Cy Endfield

Cyril Raker Endfield (10 de noviembre de 1914 - 16 de abril de 1995) fue un director de cine estadounidense, que en ocasiones también trabajó como escritor, director de teatro, mago e inventor. Nacido en Scranton, Pensilvania, trabajó en el teatro de Nueva York a finales de los años 1930 antes de trasladarse a Hollywood en 1940. Su carrera cinematográfica se vio interrumpida por la lista negra de Hollywood y se estableció en Londres a finales de 1951. Es especialmente conocido por El sonido de la furia/¡Intenta atraparme! (1950), Hell Drivers (1957) y Zulu (1964).

Vida temprana y carrera

Cyril Endfield nació en Scranton, Pensilvania, el 10 de noviembre de 1914, el primero de tres hijos. Sus padres eran inmigrantes judíos de primera generación de Europa del Este; su padre tenía un negocio de pieles. Cyril, un niño brillante, desarrolló un interés temprano tanto por el ajedrez como por los juegos de manos y la magia con cartas, y publicó una rutina en una revista para magos a la edad de 16 años. En 1932 ganó una beca para Yale, pero retrasó su llegada por un año dado el colapso del negocio de su padre durante la Depresión. Mientras estaba en Scranton conoció a Israel Shapiro (Paul Jarrico), un futuro guionista con conciencia política que se convertiría en un amigo para toda la vida.^[i]

En sus dos años en Yale, la actitud de Endfield hacia sus estudios fue "bastante indiferente" (su propia descripción en una carta a Jarrico), aunque leyó mucho y desarrolló un interés extracurricular por la nueva ciencia ficción. ^[ii] Gran parte de su tiempo en New Haven lo dedicó a los mundos entrelazados del teatro y la política radical: se unió al Unity Theatre local y fue un miembro activo de la Liga de Jóvenes Comunistas. En lugar de graduarse, Endfield dejó Yale a principios de 1936, se mudó a Nueva York y tomó clases en la izquierdista New Theatre League, manteniéndose a sí mismo tomando trabajos de actuación y contribuyendo con actos de magia a las revistas del nuevo movimiento teatral. A los 23 años se unió a la Liga como profesor, antes de pasar un año dirigiendo un grupo de teatro amateur en Montreal, donde conoció a escritores y dramaturgos, entre ellos, brevemente, Clifford Odets. También fue aquí donde se casó con una actriz, Fanny Shurack (nombre artístico Osborne). En 1940, cuando esperaba un bebé, la pareja se mudó a Hollywood y Endfield buscó trabajo en los estudios. Su primera asignación, un compromiso de corta duración con la unidad Mercury Theatre de Orson Welles en RKO, siguió a una reunión aleatoria con Welles en una tienda de magia de Los Ángeles. Durante este período, Endfield fue una de las pocas personas que vio la versión original sin cortes de Los magníficos Ambersons (1942) de Welles. Finalmente consiguió un puesto en el departamento de cortometrajes de la MGM, pero su primera película, Inflation (1943), un corto de propaganda muy respetado y aprobado por la Oficina de Información de Guerra, fue rápidamente retirado de distribución tras las críticas de la Cámara de Comercio.^[iii]

Endfield permaneció en MGM hasta que fue llamado a cumplir un año de servicio militar en Camp Crowder, en Missouri. Posteriormente regresó al estudio, antes de escribir y dirigir varias películas de bajo presupuesto de Joe Palooka (basadas en la tira cómica) para Monogram. Lo que más tarde llamó su primer “esfuerzo de autor”, The Argyle Secrets (1948), se realizó después de nueve días de rodaje, a partir de su propia obra corta de radio para la serie Suspense de CBS. La carrera de Endfield no revivió realmente hasta 1950, con el lanzamiento de dos largometrajes policiales muy bien recibidos, The Underworld Story y The Sound of Fury (Try and Get Me!).

Política y exilio

Fue en 1951 cuando las asociaciones políticas de izquierda de Endfield (en la New Theatre League de Nueva York a finales de los años 1930, y en Hollywood en 1943) descarrilaron su carrera y le llevaron a abandonar los Estados Unidos y restablecer su cine. carrera en Londres (en diciembre de 1951). Había sido nombrado ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes por el guionista Martin Berkeley, en septiembre de 1951, y aunque se resistía a alegar la Quinta Enmienda ante el Comité, encontró la opción de "nombrar nombres", para así autorizarse para seguir trabajando en películas de Hollywood, es inaceptable. De ahí el apresurado arreglo con su esposa, de la que se había separado, y su viaje en el Queen Mary a finales de ese año. Posteriormente comentó:

Los entusiasmos políticos que se me atribuyen ya llevaban años y años muertos, pero la única opción de informar [era] todavía repulsiva. Mi agradable carrera y la consiguiente opulencia llevada a cabo en el incomparable ambiente de Los Ángeles, aún no contaminado, ¡era kaput! Y yo, físicamente sacudido por la tormenta, un 'barquero', aunque como pasajero en el Queen Mary en un viaje transatlántico de ida.^[i]

Endfield tenía 37 años cuando comenzó su nueva vida en el Reino Unido y le resultó difícil conseguir trabajo tanto en teatro como en cine. Los servicios de seguridad británicos se interesaron mucho y durante un tiempo existió una posibilidad real de que lo enviaran de regreso a Estados Unidos. Sus archivos del FBI y del Ministerio del Interior revelan algo de esta lucha. Sólo lentamente, a medida que encontró trabajo cinematográfico (y algo de trabajo en teatro), la Junta de Comercio se volvió más comprensiva, reconociendo el valor para el país (a medida que salía lentamente de la austeridad) del empleo y la inversión en dólares que el cineasta comenzó. para atraer.^[ii]

Endfield fue uno de varios cineastas estadounidenses con asociaciones de izquierda que se mudaron a Europa a principios de los años cincuenta debido a la lista negra (en particular, Joseph Losey, John Berry, Jules Dassin y Carl Foreman).^{[iii ]} Su estancia en el Reino Unido se fue ampliando progresivamente y realizó una serie de películas de bajo presupuesto. Su asociación con el productor Benjamin Fisz dio lugar a dos producciones mejor financiadas, Hell Drivers (1957) y Sea Fury (1958), para la productora más grande de Gran Bretaña, Rank Organization; ambos presentaban a Stanley Baker, quien aparecería en seis de sus películas. Endfield finalmente recibió un nuevo pasaporte y en 1957 se le dio permiso para permanecer permanentemente en el Reino Unido, habiéndose vuelto a casar en marzo de 1956 con la modelo Mo Forshaw.^[iv]

Sin embargo, la carrera de Endfield siguió siendo una especie de lucha, y la lista negra aún le impedía ser considerado para producciones internacionales, con financiación estadounidense. Fue en 1960, cuando Columbia Pictures le ofreció la dirección de La isla misteriosa, que decidió que necesitaba aclararse compareciendo ante el Comité de la Cámara de Representantes sobre Actividades Antiamericanas en Washington. Endfield había escrito al Comité en agosto de 1958, pero fue en marzo de 1960 cuando, de mala gana, tomó el vuelo a Washington D.C. para comparecer ante el Comité. Allí admitió sus asociaciones con el Partido Comunista y su distanciamiento del Partido después de la guerra, de modo que algunos amigos de izquierda lo vieron como un renegado. En esta última etapa, cuando la lista negra comenzaba a colapsar, todos los nombrados ya estaban en la lista negra. Sin embargo, algunos de sus compañeros exiliados americanos no quedaron impresionados por su acción, que le permitió dirigir La isla misteriosa (1961), en un momento en el que él y Stanley Baker estaban trabajando para intentar montar una producción ambiciosa. de Zulu en Sudáfrica.^[v]

La obra cinematográfica de Endfield

El breve período comprendido entre 1949 y 1951 fue uno en el que el perfil de Endfield fue en aumento. Dirigió The Underworld Story (1950), una historia policial con tintes sociales (con Dan Duryea, Herbert Marshall y Howard da Silva), que realizó para una filial de Monogram Pictures. Siguió con The Sound of Fury (1950), para la compañía independiente Robert Stillman Productions (distribuida por United Artists), a finales de año. Describió ambas películas como películas "nerviosas A", es decir, que tenían un presupuesto de alrededor de 500.000 dólares. Su costo era mayor que el de una película B, pero aún muy por debajo del de las películas “A”. Esto supuso un paso adelante para directores como Endfield, y siguió la tradición de las exitosas películas asociadas con el productor en ascenso Stanley Kramer a finales de los años cuarenta, en particular Champion (1949) yHome of the Valiente (1949). Ambas películas de 1950, y particularmente la segunda, llegaron a ser vistas como cine negro, para usar el término que entonces aplicaban los críticos a una serie de películas policiales estadounidenses que se estrenaron en Francia después de la guerra. /sup>

El éxito de The Underworld Story llevó al nuevo productor Robert Stillman a crear The Sound of Fury (Try and Get Me!). i>), basada en una novela de 1947 de Jo Pagano que trataba sobre un notorio caso de secuestro y linchamiento ocurrido en 1933. Los acontecimientos ocurridos en San José ya habían inspirado vagamente Furia (1935) de Fritz Lang, con Spencer Tracy. Endfield puso corazón y alma en el proyecto, que se filmó en Phoenix, Arizona, y que fue protagonizado por Lloyd Bridges, Frank Lovejoy, Katherine Ryan y Art Smith. Hubo desacuerdos sobre el guión, pero la historia era poderosa: la de un hombre de familia decente (Lovejoy) cuya desesperación por encontrar trabajo lo lleva a una desafortunada alianza criminal con un psicópata (Bridges). El clímax, en el que una turba invade una prisión donde se encuentran los dos criminales, tuvo un impacto particularmente fuerte en los críticos.

Endfield organizó una proyección privada de El sonido de la furia para amigos y asociados. Entre el público estaba el actor Joseph Cotten, a quien Endfield había conocido bien en la unidad Welles de RKO. El director recordó el comentario de Cotten después de la proyección: 'Cy, ambos crecimos en el mismo país, pero te digo que los Estados Unidos que conoces no son los Estados Unidos que yo conozco'.^{[ii]< /sup> Para el director, esta reacción indicaba cómo se podía ver una película así en la atmósfera febril de la Guerra Fría. El crítico Manny Farber también vio la película en estos términos, describiéndola como "un siniestro gruñido a la vida estadounidense". Endfield habló con los directores de cine, quienes informaron que algunos espectadores se habían quejado de que la película era "antiestadounidense", en un momento en que Los estadounidenses luchaban y morían en Corea.[iii]}

Al principio de su estancia en Londres, Endfield trabajó sin créditos para la productora estadounidense Hannah Weinstein, dirigiendo tres episodios piloto para una serie de televisión llamada El coronel March investiga, con Boris Karloff. Sus otras películas fueron dirigidas de forma anónima, y otro director, Charles de la Tour, a menudo recibía créditos y se le pagaba por estar presente en el set. Esto reflejaba en parte las reglas del sindicato de la industria cinematográfica, la Asociación de Técnicos Cinematográficos (ACT), así como la renuencia de los distribuidores estadounidenses a manejar películas que llevaban los nombres de los incluidos en la lista negra. Estas películas incluyeron The Limping Man (1953) e Impulse (1955), mientras que para The Master Plan (1955) Endfield fue acreditado como Hugh Raker.. El crédito del director de El secreto (1955) y Un niño en la casa (1956) fue C. Raker Endfield, aunque en esta última película todavía se veía a La Tour esperando. Hay algunas resonancias de la experiencia de la lista negra en The Secret (con Sam Wanamaker) y en Child of the House, la primera de las películas de Endfield con Stanley Baker.

Hell Drivers (1957) supuso un gran avance en términos de escala y ambición; Tuvo éxito en el Reino Unido y ha adquirido una reputación de culto. El tema, extraído de un cuento de John Kruse, se refería al sector del transporte por carretera y al transporte de lastre a corta distancia por parte de una empresa privada que fomenta el comportamiento ultracompetitivo de sus conductores. Un fotograma publicitario de la época lo describió como un "drama de hombres que luchan por su sustento en camiones de diez toneladas".^[iv] Stanley Baker interpreta al conductor (y ex convicto) Tom Yately. mientras que el sólido reparto incluye a Herbert Lom, Peggy Cummins, William Hartnell y Wilfred Lawson, junto con, en papeles pequeños pero importantes, los actores británicos emergentes Sean Connery y Patrick McGoohan.

Endfield escribió en ese momento la justificación de la película, y de la película de Rank que siguió, Sea Fury (1958), considerando que ambas se inspiraban en los dramas de Hollywood sobre la vida de la clase trabajadora. La reseña del Sunday Times se refirió a "un ritmo y dominio musculoso de la acción violenta poco común en el cine británico", mientras que otro crítico, haciendo referencia a la película de Henri-Georges Clouzot de 1953, El salario del miedo (Le salaire de la peur), escribió sobre 'un salario del miedo británico. Sea Fury se basó en aspectos similares del mundo laboral, en este caso siguiendo los esfuerzos de los hombres en barcos de salvamento frente a las costas de España; las secuencias de acción atrajeron especial atención crítica.

Sin embargo, ninguna de las películas tuvo éxito internacional y, a finales de los años cincuenta, Endfield se desanimó por la falta de oportunidades en la industria. Varios proyectos cinematográficos fracasaron, incluidas adaptaciones de Scoop de Evelyn Waugh y Precious Bane de Mary Webb, aunque sí dirigió Mysterious Island (1961), una proyecto de estudio que explotó con éxito los efectos especiales de Ray Harryhausen para contar la historia de Julio Verne.^[v]

Durante varios años, el director trabajó en anuncios, mientras él y Baker libraban una larga lucha para realizar Zulu (1964), una recreación del enfrentamiento de 1879 entre cuatro mil guerreros zulúes y una pequeña guarnición. de soldados británicos en Rorke's Drift, en el sur de África. Con un guión de John Prebble, Endfield y Baker (coproductores de la película) finalmente consiguieron financiación de Joseph Levine, así como de Paramount. La película resultante fue un gran éxito en Gran Bretaña y sigue siendo una de las películas de guerra británicas más populares.^[vi]

Fue Endfield quien se arriesgó con el actor inexperto Michael Caine, de 30 años, para interpretar (junto a Baker) uno de los dos oficiales británicos, y contrató personalmente al entonces jefe zulú, el príncipe Mangosuthu Buthelezi, para interpretar a Cetshwayo, el rey. de los zulúes de la época. Caine ha recordado durante mucho tiempo que fue necesario un estadounidense para darle a este actor de clase trabajadora la oportunidad de interpretar el papel de un oficial británico.^[vii] Su carrera como actor nunca miró hacia atrás. La película resultante utiliza el paisaje épico de las montañas Drakensberg y el Parque Nacional Real, estableciendo la asediada guarnición colonial y luego representando elegantemente la batalla de una hora. A pesar de la falta de contexto histórico y de personajes desarrollados en el lado zulú, la película evita el patrioterismo y presenta a los oficiales británicos con una sensación final de disgusto por su supervivencia.^[viii]

A pesar de este éxito, Endfield tuvo problemas en los años siguientes, a medida que la financiación estadounidense para proyectos británicos se hacía más escasa. Su última película como director fue Universal Soldier (1971), con George Lazenby, mientras escribía el guión (con Anthony Storey) de Zulu Dawn (f. Douglas Hickox, 1979), y una novela con el mismo título (también 1979).^[ix] El escritor de ciencia ficción Brian Aldiss, que trabajó con el director en varios proyectos no realizados, hizo su propio comentario: "Admiraba Cy. Nunca tuvo otro éxito como Zulu. Pero entonces, ¿cuántas personas podrían haber logrado la pura organización y arte que se puso en la película?’^[x]

Un erudito

Endfield tenía una variedad de intereses que cruzaban las tradicionales "dos culturas" de la vida británica.^[i] En primer lugar, tuvo una pasión de toda la vida por los primeros planos y los juegos de manos. magia, particularmente involucrando manipulaciones de cartas. De joven en Scranton dio demostraciones y publicó trucos para la fraternidad mágica, mientras que en Nueva York a finales de los años treinta y en Los Ángeles en los cuarenta diseñó actos de magia popular. Cuando llegó a Londres en los años cincuenta tenía mucha demanda e hizo presentaciones, incluso en el Círculo Mágico, mientras mantenía amistades con otros exponentes de la magia con cartas, incluido Dai Vernon, así como con científicos interesados en la magia con cartas y cuestiones de probabilidad. En 1955 se publicó en Gran Bretaña un libro sobre la magia con cartas de Endfield, mientras que en 1959 apareció en un programa de la BBC sobre magia contemporánea, junto con Vernon y (Tony) Slydini. Endfield mantuvo correspondencia con el escritor científico Martin Gardner sobre magia con cartas de primer plano, ciencia y pseudociencia, y alentó a los practicantes más jóvenes, como Michael Vincent. La literatura de ciencia ficción era otra de sus pasiones.^[ii]

Paralelamente a su carrera cinematográfica, Endfield participó periódicamente en el teatro. Después de su paso por la New Theatre League a finales de los años treinta, dirigió un teatro "social" de izquierda durante aproximadamente un año en Montreal. En el Reino Unido participó como director de varias representaciones teatrales, la más notable de las cuales fue la presentación, durante más de un año (1962-63), de la obra de Neil Simon Come Blow Your Horn, en el Teatro de Londres. West End.

Endfield también estaba interesado en la invención, la tecnología y el diseño, y a menudo se adelantaba a su tiempo. Diseñó y patentó un juego de ajedrez portátil compuesto de piezas hechas a mano que podían encajarse en cilindros plateados. El juego se comercializó para conmemorar el partido por el Campeonato Mundial entre Bobby Fischer de Estados Unidos y Boris Spassky de la Unión Soviética, en Reykjavik en 1972. En 2021 hubo un renovado interés en desarrollar un juego de ajedrez en miniatura basado en el diseño de Endfield.

Además, a finales de los años 1970 y principios de los años 1980, Endfield se interesó intensamente en diseñar, financiar y comercializar un mecanismo portátil que era esencialmente una de las primeras formas de procesador de textos. Trabajó con Chris Rainey en el dispositivo en el que se podía ingresar texto y luego conectarlo a una impresora. A principios de la década de 1980, el producto terminado, el Microwriter, se vendió en todo el mundo con (durante un tiempo) cierto éxito. Un organizador personal relacionado llevó a Endfield y sus colaboradores a recibir un Premio de Diseño Británico en 1990.

Reputación y legado

El primer éxito de la crítica de Endfield (aparte de los elogios del estudio y del comercio por el cortometraje prácticamente invisible de 1943, Inflation) llegó con el lanzamiento de El sonido de la furia (¡Intenta atraparme!). La película atrajo una atención positiva, a pesar de su fracaso comercial. El Saturday Review of Literature (en febrero de 1951) dio la bienvenida a un artículo de bajo presupuesto que "desafía la comparación con las epopeyas de un millón de dólares", mientras que tras su estreno en el Reino Unido, Gavin Lambert lo revisó en el del BFI. >Boletín Mensual de Cine. Lambert, que junto con Lindsay Anderson había fundado la influyente revista cinematográfica británica de posguerra Sequence, se refirió a su notable "caracterización y manejo del drama" - "alcanzando a veces una complejidad poco común en películas de esta época". tipo." Endfield escribió un breve artículo en la revista Film Society Film, en 1958, en el que analiza su enfoque de la dirección.^[i]

Fue el crítico, cineasta y en ocasiones productor francés Pierre Rissient quien llamó más la atención sobre el trabajo del director cuando impulsó una retrospectiva parcial de seis de las películas de Endfield, incluido el primer estreno francés de El sonido de la furia, en la Cinémathèque française en 1964. Mientras estaba en París, Endfield hizo algunos comentarios sobre su enfoque de la dirección, señalando que "no necesariamente hay que ir a los teatros de arte para encontrar arte". Reveló su admiración por los directores narradores: mencionó a Fritz Lang y Raoul Walsh, quienes pudieron hacer cierto grado de comentario personal sobre el mundo sin dejar de ser apreciados por una audiencia popular.^[ii]

Al final de su vida, Endfield hizo referencia a los trastornos de su vida y, en particular, a las oportunidades perdidas que surgieron tras su mudanza no planificada al Reino Unido. Sin embargo, hubo cierto reconocimiento crítico: el muy respetado escritor sobre cine británico, Raymond Durgnat, escribió positivamente sobre el trabajo de Endfield en su Un espejo para Inglaterra, en 1970. Señaló que:

… incluso si Hell Drivers (1957) y Sea Fury (1958) de Cy Endfield carecen del análisis social de su Hollywood The Sound of Fury, su dura energía es estimulante e inquietante.

Además, Thom Andersen, en 1985, llamó la atención por primera vez sobre un grupo de cine negro de posguerra que eran particularmente sensibles a las cuestiones sociales y políticas. Enumeró trece ejemplos, estrenados entre 1947 y 1951, incluidas películas dirigidas por Robert Rossen, Abraham Polonsky, Jules Dassin, John Huston y Joseph Losey. Cy Endfield estaba incluido en este grupo, y Andersen vio El sonido de la furia como un "notable tour de force del cine de acción".^[iii]

Al final de su vida, Endfield concedió una larga entrevista al escritor y crítico de cine estadounidense Jonathan Rosenbaum, quien fue uno de los primeros defensores del trabajo del director. Rosenbaum se refirió a los "notables esfuerzos noir" de Endfield y escribió sobre "una poesía de ambiciones frustradas, ideas sociales oscuras y luchas asombrosamente orquestadas".^[iv] A pesar de su mala salud, Endfield aceptó una invitación para asistió al Festival de Cine de Telluride en Colorado en 1992, donde recibió el Medallón de Plata del festival y fue entrevistado sobre El sonido de la furia, Zulu y el efecto de la lista negra por parte de National Howie Movshowitz de la radio pública. En 1989 y 1992, Endfield también concedió entrevistas a Brian Neve, hablando extensamente, en particular sobre su trabajo estadounidense y la lista negra.

Desde la muerte de Endfield en Shipston-on Stour, Reino Unido, el 16 de abril de 1995 (a los 80 años), varios escritores han seguido explorando aspectos políticos y de otro tipo del cine negro, y han dado crédito a su contribución. James Naremore, en su estudio del cine negro y sus contextos, destaca El sonido de la furia:

... las secuencias de linchamiento de la película son profundamente inquietantes, y la historia en su conjunto es una crítica tan exhaustiva del capitalismo y la complacencia liberal que trasciende los límites de mejora del panorama del problema social.^[v]

Glen Erickson y otros se han referido a la presciencia de El sonido de la furia, con su aterradora descripción de la ira populista.^[vi] Un tratamiento extenso de la vida de Endfield y el trabajo se publicó en 2015, y a raíz de esto hubo varias retrospectivas del trabajo del director, en particular en Anthology Film Archives en Nueva York, la Universidad de Wisconsin-Madison y en el UCLA film & archivo de televisión. Su trabajo posterior también recibió más discusión. Sheldon Hall fue autor de un análisis importante de Zulu, una película que se proyectó por su 50^th aniversario en Londres en 2014. El crítico Nick Pinkerton celebró el alcance de los logros cinematográficos de Endfield en un Pieza de 2015 que concluyó:

Había hecho mucho en cine, pero al final de su vida se arrepintió de no haber hecho más, como deberíamos hacer nosotros, porque hay mucha evidencia aquí de que Cy Endfield todavía tenía algunos trucos bajo la manga. ^[vii]

Retrospectivas

Cinematique Francaise, París, 1964

Centro de Cine de Chicago, 1992

Festival de Cine de Amiens, Amiens 2008

Cinemateca francesa, París 2008

Anthology FilmArchives, Nueva York, 2015

Universidad de Wisconsin, 2015

UCLA, 2016

Filmografía

Película corta

• Inflación (1943)
• Errores de radio (1944)
• Cuento de un perro (1944)
• Dancing Romeo (1944)
• Nostradamus IV (1944)
• El Gran Mug Americano (1945)
• Magia en un palo (1946)
• Nuestro viejo coche (1946)

Largometraje

Televisión