Cosplay

Cosplayers en Yukicon 2014, una convención de fans en Finlandia

Tres cosplayers en el Comic Con en Long Beach 2014, representando un personaje de Star Trek, la superhéroe Wonder Woman (Universidad de cómics DC) y la supervillana Loki (Universidad de cómics Marvel)

Cosplay, un acrónimo de "juego de disfraces", es una actividad y arte escénico en el que los participantes llamados cosplayers visten disfraces y accesorios de moda para representar un carácter específico. Los cosplayers a menudo interactúan para crear una subcultura y un uso más amplio del término "cosplay" se aplica a cualquier juego de rol disfrazado en lugares que no sean el escenario. Puede tomarse como sujeto cualquier entidad que se preste a la interpretación dramática. Las fuentes favoritas incluyen anime, dibujos animados, cómics, manga, series de televisión, actuaciones de música rock y videojuegos. El término se compone de las dos contrapartes antes mencionadas: vestuario y juego de roles.

El cosplay surgió de la práctica de disfrazarse de fanáticos en las convenciones de ciencia ficción, comenzando con los "futuristiccostumes&#34 de Morojo. creado para la Primera Convención Mundial de Ciencia Ficción celebrada en la ciudad de Nueva York en 1939. El término japonés "cosplay" (コスプレ, kosupure) fue acuñado en 1984. Un rápido crecimiento en el número de personas que practican cosplay como pasatiempo desde la década de 1990 ha convertido el fenómeno en un aspecto importante de la cultura popular en Japón, así como en otras partes del este de Asia y en el mundo occidental. Los eventos de cosplay son características comunes de las convenciones de fanáticos, y hoy en día hay muchas convenciones y competencias dedicadas, así como redes sociales, sitios web y otras formas de medios centrados en las actividades de cosplay. El cosplay es muy popular entre todos los géneros, y no es raro ver juegos cruzados, también conocidos como flexión de género.

Etimología

El término "cosplay" es un acrónimo japonés de los términos ingleses costume and play. El término fue acuñado por Nobuyuki Takahashi [ja] de Studio Hard después de asistir al World Science Fiction de 1984. Convention (Worldcon) en Los Ángeles y vio fanáticos disfrazados, sobre los cuales escribió más tarde en un artículo para la revista japonesa My Anime [ja]. Takahashi decidió acuñar una nueva palabra en lugar de utilizar la traducción existente del término inglés "masquerade" porque eso se traduce al japonés como 'un traje aristocrático', que no coincidía con su experiencia en la Worldcon. La acuñación refleja un método japonés común de abreviatura en el que las dos primeras moras de un par de palabras se utilizan para formar un compuesto independiente: 'disfraz' se convierte en kosu (コス) y 'play' se vuelve puro (プレ).

Historia

Antes del siglo XX

Los bailes de máscaras eran una característica de la temporada de carnaval en el siglo XV e incluían entradas reales alegóricas cada vez más elaboradas, desfiles y procesiones triunfales que celebraban matrimonios y otros eventos dinásticos de la vida cortesana medieval tardía. Se extendieron a las festividades públicas disfrazadas en Italia durante el Renacimiento del siglo XVI, bailes generalmente elaborados para miembros de las clases altas, que eran particularmente populares en Venecia.

En abril de 1877, Julio Verne envió casi 700 invitaciones para un elaborado baile de disfraces, donde varios de los invitados se presentaron vestidos como personajes de las novelas de Verne.

Las fiestas de disfraces (inglés americano) o fiestas de disfraces (inglés británico) fueron populares desde el siglo XIX en adelante. Las guías de vestuario de la época, como Disfraces de personajes masculinos (1884) de Samuel Miller o Descripción de vestidos elegantes de Ardern Holt (1887), presentan principalmente trajes genéricos, ya sean trajes de época, trajes nacionales, objetos o conceptos abstractos como "Otoño" o "Noche". La mayoría de los disfraces específicos que se describen allí son para personajes históricos, aunque algunos provienen de la ficción, como Los tres mosqueteros o personajes de Shakespeare.

En marzo de 1891, una llamada literal de un tal Herbert Tibbits para lo que hoy se describiría como "cosplayers" fue anunciado para un evento realizado del 5 al 10 de marzo de ese año en el Royal Albert Hall de Londres, para el llamado Vril-Ya Bazaar and Fete basado en una novela de ciencia ficción y sus personajes, publicado dos décadas antes.

Disfraz de aficionado

A Mr. Skygack – un equipo moderno de costos o cosplay temprano, estado de Washington, 1912

AD El personaje de tira cómica de ciencia ficción de Condo, el Sr. Skygack, de Marte (un etnógrafo marciano que cómicamente malinterpreta muchos asuntos terrenales) es posiblemente el primer personaje ficticio que la gente emulaba usando disfraces, como en 1908, el Sr. y la Sra. William Fell de Cincinnati, Ohio, asistieron a una mascarada en una pista de patinaje con disfraces de Mr. Skygack y Miss Dillpickles. Más tarde, en 1910, una mujer no identificada ganó el primer premio en un baile de máscaras en Tacoma, Washington, vistiendo otro disfraz de Skygack.

Las primeras personas en usar disfraces para asistir a una convención fueron los fanáticos de la ciencia ficción Forrest J Ackerman y Myrtle R. Douglas, conocidos en el fandom como Morojo. Asistieron a la 1.ª Convención Mundial de Ciencia Ficción de 1939 (Nycon o 1.ª Worldcon) en el Caravan Hall, Nueva York, EE. Paul y la película de 1936 Things to Come, diseñada y creada por Douglas.

Forrest J Ackerman y Morojo en la 1a Convención Mundial de Ficción en "futuricostumes" diseñada y cosida por Morojo

Ackerman declaró más tarde que creía que todo el mundo debía llevar un disfraz en una convención de ciencia ficción, aunque solo él y Douglas lo hacían.

Sin embargo, los disfraces de los fanáticos se hicieron populares y la 2.ª Worldcon (1940) tuvo una mascarada no oficial en Douglas' sala y una mascarada oficial como parte del programa. David Kyle ganó la mascarada con un disfraz de Ming the Merciless creado por Leslie Perri, mientras que Robert A. W. Lowndes obtuvo el segundo lugar con un disfraz de Bar Senestro (de la novela The Blind Spot de Austin Hall y Homer Eon Flint). Otros asistentes disfrazados incluyeron al invitado de honor E. E. Smith como Northwest Smith (de la serie de cuentos de C. L. Moore) y tanto Ackerman como Douglas vistiendo sus disfraces futuristas nuevamente. Las mascaradas y los bailes de disfraces continuaron siendo parte de la tradición de la Convención Mundial de Ciencia Ficción a partir de entonces. Los primeros bailes de máscaras de Worldcon presentaban una banda, baile, comida y bebidas. Los concursantes cruzaron un escenario o un área despejada de la pista de baile.

Ackerman usó un "El jorobado de Notre Dame" disfraz a la 3rd Worldcon (1941), que incluía una máscara diseñada y creada por Ray Harryhausen, pero pronto dejó de usar disfraces en las convenciones. Douglas usó un disfraz de Akka (de la novela The Moon Pool de A. Merritt), la máscara nuevamente hecha por Harryhausen, para la 3ra Worldcon y un disfraz de Madre Serpiente (otro disfraz de Merritt, de La Madre Serpiente) a la 4ª Worldcon (1946). La terminología aún no estaba resuelta; la edición de 1944 de la Fancyclopedia de Jack Speer utilizó el término fiesta de disfraces.

Costuming at the 1982 San Diego Comic-Con.

Las reglas que rigen los disfraces se establecieron en respuesta a disfraces específicos y tendencias de vestuario. El primer concursante desnudo en una mascarada de Worldcon fue en 1952; pero el apogeo de esta tendencia fue en la década de 1970 y principios de la de 1980, con unos pocos cada año. Esto finalmente llevó a "No Costume is No Costume" regla, que prohibía la desnudez total, aunque todavía se permitía la desnudez parcial siempre que fuera una representación legítima del personaje. Mike Resnick describe lo mejor de los disfraces desnudos como Kris Lundi con un disfraz de arpía en la 32ª Worldcon (1974) (recibió una mención de honor en la competencia). Otro disfraz que instigó un cambio de reglas fue el de un asistente a la 20ª Worldcon (1962) cuyo blaster disparó un chorro de llama real; lo que llevó a que se prohibiera el fuego. En la 30ª WorldCon (1972), el artista Scott Shaw usó un disfraz compuesto en gran parte de mantequilla de maní para representar a su propio personaje de cómic clandestino llamado 'The Turd'. La mantequilla de maní se desprendió y dañó los muebles blandos y otras personas. trajes, y luego comenzó a ponerse rancio bajo el calor de la iluminación. La comida, las sustancias odiosas y las sucias fueron prohibidas como elementos de vestuario después de ese evento.

El vestuario se difundió con las convenciones de la ciencia ficción y la interacción del fandom. El primer caso conocido de vestuario en una convención en el Reino Unido fue en la Convención de ciencia ficción de Londres (1953), pero esto fue solo como parte de una obra de teatro. Sin embargo, los miembros de la Liverpool Science Fantasy Society asistieron al 1er Cytricon (1955), en Kettering, disfrazados y continuaron haciéndolo en los años siguientes. La 15ª Worldcon (1957) trajo la primera convención oficial de disfraces al Reino Unido. El Eastercon de 1960 en Londres puede haber sido la primera convención británica en celebrar una fiesta oficial de disfraces como parte de su programa. Los ganadores conjuntos fueron Ethel Lindsay e Ina Shorrock como dos de las brujas titulares de la novela Las brujas de Karres de James H. Schmitz.

Star Trek Las convenciones comenzaron en 1969 y las principales convenciones comenzaron en 1972 y han presentado cosplay en todo momento.

En Japón, disfrazarse en las convenciones fue una actividad de los fanáticos desde al menos la década de 1970, especialmente después del lanzamiento de la convención Comiket en diciembre de 1975. El vestuario en ese momento se conocía como kasō (仮装). El primer caso documentado de disfrazarse en un evento de fans en Japón fue en Ashinocon (1978), en Hakone, en el que la futura crítica de ciencia ficción Mari Kotani usó un disfraz basado en la portada de Edgar Rice Burroughs' novela Un luchador de Marte. En una entrevista, Kotani afirma que había una veintena de asistentes disfrazados en la fiesta de disfraces de la convención, compuesta por miembros de su club de fans Triton of the Sea y Kansai Entertainers (関西芸人, Kansai Geinin), antecedente del estudio de anime Gainax, con la mayoría de los asistentes con ropa normal. Uno del grupo de Kansai, un amigo anónimo de Yasuhiro Takeda, usó un disfraz improvisado de Tusken Raider (de la película Star Wars) hecho con uno de los rollos de papel higiénico del hotel anfitrión. Los concursos de disfraces se convirtieron en una parte permanente de las convenciones Nihon SF Taikai de Tokon VII en 1980.

Posiblemente, el primer concurso de disfraces realizado en una convención de cómics fue en la 1.ª Academy Con, celebrada en el Broadway Central Hotel de Nueva York, en agosto de 1965. Roy Thomas, futuro editor en jefe de Marvel Comics, pero que en aquel momento acababa de pasar de ser un editor de fanzine a un escritor de cómics profesional, al que asistieron disfrazados de Plastic Man.

El primer baile de máscaras celebrado en la Comic-Con de San Diego fue en 1974 durante el sexto evento de la convención. La actriz de doblaje June Foray fue la maestra de ceremonias. La futura reina del grito, Brinke Stevens, ganó el primer lugar con un disfraz de Vampirella. Forrest J Ackerman, el creador de Vampirella, estuvo presente y posó con Stevens para las fotografías. Se hicieron amigos y, según Stevens, "Forry y su esposa, Wendayne, pronto se convirtieron en mis padrinos". El fotógrafo Dan Golden vio una fotografía de Stevens con el disfraz de Vampirella mientras visitaba la casa de Ackerman, lo que lo llevó a contratarla para un papel sin diálogos en su primera película estudiantil, Zyzak is King (1980).), y posteriormente fotografiarla para la portada del primer número de Femme Fatales (1992). Stevens atribuye estos eventos al lanzamiento de su carrera como actriz.

Ya un año después del lanzamiento de The Rocky Horror Picture Show en 1975, los miembros de la audiencia comenzaron a vestirse como personajes de la película y juegos de rol (aunque el incentivo inicial para disfrazarse era gratis admisión) en trajes a menudo muy precisos.

Costume-Con, una conferencia dedicada al vestuario, se llevó a cabo por primera vez en enero de 1983. El International Costumers Guild, Inc., originalmente conocido como Greater Columbia Fantasy Costumer's Guild, se lanzó después del 3.er Costume-Con (1985) como organización matriz y para apoyar el vestuario.

Cosplay

Madoka Kaname y Kyubey de Puella Magi Madoka Magica durante el evento Tracon 2013 en el Tampere Hall en Tampere, Finlandia

Disfrazarse había sido una actividad de fans en Japón desde la década de 1970, y se hizo mucho más popular a raíz del informe de Takahashi. Sin embargo, el nuevo término no se popularizó de inmediato. Pasaron un año o dos después de la publicación del artículo antes de que fuera de uso común entre los fanáticos en las convenciones. Fue en la década de 1990, después de la exposición en televisión y en revistas, que el término y la práctica del cosplay se hicieron de conocimiento común en Japón.

Los primeros cafés de cosplay aparecieron en el área de Akihabara en Tokio a fines de la década de 1990. Se instaló un maid café temporal en el evento Tokyo Character Collection en agosto de 1998 para promocionar el videojuego Bienvenido a Pia Carrot 2 (1997). Un restaurante Pia Carrot ocasional se llevó a cabo en la tienda Gamers en Akihabara en los años hasta el año 2000. Estar vinculado a propiedades intelectuales específicas limitó la vida útil de estos cafés, lo que se resolvió utilizando sirvientas genéricas, lo que llevó al primer establecimiento permanente, Cure Maid. Café, que abrió sus puertas en marzo de 2001.

La primera Cumbre Mundial de Cosplay se llevó a cabo el 12 de octubre de 2003 en el Hotel Rose Court en Nagoya, Japón, con cinco cosplayers invitados de Alemania, Francia e Italia. No hubo concurso hasta 2005, cuando comenzó el Campeonato Mundial de Cosplay. Los primeros ganadores fueron el equipo italiano de Giorgia Vecchini, Francesca Dani y Emilia Fata Livia.

La asistencia a la mascarada de Worldcon alcanzó su punto máximo en la década de 1980 y comenzó a disminuir a partir de entonces. Esta tendencia se revirtió cuando el concepto de cosplay se volvió a importar de Japón.

Práctica de cosplay

Los disfraces de cosplay varían mucho y pueden variar desde ropa temática simple hasta disfraces muy detallados. Por lo general, se considera diferente de los disfraces de Halloween y Mardi Gras, ya que la intención es replicar un personaje específico, en lugar de reflejar la cultura y el simbolismo de un evento festivo. Como tal, cuando están disfrazados, algunos cosplayers a menudo buscan adoptar el afecto, los gestos y el lenguaje corporal de los personajes que representan (con pausas 'fuera de lugar'). Los personajes elegidos para el cosplay pueden provenir de cualquier película, serie de televisión, libro, cómic, videojuego, banda de música, anime o manga. Algunos cosplayers incluso eligen disfrazarse de un personaje original de su propio diseño o una fusión de diferentes géneros (por ejemplo, una versión steampunk de un personaje), y es parte del espíritu del cosplay que cualquiera puede ser cualquier cosa, como con la flexión de género, crossplay, o drag, un cosplayer interpretando a un personaje de otra etnia, o un hijabi interpretando al Capitán América.

Disfraces

Un modelo cosplaying Ciri, un personaje principal The Witcher 3: Wild Hunt

Monogatari series cosplayers en la calle Nippombashi Festa 2014

Los cosplayers obtienen su ropa a través de muchos métodos diferentes. Los fabricantes producen y venden conjuntos empaquetados para usar en cosplay, con diferentes niveles de calidad. Estos disfraces a menudo se venden en línea, pero también se pueden comprar a los comerciantes en las convenciones. Los fabricantes japoneses de disfraces de cosplay reportaron una ganancia de 35 000 millones de yenes en 2008. Varias personas también trabajan por encargo, creando disfraces personalizados, accesorios o pelucas diseñadas y adaptadas al individuo. Otros cosplayers, que prefieren crear sus propios disfraces, aún ofrecen un mercado para elementos individuales y diversas materias primas, como pelucas sin estilo, tintes para el cabello, telas y nociones de costura, látex líquido, pintura corporal, bisutería y armas de utilería.

Cosplay representa un acto de encarnación. El cosplay ha estado estrechamente relacionado con la presentación de uno mismo, pero los cosplayers & # 39; La capacidad de desempeño está limitada por sus características físicas. La precisión de un cosplay se juzga en función de la capacidad de representar con precisión a un personaje a través del cuerpo, y los cosplayers individuales con frecuencia se enfrentan a sus propios "límites corporales" tales como el nivel de atractivo, el tamaño del cuerpo y la discapacidad que a menudo restringen y limitan qué tan preciso se percibe que es el cosplay. La autenticidad se mide por la capacidad individual de un cosplayer para traducir la manifestación en pantalla al cosplay en sí. Algunos han argumentado que el cosplay nunca puede ser una verdadera representación del personaje; en cambio, solo se puede leer a través del cuerpo, y esa verdadera encarnación de un personaje se juzga en función de la cercanía a la forma original del personaje. Hacer cosplay también puede ayudar a algunas personas con problemas de autoestima.

Muchos cosplayers crean sus propios atuendos, haciendo referencia a imágenes de los personajes en el proceso. En la creación de los atuendos, se dedica mucho tiempo a los detalles y las cualidades, por lo que la habilidad de un cosplayer puede medirse por la dificultad de los detalles del atuendo y qué tan bien se han reproducido. Debido a la dificultad de replicar algunos detalles y materiales, los cosplayers a menudo se educan en la elaboración de especialidades como textiles, escultura, pintura facial, fibra de vidrio, diseño de moda, carpintería y otros usos de materiales en un esfuerzo por lograr la apariencia y la textura de un traje con precisión. Los cosplayers a menudo usan pelucas junto con su atuendo para mejorar aún más el parecido con el personaje. Esto es especialmente necesario para los personajes de anime y manga o videojuegos que a menudo tienen un color de cabello poco natural y un estilo único. Los atuendos más simples pueden compensarse por su falta de complejidad prestando atención a la elección de materiales y la alta calidad general.

Para parecerse más a los personajes que representan, los cosplayers también pueden involucrarse en varias formas de modificación corporal. Los cosplayers pueden optar por cambiar el color de su piel utilizando maquillaje para simular más la raza del personaje que están adoptando. Los lentes de contacto que combinan con el color de los ojos de su personaje son una forma común de esto, especialmente en el caso de personajes con ojos particularmente únicos como parte de su aspecto característico. También se utilizan lentes de contacto que hacen que la pupila se vea agrandada para reflejar visualmente los grandes ojos de los personajes de anime y manga. Otra forma de modificación corporal en la que participan los cosplayers es copiar cualquier tatuaje o marca especial que pueda tener su personaje. Los tatuajes temporales, el marcador permanente, la pintura corporal y, en casos excepcionales, los tatuajes permanentes son métodos utilizados por los cosplayers para lograr el aspecto deseado. Algunos cosplayers, cuyo cabello natural puede lograr el peinado deseado, utilizan tintes para el cabello permanentes y temporales, tintes para el cabello en aerosol y productos especializados para peinados extremos. También es común que se afeiten las cejas para obtener una apariencia más precisa.

Algunos personajes de anime y videojuegos tienen armas u otros accesorios que son difíciles de replicar, y las convenciones tienen reglas estrictas con respecto a esas armas, pero la mayoría de los cosplayers utilizan alguna combinación de métodos para obtener todos los elementos necesarios para sus disfraces; por ejemplo, pueden encargar un arma de utilería, coser su propia ropa, comprar joyas de personajes de un fabricante de accesorios de cosplay o comprar un par de zapatos estándar y modificarlos para que coincidan con el aspecto deseado.

Presentación

Las cuatro actrices de voz de la franquicia japonesa manga/media Milky Holmes recreando la famosa portada del álbum Beatles Abbey Road (1969) durante su visita a Londres en 2010

En 2011, cuatro cosplayers imitan la escena anterior (a me) durante la convención Manga Paris Manga 2012 en un cruce de cebras en París

El cosplay se puede presentar de varias formas y lugares. Un subconjunto de la cultura del cosplay se centra en el atractivo sexual, y los cosplayers eligen específicamente personajes conocidos por su atractivo o disfraces reveladores. Sin embargo, usar un disfraz revelador puede ser un tema delicado al aparecer en público. Las personas que aparecían desnudas en las convenciones de fanáticos de la ciencia ficción estadounidense durante la década de 1970 eran tan comunes que un 'sin disfraz no es disfraz' se introdujo la regla. Algunas convenciones en los Estados Unidos, como Phoenix Comicon (ahora conocida como Phoenix Fan Fusion) y Penny Arcade Expo, también han emitido reglas según las cuales se reservan el derecho de pedir a los asistentes que se retiren o cambien sus disfraces si se considera inapropiado para un evento. ambiente familiar o algo de naturaleza similar.

Convenios

Una multitud incluyendo muchos cosplayers en Comiket 84 en 2013

La forma más popular de presentar un cosplay en público es usarlo en una convención de fans. Múltiples convenciones dedicadas al anime y manga, cómics, programas de televisión, videojuegos, ciencia ficción y fantasía se pueden encontrar en todo el mundo. Las convenciones centradas en el cosplay incluyen Cosplay Mania en Filipinas y EOY Cosplay Festival en Singapur.

El evento individual más grande que presenta cosplay es el mercado semestral de doujinshi, Comic Market (Comiket), que se lleva a cabo en Japón durante el verano y el invierno. Comiket atrae a cientos de miles de fanáticos del manga y el anime, donde miles de cosplayers se congregan en el techo del centro de exhibición. En América del Norte, las convenciones de fanáticos con mayor asistencia con cosplayers son la Comic-Con de San Diego y la Comic Con de Nueva York que se llevan a cabo en los Estados Unidos, y la Anime North específica de anime en Toronto, Otakon que se lleva a cabo en Baltimore MD y la Anime Expo que se lleva a cabo en Los Angeles. El evento más grande de Europa es la Japan Expo que se celebra en París, mientras que la London MCM Expo y la London Super Comic Convention son las más destacadas del Reino Unido. Supanova Pop Culture Expo es el mayor evento de Australia.

Las convenciones de Star Trek han presentado cosplay durante muchas décadas. Estos incluyen Destination Star Trek, una convención del Reino Unido, y Star Trek Las Vegas, una convención de EE. UU.

En diferentes ferias del cómic, "Áreas Temáticas" están configurados donde los cosplayers pueden tomar fotos en un entorno que sigue al del juego o producto de animación del que se toman. En ocasiones los cosplayers son parte del área, haciendo el papel de staff con la tarea de entretener a los demás visitantes. Algunos ejemplos son las áreas temáticas dedicadas a Star Wars oa Fallout. Las áreas están habilitadas por asociaciones de fanáticos sin fines de lucro, pero en algunas ferias importantes es posible visitar áreas habilitadas directamente por los desarrolladores de los videojuegos o los productores del anime.

Fotografía

Fotógrafos profesionales trabajando con Mileena cosplayer para un estudio de clave de croma en Space City Con 2014 en los Estados Unidos

La aparición de cosplayers en eventos públicos los convierte en un atractivo popular para los fotógrafos. Como esto se hizo evidente a fines de la década de 1980, se desarrolló una nueva variante de cosplay en la que los cosplayers asistían a eventos principalmente con el propósito de modelar sus personajes para fotografías fijas en lugar de participar en un juego de roles continuo. Se desarrollaron reglas de etiqueta para minimizar las situaciones incómodas que involucran límites. Los cosplayers posan para los fotógrafos y los fotógrafos no los presionan para obtener información de contacto personal o sesiones privadas, no los siguen fuera del área ni toman fotos sin permiso. Las reglas permiten que la relación de colaboración entre fotógrafos y cosplayers continúe con los menores inconvenientes entre ellos.

Algunos cosplayers optan por que un fotógrafo profesional les tome imágenes de alta calidad con sus disfraces haciéndose pasar por el personaje. Los cosplayers y fotógrafos exhiben con frecuencia su trabajo en línea y, a veces, venden sus imágenes.

Concursos

Un cosplayer en el concurso Animation-Comic-Game Hong Kong 2011 vestido como un personaje Gantz

A medida que ha crecido la popularidad del cosplay, muchas convenciones presentan un concurso en torno al cosplay que puede ser la característica principal de la convención. Los concursantes presentan su cosplay y, a menudo, para ser juzgados por un premio, el cosplay debe ser hecho por ellos mismos. Los concursantes pueden optar por realizar una obra de teatro, que puede consistir en un breve guión o baile con audio, video o imágenes de acompañamiento opcionales que se muestran en una pantalla superior. Otros concursantes pueden simplemente optar por hacerse pasar por sus personajes. A menudo, los concursantes son entrevistados brevemente en el escenario por un maestro de ceremonias. El público tiene la oportunidad de tomar fotos de los cosplayers. Los cosplayers pueden competir solos o en grupo. Se entregan premios, y estos premios pueden variar mucho. En general, se otorga un premio al mejor cosplayer, un premio al mejor grupo y premios de finalista. Los premios también pueden ir a la mejor obra de teatro y a una serie de subcategorías de habilidades de cosplay, como maestro sastre, maestro fabricante de armas, maestro armero, etc.

El concurso de cosplay más conocido es la Cumbre Mundial de Cosplay, en la que se seleccionan cosplayers de 40 países para competir en la ronda final en Nagoya, Japón. Algunos otros eventos internacionales incluyen European Cosplay Gathering (finales en Japan Expo en París), EuroCosplay (finales en London MCM Comic Con) y Nordic Cosplay Championship (finales en NärCon en Linköping, Suecia).

Criterios comunes de evaluación de cosplay

Esta tabla contiene una lista de los criterios de evaluación de competencias de cosplay más comunes, como se ve en World Cosplay Summit, Cyprus Comic Con y ReplayFX.

Cuestiones de género

Retratar a un personaje del sexo opuesto se denomina juego cruzado. La practicidad del juego cruzado y el travestismo proviene en parte de la abundancia en el manga de personajes masculinos con rasgos delicados y un tanto andróginos. Dichos personajes, conocidos como bishōnen (lit. "niño bonito"), son el equivalente asiático del arquetipo del niño elfo representado en la tradición occidental por figuras como Peter Pan y Ariel.

Aria H. Kanzaki de Aria the Scarlet Ammo por un crossplayer de Nueva Zelanda

Los cosplayers de hombre a mujer pueden experimentar problemas cuando intentan interpretar a un personaje femenino porque es difícil mantener la feminidad sexualizada de un personaje. Los cosplayers masculinos también pueden ser objeto de discriminación, incluidos comentarios homofóbicos y ser tocados sin permiso. Esto afecta a los hombres posiblemente con más frecuencia que a las mujeres, a pesar de que el contacto inapropiado ya es un problema para las mujeres que hacen cosplay, al igual que la "vergüenza".

Animegao kigurumi, un grupo de nicho en el ámbito del cosplay, suelen ser cosplayers masculinos que usan zentai y máscaras estilizadas para representar personajes femeninos de anime. Estos cosplayers ocultan por completo sus características reales para que la apariencia original de sus personajes se reproduzca de la forma más literal posible y para mostrar todas las abstracciones y estilizaciones, como ojos de gran tamaño y bocas pequeñas, que se ven a menudo en el arte de dibujos animados japoneses. Esto no significa que solo los hombres realicen animegao o que las máscaras sean solo femeninas.

Problemas de acoso

"El juego no es consentimiento" signo en el 2014 New York Comic Con.

"Cosplay Is Not Consent", un movimiento iniciado en 2013 por Rochelle Keyhan, Erin Filson y Anna Kegler, trajo a la corriente principal el problema del acoso sexual en la comunidad de cosplay que asiste a la convención. El acoso de los cosplayers incluye fotografías sin permiso, abuso verbal, tocamientos y manoseos. El acoso no se limita a las mujeres con atuendos provocativos, ya que los cosplayers masculinos hablaron de ser intimidados por no encajar con ciertos disfraces y personajes.

A partir de 2014, la Comic Con de Nueva York colocó grandes carteles en la entrada que decían "Cosplay no es consentimiento". Se recordó a los asistentes que pidieran permiso para las fotos y respetaran el derecho de la persona a decir que no. El movimiento contra el acoso sexual contra los cosplayers ha seguido ganando impulso y conciencia desde que se hizo público. Los principales medios de comunicación tradicionales, como Mercury News y Los Angeles Times, han informado sobre el tema, creando conciencia sobre el acoso sexual entre quienes están fuera de la comunidad del cosplay.

Cuestiones étnicas

A medida que el cosplay entra en los principales medios de comunicación, el origen étnico se convierte en un punto controvertido. Los cosplayers de un color de piel diferente al del personaje a menudo son ridiculizados por no ser 'precisos'. o 'fiel'. Muchos cosplayers sienten que cualquiera puede disfrazarse de cualquier personaje, pero se vuelve complicado cuando los cosplayers no son respetuosos con el origen étnico del personaje. Estos puntos de vista contra los cosplayers que no son blancos dentro de la comunidad se han atribuido a la falta de representación en la industria y en los medios. Problemas como la cara negra, la cara marrón y la cara amarilla siguen siendo controvertidos, ya que una gran parte de la comunidad del cosplay los ve como problemas separados o simplemente como una parte aceptable del cosplay. La etnicidad sigue siendo un tema polarizante en la actualidad, ya que la discusión continúa en persona y en línea.

Modelos de cosplay

Cosplay ha influido en la industria de la publicidad, en la que los cosplayers a menudo se utilizan para el trabajo de eventos previamente asignados a modelos de agencias. Algunos cosplayers han transformado así su afición en carreras profesionales rentables. La industria del entretenimiento de Japón ha sido el hogar de los cosplayers profesionales desde el surgimiento de Comiket y Tokyo Game Show. El fenómeno es más evidente en Japón, pero existe hasta cierto punto en otros países también. Los cosplayers profesionales que se benefician de su arte pueden experimentar problemas relacionados con la infracción de derechos de autor.

Un modelo de cosplay, también conocido como ídolo de cosplay, se disfraza de cosplay para empresas de anime y manga o videojuegos. Los buenos cosplayers son vistos como personajes ficticios de carne y hueso, de la misma manera que los actores de cine llegan a ser identificados en la mente del público con roles específicos. Los cosplayers han modelado para revistas impresas como Cosmode y un modelo de cosplay exitoso puede convertirse en el embajador de la marca para compañías como Cospa. Algunos modelos de cosplay pueden lograr un reconocimiento significativo. Si bien hay muchos modelos de cosplay importantes, se describió a Yaya Han como alguien que surgió 'como una figura reconocida tanto dentro como fuera de los circuitos de cosplay'. Jessica Nigri usó su reconocimiento en cosplay para obtener otras oportunidades, como la actuación de voz y su propio documental sobre Rooster Teeth. Liz Katz usó su base de fans para llevar su cosplay de un pasatiempo a una empresa comercial exitosa, lo que generó un debate en la comunidad de cosplay sobre si los cosplayers deberían poder financiar y beneficiarse de su trabajo.

En la década de 2000, los cosplayers comenzaron a traspasar los límites del cosplay hacia el erotismo, allanando el camino hacia el "erocosplay". El advenimiento de las redes sociales junto con las plataformas de crowdfuding como Patreon y OnlyFans han permitido que los modelos de cosplay conviertan el cosplay en carreras rentables de tiempo completo.

Cosplay por país o región

Cosplay en Japón

El Jingūbashi (Jingu Bridge) que pasa por la línea de Yamanote al sur de la estación de Harajuku, Tokio, en la puerta del santuario de Meiji es un lugar famoso para los cosplayers. Imaginado, un grupo de personas vestidas como músicos de estilo kei visual en 2006

Los cosplayers en Japón solían referirse a sí mismos como reiyā (レイヤー), pronunciado "capa". Actualmente en Japón, los cosplayers son más comúnmente llamados kosupure (コスプレ ), pronunciado "ko-su-pray," ya que reiyā se usa más a menudo para describir capas (es decir, cabello, ropa, etc.). Palabras como lindo (kawaii (可愛い)) y genial (kakko ī (かっこ いい)) se usaban a menudo para describir estos cambios, expresiones que estaban vinculadas con nociones de feminidad y masculinidad. Los que fotografían a los jugadores se llaman cameko, abreviatura de camera kozō o camera boy. Originalmente, el cameko regalaba copias de sus fotos a los jugadores. El creciente interés en los eventos de cosplay, tanto por parte de los fotógrafos como de los cosplayers dispuestos a modelar para ellos, ha llevado a la formalización de los procedimientos en eventos como Comiket. La fotografía se lleva a cabo dentro de un área designada fuera de la sala de exposiciones. En Japón, los disfraces generalmente no son bienvenidos fuera de las convenciones u otras áreas designadas.

Desde 1998, el distrito Akihabara de Tokio contiene una serie de restaurantes de cosplay, que atienden a devotos fanáticos del anime y el cosplay, donde las camareras de esos cafés se visten como personajes de videojuegos o anime; Los maid cafés son particularmente populares. En Japón, el distrito de Harajuku de Tokio es el lugar de reunión informal favorito para participar en cosplay en público. Los eventos en Akihabara también atraen a muchos cosplayers.

Ishoku-hada (異色肌) es una forma de cosplay japonés en la que los jugadores usan pintura corporal para hacer que el color de su piel coincida con el del personaje que interpretan. Esto les permite representar personajes de anime o videojuegos con colores de piel no humanos.

Una encuesta de 2014 para la convención Comic Market en Japón señaló que aproximadamente el 75 % de los cosplayers que asisten al evento son mujeres.

Cosplay en otros países asiáticos

El cosplay es común en muchos países de Asia oriental. Por ejemplo, es una parte importante de las convenciones de Comic World que se llevan a cabo regularmente en Corea del Sur, Hong Kong y Taiwán. Históricamente, la práctica de vestirse como personajes de obras de ficción se remonta a finales del siglo XVII en la dinastía Ming de China.

Cosplay en países occidentales

Willy Wonka (de Tim Burton) Charlie y la fábrica de chocolate), y el Mad Hatter (de la Alice de Burton en Wonderland) en el 2013 London Comic Con. Dos personajes de la película retratados originalmente por Johnny Depp.

Los orígenes del cosplay occidental se basan principalmente en los fanáticos de la ciencia ficción y la fantasía. También es más común que los cosplayers occidentales recreen personajes de series de acción real que los cosplayers japoneses. Los clientes occidentales también incluyen subculturas de aficionados que participan en ferias del Renacimiento, juegos de rol de acción en vivo y recreaciones históricas. La competencia en las convenciones de ciencia ficción generalmente incluye la mascarada (donde los disfraces se presentan en el escenario y se juzgan formalmente) y los disfraces de salón (donde los jueces itinerantes pueden otorgar premios por una excelente ejecución o presentación).

La creciente popularidad de la animación japonesa fuera de Asia a fines de la década de 2000 provocó un aumento de cosplayers estadounidenses y occidentales que interpretan personajes de manga y anime. Las convenciones de anime se han vuelto más numerosas en Occidente en la década anterior, y ahora compiten con la asistencia de conferencias de ciencia ficción, cómics e historia. En estas reuniones, los cosplayers, al igual que sus homólogos japoneses, se reúnen para mostrar su trabajo, ser fotografiados y competir en concursos de disfraces. Los asistentes a la convención también se disfrazan con la misma frecuencia de cómics occidentales o personajes animados, o como personajes de películas y videojuegos.

Todavía existen diferencias de gusto entre culturas: algunos disfraces que los cosplayers japoneses usan sin dudar tienden a ser evitados por los cosplayers occidentales, como los atuendos que evocan los uniformes nazis. Algunos cosplayers occidentales también se han encontrado con cuestiones de legitimidad cuando interpretan personajes de orígenes raciales canónicamente diferentes, y las personas pueden ser insensibles a los cosplayers que juegan como personajes que son canónicamente de otro color de piel. Los cosplayers occidentales de personajes de anime también pueden ser objeto de burlas particulares.

A diferencia de Japón, el uso de disfraces en público es más aceptado en el Reino Unido, Irlanda, EE. UU., Canadá y otros países occidentales. Estos países tienen una tradición más larga de disfraces de Halloween, disfraces de fanáticos y otras actividades similares. Como resultado, por ejemplo, los asistentes a la convención disfrazados a menudo se pueden ver en restaurantes y cafeterías locales, más allá de los límites de la convención o evento.

Medios

Revistas y libros

Japón alberga dos revistas de cosplay especialmente populares, Cosmode (コスモード) y ASCII Media Works' Capas Dengeki (電撃Capas). Cosmode tiene la mayor participación en el mercado y una edición digital en inglés. Otra revista, dirigida a una audiencia mundial más amplia, es CosplayGen. En los Estados Unidos, Cosplay Culture comenzó a publicarse en febrero de 2015. Otras revistas incluyen CosplayZine con cosplayers de todo el mundo desde octubre de 2015 y Cosplay Realm Magazine que se inició en abril de 2017. También hay muchos libros sobre el tema del cosplay.

Documentales y reality shows

• Cosplay Encyclopedia, una película de 1996 sobre el cosplay japonés publicada por Japan Media Supply. It was released in subtitled VHS by Anime Works in 1999, eventually being released on DVD in 2002.
• ¡Otaku Unite!, una película de 2004 sobre subcultura otaku, cuenta con extensas imágenes de cosplayers.
• Akihabara Geeks, un cortometraje japonés 2005
• Animania: El documental es una película de 2007 que explora el fenómeno cultural cosplay en América del Norte, siguiendo a cuatro cosplayers de varias etnias mientras se preparan para competir en Anime North, la convención de anime más grande de Canadá.
• Vestido convencional es un corto documental sobre cosplay en Dragon Con realizado por Celia Pearce y sus estudiantes en 2008.
• Cosplayers: La película, lanzado en 2009 por Martell Brothers Studios para la visualización gratuita en YouTube y Crunchyroll, explora la subcultura de anime en América del Norte con imágenes de convenciones de anime y entrevistas con fans, actores de voz y artistas.
• "Soy un Fanboy", un episodio de 2009 de la serie MTV Vida verdadera, centrándose en fandom y cosplay.
• Fanboy Confessional, una serie de 2011 Space Channel que contó con un episodio sobre cosplay y cosplayers desde la perspectiva de un interior.
• Episodio Comic-Con IV: Esperanza de un fan, una película de 2011 sobre cuatro asistentes de la Comic-Con de San Diego, incluyendo un cosplayer.
• El mejor Otaku de América, una serie de televisión 2011 donde los contendientes incluye cosplayers.
• Cosplayers Reino Unido: La película, una película de 2011 siguiendo una pequeña selección de cosplayers en el London MCM Expo.
• Mi otro yo: una película sobre cosplayers, crónica de un año en la vida de tres cosplayers diferentes: un veterano cosplayer que lanzó una carrera de cosplay, un joven de 14 años de edad, y un hombre transgénero que se encontró a través de cosplay. Fue lanzado en 2013 y fue un segmento destacado El Playground eléctrico.
• Héroes de Cosplay, un reality show en cosplay que se estrenó en 2013 en la red Syfy. Sigue a nueve cosplayers mientras crean sus trajes, viajan a convenciones y compiten en concursos.
• "24 horas con un personaje cómico", un segmento de CNNMoney siguiendo alrededor de un conocido cosplayer mientras se preparó y asistió a New York Comic Con.
• ¿WTF es Cosplay?, un reality show que se estrenó en 2015 en la red Canal 4. Sigue a seis cosplayers durante su vida cotidiana y lo que el cosplay significa para ellos.
• Llama a Cosplay, un reality show de competición que se estrenó en 2014 en Myx TV. Es un concurso de diseño cosplay donde los concursantes se encargaron de crear un traje basado en temas y limitaciones de tiempo.
• Cosplay Melee, un reality show de competición en cosplay que se estrenó en 2017 en la red Syfy.
• Cultura Cosplay, un documental de 90 minutos que sigue a los cosplayers durante la preparación y las convenciones en Canadá, Japón y Rumania. Incluye una visita de Akihabara (Japón), un desfile geek Mardi Gras en Nueva Orleans y un panorama histórico que explica el origen del cosplay.

Otros medios

• Cosplay Complejo, una miniserie de anime 2002
• ¡No Gaki no Tsukai ya Arahende!, una serie de televisión japonesa que incluye el segmento de la serie Cosplay Bus Tour.
• Super Cosplay War Ultra, un juego de lucha de freeware 2004.
• Un gran número de películas eróticas y pornoográficas con actrices acogedoras; muchas de estas películas provienen de la compañía japonesa TMA.

Grupos y organizaciones de cosplay

• 501a Legión
• Rebel Legión