su pista de baile es un espacio para el placer inmediato, pero también para las promesas cumplidas y otras. Es un lugar donde las cosas comienzan, pero su resolución, y mucho menos su significado, nunca es clara. Todos los grandes disco número uno de la década de 2000 exploran cómo jugar esta mano. Madison Avenue busca imponer su voluntad sobre ella, establecer términos y roles. Spiller es menos rígido. 'Groovejet' acepta la variabilidad de la noche, vende felizmente la certeza por una sonrisa divertida y algunas frases geniales."
Resurgimiento de 2010
En 2013, varias canciones disco y funk al estilo de la década de 1970 llegaron a las listas de éxitos, y las listas de éxitos pop tenían más canciones de baile que en cualquier otro momento desde finales de la década de 1970. La canción disco más importante del año hasta junio fue "Get Lucky" de Daft Punk, con Nile Rodgers a la guitarra. Random Access Memories también terminó ganando Álbum del año en los Grammy de 2014. Otras canciones de estilo disco que llegaron al top 40 fueron "Blurred Lines" de Robin Thicke; (número uno), 'Take Back the Night' de Justin Timberlake (número 29), Bruno Mars' "Tesoro" (número cinco) Reflektor de Arcade Fire presentaba fuertes elementos disco. En 2014, la música disco se podía encontrar en el Artpop de Lady Gaga y en el 'Cumpleaños' de Katy Perry. Otras canciones disco de 2014 incluyen "I Want It All" Por Karmin, 'Club equivocado" por los Ting Tings, "Blow" de Beyoncé y la mezcla de William Orbit de "Let Me in Your Heart Again" por Reina
En 2014, Globo TV de Brasil, la segunda cadena de televisión más grande del mundo, emitió Boogie Oogie, una telenovela sobre la Era Disco que transcurre entre 1978 y 1979, desde la fiebre del hit hasta la decadencia. El éxito del espectáculo fue responsable de un renacimiento disco en todo el país, trayendo de vuelta al escenario y a las listas de éxitos brasileñas, divas disco locales como Lady Zu y As Frenéticas.
Otras entradas entre los 10 primeros de 2015, como 'Uptown Funk', infundido con ritmo disco de Mark Ronson, 'Sugar' de Maroon 5, The Weeknd';s "No puedo sentir mi cara" y 'Want To Want Me' de Jason Derulo también ascendieron en las listas de éxitos y tienen una fuerte influencia disco. El magnate disco y productor Giorgio Moroder también reapareció con su nuevo álbum Déjà Vu en 2015, que resultó ser un éxito modesto. Otras canciones de 2015 como "I Don't Like It, I Love It" de Flo Rida, "La aventura de tu vida" de Coldplay, "Back Together" de Robin Thicke y "Niveles" de Nick Jonas también incluyen elementos disco. En 2016, las canciones disco o las canciones pop de estilo disco están mostrando una fuerte presencia en las listas de música como una posible reacción al synthpop, electro house y dubstep al estilo de la década de 1980 que han estado dominando las listas actuales. La canción de Justin Timberlake de 2016 "Can't Stop the Feeling!", que muestra fuertes elementos disco, se convirtió en la canción número 26 en debutar en el número uno en Billboard< /i> Hot 100 en la historia del gráfico. The Martian, una película de 2015, utiliza mucho la música disco como banda sonora, aunque para el personaje principal, el astronauta Mark Watney, solo hay una cosa peor que quedarse varado en Marte: estar varado en Marte con nada más que música disco. "Kill the Lights", que aparece en un episodio de la serie de televisión de HBO "Vinyl" (2016) y con Nile Rodgers' licks de guitarra, alcanzó el número uno en la lista Dance de EE. UU. en julio de 2016.
Resurgimiento de la década de 2020
En 2020, la música disco continuó con su popularidad generalizada y se ha convertido en una moda reciente en la música popular. A principios de 2020, éxitos con influencia disco como 'Say So' de Doja Cat, 'Stupid Love' de Lady Gaga y '& #34;No empieces ahora" experimentó un éxito generalizado en las listas musicales mundiales, con las tres canciones en los números 1, 5 y 2, respectivamente, en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU. En ese momento, Billboard declaró que Lipa estaba "liderando la carga hacia la producción con influencia disco" un día después del lanzamiento de su álbum retro e influenciado por la música disco Future Nostalgia el 27 de marzo de 2020. A mediados de 2020, se habían lanzado varios álbumes y canciones disco. A principios de septiembre de 2020, el grupo surcoreano BTS debutó en el número 1 en los EE. UU. con su sencillo disco en inglés "Dynamite" habiendo vendido 265.000 descargas en su primera semana en los EE. UU., marcando la mayor semana de ventas puras desde 'Look What You Made Me Do' de Taylor Swift. (2017). Otros álbumes disco aclamados por la crítica del año incluyen What's Your Pleasure? de Jessie Ware y Róisín Machine de Róisín Murphy.
En julio de 2020, la cantante australiana Kylie Minogue anunció que lanzaría su decimoquinto álbum de estudio, Disco, el 6 de noviembre de 2020. El álbum fue precedido por dos sencillos, el sencillo principal del álbum, "Say Something", se lanzó el 23 de julio del mismo año y se estrenó en BBC Radio 2. El segundo sencillo, "Magic", se lanzó el 24 de septiembre. Ambos sencillos recibieron críticas elogios, y los críticos elogiaron a Minogue por regresar a las raíces disco, que fueron prominentes en sus álbumes Light Years (2000), Fever (2001) y Aphrodite (2010).
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