Cubismo

El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que revolucionó la pintura y la escultura europeas e inspiró movimientos relacionados en la música, la literatura y la arquitectura. En la obra de arte cubista, los objetos se analizan, se rompen y se vuelven a ensamblar en forma abstracta; en lugar de representar los objetos desde un único punto de vista, el artista representa al sujeto desde una multitud de puntos de vista para representar el sujeto en un contexto más amplio. El cubismo ha sido considerado el movimiento artístico más influyente del siglo XX. El término se usa ampliamente en asociación con una amplia variedad de arte producido en París (Montmartre y Montparnasse) o cerca de París (Puteaux) durante la década de 1910 y durante la década de 1920.

El movimiento fue iniciado por Pablo Picasso y Georges Braque, y se unieron Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris y Fernand Léger. Una influencia principal que condujo al cubismo fue la representación de formas tridimensionales en las últimas obras de Paul Cézanne. Se había realizado una retrospectiva de las pinturas de Cézanne en el Salon d'Automne de 1904, las obras actuales se exhibieron en el Salon d'Automne de 1905 y 1906, seguidas de dos retrospectivas conmemorativas después de su muerte en 1907.

En Francia, se desarrollaron ramificaciones del cubismo, incluido el orfismo, el arte abstracto y más tarde el purismo. El impacto del cubismo fue de largo alcance y amplio alcance. En Francia y otros países, el Futurismo, Suprematismo, Dada, Constructivismo, Vorticismo, De Stijl y Art Deco se desarrollaron en respuesta al Cubismo. Las primeras pinturas futuristas tienen en común con el cubismo la fusión del pasado y el presente, la representación de diferentes puntos de vista del sujeto retratado al mismo tiempo o sucesivamente, también llamado perspectiva múltiple, simultaneidad o multiplicidad, mientras que el constructivismo estuvo influenciado por la técnica de Picasso de construcción de esculturas a partir de elementos separados.Otros hilos comunes entre estos movimientos dispares incluyen el facetado o la simplificación de las formas geométricas y la asociación de la mecanización y la vida moderna.

Historia

Los historiadores han dividido la historia del cubismo en fases. En un esquema, la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico, una frase acuñada por Juan Gris a posteriori, fue a la vez radical e influyente como un movimiento artístico corto pero muy significativo entre 1910 y 1912 en Francia. Una segunda fase, el cubismo sintético, permaneció vital hasta alrededor de 1919, cuando el movimiento surrealista ganó popularidad. El historiador de arte inglés Douglas Cooper propuso otro esquema, describiendo tres fases del cubismo en su libro The Cubist Epoch.. Según Cooper hubo un "cubismo temprano", (de 1906 a 1908) cuando el movimiento se desarrolló inicialmente en los estudios de Picasso y Braque; siendo la segunda fase la denominada "Alto Cubismo", (de 1909 a 1914) en la que surge Juan Gris como un importante exponente (después de 1911); y finalmente Cooper se refirió al "cubismo tardío" (de 1914 a 1921) como la última fase del cubismo como movimiento de vanguardia radical. El uso restrictivo de Douglas Cooper de estos términos para distinguir la obra de Braque, Picasso, Gris (desde 1911) y Léger (en menor medida) implicaba un juicio de valor intencionado.

Protocubismo: 1907-1908

El cubismo floreció entre 1907 y 1911. La pintura de Pablo Picasso de 1907 Les Demoiselles d'Avignon a menudo se ha considerado una obra protocubista.

En 1908, en su reseña de la exposición de Georges Braque en la galería de Kahnweiler, el crítico Louis Vauxcelles llamó a Braque un hombre atrevido que desprecia la forma, "reduciendo todo, lugares y figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos".

Vauxcelles contó cómo Matisse le dijo en ese momento: "Braque acaba de enviar [al Salon d'Automne de 1908] una pintura hecha de pequeños cubos". El crítico Charles Morice retransmitió las palabras de Matisse y habló de los cubitos de Braque. El motivo del viaducto de l'Estaque había inspirado a Braque para realizar tres pinturas marcadas por la simplificación de la forma y la deconstrucción de la perspectiva.

Las Casas de 1908 de Georges Braque en L'Estaque (y obras relacionadas) llevaron a Vauxcelles, en Gil Blas, 25 de marzo de 1909, a referirse a bizarreries cubiques (rarezas cúbicas). Gertrude Stein se refirió a los paisajes realizados por Picasso en 1909, como el Embalse de Horta de Ebro, como las primeras pinturas cubistas. La primera exposición colectiva organizada por cubistas tuvo lugar en el Salon des Indépendants de París durante la primavera de 1911 en una sala denominada 'Salle 41'; incluía obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier, pero no se exhibieron obras de Picasso o Braque.

En 1911, Picasso fue reconocido como el inventor del cubismo, mientras que la importancia y la precedencia de Braque se discutieron más tarde, con respecto a su tratamiento del espacio, el volumen y la masa en los paisajes de L'Estaque. Pero "esta visión del cubismo está asociada con una definición claramente restrictiva de qué artistas deben llamarse propiamente cubistas", escribió el historiador del arte Christopher Green: "Marginar la contribución de los artistas que expusieron en el Salon des Indépendants en 1911 [...].]"

La afirmación de que la representación cubista del espacio, la masa, el tiempo y el volumen respalda (en lugar de contradecir) la planitud del lienzo fue realizada por Daniel-Henry Kahnweiler ya en 1920, pero fue objeto de críticas en las décadas de 1950 y 1960. especialmente por Clement Greenberg.

Las visiones contemporáneas del cubismo son complejas, formadas en cierta medida en respuesta a los cubistas de la "Salle 41", cuyos métodos eran demasiado distintos de los de Picasso y Braque para ser considerados meramente secundarios a ellos. Por lo tanto, se han desarrollado interpretaciones alternativas del cubismo. Los puntos de vista más amplios del cubismo incluyen artistas que luego se asociaron con los artistas de la "Salle 41", por ejemplo, Francis Picabia; los hermanos Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon y Marcel Duchamp, que a partir de finales de 1911 formaron el núcleo de la Section d'Or (o Grupo Puteaux); los escultores Alexander Archipenko, Joseph Csaky y Ossip Zadkine, así como Jacques Lipchitz y Henri Laurens; y pintores como Louis Marcoussis, Roger de La Fresnaye, František Kupka, Diego Rivera, Léopold Survage, Auguste Herbin, André Lhote, Gino Severini (después de 1916), María Blanchard (después de 1916) y Georges Valmier (después de 1918). Más fundamentalmente, Christopher Green argumenta que los términos de Douglas Cooper fueron "posteriormente socavados por interpretaciones del trabajo de Picasso, Braque, Gris y Léger que enfatizan cuestiones iconográficas e ideológicas en lugar de métodos de representación".

John Berger identifica la esencia del cubismo con el diagrama mecánico. "El modelo metafórico del cubismo es el diagrama: el diagrama es una representación simbólica visible de procesos, fuerzas y estructuras invisibles. Un diagrama no necesita evitar ciertos aspectos de la apariencia, pero estos también serán tratados como signos, no como imitaciones o recreaciones".

Cubismo temprano: 1909-1914

Había una clara diferencia entre los cubistas de Kahnweiler y los cubistas de salón. Antes de 1914, Picasso, Braque, Gris y Léger (en menor medida) consiguieron el apoyo de un único marchante de arte comprometido en París, Daniel-Henry Kahnweiler, que les garantizaba una renta anual por el derecho exclusivo de compra de sus obras. Kahnweiler vendió solo a un pequeño círculo de conocedores. Su apoyo les dio a sus artistas la libertad de experimentar en relativa privacidad. Picasso trabajó en Montmartre hasta 1912, mientras que Braque y Gris permanecieron allí hasta después de la Primera Guerra Mundial. Léger tenía su sede en Montparnasse.

Por el contrario, los Salon Cubists construyeron su reputación principalmente exponiendo regularmente en el Salon d'Automne y el Salon des Indépendants, ambos importantes Salones no académicos en París. Eran inevitablemente más conscientes de la respuesta del público y de la necesidad de comunicarse. Ya en 1910 comenzó a formarse un grupo que incluía a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. Se reunían regularmente en el estudio de Henri le Fauconnier cerca del boulevard du Montparnasse. Estas veladas a menudo incluían a escritores como Guillaume Apollinaire y André Salmon. Junto con otros jóvenes artistas, el grupo quería enfatizar una investigación sobre la forma, en oposición al énfasis neoimpresionista en el color.

Louis Vauxcelles, en su reseña del 26º Salon des Indépendants (1910), hizo una referencia pasajera e imprecisa a Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger y Le Fauconnier como "geómetras ignorantes, que reducen el cuerpo humano, el sitio, a cubos pálidos. " En el Salon d'Automne de 1910, unos meses después, Metzinger exhibió su muy fracturado Nu à la cheminée (Desnudo), que posteriormente se reprodujo tanto en Du "Cubisme" (1912) como en Les Peintres Cubistes (1913).

La primera controversia pública generada por el cubismo resultó de las exhibiciones en el Salón de los Independientes durante la primavera de 1911. Esta exhibición de Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier y Léger llamó la atención del público en general sobre el cubismo por primera vez. Entre las obras cubistas presentadas, Robert Delaunay exhibió su Torre Eiffel, Tour Eiffel (Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York).

En el Salon d'Automne del mismo año, además del grupo Indépendants de la Salle 41, se exhibieron obras de André Lhote, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Roger de La Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac y František Kupka. La exposición fue reseñada en la edición del 8 de octubre de 1911 de The New York Times. Este artículo fue publicado un año después de The Wild Men of Paris de Gelett Burgess, y dos años antes del Armory Show, que introdujo a los asombrados estadounidenses, acostumbrados al arte realista, a los estilos experimentales de la vanguardia europea, incluidos el fauvismo, el cubismo, el y futurismo. El New York Times de 1911artículo retratado obras de Picasso, Matisse, Derain, Metzinger y otros anteriores a 1909; no expuesta en el Salón de 1911. El artículo se tituló Los "cubistas" dominan el salón de otoño de París y se subtituló La excéntrica escuela de pintura aumenta su moda en la exposición de arte actual: lo que intentan hacer sus seguidores.

Entre todas las pinturas expuestas en el Salón de Otoño de París, ninguna llama tanto la atención como las extraordinarias producciones de la llamada escuela "cubista". De hecho, los despachos de París sugieren que estas obras son fácilmente la característica principal de la exposición. [...]

A pesar de la naturaleza loca de las teorías "cubistas", el número de quienes las profesan es bastante respetable. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger: estos son algunos de los nombres firmados en lienzos ante los que París se ha parado y ahora vuelve a estar asombrado.

¿Qué quieren decir? ¿Han perdido el juicio los responsables de ellos? ¿Es arte o locura? ¿Quién sabe?

Salon des Indépendants

El posterior Salon des Indépendants de 1912 ubicado en París (del 20 de marzo al 16 de mayo de 1912) estuvo marcado por la presentación del Desnudo bajando una escalera n. ° 2 de Marcel Duchamp, que provocó un escándalo, incluso entre los cubistas. De hecho, fue rechazado por el comité de ejecución, que incluía a sus hermanos y otros cubistas. Aunque el trabajo se mostró en el Salon de la Section d'Or en octubre de 1912 y en el Armory Show de 1913 en Nueva York, Duchamp nunca perdonó a sus hermanos y antiguos colegas por censurar su trabajo. Juan Gris, una nueva incorporación a la escena del Salón, exhibió su Retrato de Picasso (Instituto de Arte de Chicago), mientras que las dos exhibiciones de Metzinger incluyeron La Femme au Cheval (Mujer con un caballo) 1911–1912 (Galería Nacional de Dinamarca).También se exhibieron la monumental La Ville de Paris (Musée d'art moderne de la Ville de Paris) de Delaunay y La Noce, The Wedding (Musée National d'Art Moderne, París) de Léger.

Galerías Dalmau

En 1912, las Galeries Dalmau presentaron la primera exposición colectiva declarada del cubismo en el mundo (Exposició d'Art Cubista), con una polémica muestra de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin y Marcel Duchamp (Barcelona, ​​20 de abril al 10 de mayo de 1912). La exposición de Dalmau estuvo compuesta por 83 obras de 26 artistas. La vinculación de Jacques Nayral con Gleizes le llevó a escribir el Prólogo de la exposición cubista, que fue traducido íntegramente y reproducido en el diario La Veu de Catalunya. Desnudo bajando una escalera, No. 2 de Duchamp fue exhibido por primera vez.

La amplia cobertura mediática (en periódicos y revistas) antes, durante y después de la exposición lanzó a las Galeries Dalmau como una fuerza en el desarrollo y la propagación del modernismo en Europa. Si bien la cobertura de prensa fue extensa, no siempre fue positiva. Se publicaron artículos en los periódicos Esquella de La Torratxa y El Noticiero Universal atacando a los cubistas con una serie de caricaturas salpicadas de textos despectivos. El historiador del arte Jaime Brihuega escribe sobre la muestra de Dalmau: “Sin duda la exposición produjo una fuerte conmoción en el público, que la recibió con mucho recelo.

Salón de Otoño

La contribución cubista al Salon d'Automne de 1912 creó un escándalo con respecto al uso de edificios propiedad del gobierno, como el Grand Palais, para exhibir tales obras de arte. La indignación del político Jean Pierre Philippe Lampué ocupó la portada de Le Journal el 5 de octubre de 1912. La polémica se extendió al Consejo Municipal de París, lo que provocó un debate en la Chambre des Députés sobre el uso de fondos públicos para proporcionar la sede. por tal arte. Los cubistas fueron defendidos por el diputado socialista Marcel Sembat.

Fue en este contexto de ira pública que Jean Metzinger y Albert Gleizes escribieron Du "Cubisme" (publicado por Eugène Figuière en 1912, traducido al inglés y al ruso en 1913). Entre las obras expuestas se encuentran la vasta composición de Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par des ours (Montañeros atacados por osos) ahora en el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island, Deux Femme, Two Women de Joseph Csaky (una escultura ahora perdida), además de la altamente abstracta pinturas de Kupka, Amorpha (The National Gallery, Praga), y Picabia, La Source (The Spring) (Museo de Arte Moderno, Nueva York).

La abstracción y el ready-made

Las formas más extremas del cubismo no fueron las practicadas por Picasso y Braque, que se resistieron a la abstracción total. Otros cubistas, por el contrario, especialmente František Kupka, y los considerados orfistas por Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia y Duchamp), aceptaron la abstracción eliminando por completo el tema visible. Las dos entradas de Kupka en el Salon d'Automne de 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs y Amorpha chromatique chaude, eran muy abstractas (o no figurativas) y de orientación metafísica. Tanto Duchamp en 1912 como Picabia de 1912 a 1914 desarrollaron una abstracción expresiva y alusiva dedicada a complejos temas emocionales y sexuales. A partir de 1912, Delaunay pintó una serie de pinturas titulada Ventanas simultáneas, seguida de una serie titulada Formes Circulaires, en la que combina estructuras planas con brillantes tonalidades prismáticas; basándose en las características ópticas de los colores yuxtapuestos, su desviación de la realidad en la representación de las imágenes fue casi completa. En 1913-14, Léger produjo una serie titulada Contrastes de formas, dando un énfasis similar al color, la línea y la forma. Su cubismo, a pesar de sus cualidades abstractas, se asoció con temas de mecanización y vida moderna. Apollinaire apoyó estos primeros desarrollos del cubismo abstracto en Les Peintres cubistes (1913),escritura de una nueva pintura "pura" en la que el tema quedó vacante. Pero a pesar de su uso del término orfismo, estas obras eran tan diferentes que desafían los intentos de ubicarlas en una sola categoría.

También etiquetado como orfista por Apollinaire, Marcel Duchamp fue responsable de otro desarrollo extremo inspirado en el cubismo. El ready-made surgió de una consideración conjunta de que la obra en sí misma es considerada un objeto (solo como una pintura), y que utiliza los detritos materiales del mundo (como el collage y el papier collé en la construcción y el Ensamblaje cubistas). El siguiente paso lógico, para Duchamp, era presentar un objeto ordinario como una obra de arte autosuficiente que solo se representaba a sí mismo. En 1913 colocó una rueda de bicicleta en un taburete de cocina y en 1914 seleccionó un estante para secar botellas como escultura por derecho propio.

Sección de Oro

La Section d'Or, también conocida como Groupe de Puteaux, fundada por algunos de los cubistas más conspicuos, fue un colectivo de pintores, escultores y críticos asociados con el cubismo y el orfismo, activo desde 1911 hasta alrededor de 1914, cobrando prominencia a raíz de de su controvertida exhibición en el Salon des Indépendants de 1911. El Salon de la Section d'Or en la Galerie La Boétie de París, en octubre de 1912, fue posiblemente la exposición cubista anterior a la Primera Guerra Mundial más importante; exponer el cubismo a una amplia audiencia. Se exhibieron más de 200 obras, y el hecho de que muchos de los artistas mostraran obras de arte representativas de su desarrollo desde 1909 hasta 1912 le dio a la exposición el encanto de una retrospectiva cubista.

El grupo parece haber adoptado el nombre de Section d'Or para distinguirse de la definición más estrecha de cubismo desarrollada en paralelo por Pablo Picasso y Georges Braque en el barrio de Montmartre de París, y para mostrar que el cubismo, más que ser un arte aislado, forma, representaba la continuación de una gran tradición (de hecho, la proporción áurea había fascinado a los intelectuales occidentales de diversos intereses durante al menos 2.400 años).

La idea de la Sección de Oro se originó en el curso de conversaciones entre Metzinger, Gleizes y Jacques Villon. El título del grupo fue sugerido por Villon, después de leer una traducción de 1910 del Trattato della Pittura de Leonardo da Vinci por Joséphin Péladan.

Durante finales del siglo XIX y principios del XX, los europeos estaban descubriendo el arte africano, polinesio, micronesio y nativo americano. Artistas como Paul Gauguin, Henri Matisse y Pablo Picasso se sintieron intrigados e inspirados por el poder absoluto y la simplicidad de los estilos de esas culturas extranjeras. Hacia 1906, Picasso conoció a Matisse a través de Gertrude Stein, en un momento en que ambos artistas habían adquirido recientemente un interés por el primitivismo, la escultura ibérica, el arte africano y las máscaras tribales africanas. Se convirtieron en amistosos rivales y compitieron entre sí a lo largo de sus carreras, lo que quizás llevó a Picasso a entrar en un nuevo período en su trabajo en 1907, marcado por la influencia del arte griego, ibérico y africano. Las pinturas de Picasso de 1907 se han caracterizado como protocubismo, como se ve notablemente en Les Demoiselles d'Avignon., el antecedente del cubismo.

El historiador del arte Douglas Cooper afirma que Paul Gauguin y Paul Cézanne "fueron particularmente influyentes en la formación del cubismo y especialmente importantes para las pinturas de Picasso durante 1906 y 1907". Cooper continúa diciendo: "Las Demoiselles generalmente se conocen como la primera pintura cubista. Esto es una exageración, ya que aunque fue un primer paso importante hacia el cubismo, todavía no es cubista. El elemento disruptivo y expresionista en él es incluso contrario. al espíritu del cubismo, que miraba el mundo con un espíritu realista y distante .es el cuadro lógico a tomar como punto de partida del cubismo, porque marca el nacimiento de un nuevo lenguaje pictórico, porque en él Picasso trastornó violentamente las convenciones establecidas y porque todo lo que siguió surgió de él.

La objeción más seria a considerar a las Demoiselles como el origen del cubismo, con su evidente influencia del arte primitivo, es que "tales deducciones no son históricas", escribió el historiador del arte Daniel Robbins. Esta conocida explicación "no da la debida consideración a las complejidades de un arte floreciente que existió justo antes y durante el período en que se desarrolló la nueva pintura de Picasso".Entre 1905 y 1908, la búsqueda consciente de un nuevo estilo provocó cambios rápidos en el arte de Francia, Alemania, los Países Bajos, Italia y Rusia. Los impresionistas habían utilizado un doble punto de vista, y tanto Les Nabis como los simbolistas (que también admiraban a Cézanne) aplanaron el plano del cuadro, reduciendo sus temas a simples formas geométricas. La estructura y el tema neoimpresionistas, que se pueden ver más notablemente en las obras de Georges Seurat (por ejemplo, Parade de Cirque, Le Chahut y Le Cirque), fue otra influencia importante. También hubo paralelismos en el desarrollo de la literatura y el pensamiento social.

Además de Seurat, las raíces del cubismo se encuentran en las dos tendencias distintas del trabajo posterior de Cézanne: primero, su ruptura de la superficie pintada en pequeñas áreas de pintura multifacéticas, enfatizando así el punto de vista plural dado por la visión binocular, y segundo su interés en la simplificación de formas naturales en cilindros, esferas y conos. Sin embargo, los cubistas exploraron este concepto más allá de Cézanne. Representaron todas las superficies de los objetos representados en un solo plano de imagen, como si los objetos tuvieran todas sus caras visibles al mismo tiempo. Este nuevo tipo de representación revolucionó la forma en que se podían visualizar los objetos en la pintura y el arte.

El estudio histórico del cubismo comenzó a fines de la década de 1920, basándose al principio en fuentes de datos limitados, a saber, las opiniones de Guillaume Apollinaire. Llegó a depender en gran medida del libro de Daniel-Henry Kahnweiler Der Weg zum Kubismus (publicado en 1920), que se centró en los desarrollos de Picasso, Braque, Léger y Gris. Los términos "analítico" y "sintético" que surgieron posteriormente han sido ampliamente aceptados desde mediados de la década de 1930. Ambos términos son imposiciones históricas que se produjeron con posterioridad a los hechos que identifican. Ninguna fase fue designada como tal en el momento en que se crearon las obras correspondientes. "Si Kahnweiler considera el cubismo como Picasso y Braque", escribió Daniel Robbins, "nuestro único defecto es someter las obras de otros cubistas a los rigores de esa definición limitada".

La interpretación tradicional del "cubismo", formulada post facto como medio de comprensión de las obras de Braque y Picasso, ha afectado nuestra apreciación de otros artistas del siglo XX. Es difícil aplicarlo a pintores como Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier, cuyas diferencias fundamentales con el cubismo tradicional obligaron a Kahnweiler a preguntarse si llamarlos cubistas. Según Daniel Robbins, "Sugerir que simplemente porque estos artistas se desarrollaron de manera diferente o variaban del patrón tradicional, merecían ser relegados a un papel secundario o satélite en el cubismo es un profundo error".

La historia del término "cubismo" suele subrayar el hecho de que Matisse se refirió a "cubos" en relación con una pintura de Braque en 1908, y que el término fue publicado dos veces por el crítico Louis Vauxcelles en un contexto similar. Sin embargo, la palabra "cubo" fue utilizada en 1906 por otro crítico, Louis Chassevent, no con referencia a Picasso o Braque sino a Metzinger y Delaunay:"M. Metzinger es un mosaico como M. Signac pero aporta más precisión al corte de sus cubos de color que parecen haber sido hechos mecánicamente [...]".

El uso crítico de la palabra "cubo" se remonta al menos a mayo de 1901 cuando Jean Béral, revisando la obra de Henri-Edmond Cross en los Indépendants in Art et Littérature, comentó que "utiliza un puntillismo grande y cuadrado, dando la impresión de mosaico. Uno incluso se pregunta por qué el artista no ha utilizado cubos de materia sólida de diversos colores: harían bonitos revestimientos". (Robert Herbert, 1968, pág. 221)

El término cubismo no se generalizó hasta 1911, principalmente en referencia a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. En 1911, el poeta y crítico Guillaume Apollinaire aceptó el término en nombre de un grupo de artistas invitados a exponer en los Indépendants de Bruselas. Al año siguiente, en preparación para el Salon de la Section d'Or, Metzinger y Gleizes escribieron y publicaron Du "Cubisme" en un esfuerzo por disipar la confusión que se desarrollaba en torno a la palabra, y como una importante defensa del cubismo (que había causado un escándalo público tras el Salon des Indépendants de 1911 y el Salon d'Automne de 1912 en París).Clarificando sus fines como artistas, esta obra fue el primer tratado teórico sobre el cubismo y sigue siendo el más claro e inteligible. El resultado, no solo una colaboración entre sus dos autores, reflejó las discusiones del círculo de artistas que se reunieron en Puteaux y Courbevoie. Reflejaba las actitudes de los "artistas de Passy", que incluían a Picabia y los hermanos Duchamp, a quienes se leían secciones antes de su publicación. El concepto desarrollado en Du "Cubisme" de observar un sujeto desde diferentes puntos en el espacio y el tiempo simultáneamente, es decir, el acto de moverse alrededor de un objeto para captarlo desde varios ángulos sucesivos fusionados en una sola imagen (puntos de vista múltiples, perspectiva móvil, simultaneidad o multiplicidad),

El manifiesto de 1912 Du "Cubisme" de Metzinger y Gleizes fue seguido en 1913 por Les Peintres Cubistes, una colección de reflexiones y comentarios de Guillaume Apollinaire. Apollinaire había estado estrechamente relacionado con Picasso a partir de 1905 y con Braque a partir de 1907, pero prestó mucha atención a artistas como Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia y Duchamp.

El hecho de que la exposición de 1912 hubiera sido comisariada para mostrar las sucesivas etapas por las que había transitado el cubismo, y que Du "Cubisme" se hubiera publicado para la ocasión, indica la intención de los artistas de hacer comprensible su obra a un público amplio (críticos de arte, coleccionistas de arte, marchantes de arte y público en general). Sin duda, debido al gran éxito de la exposición, el cubismo se convirtió en un movimiento de vanguardia reconocido como un género o estilo en el arte con una determinada filosofía u objetivo común.

Cubismo de cristal: 1914-1918

Una modificación significativa del cubismo entre 1914 y 1916 estuvo marcada por un cambio hacia un fuerte énfasis en grandes planos geométricos superpuestos y actividad de superficies planas. Esta agrupación de estilos de pintura y escultura, especialmente significativa entre 1917 y 1920, fue practicada por varios artistas; en particular los que tienen contrato con el marchante y coleccionista de arte Léonce Rosenberg. El endurecimiento de las composiciones, la claridad y el sentido del orden reflejados en estas obras, llevaron a que el crítico Maurice Raynal se refiriera a ellas como cubismo 'cristalino'. Las consideraciones manifestadas por los cubistas antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial, como la cuarta dimensión, el dinamismo de la vida moderna, lo oculto y el concepto de duración de Henri Bergson, ahora habían sido desocupadas, reemplazadas por un marco de referencia puramente formal.

El cubismo de cristal, y su rappel à l'ordre asociativo, se ha relacionado con una inclinación, por parte de quienes sirvieron en las fuerzas armadas y de quienes permanecieron en el sector civil, a escapar de las realidades de la Gran Guerra, tanto durante como inmediatamente después. el conflicto. La purificación del cubismo desde 1914 hasta mediados de la década de 1920, con su unidad cohesiva y restricciones voluntarias, se ha relacionado con una transformación ideológica mucho más amplia hacia el conservadurismo tanto en la sociedad francesa como en la cultura francesa.

Cubismo después de 1918

El período más innovador del cubismo fue antes de 1914. Después de la Primera Guerra Mundial, con el apoyo del marchante Léonce Rosenberg, el cubismo volvió a ser un tema central para los artistas, y continuó como tal hasta mediados de la década de 1920, cuando su condición de vanguardia se vio cuestionada por el surgimiento de la abstracción geométrica y el surrealismo. en París. Muchos cubistas, incluidos Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes y Metzinger, mientras desarrollaban otros estilos, regresaron periódicamente al cubismo, incluso mucho después de 1925. El cubismo resurgió durante las décadas de 1920 y 1930 en el trabajo del estadounidense Stuart Davis y el el inglés Ben Nicholson. En Francia, sin embargo, el cubismo experimentó un declive a partir de 1925. Léonce Rosenberg exhibió no solo a los artistas varados por el exilio de Kahnweiler, sino también a otros, incluidos Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin y Severini. En 1918, Rosenberg presentó una serie de exposiciones cubistas en su Galerie de l'Effort Moderne de París. Louis Vauxcelles intentó argumentar que el cubismo estaba muerto, pero estas exposiciones, junto con una muestra cubista bien organizada en el Salon des Indépendants de 1920 y una reactivación del Salon de la Section d'Or en el mismo año, lo demostraron. Aún estaba vivo.

El resurgimiento del cubismo coincidió con la aparición entre 1917 y 1924 de un cuerpo coherente de escritos teóricos de Pierre Reverdy, Maurice Raynal y Daniel-Henry Kahnweiler y, entre los artistas, de Gris, Léger y Gleizes. El regreso ocasional al clasicismo —obra figurativa ya sea exclusivamente o junto con el trabajo cubista— experimentado por muchos artistas durante este período (llamado Neoclasicismo) se ha relacionado con la tendencia a evadir las realidades de la guerra y también con el dominio cultural de un clásico o latino. imagen de Francia durante e inmediatamente después de la guerra. El cubismo después de 1918 puede verse como parte de un amplio cambio ideológico hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesa. Sin embargo, el cubismo en sí siguió siendo evolutivo tanto dentro de la obra de artistas individuales, como Gris y Metzinger, ya través de la obra de artistas tan diferentes entre sí como Braque, Léger y Gleizes. El cubismo como movimiento debatido públicamente se volvió relativamente unificado y abierto a la definición. Su pureza teórica lo convirtió en un indicador con el que comparar tendencias tan diversas como el Realismo o el Naturalismo, el Dadá, el Surrealismo y la abstracción.

Influencia en Asia

Japón y China estuvieron entre los primeros países de Asia en ser influenciados por el cubismo. El contacto se produjo por primera vez a través de textos europeos traducidos y publicados en revistas de arte japonesas en la década de 1910. En la década de 1920, los artistas japoneses y chinos que estudiaron en París, por ejemplo, los matriculados en la École nationale supérieure des Beaux-Arts, trajeron consigo una comprensión de los movimientos artísticos modernos, incluido el cubismo. Obras notables que exhiben cualidades cubistas fueron Autorretrato con ojos rojos (1912) de Tetsugorō Yorozu y Melodía en otoño (1934) de Fang Ganmin.

Interpretación

Intenciones y criticas

El cubismo de Picasso y Braque tenía más que un significado técnico o formal, y las distintas actitudes e intenciones de los cubistas de salón produjeron diferentes tipos de cubismo, más que un derivado de su trabajo. "No está nada claro, en cualquier caso", escribió Christopher Green, "hasta qué punto estos otros cubistas dependieron de Picasso y Braque para el desarrollo de técnicas tales como el facetado, el 'pasaje' y la perspectiva múltiple; bien podrían haber llegado en tales prácticas con poco conocimiento del 'verdadero' cubismo en sus primeras etapas, guiados sobre todo por su propia comprensión de Cézanne". Las obras exhibidas por estos cubistas en los Salones de 1911 y 1912 se extendieron más allá de los temas convencionales tipo Cézanne: el modelo posado, bodegones y paisajes, favorecidos por Picasso y Braque para incluir temas de la vida moderna a gran escala. Dirigidas a un gran público, estas obras enfatizaron el uso de múltiples perspectivas y facetas planas complejas para lograr un efecto expresivo, preservando la elocuencia de temas dotados de connotaciones literarias y filosóficas.

En Du "Cubisme", Metzinger y Gleizes relacionaron explícitamente el sentido del tiempo con la perspectiva múltiple, dando expresión simbólica a la noción de 'duración' propuesta por el filósofo Henri Bergson según la cual la vida se experimenta subjetivamente como un continuo, con el pasado fluyendo hacia el presente y el presente fundiéndose en el futuro. Los cubistas de salón utilizaron el tratamiento facetado de lo sólido y el espacio y los efectos de múltiples puntos de vista para transmitir un sentido físico y psicológico de la fluidez de la conciencia, borrando las distinciones entre pasado, presente y futuro. Una de las principales innovaciones teóricas realizadas por los cubistas de salón, independientemente de Picasso y Braque, fue la de la simultaneidad.inspirándose en mayor o menor medida en las teorías de Henri Poincaré, Ernst Mach, Charles Henry, Maurice Princet y Henri Bergson. Con la simultaneidad, el concepto de dimensiones espaciales y temporales separadas fue ampliamente cuestionado. La perspectiva lineal desarrollada durante el Renacimiento quedó vacante. El tema ya no se consideraba desde un punto de vista específico en un momento en el tiempo, sino que se construía siguiendo una selección de puntos de vista sucesivos, es decir, como si se viera simultáneamente desde numerosos ángulos (y en múltiples dimensiones) con el ojo libre para vagar desde uno al otro

Esta técnica de representar la simultaneidad, múltiples puntos de vista (o movimiento relativo) es llevada a un alto grado de complejidad en Nu à la cheminée de Metzinger, exhibida en el Salon d'Automne de 1910; el monumental Le Dépiquage des Moissons (La trilla de la cosecha) de Gleizes, exhibido en el Salon de la Section d'Or de 1912; La Abundancia de Le Fauconnier mostrada en los Indépendants de 1911; y La ciudad de París de Delaunay, exhibida en los Indépendants en 1912. Estas ambiciosas obras son algunas de las pinturas más grandes de la historia del cubismo. La boda de Léger, también exhibida en el Salon des Indépendants en 1912, dio forma a la noción de simultaneidad al presentar diferentes motivos como si ocurrieran dentro de un solo marco temporal, donde las respuestas al pasado y al presente se interpenetran con fuerza colectiva. La conjunción de tales temas con la simultaneidad alinea el cubismo de salón con las primeras pinturas futuristas de Umberto Boccioni, Gino Severini y Carlo Carrà; ellos mismos hechos en respuesta al cubismo temprano.

El cubismo y el arte europeo moderno se introdujeron en los Estados Unidos en el ahora legendario Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York, que luego viajó a Chicago y Boston. En la muestra de la Armería, Pablo Picasso exhibió La Femme au pot de moutarde (1910), la escultura Cabeza de mujer (Fernande) (1909-10), Les Arbres (1907), entre otras obras cubistas. Jacques Villon exhibió siete importantes y grandes puntas secas, mientras que su hermano Marcel Duchamp conmocionó al público estadounidense con su cuadro Desnudo bajando una escalera, No. 2 (1912). Francis Picabia expuso sus abstracciones La Danse à la source y La Procession, Sevilla (ambas de 1912). Albert Gleizes expusoLa Femme aux phlox (1910) y L'Homme au balcon (1912), dos obras cubistas muy estilizadas y facetadas. Georges Braque, Fernand Léger, Raymond Duchamp-Villon, Roger de La Fresnaye y Alexander Archipenko también aportaron ejemplos de sus obras cubistas.

Escultura cubista

Al igual que en la pintura, la escultura cubista tiene sus raíces en la reducción de objetos pintados de Paul Cézanne en planos componentes y sólidos geométricos (cubos, esferas, cilindros y conos). Y al igual que en la pintura, se convirtió en una influencia omnipresente y contribuyó fundamentalmente al Constructivismo y al Futurismo.

La escultura cubista se desarrolló en paralelo a la pintura cubista. Durante el otoño de 1909, Picasso esculpió Cabeza de mujer (Fernande) con rasgos positivos representados por el espacio negativo y viceversa. Según Douglas Cooper: "La primera escultura cubista verdadera fue la impresionante Cabeza de mujer de Picasso, modelada en 1909-1910, una contraparte en tres dimensiones de muchas cabezas analíticas y facetadas similares en sus pinturas en ese momento". Estas inversiones positivas/negativas fueron ambiciosamente explotadas por Alexander Archipenko en 1912-13, por ejemplo, en Woman Walking.Joseph Csaky, después de Archipenko, fue el primer escultor de París que se unió a los cubistas, con quienes expuso a partir de 1911. Les siguieron Raymond Duchamp-Villon y luego, en 1914, Jacques Lipchitz, Henri Laurens y Ossip Zadkine.

De hecho, la construcción cubista fue tan influyente como cualquier innovación pictórica cubista. Fue el estímulo detrás del trabajo protoconstructivista tanto de Naum Gabo como de Vladimir Tatlin y, por lo tanto, el punto de partida de toda la tendencia constructiva en la escultura modernista del siglo XX.

Arquitectura

El cubismo formó un vínculo importante entre el arte y la arquitectura de principios del siglo XX. Las relaciones históricas, teóricas y sociopolíticas entre las prácticas de vanguardia en pintura, escultura y arquitectura tuvieron ramificaciones tempranas en Francia, Alemania, los Países Bajos y Checoslovaquia. Aunque hay muchos puntos de intersección entre el cubismo y la arquitectura, solo se pueden establecer algunos vínculos directos entre ellos. La mayoría de las veces, las conexiones se hacen por referencia a características formales compartidas: facetas de forma, ambigüedad espacial, transparencia y multiplicidad.

El interés arquitectónico por el cubismo se centró en la disolución y reconstitución de la forma tridimensional, utilizando formas geométricas simples, yuxtapuestas sin las ilusiones de la perspectiva clásica. Diversos elementos se pueden superponer, transparentar o penetrar entre sí, conservando sus relaciones espaciales. El cubismo se había convertido en un factor influyente en el desarrollo de la arquitectura moderna a partir de 1912 (La Maison Cubiste, de Raymond Duchamp-Villon y André Mare), desarrollándose en paralelo con arquitectos como Peter Behrens y Walter Gropius, con la simplificación del diseño de edificios, el uso de materiales apropiados para la producción industrial, y el aumento del uso del vidrio.

El cubismo fue relevante para una arquitectura que buscaba un estilo que no necesitaba referirse al pasado. Así, lo que se había convertido en una revolución tanto en la pintura como en la escultura se aplicó como parte de "una profunda reorientación hacia un mundo cambiado".Las ideas cubofuturistas de Filippo Tommaso Marinetti influyeron en las actitudes de la arquitectura de vanguardia. El influyente movimiento De Stijl abrazó los principios estéticos del neoplasticismo desarrollado por Piet Mondrian bajo la influencia del cubismo en París. De Stijl también fue vinculado por Gino Severini a la teoría cubista a través de los escritos de Albert Gleizes. Sin embargo, la vinculación de las formas geométricas básicas con la belleza inherente y la facilidad de aplicación industrial, que había sido prefigurada por Marcel Duchamp desde 1914, quedó en manos de los fundadores del purismo, Amédée Ozenfant y Charles-Édouard Jeanneret (más conocido como Le Corbusier). quienes exhibieron pinturas juntos en París y publicaron Après le cubisme en 1918.La ambición de Le Corbusier había sido traducir las propiedades de su propio estilo de cubismo a la arquitectura. Entre 1918 y 1922, Le Corbusier concentró sus esfuerzos en la teoría y la pintura puristas. En 1922, Le Corbusier y su prima Jeanneret abrieron un estudio en París en el 35 de la rue de Sèvres. Sus estudios teóricos pronto avanzaron hacia muchos proyectos arquitectónicos diferentes.

La Maison Cubiste (Casa Cubista)

En el Salon d'Automne de 1912 se exhibió una instalación arquitectónica que rápidamente se conoció como Maison Cubiste (Casa cubista), con arquitectura de Raymond Duchamp-Villon y decoración interior de André Mare junto con un grupo de colaboradores. Metzinger y Gleizes en Du "Cubisme", escrito durante el montaje de la "Maison Cubiste", escribieron sobre la naturaleza autónoma del arte, enfatizando el punto de que las consideraciones decorativas no deben regir el espíritu del arte. El trabajo decorativo, para ellos, era la "antítesis del cuadro". "La verdadera imagen", escribieron Metzinger y Gleizes, "tiene su razón de serdentro de sí mismo Se puede trasladar de una iglesia a un salón, de un museo a un estudio. Esencialmente independiente, necesariamente completo, no necesita satisfacer inmediatamente a la mente: al contrario, debe conducirla, poco a poco, hacia las profundidades ficticias en las que reside la luz coordinada. No armoniza con este o aquel conjunto; armoniza con las cosas en general, con el universo: es un organismo...".

La Maison Cubiste era una casa modelo completamente amueblada, con fachada, escalera, pasamanos de hierro forjado y dos habitaciones: una sala de estar, el Salón Bourgeois, donde se exhiben pinturas de Marcel Duchamp, Metzinger (Mujer con abanico), Gleizes, Laurencin y Léger fueron ahorcados, y un dormitorio. Era un ejemplo de L'art decoratif, un hogar en el que el arte cubista podía exhibirse con la comodidad y el estilo de la vida burguesa moderna. Los espectadores del Salon d'Automne atravesaron la fachada de yeso, diseñada por Duchamp-Villon, hasta las dos salas amuebladas. Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913, Nueva York, Chicago y Boston.figura en el catálogo de la exposición de Nueva York como Raymond Duchamp-Villon, número 609, y se titula "Fachada arquitectónica, yeso" (Fachada arquitectónica).

Los muebles, el papel pintado, la tapicería y las alfombras del interior fueron diseñados por André Mare y fueron ejemplos tempranos de la influencia del cubismo en lo que se convertiría en Art Deco. Estaban compuestos por rosas de colores muy vivos y otros motivos florales en formas geométricas estilizadas.

Mare llamó a la sala de estar en la que se colgaban pinturas cubistas el Salón Bourgeois. Léger describió este nombre como 'perfecto'. En una carta a Mare previa a la exposición, Léger escribió: “Tu idea es absolutamente espléndida para nosotros, realmente espléndida. La gente verá el cubismo en su entorno doméstico, que es muy importante.

"Los conjuntos de Mare fueron aceptados como marcos para obras cubistas porque permitieron que pinturas y esculturas tuvieran independencia", escribió Christopher Green, "creando un juego de contrastes, de ahí la participación no solo de los propios Gleizes y Metzinger, sino también de Marie Laurencin, los hermanos Duchamp. (Raymond Duchamp-Villon diseñó la fachada) y los viejos amigos de Mare, Léger y Roger La Fresnaye".

En 1927, los cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de una Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, diseñada por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet, también coleccionista de pinturas postimpresionistas y cubistas (incluidas Les Demoiselles d'Avignon, que compró directamente en el estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista.

Arquitectura cubista checa

La arquitectura cubista original es muy rara. El cubismo se aplicó a la arquitectura únicamente en Bohemia (hoy República Checa) y especialmente en su capital, Praga. Los arquitectos checos fueron los primeros y únicos en diseñar edificios cubistas originales. La arquitectura cubista floreció en su mayor parte entre 1910 y 1914, pero los edificios cubistas o influenciados por el cubismo también se construyeron después de la Primera Guerra Mundial. Después de la guerra, el estilo arquitectónico llamado Rondo-Cubism se desarrolló en Praga fusionando la arquitectura cubista con formas redondas..

Los arquitectos cubistas expresaron en sus reglas teóricas la exigencia del dinamismo, que superaba la materia y la calma contenida en ella, a través de una idea creativa, de modo que el resultado suscitara en el espectador sentimientos de dinamismo y plasticidad expresiva. Esto debe lograrse mediante formas derivadas de pirámides, cubos y prismas, mediante arreglos y composiciones de superficies oblicuas, principalmente triangulares, fachadas esculpidas en unidades sobresalientes de aspecto cristalino, que recuerdan al llamado corte de diamante, o incluso cavernosas que recuerdan a la arquitectura gótica tardía. De esta manera, se esculpen todas las superficies de las fachadas, incluso los hastiales y las buhardillas. Las rejas así como otros ornamentos arquitectónicos adquieren una forma tridimensional. Así, también se crearon nuevas formas de ventanas y puertas, por ejemplo, ventanas hexagonales.Los arquitectos cubistas checos también diseñaron muebles cubistas.

Los principales arquitectos cubistas fueron Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman, Emil Králíček y Josef Chochol. Trabajaban principalmente en Praga pero también en otras ciudades de Bohemia. El edificio cubista más conocido es la Casa de la Virgen Negra en la Ciudad Vieja de Praga construida en 1912 por Josef Gočár con el único café cubista del mundo, Grand Café Orient. Vlastislav Hofman construyó los pabellones de entrada del cementerio de Ďáblice en 1912-1914, Josef Chochol diseñó varias casas residenciales bajo Vyšehrad. También se ha conservado una farola cubista cerca de la Plaza de Wenceslao, diseñada por Emil Králíček en 1912, quien también construyó la Casa del Diamante en la Ciudad Nueva de Praga alrededor de 1913.

Cubismo en otros campos

La influencia del cubismo se extendió a otros campos artísticos, fuera de la pintura y la escultura. En literatura, las obras escritas de Gertrude Stein emplean la repetición y frases repetitivas como bloques de construcción tanto en pasajes como en capítulos completos. La mayoría de las obras importantes de Stein utilizan esta técnica, incluida la novela The Making of Americans (1906–08). No solo fueron los primeros patrocinadores importantes del cubismo, Gertrude Stein y su hermano Leo también fueron influencias importantes en el cubismo. A su vez, Picasso fue una influencia importante en la escritura de Stein. En el campo de la ficción estadounidense, la novela de 1930 de William Faulkner As I Lay Dyingpuede leerse como una interacción con el modo cubista. La novela presenta narraciones de las diversas experiencias de 15 personajes que, cuando se toman en conjunto, producen un solo cuerpo cohesivo.

Los poetas generalmente asociados con el cubismo son Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon y Pierre Reverdy. Como explica el poeta estadounidense Kenneth Rexroth, el cubismo en la poesía "es la disociación y recombinación consciente y deliberada de elementos en una nueva entidad artística que se vuelve autosuficiente gracias a su arquitectura rigurosa. Esto es bastante diferente de la asociación libre de los surrealistas y la combinación de enunciación inconsciente y nihilismo político del dadaísmo”. No obstante, la influencia de los poetas cubistas tanto en el cubismo como en los movimientos posteriores del dadaísmo y el surrealismo fue profunda; Louis Aragon, miembro fundador del surrealismo, dijo que para Breton, Soupault, Éluard y él mismo, Reverdy era "nuestro mayor inmediato, el poeta ejemplar".Aunque no son tan recordados como los pintores cubistas, estos poetas siguen influyendo e inspirando; Los poetas estadounidenses John Ashbery y Ron Padgett han realizado recientemente nuevas traducciones de la obra de Reverdy. También se dice que "Trece maneras de mirar un mirlo" de Wallace Stevens demuestra cómo las múltiples perspectivas del cubismo pueden traducirse en poesía.

John Berger dijo: "Es casi imposible exagerar la importancia del cubismo. Fue una revolución en las artes visuales tan grande como la que tuvo lugar a principios del Renacimiento. Sus efectos en el arte posterior, en el cine y en la arquitectura ya se conocen". tan numerosos que apenas los notamos".

Galería

• Georges Braque, 1909–10, La guitare (Mandora, La Mandore), óleo sobre lienzo, 71,1 x 55,9 cm, Tate Modern, Londres
• Albert Gleizes, 1910, La Femme aux Phlox (Mujer con Phlox), óleo sobre lienzo, 81 x 100 cm, Museo de Bellas Artes de Houston. Exhibido en la Sala 41, Salon des Indépendants 1911, Armory Show 1913
• Georges Braque, 1910, Violín y candelabro, óleo sobre lienzo, 60,96 x 50,17 cm, Museo de Arte Moderno de San Francisco
• Jean Metzinger, 1910–11, Deux Nus (Dos desnudos, dos mujeres), óleo sobre lienzo, 92 x 66 cm, Museo de Arte de Gotemburgo, Suecia. Expuesto en la primera manifestación cubista, Sala 41 del Salon des Indépendants de 1911, París
• Robert Delaunay, 1910-1911, La ville núm. 2, óleo sobre lienzo, 146 x 114 cm, Musée National d'Art Moderne, París
• Henri Le Fauconnier, 1910–11, L'Abondance (Abundancia), óleo sobre lienzo, 191 x 123 cm, Gemeentemuseum Den Haag
• Marcel Duchamp, 1911, La sonate (Sonata), óleo sobre lienzo, 145,1 x 113,3 cm, Museo de Arte de Filadelfia
• Pablo Picasso, 1911, La Femme au Violon, óleo sobre lienzo, colección privada, en préstamo a largo plazo a Bavarian State Painting Collections, Pinakothek der Moderne, Munich
• Fernand Léger, 1911-1912, Les Fumeurs (Los fumadores), óleo sobre lienzo, 129,2 x 96,5 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
• Georges Braque, 1911–12, Hombre con guitarra (Figura, L'homme à la guitare), óleo sobre lienzo, 116,2 x 80,9 cm, Museo de Arte Moderno
• Jacques Villon, 1912, Girl at the Piano (Fillette au piano), óleo sobre lienzo, 129,2 x 96,4 cm, ovalado, Museo de Arte Moderno de Nueva York. Exhibido en el Armory Show de 1913
• Francis Picabia, 1912, La Source (La primavera), óleo sobre lienzo, 249,6 x 249,3 cm, Museo de Arte Moderno de Nueva York
• Fernand Léger, 1912–13, Modelo desnudo en el estudio (Le modèle nu dans l'atelier), óleo sobre arpillera, 128,6 x 95,9 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
• Albert Gleizes, 1912–13, Les Joueurs de football (Jugadores de fútbol), óleo sobre lienzo, 225,4 x 183 cm, Galería Nacional de Arte, Washington DC
• Jean Metzinger, 1912–1913, L'Oiseau bleu (El pájaro azul), óleo sobre lienzo, 230 x 196 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Expuesto en el Salon des Indépendants, 1913
• Pablo Picasso, 1913–14, Femme assise dans un fauteuil (Eva), Mujer en un sillón, óleo sobre lienzo, 149,9 x 99,4 cm, Colección cubista Leonard A. Lauder
• Juan Gris, 1915, Nature morte à la nappe à carreaux (Naturaleza muerta con mantel a cuadros), óleo y grafito sobre lienzo, 116,5 x 89,2 cm, Museo Metropolitano de Arte, colección Leonard A. Lauder
• Diego Rivera, 1915, Retrato de Ramón Gómez de la Serna, 109,6 × 90,2 cm. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
• Jean Metzinger, abril de 1916, Femme au miroir (Femme à sa toilette, Dama en su tocador), óleo sobre lienzo, 92,4 x 65,1 cm, colección particular
• Juan Gris, octubre de 1916, Retrato de Josette, óleo sobre lienzo, 116 x 73 cm, Museo Reina Sofía, Madrid
• Pablo Picasso, 1918, Arlequin au violon (Arlequín con violín), óleo sobre lienzo, 142 x 100,3 cm, The Cleveland Museum of Art, Ohio
• Gino Severini, 1919, Bohémien Jouant de L'Accordéon (El acordeonista), Museo del Novecento, Milán
• Albert Gleizes, 1920, Femme au gant noir (Mujer con guante negro), óleo sobre lienzo, 126 x 100 cm, Galería Nacional de Australia

Artículos de prensa y reseñas

• Pinturas de Albert Gleizes, 1910–11, Paisaje, Paisaje; Juan Gris (dibujo); Jean Metzinger, c.1911, Nature morte, Compotier et cruche decorée de cerfs. Publicado en la portada de El Correo Catalán, 25 de abril de 1912
• (centro) Jean Metzinger, c.1913, Le Fumeur (Hombre con pipa), Museo de Arte Carnegie, Pittsburgh; (izquierda) Alexander Archipenko, 1914, Danseuse du Médrano (Médrano II), (derecha) Archipenko, 1913, Pierrot-carrousel, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York. Publicado en Le Petit Comtois, 13 de marzo de 1914
• Pinturas de Fernand Léger, 1912, La Femme en Bleu, Mujer de azul, Kunstmuseum Basel; Jean Metzinger, 1912, Bailarín en un café, Galería de Arte Albright-Knox; y escultura de Alexander Archipenko, 1912, La Vie Familiale, Family Life (destruida). Publicado en Les Annales politiques et littéraires, n. 1529, 13 de octubre de 1912
• Pinturas de Gino Severini, 1911, La Danse du Pan-Pan, y Severini, 1913, L'autobus. Publicado en "Les Annales politiques et littéraires", Le Paradoxe Cubiste, 14 de marzo de 1920
• Pinturas de Gino Severini, 1911, Souvenirs de Voyage; Albert Gleizes, 1912, Hombre en un balcón, L'Homme au balcon; Severini, 1912–13, Retrato de Mlle Jeanne Paul-Fort; Luigi Russolo, 1911–12, La Révolte. Publicado en "Les Annales politiques et littéraires", Le Paradoxe Cubiste (continuación), n. 1916, 14 de marzo de 1920
• Pinturas de Henri Le Fauconnier, 1910–11, L'Abondance, Haags Gemeentemuseum; Jean Metzinger, 1911, Le goûter (La hora del té), Museo de Arte de Filadelfia; Robert Delaunay, 1910–11, La Tour Eiffel. Publicado en La Veu de Catalunya, 1 de febrero de 1912
• Jean Metzinger, 1910–11, Paysage (paradero desconocido); Gino Severini, 1911, La danseuse obsedante; Albert Gleizes, 1912, l'Homme au Balcon, Hombre en un balcón (Retrato del Dr. Théo Morinaud). Publicado en "Les Annales politiques et littéraires", Sommaire du n. 1536, diciembre de 1912
• Jean Metzinger, c.1911, Nature morte, Compotier et cruche decorée de cerfs; Juan Gris, 1911, Estudio para hombre en un café; Marie Laurencin, c.1911, Testa ab plechs; August Agero, escultura, Busto; Juan Gris, 1912, Guitarra y gafas, o Banjo y gafas. Publicado en Veu de Catalunya, 25 de abril de 1912
• Jean Metzinger, 1911, Le goûter (La hora del té), Museo de Arte de Filadelfia. Publicado en Le Journal, 30 de septiembre de 1911
• Pinturas de Juan Gris, Bodegón; August Agero (escultura); Jean Metzinger, 1910–11, Deux Nus, Two Nudes, Museo de Arte de Gotemburgo; Marie Laurencin (acrílico); Albert Gleizes, 1911, Paisaje, Paisaje. Publicado en La Publicidad, 26 de abril de 1912
• Umberto Boccioni, 1911, La rue entre dans la maison; Luigi Russolo, 1911, Souvenir d'une nuit. Publicado en Les Annales politiques et littéraires, 1 de diciembre de 1912
• Francis Picabia, pinturas publicadas en el New York Tribune, 9 de marzo de 1913. Picabia realizó su primera exposición individual en Nueva York, Exposición de estudios de Nueva York de Francis Picabia, en la galería de arte 291 (anteriormente Little Galleries of the Photo-Secession), 17 de marzo - 5 de abril de 1913
• Joseph Csaky, Head, 1913, yeso perdido; Robert Delaunay, Hommage à Blériot, 1914 (Kunstmuseum Basel); Henri Ottmann, The Hat Seller, publicado en The Sun, Nueva York, 15 de marzo de 1914
• Albert Gleizes, (izquierda) frente a su cuadro Jazz; Jean Crotti (centro) estudiando su Femme à la toque rouge; Marcel Duchamp (derecha) en su tablero de dibujo, frente al Retrato de MJB peintre de Jacques Villon, The Sun, Nueva York, 2 de enero de 1916
• Albert Gleizes (con Chal Post, 1915); Marcel Duchamp (con el Retrato de MJB peintre (Jacques Bon) de su hermano Jacques Villon, 1914); Juan Crotti; Hugo Robus; Stanton Macdonald-Wright; y Frances Simpson Stevens (centro), Every Week, vol. 4, núm. 14, 2 de abril de 1917, pág. 14
• Jean Metzinger, abril de 1916, Femme au miroir (Femme à sa toilette, Lady at her Dressing Table), The Sun, Nueva York, domingo 28 de abril de 1918