Danza afroamericana

La danza afroamericana es una forma de danza creada por africanos en la diáspora, específicamente en los Estados Unidos. Se ha desarrollado en diversos espacios de las comunidades afroamericanas en los Estados Unidos, en lugar de estudios, escuelas o compañías. Estas danzas suelen centrarse en la práctica de la danza folclórica y social, aunque la danza escénica a menudo aporta aspectos complementarios a esto. Estas danzas, que otorgan un gran valor a la improvisación, se caracterizan por un cambio y un desarrollo continuos. Hay varias compañías de danza moderna afroamericanas notables que utilizan la danza cultural afroamericana como inspiración, entre ellas Whitey's Lindy Hoppers, Alvin Ailey American Dance Theater, Dance Theatre of Harlem y Katherine Dunham Company. Hollywood y Broadway también han brindado oportunidades para que los artistas afroamericanos compartan su trabajo y para que el público los apoye.

La danza afroamericana ha tenido muchas oleadas de ingenio, especialmente en el siglo XX. El Renacimiento de Harlem fue una época especialmente importante para esta forma de arte e influyó enormemente en la danza moderna.

La danza afroamericana ha sido una parte importante de la competencia, la tradición y la expresión cultural, y desempeña un papel integral en la cultura afroamericana. Muchos de estos movimientos de baile también han sido adoptados por bailarines blancos y han llegado a los medios de comunicación tradicionales.

Después del inicio del comercio de esclavos en el siglo XVI, los africanos llevaron sus danzas a América del Norte, Central y del Sur, así como a las islas del Caribe.

La zona de la Gran Chesapeake, que abarca Virginia, Maryland y gran parte de Carolina del Norte, fue el lugar más antiguo y quizás el más influyente del intercambio cultural entre negros y blancos que dio origen a la danza "afroamericana". Dadas sus diferencias culturales, en particular en lo que respecta a la música y la danza, lo más probable es que aprendieran a bailar juntos creando danzas completamente nuevas que se basaban en sus tradiciones sin replicarlas con precisión. En toda América, los esclavos mezclaron ritmos tribales de sus raíces en África con ritmos de salón de los EE. UU. para crear una forma distintiva de danza afroamericana. Los ritmos tribales con frecuencia se originaron en África oriental y occidental. Las formas de danza de llamada y respuesta que son populares entre los bailarines afroamericanos modernos pueden rastrear sus raíces hasta estos lugares. Los elementos de las danzas europeas también se absorbieron en estas danzas criollas y, a fines del siglo XVIII, la zona había desarrollado un estilo de danza reconocible.

La danza y la música eran una parte importante de la sociedad africana y esa tradición se mantuvo durante la diáspora. Los esclavos afroamericanos también utilizaban la danza y la música como parte de sus ceremonias religiosas y otros eventos sociales en su comunidad. En otras ocasiones, se obligaba a los esclavos a bailar como una forma de entretener a sus amos, pero los esclavos lo recuperaron como una forma de entretenerse y pasar el tiempo mientras trabajaban o por la noche cuando pasaban tiempo juntos.

El limitado registro pictórico indica que los movimientos africanos originales, que enfatizaban la flexión de la cintura y las caderas, finalmente desaparecieron en favor de un estilo más erguido, similar a las danzas europeas. Sin embargo, se ha argumentado que este cambio no fue una adopción del estilo europeo, sino que en realidad reflejó la práctica africana de llevar cargas pesadas sobre la cabeza, lo que requiere una columna vertebral recta y erguida. La danza negra continuó reflejando otras características africanas, como la angularidad y la asimetría de las posiciones corporales, múltiples ritmos corporales o polirritmos y un centro de gravedad bajo.

Katrina Thompson descubrió que la evolución de la música y la danza negras enfatiza la danza como una forma de liberación. En algunos casos, los dueños de esclavos obligaban a los esclavos a cantar y bailar para entretenerlos mientras trabajaban. El acto de cantar y bailar para sí mismos se convirtió así en un acto de recuperación. El cakewalk, por ejemplo, se desarrolló en las plantaciones como una burla sutil del baile formal y amanerado que practicaban los blancos dueños de esclavos. Los esclavos se vestían con galas heredadas y exageraban cómicamente los movimientos equilibrados de minuetos y valses para su propia diversión. Un artículo de 1981 escrito por Brooke Baldwin concluye que el cakewalk tenía como objetivo "satirizarse de la cultura rival de los blancos supuestamente "superiores". Los dueños de esclavos podían desestimar su amenaza en sus propias mentes al considerarlo como una simple actuación que existía para su propio placer".

Los esclavos negros solían bailar después de un día de recolección de algodón.

(artículo principal: Vodevil negro)

Las primeras representaciones de danzas afroamericanas en espacios convencionales no las hacían artistas negros, sino bailarines blancos con la cara pintada de negro. Estas representaciones de danza se interpretaban más como una comedia satírica o un "burlesque de payasadas" que como arte genuino.

Pero a finales del siglo XIX y principios del XX, empezaron a aparecer espectáculos de vodevil exclusivamente negros con bailarines de coro, como The Creole Show y Isham's Octaroons. Empresarios negros como Sherman Dudley, Pat Chapelle y las hermanas Griffin desarrollaron compañías de gira de vodevil y circuitos teatrales para mostrar el talento afroamericano, allanando el camino para el teatro musical afroamericano. Entre los artistas notables se encontraban la bailarina y coreógrafa Aida Overton Walker, "La reina de Cakewalk", y las hermanas Whitman, que dirigían una compañía de gira considerada "una incubadora de talento negro", especialmente bailarines. El claqué, una fusión de movimientos irlandeses y afroamericanos, se hizo popular en esta época gracias a bailarines negros, como Bill Bojangles Robinson, John Bubbles y los hermanos Nicholas. Los espectáculos de esta época introdujeron bailes como el Cakewalk, el Juba, el Pigeon Wing y el Possum Walk a más público. Esta era también incluyó una gran migración de artistas negros de los EE. UU. a Europa para escapar del intenso racismo que prevalecía, no solo en la escena del espectáculo, sino en todas partes.

Así como el Renacimiento de Harlem vio el desarrollo del arte, la poesía, la literatura y el teatro en Harlem a principios del siglo XX, también vio el desarrollo de una rica vida musical y de baile: clubes (Cotton Club), salones de baile (Savoy Ballroom), la fiesta de alquiler de casas y otros espacios negros como cuna de nuevos bailes, teatros y el cambio del vodevil a los "espectáculos" locales escritos y coreografiados por artistas afroamericanos; teatros como foros públicos para popularizar los bailes culturales afroamericanos. El Renacimiento de Harlem fue la primera vez que una producción completamente negra se encontró en Broadway, con Shuffle Along debutando en 1921. Florence Mills fue la primera mujer negra en encabezar un escenario de Broadway, y su trabajo ayudó a erradicar los estereotipos raciales de las personas negras, tanto en la industria del espectáculo como en la sociedad.

Tras el estreno de El gran Gatsby en 1925, los términos de danza afroamericanos empezaron a entrar en el argot estadounidense generalizado. Términos como "jazzin" it, "goose bumps", "in the groove" y "swing" empezaron a ser utilizados no sólo por la comunidad de artistas afroamericanos, sino también por los blancos promedio. Con la llegada de estos términos al público general, las personas que los originaron pronto siguieron su ejemplo. La primera compañía de danza profesional afroamericana, Hampton Creative Dance Group, se creó en 1928. Poco después, en 1931, Katherine Dunham creó Ballet Negre, posteriormente rebautizado como Chicago Dance Group. Dunham también coreografió un espectáculo titulado Rites de Passage en 1943, que detallaba la historia de su vida en Haití. Esta actuación fue una de las primeras de su tipo que contaba una historia específicamente negra que detallaba una experiencia con la que el público blanco no podría identificarse. Esto era muy novedoso para su época, ya que la mayoría de los espectáculos de ese momento eran actuaciones llenas de bailarines blancos que contaban historias blancas.

A finales de los años 60, Arthur Mitchell y Karel Shook crearon el Dance Theater of Harlem, que rápidamente se convirtió en una compañía de ballet afroamericana de renombre mundial. Enseñaban ballet clásico y danza étnica moderna, por lo que en sus actuaciones había una mezcla de tipos de danza que era exclusivamente afroamericana. El estudio realizó giras nacionales e internacionales, llegando incluso a actuar en la Casa Blanca y en los Juegos Olímpicos de 1984. Fue el primer estudio de danza dirigido a bailarines negros con el objetivo de darles la oportunidad de aprender todo tipo de danza. Sus esfuerzos dieron grandes pasos para eliminar la barrera del color en el campo de la danza, y especialmente en el ballet clásico.

En la década de 1980, el voguing era un tipo de actuación popular en eventos conocidos como Balls. La cultura de los Balls era una forma en la que las personas negras, en su mayoría artistas LGBTQ+ y mujeres, se reunían y competían, se exhibían y tenían la oportunidad de ser vistas. Paris Is Burning es un documental sobre la cultura de los Balls y su evolución, presentado a través de los ojos de las drag mothers (líderes de las casas drag). Analiza cómo empezaron, cómo llegaron a existir y su cultura.

La zona de la Bahía de San Francisco también contribuyó mucho al arte del hip hop, tanto en la música como en la estética del baile. A medida que el hip hop crecía en popularidad en Nueva York, el movimiento funk de la Costa Oeste también estaba prosperando, y ambos tuvieron influencias en el estilo del otro. KMEL era una estación de radio en San Francisco que era muy popular en los diferentes barrios de la zona de la Bahía, y tocaban música que no era muy convencional. La estación fue una de las primeras en tocar música hip hop, y ayudó a que consiguiera el alcance que necesitaba para volverse popular en toda la gran ciudad. El baile hip hop se convirtió en una parte tan integral de estas comunidades, que los diferentes barrios de la zona tenían cada uno estilos o técnicas característicos, y uno podía saber de dónde era alguien simplemente basándose en sus movimientos.

El breakdance es una parte central de la danza moderna afroamericana, ya que es la base de muchos otros tipos de danza específicos. También se considera uno de los pilares del hip hop y es esencial para esa comunidad musical y esa estética.

El breakdance se creó en el sur del Bronx, Nueva York, en los años 70, comenzando como un movimiento de baile underground. Comenzó como resultado de la música hip-hop, como una actuación física durante el interludio de la sesión de un DJ. Las voces se apagaban y se convertía en música instrumental. Esta "interrupción" en la canción se acompañaba de un baile, y así se acuñó el término "breakdance". La improvisación juega un papel clave en el breakdance, ya que permite a las personas expresarse a sí mismas y a sus impulsos viscerales, de forma similar a los movimientos que se encuentran en la danza espiritual africana, así como competir con otros y mostrar sus habilidades en el momento. Ser capaz de pensar con rapidez es crucial para el hip-hop y el breakdance, y la impulsividad es parte del estilo artístico.[5] Parte del aspecto de masas del breakdance es el concepto de cifra. Cypher se refiere al grupo de espectadores que se reúnen alrededor de los bailarines de breakdance para animarlos, insultarlos y, en general, reaccionar ante la competencia.

El breakdance se volvió popular en la década de 1980, tras el estreno de la película Flashdance, que mostraba los movimientos de baile del breakdance al mundo. Desde entonces, se ha convertido en una forma de arte y un fenómeno internacional, que se ha extendido a otros países como Alemania, Corea del Sur, Japón y Francia. También se ha abierto camino en muchos ámbitos de la danza más profesionales, como el programa de competición So You Think You Can Dance. Sin embargo, las representaciones que Hollywood ha hecho del breakdance han sido ligeramente perjudiciales, porque han reducido el movimiento de baile hip-hop al breakdance y han ignorado muchos otros tipos de baile.

La competencia ha jugado un papel importante en el baile social afroamericano desde hace mucho tiempo, desde las "batallas" del hip hop y el lindy hop hasta el cakewalk. Las actuaciones también se han integrado en la vida cotidiana del baile, desde la relación entre la actuación y la socialización en el claqué hasta los "shows" que se realizaban en los salones de baile de Harlem en la década de 1930.

• Juke joint, street parties, rent party and the importance of the front porch
• Salas de baile, clubes de cabaret y salas de iglesia

• Cakewalks, descrito como un baile que deriva de esclavos antes de la guerra civil; originalmente llamado "el paseo del premio". Acompañado el estilo "ragtime" de la música a finales del siglo XIX, que así como el baile mismo vino a formar de los afroamericanos.
• La bola de luna de cosecha
• Breakdance
• Lindy Hop

La danza afroamericana se utiliza a menudo como una forma de combatir el colonialismo y la supremacía blanca. Estas actuaciones pueden considerarse un comentario sobre la sociedad actual o del pasado. A menudo, la danza se utiliza para combatir los estereotipos, empoderar a los bailarines al liberarse de los estándares de belleza occidentales y eurocéntricos y ayudarlos a superar el trauma racial generacional.

En este caso, la danza se utiliza para contar historias personales de los afrodescendientes y de la diáspora africana. Incorpora movimientos de danza que provienen de la propia África, así como de otras poblaciones de la diáspora, como las que se encuentran en Haití y el Caribe. Este estilo de danza de fusión, una combinación de la flexibilidad y fluidez de las danzas de estilo europeo con el estilo africano de movimientos aislados y vívidos, se puede utilizar para crear técnicas modernas que representen mejor su historia. Como vemos en los ballets clásicos, donde se cuenta una historia a través de la danza, este estilo de danza de fusión también sirve para contar las historias de los bailarines afroamericanos y sus antepasados.

La danza también puede utilizarse para unir a las poblaciones afroamericanas. En entornos urbanos que sufren mucha violencia de pandillas, el breakdance puede ser una forma alternativa de resolver disputas. Utiliza la mente y el cuerpo para competir entre sí, y se puede encontrar un claro ganador en función de las reacciones del público, pero no requiere violencia. Las pandillas pueden resolver sus disputas con actuaciones en solitario o en grupo, sin armas ni derramamiento de sangre.

En la mayoría de las culturas de danza afroamericanas, aprender a bailar no sucede en aulas formales o estudios de danza. Los niños a menudo aprenden a bailar a medida que crecen, desarrollando no solo una conciencia corporal sino también una estética de la danza que es particular de su comunidad. Aprender a bailar, aprender sobre el movimiento rítmico, sucede de la misma manera que desarrollar un "acento" del idioma local o un conjunto particular de valores sociales. Los niños aprenden pasos de baile específicos o "cómo bailar" de sus familias, generalmente de hermanos y hermanas mayores, primos u otros niños mayores. Debido a que la danza cultural ocurre en espacios cotidianos, los niños a menudo bailan con miembros mayores de la comunidad en sus hogares y vecindarios, en fiestas y bailes, en ocasiones especiales o siempre que grupos de personas se reúnen para "pasar un buen rato". Las tradiciones de danza cultural son, por lo tanto, a menudo tradiciones intergeneracionales, y los bailarines más jóvenes a menudo "reviven" bailes de generaciones anteriores, aunque con nuevas formas "cool". variaciones y "estilos". Esto no quiere decir que no haya limitaciones sociales sobre quién puede bailar con quién y cuándo. Las parejas de baile (o las personas con las que bailar) se eligen en función de una serie de factores sociales, como la edad, el sexo, el parentesco, los intereses, etc. Los grupos de baile más comunes suelen estar compuestos por personas de edad, origen y, a menudo, sexo similares (aunque este es un factor variable).

Lee Ellen Friedland y otros autores sostienen que hablar de danza cultural sin hablar de música, arte o teatro es como hablar de peces sin hablar de agua. La música y la danza están íntimamente relacionadas en la danza cultural afroamericana, no sólo como acompañamientos, sino como procesos creativos entrelazados.

"Danza cultural afroamericana" fue una descripción acuñada por el autor e investigador de la Asociación Nacional de Danza Frank R. Ross, quien reemplazó correctamente la antigua definición estereotipada "vernácula" (nativa o natural) de la danza afroamericana por su definición correcta como "cultural" (sancionada por la Asociación Nacional de Danza y el Consejo Internacional de Danza).

Algunos de los bailes afroamericanos populares de hoy son el Detroit Ballroom and Social – Chicago Steppin & Walking, D.C. Baltimore, Hand Dance, Calypso & The NAACP Sanctioned Grand March – National Black Wedding & Reunion Dance. Las organizaciones de baile afroamericano populares se combinan perfectamente con Gentlemen of Ballroom de Cleveland Master Dancers de Akron, OH. Dance Fusion, World Class-Detroit, Majestic Gents – Chicago Smooth & Easy D.C. Tri – State – Love to dance – Sugarfoot de Baltimore, MD. La nueva forma de arte de baile estadounidense de danza y música cultural afroamericana fue aceptada en el plan de estudios de educación en danza de las escuelas de la ciudad de Nueva York.

Jacqui Malone describe las relaciones entre los bailarines de claqué que viajaban con las bandas a principios del siglo XX, describiendo la forma en que los bailarines de claqué trabajaban con los músicos para crear nuevos ritmos. Se ha escrito mucho sobre la relación entre la improvisación en el jazz y la improvisación en la danza jazz: las dos están vinculadas por su énfasis en la improvisación y los añadidos creativos a las composiciones mientras están en proceso (coreografía y composición en el momento, en un contexto social), en lugar de una división estricta entre "creación" e "interpretación", como en la tradición operística y del ballet de clase media europea. Se supone que la danza africana trata de una persona que se conecta con la tierra y cuenta su historia y sus luchas a través de la danza. También permite a las personas sentir las vibraciones de su danza bajo sus pies, lo que les permite bailar como quieran, utilizando el espacio que tienen para poder expresarse libremente.

Es igualmente importante hablar de la relación entre los DJs, MCs, b-boys y b-girls y los artistas del graffiti en la cultura del hip hop, y John F. Szwed y Morton Marks han analizado el desarrollo del jazz y la danza jazz en Estados Unidos a partir de los bailes y suites de baile europeos en relación con el desarrollo de la artesanía musical.

La danza moderna afroamericana combina la danza moderna con el movimiento africano y caribeño (torso y columna vertebral flexibles, pelvis articulada, aislamiento de las extremidades y movimiento polirrítmico). Entre los personajes destacados se encuentran:

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  Katherine Dunham (1909–2006) formada en ballet, fundada Ballet Negre en 1936 y luego la Katherine Dunham Dance Company con sede en Chicago. En 1945 abrió una escuela en Nueva York, enseñando Katherine Dunham Technique, movimiento africano y caribeño integrado con ballet y danza moderna.

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  Pearl Primus (1919–1994), nacida en Trinidad, aprovechó las danzas africanas y caribeñas para crear fuertes obras dramáticas caracterizadas por grandes saltos. Ella a menudo basó sus danzas en el trabajo de escritores negros y en temas raciales, como Langston Hughes 1944 El Negro habla de ríosy Lewis Allan en 1945 Fruta extraña (1945). Su compañía de baile se convirtió en Pearl Primus Dance Language Institute.
• Alvin Ailey (1931–1989) estudió bajo Lester Horton, Bella Lewitzky y más tarde Martha Graham. Pasó varios años trabajando tanto en concierto como en danza teatral. En 1958, Ailey y un grupo de jóvenes bailarines afroamericanos actuaron como el Teatro de Danza Americana Alvin Ailey en Nueva York. Dibujó sus "recuerdos recuerdos" de Texas, los azules, los espirituales y el evangelio como inspiración. Su obra más popular y críticamente aclamada es Apocalipsis (1960).
• Eleo Pomare (1937-2008) nació en Colombia, pero se trasladó a Nueva York como niño, y posteriormente fundó la Compañía de Danza Eleo Pomare. Con Carole Johnson, Rod Rodgers, Gus Solomon y Pearl Reynolds, cofundó la Asociación de Coreógrafos Negros, que fue el predecesor de la Organización Moderna para la Evolución de la Danza, o MODE. Su trabajo tuvo un profundo impacto en muchos bailarines y coreógrafos, incluyendo australianos indígenas.
• Carole Johnson (nacida en 1940) bailó con la compañía de Pomare, contribuyó a la definición de "Black Dance", y deja un gran legado en Australia en forma de la NAISDA Dance College y el Bangarra Dance Theatre.

La danza fue y es una parte integral de la expresión religiosa comunitaria de África occidental. Esta tradición, en la medida en que lo permitieron los dueños de esclavos, continuó en el culto de los esclavos y otros afroamericanos antes de la guerra. Un ejemplo fue el grito circular en la iglesia primitiva. El baile, especialmente en grupo, se volvió menos frecuente cuando los afroamericanos se unieron a denominaciones más litúrgicas como la metodista y la católica, pero probablemente se mantuvo más en las iglesias de Santidad, Bautista y Pentecostal. Las personas a menudo se levantaban para bailar cuando se les pedía que lo hicieran. Desde la década de 1970, la danza litúrgica ha sido más aceptada como un elemento del culto incluso entre las iglesias metodistas y otras iglesias litúrgicas. El movimiento de conciencia negra de las décadas de 1960 y 1970, así como los esfuerzos de grupos como The Sacred Dance Guild, fomentaron esta forma de baile, que se basa en la danza moderna y la danza jazz. Desde fines de la década de 1980, la pantomima gospel, en la que se representan textos y letras, ha encontrado cierta aceptación en las iglesias negras.

• Buck dance
• Patting juba
• Stick dance (African-American)
• Pigeon Wing
• Possum Walk
• Black Bottom
• Itch

Géneros de baile:

• Bailar
• Cakewalk
• Set de flo '

Géneros y movimientos de baile:

• Swing
• Lindy Hop
• Charleston
• Texas Tommy
• Jitterbug
• Gran Apple
• Un paso
• Buzzards Lope
• Suzie Q
• Camel Walk

• Paso
• La parada de autobús
• El Stroll

Géneros musicales:

• Funk
• Northern Soul
• Motown
• Rapping
• Adult African American Dance

Bailes y movimientos:

• Set de flo '
• Monkey
• James Brown
• El Twist
• Strand
• Baile de mano
• Detroit Social

Géneros musicales:

• Disco
• Go-go
• Música hip-hop
• Sonido de Minneapolis
• Philadelphia soul

Géneros y movimientos de baile:

• Boogaloo
• Popping
• Cerradura
• El Robot
• El gusano
• Diapositiva eléctrica
• Strut

Géneros musicales:

• Rap (+ beatboxing)
• Música de casa
• Nuevo swing de gato
• Pop rap

Géneros y movimientos de baile:

• Break-dancing
• Hip Hop
• Moonwalk
• Hammertime
• Voguing
• Crip Walk
• Primetime
• Cabbage Patch
• Hombre corriendo
• Chicago Stepping
• Detroit Ballroom
• Gangsta Walking

Géneros musicales:

• Crunk
• Música de trampa

Géneros y movimientos de baile:

• Krumping
• Turfing
• Jerkin '
• Sacudo de Harlem (popularizado en los años 2000)
• Papá.
• Dougie
• Jookin
• Twerking, parte de un conjunto más grande de movimientos únicos al estilo de Nueva Orleans de hip hop conocido como "bounce", especialmente post-[Hurricane Katrina después 2005]
• Dab
• Milly Rock
• Whip y Nae Nae
• Golpea el Quan
• La danza de la chimenea
• Stanky Leg
• Ese chico Soulja

• Cultura afroamericana
• Historia afroamericana
• Música afroamericana
• Danza en los Estados Unidos
  • Danza moderna en Estados Unidos
• ¡Abajo!
• Jazz dance
• Baile hip-hop
• Street dance
• African dance

• DeFrantz, Thomas. Dancing Many Drums: Excavations in African-American Dance. Wisconsin: University of Wisconsin Press, 2002.
• Emery, Lynne Fauley. Danza Negra en los Estados Unidos de 1619 a 1970. California: National Press Books, 1972.
• Glass, Barbara S. African American Dance. McFarland & Company, 2007. ISBN 978-0-7864-7157-7.
• Tengo un hijo, Brenda Dixon. Digging the Africanist Presence in American Performance. Connecticut y Londres: Greenwood Press, 1996.
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• Hazzard-Gordon, Katrina. Jookin': El ascenso de las formaciones de la danza social en la cultura afroamericana. Philadelphia: Temple University Press, 1990.
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• Malone, Jacqui. Paso en los azules: los ritmos visibles de la danza afroamericana. Urbana y Chicago: University of Illinois Press, 1996.
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• Discusión de las raíces de la danza social afroamericana con manifestaciones. Duke University.