Cuarta perfecta
Jugar(help·info)A cuarto es un intervalo musical que abarca cuatro puestos de personal en la notación musical de la cultura occidental, y un cuarto perfecto ()Jugar(help·info)) es el cuarto que abarca cinco semitonas (medios pasos, o media tonos). Por ejemplo, el intervalo ascendente de C a F siguiente es un cuarto perfecto, ya que la nota F es el quinto semitone sobre C, y hay cuatro puestos de personal entre C y F. Los cuartos reducidos y aumentados abarcan el mismo número de plazas de personal, pero consisten en un número diferente de semitonas (cuatro y seis, respectivamente).
La cuarta perfecta puede derivarse de la serie armónica como el intervalo entre la tercera y la cuarta armónica. El término perfecto identifica este intervalo como perteneciente al grupo de los intervalos perfectos, llamados así porque no son ni mayores ni menores.
Un cuarto perfecto en sólo la intonación corresponde a una relación de campo de 4:3, o alrededor de 498 centavos (Jugar(help·info)), mientras que en igual temperamento un cuarto perfecto es igual a cinco semitonas, o 500 centavos (ver síntesis aditiva).
Hasta finales del siglo XIX, la cuarta perfecta a menudo se llamaba por su nombre griego, diatessaron. Su ocurrencia más común es entre la raíz quinta y superior de todas las tríadas mayores y menores y sus extensiones.
Un ejemplo de cuarta perfecta es el comienzo del "Bridal Chorus" de Lohengrin de Wagner ("Treulich geführt", el coloquialmente titulado "Aquí viene la novia"). Otro ejemplo es la melodía inicial del Himno Estatal de la Unión Soviética. Otros ejemplos son las dos primeras notas del villancico "Hark! Los ángeles heraldos cantan" y "El Cóndor Pasa", y, para una cuarta perfecta descendente, la segunda y tercera notas de "O Come All Ye Faithful".
La cuarta perfecta es un intervalo perfecto como el unísono, la octava y la quinta perfecta, y es una consonancia sensorial. En la práctica común de la armonía, sin embargo, se considera una disonancia estilística en ciertos contextos, concretamente en texturas a dos voces y siempre que se presente "por encima del bajo en acordes con tres o más notas". Si la nota de bajo también es la fundamental del acorde, la nota superior del intervalo casi siempre desplaza temporalmente a la tercera de cualquier acorde y, en la terminología utilizada en la música popular, se denomina cuarto suspendido.
Convencionalmente, las cuerdas adyacentes del bajo doble y de la guitarra bajo son un cuarto perfecto aparte cuando no tiene nada, como todos los pares, pero uno de las cuerdas de guitarra adyacentes bajo el afinado estándar de guitarra. Los conjuntos de tom-tom tambores también se sintonizan comúnmente en cuartos perfectos. El 4:3 sólo perfecto cuarto surge en la escala principal C entre F y C. Jugar(help·info)
Historia
El uso de cuartas y quintas perfectas para sonar en paralelo y "engrosar" la línea melódica prevalecía en la música anterior a la música polifónica europea de la Edad Media.
En el siglo XIII, la cuarta y la quinta juntas eran las concordantiae mediae (consonancias medias) después del unísono y la octava, y antes de las terceras y sextas. La cuarta llegó en el siglo XV a ser considerada como disonante en sí misma, y fue clasificada por primera vez como una disonancia por Johannes Tinctoris en su Terminorum musicae diffinitorium (1473). En la práctica, sin embargo, siguió utilizándose como consonante cuando se apoyaba en el intervalo de tercera o quinta en voz más baja.
La teoría acústica moderna apoya la interpretación medieval en la medida en que los intervalos de unísono, octava, quinta y cuarta tienen relaciones de frecuencia particularmente simples. La octava tiene la proporción de 2:1, por ejemplo el intervalo entre a' en A440 y un'' a 880 Hz, lo que da una relación de 880:440 o 2:1. El quinto tiene una razón de 3:2, y su complemento tiene una razón de 3:4. Los teóricos de la música antigua y medieval parecen haber estado familiarizados con estas proporciones; véanse, por ejemplo, sus experimentos con el monocordio.
Escucha) con perfecto (a), aumentado (b) y disminuido (c) cuartosEn los años siguientes, las proporciones de frecuencia de estos intervalos en los teclados y otros instrumentos de afinación fija cambiaron ligeramente a medida que se desarrollaron diferentes sistemas de afinación, como el temperamento de medio tono, el temperamento bueno y el temperamento igual.
En la polifonía occidental temprana, generalmente se preferían estos intervalos más simples (unísono, octava, quinta y cuarta). Sin embargo, en su desarrollo entre los siglos XII y XVI:
- En las primeras etapas, estos intervalos simples ocurren con tanta frecuencia que parecen ser el sonido favorito de los compositores.
- Más tarde, los intervalos más "complejos" (terceros, sextos y tritones) pasan gradualmente de los márgenes al centro de interés musical.
- Al final de la Edad Media, se habían establecido nuevas reglas para el liderazgo de la voz, reevaluando la importancia de unísono, octava, quinta y cuarta y manipularlas de manera más restringida (por ejemplo, la prohibición posterior de octavas y quintas paralelas).
La música del siglo XX descarta en su mayor parte las reglas de la "clásica" tonalidad occidental. Por ejemplo, compositores como Erik Satie tomaron prestados elementos estilísticos de la Edad Media, pero algunos compositores encontraron usos más innovadores para estos intervalos.
Edad Media
En la música medieval, la tonalidad del período de práctica común aún no se había desarrollado, y se pueden encontrar muchos ejemplos con estructuras armónicas que se construyen sobre cuartas y quintas. La Musica enchiriadis de mediados del siglo X, una guía para la práctica musical de la época, describía el canto en cuartas, quintas y octavas paralelas. Este desarrollo continuó, y la música de la escuela de Notre Dame puede considerarse la cúspide de una armonía coherente en este estilo.
Por ejemplo, en una "Alleluia"Escucha) por Pérotin, el cuarto es favorecido. En otros lugares, en paralelo organum en la cuarta, la línea superior estaría acompañada un cuarto debajo. También es importante la práctica de Fauxbourdon, que es una técnica de tres votos (no infrecuentemente improvisatoria) en la que las dos voces inferiores proceden paralelamente a la voz superior en un cuarto y sexto debajo. Fauxbourdon, mientras hace un uso amplio de cuartos, es también un paso importante hacia la armonía triádica posterior de la tonalidad, ya que puede ser visto como una primera inversión (o 6/3) triada.
Esta tríada paralela de 6/3 se incorporó al estilo contrapuntal en el momento, en el que las cuartas paralelas fueron consideradas a veces problemáticas, y escritas alrededor con adornos u otras modificaciones a la Fauxbourdon estilo. Un ejemplo de esto es el comienzo de la Antifona Mariana Ave Maris Stella ()Escucha) de Guillaume Dufay, un maestro de Fauxbourdon.
Renacimiento y Barroco
El desarrollo de la tonalidad continuó durante el Renacimiento hasta que los compositores de la era barroca la realizaron por completo.
A medida que el tiempo avanzaba por el renacimiento tardío y el barroco temprano, el cuarto se entendió más como un intervalo que necesitaba resolución. Cada vez más, las armonías de los quintos y cuartos dieron lugar a usos de terceros y sextos. En el ejemplo, los formularios de cadencia de las obras de Orlando di Lasso y Palestrina muestran que el cuarto está siendo resuelto como suspensión. ()Escucha)
En la música del barroco temprano de Claudio Monteverdi y Girolamo Frescobaldi se utilizó a fondo la armonía triádica. En el género lamento aparecen pasajes diatónicos y cromáticos que marcan fuertemente el intervalo de cuarta y, a menudo, en pasajes de descendencia cromática passus duriusculus. En los madrigales de Claudio Monteverdi y Carlo Gesualdo la interpretación intensiva del texto (word painting) destaca con frecuencia la forma de una cuarta como resolución extremadamente tardía de una cuarta suspensión. Además, en la Tocata cromática de Frescobaldi de 1635, los cuartos delineados se superponen, dividiendo en dos varios modos de iglesia.
En el primer tercio del siglo XVIII se escribieron tratados teóricos pioneros sobre composición y armonía. Jean-Philippe Rameau completó su tratado Le Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels (la teoría de la armonía reducida a sus principios naturales) en 1722, que complementó su obra de cuatro años antes, < i>Nouveau Système de musique theoretique (nuevo sistema de teoría musical); estos juntos pueden considerarse la piedra angular de la teoría musical moderna relacionada con la consonancia y la armonía. El compositor austríaco Johann Fux publicó en 1725 su poderoso tratado sobre la composición de contrapunto al estilo de Palestrina bajo el título Gradus ad Parnassum (Los Pasos al Parnaso). Describió varios tipos de contrapunto (por ejemplo, nota contra nota) y sugirió una aplicación cuidadosa del cuarto para evitar la disonancia.
Clásica y romántica
(feminine)El florecimiento de la tonalidad y el establecimiento de un buen temperamento en el tiempo de Bach tuvieron una influencia continua hasta el último período romántico, y las tendencias hacia la armonía cuartal fueron algo suprimidas. Una cadencia cada vez más refinada, y la armonía triádica definieron el trabajo musical de esta época. El contrapunto se simplifica para favorecer una línea superior con una clara armonía acompañante. Sin embargo, hay muchos ejemplos de contrapunto denso utilizando cuartos en este estilo, comúnmente como parte del fondo instando la expresión armónica en un pasaje junto a un clímax. Mozart en su llamada Cuarteto de disonancia KV 465 (KV 465)Escucha) usó escalas de tono cromático y completo para esbozar cuartos, y el tema de la fuga en el tercer movimiento de Beethoven Piano sonata op. 110 ()Escucha) se abre con tres cuartos ascendentes. Estos son todos ejemplos melódicos, sin embargo, y la armonía subyacente se construye en tercios.
Los compositores comenzaron a reevaluar la calidad de la cuarta como una consonancia en lugar de una disonancia. Esto influiría más tarde en el desarrollo de la armonía cuartal y quintal.
El acorde de Tristán está formado por las notas F♮, B♮, D ♯ y G♯ y es el primer acorde que se escucha en la ópera Tristan und Isolde de Richard Wagner.
El acorde se había encontrado en obras anteriores, en particular en la Sonata para piano n.° 18 de Beethoven, pero el uso de Wagner fue significativo, primero porque se considera que se aleja de la armonía tonal tradicional e incluso se acerca a la atonalidad., y segundo porque con este acorde Wagner en realidad provocó que el sonido o estructura de la armonía musical se volviera más predominante que su función, una noción que pronto sería explorada por Debussy y otros.
La cuarta armonía se hizo importante en el trabajo de compositores eslavos y escandinavos como Modest Mussorgsky, Leoš Janáček y Jean Sibelius. Estos compositores utilizaron esta armonía de una manera pungente, descubierta, casi arcaica, a menudo incorporando la música folclórica de sus tierras particulares. Sibelius ' Piano Sonata en F-Major op. 12 de 1893 utilizó pasajes de tremolo de armonía casi-cuartal de una manera relativamente difícil y moderna. Incluso en el ejemplo del piano-ciclo de Mussorgsky Fotos en una exposición (Избушка на курьих ножках (Баба-ъга) – El Hut en las piernas de Fowl) ()Escucha) el cuarto siempre hace una entrada "sin adornar".
Los compositores románticos Frédéric Chopin y Franz Liszt, habían utilizado el especial "adelgazado" sonido de cuarto acorde en obras tardías para piano (Nuages gris (Nubes grises), La lugubre gondola (La góndola lúgubre), y otras obras).
En la obra de 1897 The Sorcerer's Apprentice (L'Apprenti sorcier) de Paul Dukas, la repetición de cuartas ascendentes es una representación musical del incansable trabajo de los -El control de las escobas ambulantes hace que el nivel del agua en la casa "suba y suba". La armonía cuartal en Sonatine de Ravel y Ma Mère l'Oye (Mother Goose) seguiría unos años más tarde.
Música del siglo XX
Música clásica occidental
Jugar(help·info)En el siglo XX, la armonía construida explícitamente sobre cuartas y quintas se volvió importante. Esto se conoció como armonía cuartal para acordes basados en cuartas y armonía quintal para acordes basados en quintas. En la música de los compositores de Francia de principios del siglo XX, los acordes de cuarta se consolidaron con los acordes de novena, la escala de tonos enteros, la escala pentatónica y la politonalidad como parte de su lenguaje, y la armonía cuartal se convirtió en un importante medio de expresión en la música de Debussy, Maurice Ravel y otros. Se encuentran ejemplos en la obra orquestal de Debussy La Mer (El mar) y en sus obras para piano, en particular La cathédrale engloutie (La catedral sumergida) de su < i>Préludes para piano, Pour les quartes (Para cuartas) y Pour les arpéges composées (Para arpegios compuestos) de sus Etudes.
 La música de Bartók, como el Cuarteto de cuerda No. 2, a menudo hace uso de una célula básica de tres notas, un cuarto perfecto asociado con un externo (C, F, G.) o interna (C, E, F) menor segundo, como una fuente común de intervalo en lugar de armonías triádicas. |  Durante el período intermedio de Schoenberg favoreció un acorde compuesto de dos cuartos, uno perfecto y uno aumentado (C, F, B o C, F▪, B). |  Cuartal acorde de Schoenberg Cuarteto de cuerda No 1 |
Jazz
El jazz usa armonías cuartales (usualmente llamadas sonorización en cuartas).
Las cadencias a menudo se "alteran" para incluir acordes suspendidos no resueltos que incluyen una cuarta por encima del bajo:
La cadencia II-V-IEscucha) La cuarta-suspensión o "sus"-chord
 Escucha. La sección de bronce de la versión de Ray Barretto Amor Artificial |  Escuchar Rompe guitarra de la composición de Milton Nascimentos "Vera Cruz" |