Dibujo
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Dibujar es una forma de arte visual en la que un artista utiliza instrumentos para marcar papel u otra superficie bidimensional. Los instrumentos de dibujo incluyen lápices de grafito, pluma y tinta, varios tipos de pinturas, pinceles entintados, lápices de colores, crayones, carboncillo, tiza, pasteles, gomas de borrar, marcadores, estiletes y metales (como la punta de plata). El dibujo digital es el acto de dibujar en un software de gráficos en una computadora. Los métodos comunes de dibujo digital incluyen un lápiz o dedo en un dispositivo de pantalla táctil, lápiz o dedo a panel táctil o, en algunos casos, un mouse. Hay muchos programas y dispositivos de arte digital.
Un instrumento de dibujo libera una pequeña cantidad de material sobre una superficie, dejando una marca visible. El soporte más habitual para el dibujo es el papel, aunque se han utilizado otros materiales como cartón, madera, plástico, cuero, lienzo y tabla. Los dibujos temporales se pueden hacer en una pizarra o pizarra blanca. El dibujo ha sido un medio popular y fundamental de expresión pública a lo largo de la historia de la humanidad. Es uno de los medios más simples y eficientes para comunicar ideas. La amplia disponibilidad de instrumentos de dibujo hace que dibujar sea una de las actividades artísticas más comunes.
Además de sus formas más artísticas, el dibujo se usa con frecuencia en ilustración comercial, animación, arquitectura, ingeniería y dibujo técnico. Un dibujo rápido, a mano alzada, que generalmente no pretende ser un trabajo terminado, a veces se denomina boceto. Un artista que practica o trabaja en dibujo técnico puede llamarse dibujante, dibujante o dibujante.
Resumen
El dibujo es una de las formas de expresión humana más antiguas dentro de las artes visuales. Generalmente se ocupa del marcado de líneas y áreas de tono sobre papel u otro material, donde la representación precisa del mundo visual se expresa sobre una superficie plana. Los dibujos tradicionales eran monocromáticos, o al menos tenían poco color, mientras que los dibujos modernos a lápiz de color pueden acercarse o cruzar un límite entre el dibujo y la pintura. En la terminología occidental, el dibujo es distinto de la pintura, aunque a menudo se emplean medios similares en ambas tareas. Los medios secos, normalmente asociados con el dibujo, como la tiza, pueden usarse en pinturas al pastel. El dibujo se puede hacer con un medio líquido, aplicado con pinceles o bolígrafos. Los soportes similares también pueden servir para ambos: la pintura generalmente implica la aplicación de pintura líquida sobre lienzos o paneles preparados, pero a veces se dibuja primero un dibujo subyacente sobre ese mismo soporte.
El dibujo suele ser exploratorio, con un énfasis considerable en la observación, la resolución de problemas y la composición. El dibujo también se usa regularmente en la preparación de una pintura, ofuscando aún más su distinción. Los dibujos creados con estos fines se denominan estudios.
Hay varias categorías de dibujo, incluidos el dibujo de figuras, las caricaturas, los garabatos y los dibujos a mano alzada. También hay muchos métodos de dibujo, como el dibujo lineal, el punteado, el sombreado, el método surrealista de la grafomanía entópica (en el que se hacen puntos en los sitios de impurezas en una hoja de papel en blanco y luego se hacen líneas entre los puntos), y calco (dibujar en un papel translúcido, como papel de calco, alrededor del contorno de formas preexistentes que se ven a través del papel).
Un dibujo rápido y sin refinar puede llamarse boceto.
En campos fuera del arte, los dibujos técnicos o los planos de edificios, maquinaria, circuitos y otras cosas a menudo se denominan "dibujos" aun cuando hayan sido transferidos a otro medio por impresión.
Historia
En comunicación
El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana, con evidencia de su existencia anterior a la comunicación escrita. Se cree que el dibujo se utilizó como una forma especializada de comunicación antes de la invención del lenguaje escrito, como lo demuestra la producción de pinturas rupestres y rupestres hace unos 30.000 años (Arte del Paleolítico Superior). Estos dibujos, conocidos como pictogramas, representan objetos y conceptos abstractos. Los bocetos y pinturas producidos por el Neolítico eventualmente fueron estilizados y simplificados en sistemas de símbolos (protoescritura) y eventualmente en los primeros sistemas de escritura.
En manuscritos
Antes de la disponibilidad generalizada del papel, los monjes del siglo XII en los monasterios europeos usaban dibujos complejos para preparar manuscritos ilustrados e iluminados en vitela y pergamino. El dibujo también se ha utilizado ampliamente en el campo de la ciencia, como método de descubrimiento, comprensión y explicación.
En ciencia
Dibujar diagramas de observaciones es una parte importante del estudio científico.
En 1609, el astrónomo Galileo Galilei explicó las fases cambiantes de Venus y también las manchas solares a través de sus dibujos telescópicos de observación. En 1924, el geofísico Alfred Wegener utilizó ilustraciones para demostrar visualmente el origen de los continentes.
Como expresión artística
El dibujo se usa para expresar la creatividad de uno y, por lo tanto, ha sido prominente en el mundo del arte. A lo largo de gran parte de la historia, el dibujo se consideró la base de la práctica artística. Inicialmente, los artistas utilizaban y reutilizaban tablillas de madera para la elaboración de sus dibujos. Tras la disponibilidad generalizada de papel en el siglo XIV, aumentó el uso del dibujo en las artes. En este punto, el dibujo se utilizaba habitualmente como herramienta de pensamiento e investigación, actuando como medio de estudio mientras los artistas se preparaban para sus obras finales. El Renacimiento trajo consigo una gran sofisticación en las técnicas de dibujo, lo que permitió a los artistas representar las cosas de manera más realista que antes y reveló un interés por la geometría y la filosofía.
La invención de la primera forma ampliamente disponible de fotografía condujo a un cambio en la jerarquía de las artes. La fotografía ofreció una alternativa al dibujo como método para representar con precisión los fenómenos visuales, y se le dio menos énfasis a la práctica del dibujo tradicional como una habilidad esencial para los artistas, particularmente en la sociedad occidental.
Artistas y dibujantes notables
El dibujo cobró importancia como forma de arte a finales del siglo XV, con artistas y maestros grabadores como Albrecht Dürer y Martin Schongauer (c. 1448-1491), el primer grabador del norte conocido por su nombre. Schongauer vino de Alsacia y nació en una familia de orfebres. Albrecht Dürer, un maestro de la siguiente generación, también era hijo de un orfebre.
Los dibujos de los maestros antiguos a menudo reflejan la historia del país en el que se produjeron y las características fundamentales de una nación en ese momento. En la Holanda del siglo XVII, un país protestante, casi no había obras de arte religiosas y, sin rey ni corte, la mayor parte del arte se compraba de forma privada. Los dibujos de paisajes o escenas de género a menudo se consideraban no como bocetos sino como obras de arte muy acabadas. Los dibujos italianos, sin embargo, muestran la influencia del catolicismo y la Iglesia, que jugaron un papel importante en el mecenazgo artístico. Lo mismo ocurre a menudo con los dibujos franceses, aunque en el siglo XVII las disciplinas del clasicismo francés hicieron que los dibujos fueran menos barrocos que sus homólogos italianos más libres, que transmitían una mayor sensación de movimiento.
En el siglo XX, el Modernismo fomentó la "originalidad imaginativa" y algunos artistas' El enfoque del dibujo se volvió menos literal, más abstracto. Artistas de renombre mundial como Pablo Picasso, Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat ayudaron a desafiar el statu quo, con el dibujo en el centro de su práctica y, a menudo, reinterpretando la técnica tradicional.
Los dibujos de Basquiat se produjeron en muchos medios diferentes, más comúnmente tinta, lápiz, rotulador o rotulador y barra de aceite, y dibujó en cualquier superficie que tuviera a mano, como puertas, ropa, refrigeradores, paredes y cascos de béisbol.
Los siglos han producido un canon de artistas y dibujantes notables, cada uno con su propio lenguaje de dibujo distinto, que incluye:
- 14a, 15a y 16a: Leonardo da Vinci • Albrecht Dürer • Hans Holbein the Younger • Michelangelo • Pisanello • Rafael
- 17th: Claude • Jacques de Gheyn II • Guercino • Nicolas Poussin • Rembrandt • Peter Paul Rubens • Pieter Saenredam
- 18o: François Boucher • Jean-Honoré Fragonard • Giovanni Battista Tiepolo • Antoine Watteau
- 19th: Aubrey Beardsley • Paul Cézanne • Jacques-Louis David • Honoré Daumier • Edgar Degas • Théodore Géricault • Francisco Goya • Jean-Auguste-Dominique Ingres • Pierre-Paul Prud'hon • Odilon Redon • John Ruskin • Georges Seurat • Henri de Toulouse-Lautrec • Vincent van Gogh
- 20th: Max Beckmann • Jean Dubuffet • M. C. Escher • Arshile Gorky • George Grosz • Paul Klee • Oskar Kokoschka • Käthe Kollwitz • Alfred Kubin • André Masson • Alphonse Mucha • Jules Pascin • Pablo Picasso • Egon Schiele • Jean-Michel Basquiat • Andy Warhol
Materiales
El medio es el medio por el cual la tinta, el pigmento o el color se entregan a la superficie de dibujo. La mayoría de los medios de dibujo son secos (p. ej., grafito, carboncillo, pasteles, Conté, punta de plata) o utilizan un disolvente fluido o un vehículo (marcador, pluma y tinta). Los lápices de acuarela se pueden usar secos como los lápices comunes y luego se humedecen con un pincel húmedo para obtener varios efectos pictóricos. En muy raras ocasiones, los artistas han dibujado con tinta invisible (generalmente decodificada). El dibujo de punta de metal generalmente emplea dos metales: plata o plomo. Se utilizan con menos frecuencia el oro, el platino, el cobre, el latón, el bronce y la punta de estaño.
El papel viene en una variedad de tamaños y calidades diferentes, que van desde papel de periódico hasta papel de alta calidad y relativamente caro que se vende en hojas individuales. Los papeles varían en textura, tonalidad, acidez y resistencia cuando están mojados. El papel liso es bueno para reproducir detalles finos, pero un papel más "dentudo" el papel sujeta mejor el material de dibujo. Por lo tanto, un material más grueso es útil para producir un contraste más profundo.
El papel periódico y el papel de mecanografiar pueden ser útiles para practicar y hacer bocetos. El papel de calco se utiliza para experimentar sobre un dibujo a medio terminar y para transferir un diseño de una hoja a otra. El papel de cartucho es el tipo básico de papel de dibujo que se vende en blocs. El cartón Bristol e incluso los cartones sin ácido más pesados, con frecuencia con acabados lisos, se utilizan para dibujar detalles finos y no se distorsionan cuando se aplican medios húmedos (tinta, lavados). La vitela es extremadamente suave y adecuada para detalles muy finos. El papel de acuarela prensado en frío puede ser el favorito para dibujar con tinta debido a su textura.
El papel de calidad de archivo sin ácidos mantiene su color y textura mucho más tiempo que el papel a base de pulpa de madera, como el papel periódico, que se vuelve amarillo y se vuelve quebradizo mucho antes.
Las herramientas básicas son un tablero o mesa de dibujo, un sacapuntas y un borrador, y para dibujar con tinta, papel secante. Otras herramientas utilizadas son el compás circular, la regla y la escuadra. El fijador se usa para evitar que las marcas de lápiz y crayón se corran. La cinta de dibujo se usa para asegurar el papel a la superficie de dibujo y también para enmascarar un área para mantenerla libre de marcas accidentales, como materiales rociados o salpicados y lavados. Se utiliza un caballete o mesa inclinada para mantener la superficie de dibujo en una posición adecuada, que generalmente es más horizontal que la posición utilizada para pintar.
Técnica
Casi todos los dibujantes usan sus manos y dedos para aplicar los medios, con la excepción de algunas personas discapacitadas que dibujan con la boca o los pies.
Antes de trabajar en una imagen, el artista normalmente explora cómo funcionan varios medios. Pueden probar diferentes implementos de dibujo en hojas de práctica para determinar el valor y la textura, y cómo aplicar el implemento para producir varios efectos.
La elección del artista de los trazos de dibujo afecta la apariencia de la imagen. Los dibujos con pluma y tinta a menudo usan sombreado: grupos de líneas paralelas. El rayado cruzado utiliza el rayado en dos o más direcciones diferentes para crear un tono más oscuro. Los sombreados quebrados, o las líneas con pausas intermitentes, forman tonos más claros, y el control de la densidad de las pausas logra una gradación de tonos. Punteado utiliza puntos para producir tono, textura y sombra. Se pueden lograr diferentes texturas según el método utilizado para construir el tono.
Los dibujos en técnica seca a menudo usan técnicas similares, aunque los lápices y los palitos de dibujo pueden lograr variaciones continuas en el tono. Por lo general, un dibujo se completa en función de la mano que prefiera el artista. Un artista diestro dibuja de izquierda a derecha para evitar manchar la imagen. Los borradores pueden eliminar líneas no deseadas, aclarar tonos y limpiar marcas perdidas. En un boceto o dibujo de contorno, las líneas dibujadas a menudo siguen el contorno del sujeto, creando profundidad al parecer sombras proyectadas por una luz en la posición del artista.
A veces, el artista deja intacta una sección de la imagen mientras completa el resto. La forma del área a preservar puede pintarse con líquido para enmascarar o cortarse de un frisket y aplicarse a la superficie de dibujo, protegiendo la superficie de marcas perdidas hasta que se quite la máscara.
Otro método para conservar una sección de la imagen es aplicar un fijador en aerosol a la superficie. Esto sujeta el material suelto con más firmeza a la hoja y evita que se manche. Sin embargo, el aerosol fijador generalmente usa productos químicos que pueden dañar el sistema respiratorio, por lo que debe emplearse en un área bien ventilada, como al aire libre.
Otra técnica es el dibujo sustractivo en el que la superficie de dibujo se cubre con grafito o carbón y luego se borra para crear la imagen.
Tono
El sombreado es la técnica de variar los valores tonales en el papel para representar el tono del material, así como la ubicación de las sombras. La atención cuidadosa a la luz reflejada, las sombras y los reflejos puede dar como resultado una interpretación muy realista de la imagen.
Blending utiliza un implemento para suavizar o extender los trazos del dibujo original. La mezcla se realiza más fácilmente con un medio que no se fije solo de inmediato, como el grafito, la tiza o el carbón, aunque la tinta recién aplicada se puede difuminar, húmeda o seca, para lograr algunos efectos. Para sombrear y difuminar, el artista puede usar un muñón para difuminar, un pañuelo de papel, un borrador amasado, la yema del dedo o cualquier combinación de ellos. Una gamuza es útil para crear texturas suaves y eliminar material para aclarar el tono. El tono continuo se puede lograr con grafito sobre una superficie lisa sin difuminar, pero la técnica es laboriosa, involucrando pequeños trazos circulares u ovalados con una punta algo roma.
Las técnicas de sombreado que también introducen textura en el dibujo incluyen sombreado y punteado. Un número de otros métodos producen textura. Además de la elección del papel, el material y la técnica de dibujo afectan a la textura. Se puede hacer que la textura parezca más realista cuando se dibuja junto a una textura contrastante; una textura gruesa es más evidente cuando se coloca junto a un área suavemente difuminada. Se puede lograr un efecto similar dibujando diferentes tonos juntos. Un borde claro junto a un fondo oscuro se destaca a la vista y casi parece flotar sobre la superficie.
Forma y proporción
Medir las dimensiones de un sujeto mientras se bloquea en el dibujo es un paso importante para producir una interpretación realista del sujeto. Se pueden usar herramientas como una brújula para medir los ángulos de diferentes lados. Estos ángulos se pueden reproducir en la superficie de dibujo y luego volver a verificar para asegurarse de que sean precisos. Otra forma de medición es comparar los tamaños relativos de diferentes partes del sujeto entre sí. Se puede usar un dedo colocado en un punto a lo largo del instrumento de dibujo para comparar esa dimensión con otras partes de la imagen. Una regla se puede usar como regla y como dispositivo para calcular proporciones.
Al intentar dibujar una forma complicada, como una figura humana, es útil al principio representar la forma con un conjunto de volúmenes primitivos. Casi cualquier forma puede representarse mediante alguna combinación de cubo, esfera, cilindro y cono. Una vez que estos volúmenes básicos se han ensamblado en una semejanza, el dibujo se puede refinar en una forma más precisa y pulida. Las líneas de los volúmenes primitivos se eliminan y se reemplazan por la semejanza final. Dibujar la construcción subyacente es una habilidad fundamental para el arte figurativo y se enseña en muchos libros y escuelas. Su aplicación correcta resuelve la mayoría de las incertidumbres sobre los detalles más pequeños y hace que la imagen final se vea consistente.
Un arte más refinado del dibujo de figuras depende de que el artista posea un conocimiento profundo de la anatomía y las proporciones humanas. Un artista capacitado está familiarizado con la estructura del esqueleto, la ubicación de las articulaciones, la ubicación de los músculos, el movimiento de los tendones y cómo las diferentes partes trabajan juntas durante el movimiento. Esto le permite al artista representar poses más naturales que no parecen artificialmente rígidas. El artista también está familiarizado con cómo las proporciones varían según la edad del sujeto, particularmente cuando dibuja un retrato.
Perspectiva
La perspectiva lineal es un método para representar objetos en una superficie plana de modo que las dimensiones se reduzcan con la distancia. Cada conjunto de bordes rectos y paralelos de cualquier objeto, ya sea un edificio o una mesa, sigue líneas que finalmente convergen en un punto de fuga. Por lo general, este punto de convergencia está en algún lugar a lo largo del horizonte, ya que los edificios se construyen al mismo nivel que la superficie plana. Cuando varias estructuras están alineadas entre sí, como edificios a lo largo de una calle, las partes superior e inferior horizontales de las estructuras normalmente convergen en un punto de fuga.
Cuando se dibujan los frentes y los lados de un edificio, las líneas paralelas que forman un lado convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que puede estar fuera del papel de dibujo). Esta es una perspectiva de dos puntos. La convergencia de las líneas verticales en un tercer punto por encima o por debajo del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.
La profundidad también se puede representar mediante varias técnicas además del enfoque de perspectiva anterior. Los objetos de tamaño similar deberían parecer cada vez más pequeños cuanto más lejos estén del espectador. Así, la rueda trasera de un carro parece un poco más pequeña que la rueda delantera. La profundidad se puede representar mediante el uso de textura. A medida que la textura de un objeto se aleja, se vuelve más comprimida y ocupada, adquiriendo un carácter completamente diferente que si estuviera cerca. La profundidad también se puede representar reduciendo el contraste en objetos más distantes y haciendo que sus colores estén menos saturados. Esto reproduce el efecto de la neblina atmosférica y hace que el ojo se centre principalmente en los objetos dibujados en primer plano.
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Arte
La composición de la imagen es un elemento importante en la producción de un trabajo interesante de mérito artístico. El artista planea la ubicación de los elementos en el arte para comunicar ideas y sentimientos al espectador. La composición puede determinar el enfoque del arte y dar como resultado un todo armonioso que sea estéticamente atractivo y estimulante.
La iluminación del sujeto también es un elemento clave en la creación de una pieza artística, y la interacción de luces y sombras es un método valioso en la caja de herramientas del artista. La ubicación de las fuentes de luz puede marcar una diferencia considerable en el tipo de mensaje que se presenta. Múltiples fuentes de luz pueden eliminar las arrugas del rostro de una persona, por ejemplo, y darle una apariencia más juvenil. Por el contrario, una sola fuente de luz, como la luz del día intensa, puede servir para resaltar cualquier textura o característica interesante.
Al dibujar un objeto o figura, el artista experto presta atención tanto al área dentro de la silueta como a lo que se encuentra fuera. El exterior se denomina espacio negativo y puede ser tan importante en la representación como la figura. Los objetos colocados en el fondo de la figura deben aparecer correctamente colocados dondequiera que se puedan ver.
Un estudio es un borrador de dibujo que se realiza como preparación para una imagen final planificada. Los estudios se pueden utilizar para determinar las apariencias de partes específicas de la imagen completa o para experimentar con el mejor enfoque para lograr el objetivo final. Sin embargo, un estudio bien elaborado puede ser una obra de arte por derecho propio, y se pueden dedicar muchas horas de trabajo cuidadoso para completar un estudio.
Proceso
Las personas muestran diferencias en su capacidad para producir dibujos visualmente precisos. Un dibujo visualmente preciso se describe como "reconocido como un objeto particular en un momento particular y en un espacio particular, representado con poca adición de detalles visuales que no se pueden ver en el objeto representado o con poca eliminación de detalles visuales". ”.
Los estudios de investigación han tenido como objetivo explicar las razones por las que algunas personas dibujan mejor que otras. Un estudio postuló cuatro habilidades clave en el proceso de dibujo: las habilidades motoras requeridas para hacer marcas, la propia percepción del dibujante de su dibujo, la percepción de los objetos que se dibujan y la capacidad de tomar buenas decisiones de representación. Siguiendo esta hipótesis, varios estudios han buscado concluir cuáles de estos procesos son más significativos para afectar la precisión de los dibujos.
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- Control de motor
El control del motor es un componente físico importante en la 'fase de producción' del proceso de dibujo. Se ha sugerido que el control motor juega un papel en la habilidad para dibujar, aunque sus efectos no son significativos.
- Percepción
Se ha sugerido que la capacidad de un individuo para percibir un objeto que está dibujando es la etapa más importante en el proceso de dibujo. Esta sugerencia está respaldada por el descubrimiento de una sólida relación entre la percepción y la capacidad de dibujar.
Esta evidencia actuó como la base de Betty Edwards' libro de cómo dibujar, Dibujando en el lado derecho del cerebro. Edwards tenía como objetivo enseñar a sus lectores a dibujar, basándose en el desarrollo de las habilidades perceptivas del lector.
Además, el influyente artista y crítico de arte John Ruskin enfatizó la importancia de la percepción en el proceso de dibujo en su libro Los elementos del dibujo. Afirmó que "porque estoy casi convencido de que una vez que vemos con la suficiente agudeza, hay muy pocas dificultades para dibujar lo que vemos".
- Memoria visual
También se ha demostrado que esto influye en la capacidad de crear dibujos visualmente precisos. La memoria a corto plazo juega un papel importante en el dibujo, ya que la mirada cambia entre el objeto que están dibujando y el dibujo en sí.
- Adopción de decisiones
Algunos estudios que comparan artistas con no artistas han encontrado que los artistas pasan más tiempo pensando estratégicamente mientras dibujan. En particular, los artistas pasan más tiempo en actividades 'metcognitivas' actividades tales como considerar diferentes planes hipotéticos sobre cómo podrían progresar con un dibujo.
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