Damien Hirst

Damien Steven Hirst (né Brennan; nacido el 7 de junio de 1965) es un artista, empresario y coleccionista de arte inglés. Es uno de los Jóvenes Artistas Británicos (YBA) que dominó la escena artística en el Reino Unido durante la década de 1990. Según los informes, es el artista vivo más rico del Reino Unido, con una riqueza estimada en 384 millones de dólares estadounidenses en la Lista de ricos del Sunday Times de 2020. Durante la década de 1990 su carrera estuvo muy ligada a la del coleccionista Charles Saatchi, pero en 2003 las crecientes fricciones llegaron a un punto crítico y la relación terminó.

La muerte es un tema central en las obras de Hirst. Se hizo famoso por una serie de obras de arte en las que se conservan animales muertos (incluidos un tiburón, una oveja y una vaca), a veces diseccionados, en formaldehído. El más conocido de ellos fue La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, un tiburón tigre de 4,3 m (14 pies) sumergido en formaldehído en una vitrina transparente. También ha realizado "pinturas giratorias", creadas en una superficie circular giratoria, y "pinturas puntuales", que son filas de círculos de colores aleatorios creados por sus asistentes.

En septiembre de 2008, Hirst hizo un movimiento sin precedentes para un artista vivo al vender un espectáculo completo, Beautiful Inside My Head Forever, en una subasta de Sotheby's y pasar por alto sus galerías de larga data. La subasta recaudó £ 111 millones ($ 198 millones), rompiendo el récord de una subasta de un artista, así como el récord de Hirst con £ 10,3 millones para The Golden Calf, un animal con cuernos y pezuñas de oro de 18 quilates, conservado en formaldehído.

Desde 1999, las obras de Hirst han sido cuestionadas y cuestionadas como plagiadas 16 veces. En un caso, después de que se descubriera que su escultura Hymn estaba estrechamente basada en un juguete de niño, los procedimientos legales llevaron a un acuerdo extrajudicial.

Vida temprana y formación

Hirst nació como Damien Steven Brennan en Bristol y creció en Leeds con su madre irlandesa que trabajaba para la Oficina de Atención al Ciudadano. Nunca conoció a su padre; su madre se casó con su padrastro cuando Hirst tenía dos años y la pareja se divorció 10 años después. Según los informes, su padrastro era mecánico de motores.

Su madre afirmó que perdió el control de su hijo cuando era pequeño, ya que fue arrestado en dos ocasiones por hurto en una tienda. Hirst la ve como alguien que no toleraría la rebelión: le cortó los pantalones bondage y calentó uno de sus discos de vinilo de Sex Pistols en la cocina para convertirlo en un frutero (o en una maceta). Él dice: "Si a ella no le gustaba cómo estaba vestido, rápidamente me sacaría de la parada de autobús". Sin embargo, ella alentó su gusto por el dibujo, que era su única materia educativa exitosa.

Su profesor de arte en la escuela Allerton Grange "suplicó" que se le permitiera a Hirst ingresar a la sexta forma, donde tomó dos niveles A, logrando una calificación de "E" en arte. Se le negó la admisión a Jacob Kramer College cuando presentó la solicitud por primera vez, pero asistió a la escuela de arte después de una solicitud posterior exitosa para el curso del Diploma de la Fundación.

Fue a una exposición de obras de Francis Davison, organizada por Julian Spalding en la Hayward Gallery en 1983. Davison creó collages abstractos a partir de papeles de colores rasgados y cortados que, dijo Hirst, "me dejaron boquiabierto", y modeló su propio trabajo. en los próximos dos años.

Trabajó durante dos años en obras de construcción en Londres, luego estudió Bellas Artes en Goldsmiths College (1986-1989), aunque nuevamente se le negó un lugar la primera vez que presentó la solicitud. En 2007, el tutor principal de Goldsmiths, Michael Craig-Martin, citó a Hirst diciendo sobre An Oak Tree: "Creo que esa pieza es la mejor pieza de escultura conceptual. Todavía no puedo sacarla de mi cabeza. " Mientras era estudiante, Hirst tuvo una colocación en una morgue, una experiencia que influyó en sus temas y materiales posteriores. Mientras estudiaba arte, Hirst fue asistente en la galería de Anthony d' Offay.

Carrera temprana: espectáculos de estudiantes y almacenes

En julio de 1988, en su segundo año en Goldsmiths College, Hirst fue el principal organizador de una exposición estudiantil independiente, Freeze, en un bloque administrativo en desuso de la Autoridad Portuaria de Londres en los Docklands de Londres. Obtuvo el patrocinio para este evento de London Docklands Development Corporation. La muestra fue visitada por Charles Saatchi, Norman Rosenthal y Nicholas Serota, gracias a la influencia de su profesor de Goldsmiths, Michael Craig-Martin. La propia contribución de Hirst a la muestra consistió en un grupo de cajas de cartón pintadas con pintura para el hogar. Después de graduarse, Hirst fue incluida en la exposición New Contemporaries y en una exposición colectiva en la galería Kettle's Yard de Cambridge. Buscando un galerista, primero se acercó a Karsten Schubert, pero fue rechazado.

Hirst, junto con su amigo Carl Freedman y Billee Sellman, organizaron dos programas de "almacén" emprendedores en 1990, Modern Medicine and Gambler, en una antigua fábrica de galletas Peek Freans de Bermondsey que denominaron "Building One". Saatchi llegó al segundo espectáculo en un Rolls Royce verde y, según Freedman, se quedó con la boca abierta de asombro frente a (y luego compró) la primera gran instalación de "animales" de Hirst, A Thousand Years, que consiste en una gran caja de vidrio que contiene gusanos y moscas alimentándose de la cabeza de una vaca podrida. También montaron Michael Landy's Market.En ese momento, Hirst dijo: "No puedo esperar a estar en una posición para hacer arte realmente malo y salirme con la mía. En este momento, si hiciera ciertas cosas, la gente lo miraría, lo consideraría y luego diría 'f apagado'. Pero después de un tiempo puedes salirte con la tuya".

Carrera profesional

1987-1990

1987 - Damien Hirst y Holden Rowan, Old Court Gallery, Windsor Arts Centre, Windsor, Reino Unido - Curador Derek Culley

1988 - Damien Hirst: construcciones y esculturas, Old Court Gallery, Windsor, Reino Unido - Curador Derek Culley

1988 - Freeze, Surrey Docks, Londres, Reino Unido

1989 - Nuevos Contemporáneos, Instituto de Arte Contemporáneo, Londres, Reino Unido

1990 – Medicina Moderna, Building One, Londres, Reino Unido

1990 – Gambler, Building One, Londres, Reino Unido

1990 – Building One, Galería Emmanuel Perrotin, París, FR

1991-1994

Su primera exposición individual, organizada por Tamara Chodzko – Dial, In and Out of Love, se llevó a cabo en una tienda en desuso en Woodstock Street en el centro de Londres en 1991; ya en 1989 había formado parte de una exposición colectiva en el Instituto de Arte Contemporáneo, y la Galería Emmanuel Perrotin de París. La Serpentine Gallery presentó el primer sondeo de la nueva generación de artistas con la exposición Broken English, en parte comisariada por Hirst. En 1991, Hirst conoció al comerciante de arte emergente, Jay Jopling, quien lo representó.

En 1991, Charles Saatchi se ofreció a financiar cualquier obra de arte que Hirst quisiera hacer, y el resultado se exhibió en 1992 en la primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres. El trabajo de Hirst se tituló La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo y era un tiburón en formaldehído en una vitrina y se vendió por 50.000 libras esterlinas. El tiburón había sido capturado por un pescador comisionado en Australia y había costado £ 6,000. La exposición también incluyó En mil años. Como resultado del espectáculo, Hirst fue nominado para el Premio Turner de ese año, pero fue otorgado a Grenville Davey.

La primera gran presentación internacional de Hirst fue en la Bienal de Venecia de 1993 con la obra Mother and Child Divided, una vaca y un ternero cortados en secciones y exhibidos en una serie de vitrinas separadas. Curó la muestra Some Went Mad, Some Run Away en 1994 en la Serpentine Gallery de Londres, donde expuso Away from the Flock (una oveja en un tanque de formaldehído). El 9 de mayo, Mark Bridger, un artista de Oxford de 35 años, entró en la galería y vertió tinta negra en el tanque, y retituló la obra Black Sheep. Posteriormente fue procesado, por deseo de Hirst, y recibió dos años de libertad condicional. La escultura fue restaurada a un costo de £ 1,000. Cuando una fotografía de Away from the Flockfue reproducido en el libro de 1997 de Hirst Quiero pasar el resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, para siempre, ahora, se hizo referencia al vandalismo al permitir que el tanque se oscureciera al sacar una tarjeta, reproducir el efecto de la tinta que se vierte en el depósito; esto resultó en que Hirst fuera demandado por Bridger por violar sus derechos de autor en Black Sheep.

1995-1999

En 1995, Hirst ganó el Premio Turner. Los funcionarios de salud pública de Nueva York prohibieron Two Fucking y Two Watching con una vaca y un toro en descomposición, por temor a "vomitar entre los visitantes". Hubo exposiciones individuales en Seúl, Londres y Salzburgo. Dirigió el video de la canción "Country House" para la banda Blur. No Sense of Absolute Corruption, su primera exposición individual en la Gagosian Gallery de Nueva York se presentó al año siguiente. En Londres se proyectó el cortometraje Hanging Around, escrito y dirigido por Hirst y protagonizado por Eddie Izzard. En 1997 se inauguró la exposición Sensation en la Royal Academy de Londres. Mil añosy se incluyeron otras obras de Hirst, pero la principal controversia se dio por las obras de otros artistas. Sin embargo, se vio como la aceptación formal de los YBA en el establecimiento.

En 1997, se publicó su autobiografía y libro de arte, Quiero pasar el resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, para siempre, ahora. Con Alex James de la banda Blur y el actor Keith Allen, formó la banda Fat Les, logrando un éxito número 2 con una estridente canción de temática futbolística Vindaloo, seguida por Jerusalem con el London Gay Men's Chorus. Hirst también pintó un patrón de color simple para la sonda Beagle 2. Este patrón se usaría para calibrar las cámaras de la sonda después de que aterrizara en Marte. Rechazó la invitación del British Council para ser el representante del Reino Unido en la Bienal de Venecia de 1999 porque "no se sentía bien".Amenazó con demandar a British Airways alegando una violación de los derechos de autor sobre un diseño publicitario con manchas de colores para su aerolínea de bajo presupuesto, Go.

2000-2004

En 2000, la escultura Hymn de Hirst (que Saatchi había comprado por un millón de libras esterlinas) obtuvo la primera posición en la exposición Ant Noises (un anagrama de "sensación") en la Galería Saatchi. Luego, Hirst fue demandado por violación de los derechos de autor sobre esta escultura (ver Apropiación a continuación). Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a la primera. En septiembre de 2000, en Nueva York, Larry Gagosian realizó la exposición Hirst, Damien Hirst: modelos, métodos, enfoques, suposiciones, resultados y hallazgos. 100.000 personas visitaron la feria en 12 semanas y se vendió toda la obra.

El 10 de septiembre de 2002, en vísperas del primer aniversario de los ataques del 11 de septiembre al World Trade Center, Hirst dijo en una entrevista con BBC News Online:

Lo que pasa con el 11 de septiembre es que es como una obra de arte por derecho propio. Fue malvado, pero fue diseñado de esta manera para este tipo de impacto. Fue ideado visualmente... Tienes que reconocérselo en algún nivel porque han logrado algo que nadie hubiera creído posible, especialmente en un país tan grande como Estados Unidos. Entonces, en un nivel, necesitan felicitaciones, algo que mucha gente evita, lo cual es algo muy peligroso.

La semana siguiente, tras la indignación pública por sus comentarios, emitió un comunicado a través de su empresa, Science Ltd:

Pido disculpas sin reservas por cualquier disgusto que haya causado, en particular a las familias de las víctimas de los hechos de ese terrible día.

En 2002, Hirst dejó de fumar y beber después de que su esposa Maia se quejara y "tuviera que mudarse porque yo era tan horrible". Conoció a Joe Strummer (ex cantante principal de The Clash) en Glastonbury en 1995, se hicieron buenos amigos y se fueron de vacaciones familiares anuales con él. Justo antes de la Navidad de 2002, Strummer murió de un infarto. Esto tuvo un efecto profundo en Hirst, quien dijo: "Fue la primera vez que me sentí mortal". Posteriormente, dedicó mucho tiempo a fundar una organización benéfica, Strummerville, para ayudar a los jóvenes músicos.

En abril de 2003, la Galería Saatchi abrió sus puertas en un nuevo local en County Hall, Londres, con una muestra que incluía una retrospectiva de Hirst. Esto provocó una creciente tensión en su relación con Saatchi (una fuente de controversia había sido quién era el mayor responsable de impulsar su perfil mutuo). Hirst se desvinculó de la retrospectiva hasta el punto de no incluirla en su currículum. Estaba enojado porque un automóvil Mini que había decorado con fines benéficos con sus marcas registradas se exhibió como una obra de arte seria. El espectáculo también echó por tierra una posible retrospectiva de Hirst en la Tate Modern. Dijo que Saatchi era "infantil".y "No soy el mono del organillo de Charles Saatchi... Él solo reconoce el arte con su billetera... cree que puede afectar los valores del arte con poder adquisitivo, y todavía cree que puede hacerlo".

En septiembre de 2003, tuvo una exposición Romance in the Age of Uncertainty en la galería White Cube de Jay Jopling en Londres, que le reportó 11 millones de libras esterlinas, elevando su riqueza a más de 35 millones de libras esterlinas. Se informó que una escultura, Caridad, se había vendido por 1,5 millones de libras esterlinas a un coreano, Kim Chang-Il, que tenía la intención de exhibirla en la galería de sus grandes almacenes en Seúl. La escultura de 22 pies (6,7 m) y 6 toneladas se basó en el modelo de la Spastic Society de la década de 1960, que es de una niña con grilletes en las piernas sosteniendo una caja de recolección. En la versión de Hirst, la caja colectora se muestra abierta y vacía.

Charity se exhibió en el centro de Hoxton Square, frente a White Cube. Dentro de la galería de la planta baja había 12 vitrinas que representaban a los discípulos de Jesús, cada vitrina contenía en su mayoría elementos espantosos, a menudo manchados de sangre, relevantes para el discípulo en particular. Al final había una vitrina vacía, que representaba a Cristo. Arriba había cuatro vitrinas pequeñas, cada una de las cuales contenía una cabeza de vaca clavada con tijeras y cuchillos. Se ha descrito como una "experiencia extraordinariamente espiritual" en la tradición de la imaginería católica. En ese momento, Hirst volvió a comprar 12 obras de Saatchi (un tercio de las tenencias de Saatchi de las primeras obras de Hirst), a través de Jay Jopling, según se informa por más de £ 8 millones. Hirst había vendido estas piezas a Saatchi a principios de la década de 1990 por bastante menos, sus primeras instalaciones costaron menos de £ 10,000.

El 24 de mayo de 2004, un incendio en el almacén de Momart destruyó muchas obras de la colección Saatchi, incluidas 17 de Hirst, aunque la escultura Charity sobrevivió, ya que estaba afuera en el patio del constructor. Ese julio, Hirst dijo de Saatchi: "Respeto a Charles. Realmente no hay una disputa. Si lo veo, hablamos, pero nunca fuimos realmente amigos de bebida".

Hirst diseñó una imagen de portada para el sencillo benéfico Band Aid 20 con "Grim Reaper" a fines de 2004, y una imagen que muestra a un niño africano posado sobre su rodilla. Este diseño no fue del agrado de los ejecutivos de la discográfica y fue reemplazado por un reno en la nieve parado junto a un niño.

En diciembre de 2004, Saatchi vendió La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive al coleccionista estadounidense Steve Cohen, por $ 8 millones, en un acuerdo negociado por el agente de Hirst en Nueva York, Gagosian. Cohen, un administrador de fondos de cobertura de Greenwich, luego donó el trabajo al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Sir Nicholas Serota había querido adquirirlo para la Tate Gallery, y Hugo Swire, Ministro de las Artes en la sombra, presentó una pregunta para preguntar si el gobierno se aseguraría de que permaneciera en el país.

2005-2009

Hirst exhibió 30 pinturas en la Gagosian Gallery de Nueva York en marzo de 2005. Le tomó tres años y medio completarlas. Se basaron estrechamente en fotografías, en su mayoría de asistentes (que fueron rotando entre pinturas), pero con un acabado final de Hirst. También en 2005, Hirst fundó la editorial de libros de arte Other Criteria.

En febrero de 2006, inauguró una importante muestra en México, en la Galería Hilario Galguera, llamada La muerte de Dios, hacia una mejor comprensión de la vida sin Dios a bordo del barco de los locos, una exposición que atrajo una considerable cobertura mediática como la primera muestra de Hirst en America latina. En junio de ese año expuso junto a la obra de Francis Bacon (Triptychs) en la Gagosian Gallery, Britannia Street, Londres, exposición que incluía la vitrina A Thousand Years (1990), y cuatro trípticos: pinturas, botiquines y un nuevo trabajo de formaldehído titulado La tranquilidad de la soledad (para George Dyer), influenciado por Bacon.

A Thousand Years (1990) contiene un ciclo de vida real. Los gusanos eclosionan dentro de una caja mínima blanca, se convierten en moscas y luego se alimentan de una cabeza de vaca ensangrentada y cortada en el piso de una vitrina de vidrio claustrofóbica. Arriba, moscas nacidas zumban en el espacio cerrado. Muchos encuentran un final violento en un insecto-o-cutor; otros sobreviven para continuar el ciclo. A Thousand Years fue admirado por Bacon, quien en una carta a un amigo un mes antes de morir, escribió sobre la experiencia de ver la obra en la Saatchi Gallery de Londres. Margarita Coppack apunta que "Es como si Bacon, un pintor sin heredero directo en ese medio, pasara el relevo a una nueva generación". Hirst ha reconocido abiertamente su deuda con Bacon, absorbiendo tempranamente las imágenes viscerales y las obsesiones del pintor y dándoles existencia concreta en forma escultórica con obras como Mil años.

Hirst ganó el récord mundial de la obra de arte más cara de un artista vivo: su Lullaby Spring en junio de 2007, cuando un gabinete de acero de 3 metros de ancho con 6.136 pastillas se vendió por 19,2 millones de dólares al jeque Hamad bin Khalifa Al-Thani. el emir de Qatar.

En junio de 2007, Beyond Belief, una exposición del nuevo trabajo de Hirst, se inauguró en la galería White Cube de Londres. La pieza central, un Memento Mori titulado Por el amor de Dios, era un cráneo humano recreado en platino y adornado con 8.601 diamantes con un peso total de 1.106,18 quilates. Se utilizaron aproximadamente £ 15,000,000 en diamantes. Se inspiró en un cráneo del siglo XVIII, pero la única parte humana que sobrevive del original son los dientes. El precio de venta de For the Love of God fue de 50.000.000 libras esterlinas (100 millones de dólares o 75 millones de euros). No se vendió por completo y el 30 de agosto de 2008 se vendió a un consorcio que incluía al propio Hirst y su galería White Cube.

En noviembre de 2008, el cráneo se exhibió en el Rijksmuseum de Amsterdam junto a una exposición de pinturas de la colección del museo seleccionadas por Hirst. Wim Pijbes, el director del museo, dijo sobre la exposición: "Refuerza nuestra imagen. Por supuesto, hacemos los Viejos Maestros, pero no somos una 'institución de ayer'. Es por ahora. Y Damien Hirst muestra esto de una manera muy fuerte.."

En diciembre de 2008, Hirst se puso en contacto con la Design and Artists Copyright Society (DACS) para exigir que se tomaran medidas sobre las obras que contenían imágenes de su escultura de calavera Por el amor de Dios, realizadas por un artista de graffiti de 16 años, Cartrain, y vendidas en Internet. galería 100artworks.com. Siguiendo el consejo de su galería, Cartrain entregó las obras de arte a DACS y perdió las 200 libras esterlinas que había ganado; dijo: "Conocí a Christian Zimmermann [de DACS], quien me dijo que Hirst ordenó personalmente que se tomaran medidas al respecto".En junio de 2009, el abogado de derechos de autor Paul Tackaberry comparó las dos imágenes y dijo: "Esto no es polémico legalmente. Pregúntese qué parte del original, y no solo la cantidad sino también la calidad, aparece en el nuevo trabajo. Si una 'parte sustancial' del 'original' aparece en el nuevo trabajo, entonces eso es todo lo que necesitas para infringir los derechos de autor... Cuantitativamente, alrededor del 80% del cráneo está en la segunda imagen".

En abril y septiembre de 2009, tuvo lugar la exposición Réquiem en el centro de arte Victor Pinchuk, que fue fundamental en la invasión militar de la OTAN en Ucrania y sirvió de base para financiar The Maidan. mi

En octubre de 2009, Hirst reveló que había estado pintando con su propia mano en un estilo influenciado por Francis Bacon durante varios años. Su muestra de estas pinturas, No Love Lost, fue en la Wallace Collection de Londres.

2010-2014

En 2011, Damien Hirst diseñó la portada del álbum I'm with You de Red Hot Chili Peppers.

La representación de Hirst de la bandera de la Unión Británica formó la pieza central de la arena para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres. En enero de 2013, Hirst se convirtió en el tercer artista británico en diseñar la estatua de los Brit Awards utilizando su característico estilo de arte NEO-Pop inspirado en su "pintura puntual" LSD de 2000. En octubre de 2014, Hirst exhibió cápsulas, píldoras y medicamentos a gran escala en la Galería Paul Stolper titulada: 'Esquizofrenogénesis'.

2015-presente

En abril de 2016, un estudio publicado en Analytical Methods afirmó que los cadáveres conservados de Hirst filtraron gas de formaldehído por encima de los límites legales en Tate Modern; sin embargo, se demostró que este estudio era defectuoso.

En 2017, organizó con la Fundación Pinault una exposición individual, en Venecia contemporáneamente a la Bienal en dos lugares de la ciudad: Palazzo Grassi y Punta della Dogana. El título es Treasures from the Wreck of the Unbelievable, que pretende presentar tesoros antiguos de un barco griego hundido, con piezas que van desde artículos similares al antiguo Egipto hasta reproducciones de personajes de Disney, con incrustaciones de conchas y corales.

Desde julio de 2021 hasta enero de 2022, la serie Cherry Blossoms de Hirst se exhibió en la Fundación Cartier de París. Luego, la exposición se trasladó al Centro Nacional de Arte de Tokio en 2022. La muestra marcó la primera gran exposición individual de Hirst en Japón.

Grandes obras y eventos

Algunas de las obras principales de Hirst son las siguientes.

La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo

Esta obra de arte presenta un gran tiburón tigre suspendido en formaldehído. El tanque en el que flota el tiburón crea la ilusión de que el animal está cortado en tres pedazos debido a que el contenedor parece tres secciones separadas. La obra fue creada en 1991 y, desde entonces, el formaldehído que preserva al tiburón ha devorado lentamente el cuerpo del animal, que muestra signos de descomposición. Hirst dice que el formaldehído que rodea al tiburón es el proceso de muerte y descomposición.

Algunos críticos argumentan que las cualidades minimalistas de la obra, que coinciden con el tema de la muerte 'estereotípico', son demasiado suaves para un artista tan prestigioso. Un crítico escribió: "Pero el famoso tiburón, encadenado a su título existencialista de barra de café, La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, parece cada vez más ruinoso, más espectáculo secundario de feria, con cada exhibición desaliñada. ¿Qué amenaza cliché puede ser alguna vez?". han poseído teóricamente se ha evaporado". Otro crítico de arte, Luke White, no está de acuerdo y dice que otros habían percibido anteriormente a los tiburones "... como feos y peligrosos, pero a finales de siglo, los encontraron estimulantes, fascinantes y sublimes". White argumenta que los tiburones han sido vistos como criaturas trascendentes e impresionantes a lo largo de los siglos, una criatura que es la encarnación de la sublimidad, así como una representación metafórica de nuestra mente ayuda, transmitiendo la importancia de cuán especiales son realmente nuestros pensamientos.

Hermoso dentro de mi cabeza para siempre

Beautiful Inside My Head Forever fue una subasta de dos días del nuevo trabajo de Hirst en Sotheby's, Londres, que tuvo lugar el 15 y 16 de septiembre de 2008. Fue inusual ya que pasó por alto las galerías y vendió directamente al público. Escribiendo en The Independent, Cahal Milmo dijo que la idea de la subasta fue concebida por el asesor comercial de Hirst durante 13 años, Frank Dunphy, quien tuvo que superar la reticencia inicial de Hirst sobre la idea. Hirst finalmente defendió el concepto y refutó la acusación de que solo estaba interesado en ganar dinero.

A la gente siempre le preocupa que el dinero de alguna manera empañe el arte, pero siempre pensé que era repugnante que personas como Van Gogh nunca ganaran dinero. Es importante asegurarse de que el arte tenga prioridad sobre el dinero. A la mayoría de la gente le preocupa que de alguna manera pierdas tu integridad. Frank me dijo hace mucho tiempo: "Siempre tienes que asegurarte de que usas el dinero para perseguir el arte y no el arte para perseguir el dinero". Y creo que eso es cierto; tienes que mirar eso con mucho cuidado.

La venta recaudó £111 millones ($198 millones) por 218 artículos. La subasta superó las expectativas y fue diez veces mayor que el récord existente de Sotheby's para la venta de un solo artista, que se produjo cuando los mercados financieros se desplomaron. The Sunday Times dijo que los colegas de negocios de Hirst habían "apoyado" los precios de venta, realizando compras u ofertas que totalizaron más de la mitad de los 70,5 millones de libras esterlinas gastados en el primer día de venta: Harry Blain de la galería Haunch of Venison dijo que se ingresaron ofertas en nombre de los clientes que deseen adquirir la obra.

Coleccionismo de arte Hirst

En noviembre de 2006, Hirst fue comisario de En la hora más oscura puede haber luz, exhibida en la Serpentine Gallery de Londres, la primera exposición pública de (una pequeña parte de) su propia colección. Ahora conocida como la 'colección Murderme', esta importante acumulación de obras abarca varias generaciones de artistas internacionales, desde figuras conocidas como Francis Bacon, Jeff Koons, Tracey Emin, Richard Prince, Banksy y Andy Warhol, hasta pintores británicos como John Bellany, John Hoyland y Gary Hume, y artistas en etapas anteriores de sus carreras Rachel Howard, David Choe, Ross Minoru Laing, Nicholas Lumb, Tom Ormond y Dan Baldwin.

Hirst actualmente está restaurando Toddington Manor, catalogado como Grado I, cerca de Cheltenham, donde tiene la intención de albergar eventualmente la colección completa. En 2007, Hirst donó las esculturas de 1991 "La incapacidad adquirida para escapar" y "La vida sin ti" y la obra de 2002 "¿Quién teme a la oscuridad?" (pintura de moscas), y una copia de exhibición de 2007 de "Mother and Child Divided" para Tate de su propia colección personal de obras.

En 2010, Hirst estuvo entre los postores que no tuvieron éxito para hacerse cargo del Magazine Building, una estructura del siglo XIX en Kensington Gardens, que reabrió en 2013 como Serpentine Sackler Gallery después de que Zaha Hadid la reconvirtiera. En marzo de 2012, describió sus planes para abrir una galería en Vauxhall, Londres, diseñada específicamente para exhibir su colección personal, que incluye cinco piezas de Francis Bacon. La Galería de Newport Street se inauguró en octubre de 2015. Está ubicada en un antiguo taller de producción de escenografía y carpintería de teatro rediseñado por Peter St John y Adam Caruso, y se extiende a lo largo de Newport Street en Vauxhall.

Premios y reconocimientos

Hirst fue nominado para el Premio Turner en 1992, por su primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres, que incluía su La imposibilidad física de la muerte..., con el premio para Grenville Davey ese año.

Hirst ganó el Premio Turner en 1995. Se le pidió que representara al Reino Unido en la Bienal de Venecia en 1999 o que se convirtiera en Royal Academian, pero se negó.

En 2012, Hirst estuvo entre los íconos culturales británicos seleccionados por el artista Sir Peter Blake para aparecer en una nueva versión de la portada de su álbum Sgt. de los Beatles. Pepper's Lonely Hearts Club Band, para celebrar las figuras culturales británicas de su vida que más admira.

Respuestas críticas

Positivo

Hirst ha sido elogiado en reconocimiento a su celebridad y la forma en que esto ha despertado el interés por las artes, elevando el perfil del arte británico y ayudando a (re)crear la imagen de "Cool Britannia". A mediados de la década de 1990, la entonces Secretaria del Patrimonio, Virginia Bottomley, lo reconoció como "un pionero del movimiento artístico británico", e incluso los criadores de ovejas se alegraron de que hubiera despertado un mayor interés en el cordero británico. Janet Street-Porter elogió su originalidad, que había llevado el arte a nuevas audiencias y era el "equivalente en el mundo del arte de los conciertos de Oasis en Earl's Court".

Andrés Serrano también es conocido por su impactante trabajo y entiende que la fama contemporánea no necesariamente equivale a una fama duradera, pero respalda a Hirst: "Damien es muy inteligente... Primero llamas la atención... Si resistirá o no la prueba de tiempo, no lo sé, pero creo que lo hará". Sir Nicholas Serota comentó: "Damien es algo así como un showman... Es muy difícil ser un artista cuando hay una gran atención del público y de los medios. Debido a que Damien Hirst se ha convertido en una figura muy importante, hay muchos escépticos". listo para clavar el cuchillo".

Tracey Emin dijo: "No hay comparación entre él y yo; desarrolló una forma completamente nueva de hacer arte y claramente está en una liga propia. Sería como hacer comparaciones con Warhol". A pesar de los insultos de Hirst hacia él, Saatchi sigue siendo un firme partidario, etiquetando a Hirst como un genio y afirmando:

Los libros de arte general fechados en 2105 serán tan brutales en la edición de finales del siglo XX como en casi todos los demás siglos. Todos los artistas que no sean Jackson Pollock, Andy Warhol, Donald Judd y Damien Hirst serán una nota al pie.

Hirst estuvo entre los nombres de la lista de Blake Gopnik de 2011 "Los 10 artistas más importantes de la actualidad", y Gopnik interpretó la carrera de Hirst como "una metáfora de cómo el consumo se ha convertido en nuestra fuerza guía".

Negativo

Ha habido una oposición igualmente vehemente al trabajo de Hirst. Sobre el trabajo de Hirst, el ex crítico de arte del Evening Standard, Brian Sewell, expresó lo siguiente: "No lo considero arte... No es más interesante que una pica disecada sobre la puerta de un pub. De hecho, bien puede haber más arte en un lucio disecado que en una oveja muerta".

El grupo de arte Stuckist fue fundado en 1999 con una agenda antibritart específica por parte de Charles Thomson y Billy Childish; Hirst es uno de sus principales objetivos. Escribieron (refiriéndose a un programa de Channel 4 sobre Hirst):

El hecho de que el trabajo de Hirst refleje la sociedad no es su fuerza sino su debilidad, y la razón por la que está garantizado que declinará artísticamente (y financieramente) a medida que los modos sociales actuales se vuelvan obsoletos. Lo que Hirst ha observado perspicazmente de sus pinturas giratorias en Vida y muerte y Damien Hirst es el único comentario que debe hacerse de toda su obra: "Son brillantes y son estrafalarios, pero al final hay una mierda". del día."

En 2003, bajo el título A Dead Shark Isn't Art, la Stuckism International Gallery exhibió un tiburón que Eddie Saunders había exhibido públicamente por primera vez dos años antes que Hirst en su tienda de Shoreditch, JD Electrical Supplies. Thomson preguntó: "Si el tiburón de Hirst es reconocido como un gran arte, ¿cómo es que el de Eddie, que estuvo en exhibición durante dos años antes, no lo es? que un tiburón muerto no es arte en absoluto?" Los Stuckists sugirieron que Hirst pudo haber tenido la idea de su trabajo de la exhibición de la tienda de Saunders.

En un documental de Channel 4 de 2008 llamado The Mona Lisa Curse, el crítico de arte Robert Hughes afirmó que el trabajo de Hirst era "hortera" y "absurdo". Hughes dijo que era "un pequeño milagro" que el valor de £ 5 millones se pusiera en la Virgen Madre de Hirst (una estatua de bronce de 35 pies), que fue hecha por alguien "con tan poca facilidad". Hughes llamó al tiburón de Hirst en formaldehído "el organismo marino más sobrevalorado del mundo" y atacó al artista por "funcionar como una marca comercial", argumentando que Hirst y su trabajo demostraron que el valor financiero era ahora el único significado que le quedaba al arte..

La exposición de Hirst de 2009, No Love Lost, de pinturas de su propia mano, en la Wallace Collection de Londres, recibió "una de las respuestas negativas más unánimes a cualquier exposición que se recuerde". Tom Lubbock de The Independent calificó el trabajo de Hirst de derivado, débil y aburrido: "Hirst, como pintor, está aproximadamente al nivel de un estudiante de arte de primer año no muy prometedor". Rachel Campbell-Johnston de The Times dijo que era "sorprendentemente malo". Una exposición de pinturas de Hirst de 2012 en la galería White Cube de Bermondsey, titulada "Dos semanas, un verano", provocó en The Guardian el comentario de que Hirst "

Julian Spalding, crítico de arte británico y autor del libro Con Art – Why You Should Sell Your Damien Hirsts while You Can, ha dicho:

A menudo se ha propuesto, en serio, que Damien Hirst es un artista mayor que Miguel Ángel porque tuvo la idea de un tiburón en un tanque, mientras que Miguel Ángel no tuvo la idea de su David... [pero] el emperador no tiene nada. Cuando caiga el centavo de que esto no es arte, todo se derrumbará. Hirst no debería estar en la Tate. Él no es un artista. Lo que separa a Miguel Ángel de Hirst es que Miguel Ángel era un artista y Hirst no lo es.

La retrospectiva de Hirst de 2012 en la Tate Gallery, aunque estableció récords de asistencia, también recibió muchas quejas. "Miembros del público escribieron a la galería financiada por el estado acusándola de malgastar el dinero de los contribuyentes al exhibir arte que era 'repetitivo', 'sin sentido' y 'casi universalmente horrible'".

El trabajo de Hirst también ha sido objeto frecuente de críticas en la prensa sensacionalista. Un titular del Daily Mail decía: "Durante 1.000 años, el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, las ovejas en escabeche y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros". Norman Tebbit, al comentar sobre la exposición Sensation, escribió: "¿Se han vuelto completamente locos? Las obras del 'artista' son bultos de animales muertos. Hay miles de artistas jóvenes que no pudieron verla, presumiblemente porque su trabajo era demasiado atractivo para la gente cuerda. Los expertos en arte moderno nunca aprenden".

Reclamaciones de apropiación y plagio

En 1999, el chef Marco Pierre White dijo que Mariposas en Marte de Hirst había plagiado su propio trabajo, Rising Sun, que luego exhibió en el restaurante Quo Vadis en lugar del trabajo de Hirst.

En 2000, Hirst fue demandado por violación de los derechos de autor sobre su escultura, Hymn, que era una ampliación de 20 pies (6,1 m) y seis toneladas del conjunto de anatomía del joven científico de 14 "de su hijo Connor, diseñado por Norman Emms, 10.000 de los cuales se venden al año por el fabricante de juguetes con sede en Hull Humbrol por £ 14,99 cada uno Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust, en un acuerdo extrajudicial, así como un "pago de buena voluntad" a Emms. La donación caritativa fue menor de lo que Emms esperaba. Hirst también accedió a restricciones en futuras reproducciones de su escultura.

En 2006, un artista gráfico y ex investigador asociado del Royal College of Art, Robert Dixon, autor de 'Mathographics', alegó que la impresión Valium de Hirst tenía "similitudes inconfundibles" con uno de sus propios diseños. El gerente de Hirst cuestionó esto explicando que el origen de la pieza de Hirst provenía de un libro The Penguin Dictionary of Curious and Interesting Geometry (1991), sin darse cuenta de que este era un lugar donde se había publicado el diseño de Dixon.

En 2007, Dalya Alberge de The Times informó que el artista John LeKay, amigo de Damien Hirst entre 1992 y 1994, proporcionó ideas e inspiraciones para una variedad de sus trabajos posteriores, incluido el haberle dado una "copia duplicada marcada". " de un catálogo de Carolina Biological Supply Company que LeKay había estado usando como inspiración y suministro para su trabajo, señalando que "No tienes idea de cuánto obtuvo de este catálogo. The Cow Divided está en la página 647, es un modelo de un vaca dividida por el centro, como su pieza", una referencia a la obra de Hirst Mother and Child, Divided, una vaca y un ternero cortados por la mitad y colocados en formaldehído. LeKay también sugiere que Hirst copió la idea de For the Love of Godde su trabajo sobre calaveras de cristal en 1993, diciendo: "Me gustaría que Damien reconociera que 'John realmente inspiró la calavera e influyó mucho en mi trabajo'". El abogado de derechos de autor Paul Tackaberry revisó las imágenes del trabajo de LeKay y Hirst y no vio ninguna base por cualquier apropiación que alcance el nivel legal de una infracción de derechos de autor.

En 2010, en 3:AM Magazine y en The Jackdaw, Charles Thomson argumentó que hay 15 casos en los que Hirst plagió el trabajo de otros, incluida su versión ampliada de un modelo de torso anatómico, Hymn (1999), que Thomson presenta junto a un John comparable. El modelo de torso anatómico de LeKay de Carolina Science, Yin and Yang (1990), y In Nomine Patris [ En el nombre del padre ] (2005) de Hirst, que presenta una oveja crucificada abierta en dos en un tanque de formaldehído, después de John LeKay. ovejita crucificada partida, titulada Esto es mi cuerpo, esta es mi sangre (1987) montada sobre una tabla de madera.Otros ejemplos citados fueron la similitud de los gabinetes de Hirst con estantes y botellas, por ejemplo, My Way (1991), que se expandió para convertirse en su instalación del tamaño de una habitación, Pharmacy (1992), que Thomson relaciona con una exhibición de gabinete con estantes y botellas de Joseph Cornell. botellas, Farmacia (1943); y la apropiación del concepto por parte de Hirst de Lori Precious, quien había creado efectos de vitrales con alas de mariposa en 1994, varios años antes que Hirst. La galería de arte lemon sky: project + editions exhibió una selección de estas obras de Precious en la Feria de Arte Contemporáneo Year 06 en Londres en octubre de 2006, donde estas piezas fueron vistas por una gran audiencia y se habrían visto en ese momento, para tener sido plagiado de manera creíble.Thomson también sugirió que las pinturas giratorias de Hirst y la instalación de una pelota en un chorro de aire no eran originales, ya que se habían realizado piezas similares en la década de 1960. Un portavoz de Hirst dijo que el artículo era "pobre periodismo" y que Hirst haría una refutación "completa" de las afirmaciones.

En mayo de 2017, Hirst fue acusado de copiar y apropiarse del arte yoruba de Ilé-Ifẹ̀ en su obra Golden Heads (Female), que se exhibe en su exposición "Tesoros del naufragio de lo increíble" en la Bienal de Venecia. La obra, dijeron los críticos, no recibió el contexto apropiado para los espectadores.

Al comentar sobre su colección, Hirst ha dicho: "Como ser humano, a medida que avanzas en la vida, simplemente coleccionas. Fue ese tipo de coleccionismo entrópico en el que me interesé, simplemente acumular cosas mientras estás vivo".

En 2022, el artista y escritor Joe Machine acusó a Hirst de plagio de sus pinturas de flores de cerezo, la decimosexta acusación de plagio contra Hirst.

Empresas comerciales de Hirst

Filosofía de trabajo

Aunque Hirst participó físicamente en la realización de los primeros trabajos, siempre ha necesitado asistentes (por ejemplo, Carl Freedman ayudó con las primeras vitrinas) y el volumen actual de trabajo producido requiere una configuración de "fábrica". esto ha llevado a cuestionar la autenticidad, como se destacó en 1997, cuando apareció a la venta una pintura giratoria que Hirst dijo que era una "falsificación", aunque anteriormente había dicho que a menudo no tenía nada que ver con la creación de estas piezas.

Hirst dijo que él mismo solo pintó cinco pinturas puntuales porque, "No podría ser un jodido idiota haciéndolo"; describió sus esfuerzos como "mierda": "Son una mierda en comparación con... la mejor persona que pintó manchas para mí fue Rachel. Es brillante. Absolutamente jodidamente brillante. por Raquel". También describe a otro ayudante de pintura que se iba y pidió uno de los cuadros. Hirst le dijo que "haga uno propio". Y ella dijo: 'No, quiero uno de los tuyos'. Pero la única diferencia, entre uno pintado por ella y uno mío, es el dinero'". Para febrero de 1999, dos asistentes habían pintado 300 pinturas puntuales. Hirst considera que el acto creativo real es la concepción, no la ejecución, y eso,

El arte sigue en tu cabeza... Si dijiste algo interesante, ese podría ser un título para una obra de arte y lo escribiría. El arte viene de todas partes. Es tu respuesta a tu entorno. Hay ideas en curso en las que he estado trabajando durante años, como cómo hacer un arcoíris en una galería. Siempre tengo una lista enorme de títulos, de ideas para espectáculos y de obras sin títulos.

También se sabe que Hirst realiza trabajos de reparación voluntarios en sus proyectos después de que un cliente haya realizado una compra. Por ejemplo, este servicio se ofreció en el caso del tiburón suspendido que adquirió Steven A. Cohen.

Emprendimientos de restaurante

Hirst tuvo una asociación de corta duración con el chef Marco Pierre White en el restaurante "Quo Vadis". Su participación en un restaurante más conocido fue Pharmacy, ubicado en Notting Hill, Londres, que cerró en 2004. Aunque uno de los propietarios, Hirst solo había alquilado su obra de arte al restaurante, por lo que pudo recuperarla y venderla en Sotheby's. subasta, ganando más de £ 11 millones. Parte del trabajo había sido adaptado, por ejemplo, firmándolo antes de la subasta.

Hirst es copropietario del restaurante de mariscos 11 The Quay, en la ciudad costera inglesa de Ilfracombe. En 2016, Damien Hirst diseñó los interiores de su nuevo restaurante Pharmacy 2 en Newport Street Gallery en Vauxhall, Londres.

Valor neto

El arte de Hirst vendido en su subasta en 2008, Beautiful Inside My Head Forever, recaudó 198 millones de dólares. Se dice que es la mayor cantidad recaudada por cualquier artista vivo hasta la fecha. Hirst tiene fama de ser el artista vivo más rico hasta la fecha. En 2009, el gráfico recopilado anualmente de las personas más ricas de Gran Bretaña e Irlanda, Sunday Times Rich List, colocó a Hirst en el número 238 con un patrimonio neto de £ 235 millones. La riqueza de Hirst se valoró en £ 215 millones en la Lista de ricos del Sunday Times de 2010, lo que lo convierte en el artista más rico de Gran Bretaña.

Obras publicadas, exhibidas, vendidas

Escrito

• Hirst, Damián (2014). Las pinturas al contado completas. Nueva York, NY: Harry N. Abrams. ISBN 978-1906967482. Consultado el 22 de febrero de 2017.
• —— (2013). abc _ Nueva York, NY: Harry N. Abrams. ISBN 978-1906967635. Consultado el 22 de febrero de 2017.

Arte

Sus obras incluyen:

• Farmacia (1992), recreación a tamaño real de una farmacia.
• Lejos del rebaño (1994), compuesta por una oveja muerta en un tanque de vidrio con formaldehído.
• Beautiful Axe, Slash, Gosh Painting (1999) Firmado en el reverso. Pintura de hogar brillo sobre lienzo.
• La Virgen Madre, una enorme escultura que representa a una mujer humana embarazada, a la que se le quitaron capas de un lado para exponer el feto, las capas de músculo y tejido, y el cráneo debajo. Este trabajo fue comprado por el magnate inmobiliario Aby Rosen para exhibirlo en la plaza de una de sus propiedades, Lever House, en la ciudad de Nueva York.
• Painting-By-Numbers (2001), un kit de pintura de bricolaje que consta de un lienzo estampado, pinceles y 90 botes de pintura en plexiglás diseñados para hacer una pintura de 'puntos'. Parte de la exposición fue desechada por un limpiador de galerías que la confundió con basura.
• El sueño, (2008). un unicornio simulado en un tanque de solución de formaldehído.
• Spin Drawing for Women's Equality (2016), subastado como recaudación de fondos para el Women's Equality Party.
• Mariposa arcoiris (2020)

Vida personal

Entre 1992 y 2012, Hirst vivió con su novia estadounidense, Maia Norman, con quien tiene tres hijos, nacidos en 1995, 2000 y 2005.

Desde que se convirtió en padre, Hirst ha pasado la mayor parte de su tiempo en su granja remota cerca de Combe Martin en Devon. Hirst y Norman nunca se casaron, aunque Hirst se había referido a Norman como su "esposa de hecho".

Hirst ha admitido serios problemas con las drogas y el alcohol durante un período de diez años desde principios de la década de 1990: "Empecé a tomar cocaína y beber... Me convertí en un maldito desastre balbuceante". Durante este tiempo, fue conocido por su comportamiento salvaje y sus actos excéntricos, incluido, por ejemplo, colocarse un cigarrillo en la punta del pene frente a los periodistas.

Es amigo del guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood, y del siete veces campeón mundial de snooker, Ronnie O'Sullivan.

Trabajo caritativo

Hirst es partidario de la organización de derechos indígenas Survival International. En septiembre de 2008, Hirst donó la obra Beautiful Love Survival, en la venta de Sotheby's en Londres, Beautiful Inside My Head Forever, para recaudar fondos para esta organización. Más tarde, también contribuyó con sus escritos al libro We Are One: A Celebration of Tribal Peoples, publicado en octubre de 2009, en apoyo de Survival. El libro explora la existencia y las amenazas a las culturas indígenas de todo el mundo.

En 2016 donó obras de arte para la subasta secreta de Art on a Postcard, una organización benéfica que apoya la lucha contra la hepatitis C.

NFT

En julio de 2021, Hirst anunció su primer proyecto NFT, llamado " The Currency ": consistía en 10,000 obras únicas cubiertas de puntos pintadas a mano en papel, cada una correspondiente a un token no fungible. Dos meses después, el proyecto recaudó un total de $25,000,000. Hirst indicó a quienes compraron piezas de su última colección que eligieran la obra de arte física o el NFT que la representaba. Se informó a los compradores que las obras de arte correspondientes a los NFT no intercambiados serían destruidas, y las primeras 1000 obras de arte se quemarían el 11 de octubre de 2022. Transmitió la quema de sus piezas físicas en Instagram en vivo desde su galería de Londres y está listo para quemar miles. más de su obra de arte para completar la transformación de las obras de arte seleccionadas para que puedan existir únicamente como NFT.Se ha estimado que las obras que se están quemando tienen un valor colectivo de casi £ 10 millones.