Coro

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Evensong ensayo en el quire de York Minster, mostrando coros tallados

Un coro (KWIRE; también conocido como coral o coro) es un conjunto musical de cantantes. La música coral, a su vez, es la música escrita específicamente para que la interprete un conjunto de este tipo. Los coros pueden interpretar música del repertorio de música clásica, que abarca desde la época medieval hasta la actualidad, o del repertorio de música popular. La mayoría de los coros están dirigidos por un director, quien dirige las actuaciones con gestos de brazos, manos y rostros.

El término coro se aplica muy a menudo a grupos afiliados a una iglesia (ya sea que ocupen o no el quire), mientras que un coro actúa en teatros o salas de conciertos., pero esta distinción no es rígida. Los coros pueden cantar sin instrumentos o acompañados por un piano, un órgano de tubos, un pequeño conjunto o una orquesta.

Un coro puede ser un subconjunto de un conjunto; así se habla del "coro de viento de madera" de una orquesta, o diferentes "coros" de voces o instrumentos en una composición policoral. En los típicos oratorios y misas del siglo XVIII al siglo XXI, el 'coro' o 'coro' implica que hay más de un cantante por parte, a diferencia del cuarteto de solistas que también aparecen en estas obras.

Estructura

Los coros suelen estar dirigidos por un director o maestro de coro. La mayoría de las veces, los coros constan de cuatro secciones destinadas a cantar en armonía de cuatro partes, pero no hay límite para el número de partes posibles siempre que haya un cantante disponible para cantar la parte: Thomas Tallis escribió un motete de 40 partes titulado Spem in alium, para ocho coros de cinco partes cada uno; El Stabat Mater de Krzysztof Penderecki es para tres coros de 16 voces cada uno, un total de 48 partes. Además de cuatro, el número más común de partes es tres, cinco, seis y ocho.

Los coros pueden cantar con o sin acompañamiento instrumental. El canto sin acompañamiento se denomina canto a cappella (aunque la Asociación Estadounidense de Directores Corales desaconseja este uso a favor de 'no acompañado', ya que a capella denota canto 'como en la capilla' y mucha música sin acompañamiento hoy es laico). Los instrumentos de acompañamiento varían ampliamente, desde un solo instrumento (un piano o un órgano de tubos) hasta una orquesta completa de 70 a 100 músicos; para los ensayos, a menudo se usa un acompañamiento de piano u órgano, incluso si se planea una instrumentación diferente para la interpretación, o si el coro está ensayando música sin acompañamiento.

Muchos coros actúan en uno o varios lugares, como una iglesia, un teatro de ópera o un salón de clases. En algunos casos, los coros se unen para convertirse en una "misa" coro que se presenta para un concierto especial. En este caso brindan una serie de canciones u obras musicales para celebrar y brindar entretenimiento a los demás.

Papel del conductor

La dirección es el arte de dirigir una actuación musical, como un concierto coral, mediante gestos visibles con las manos, los brazos, la cara y la cabeza. Los deberes principales del director de orquesta o director de coro son unificar a los intérpretes, establecer el tempo, ejecutar preparaciones y tiempos claros (medida), y escuchar críticamente y dar forma al sonido del conjunto.

En la mayoría de los coros, la misma persona actúa como director musical (responsable de decidir el repertorio y contratar a solistas y acompañantes), maestro de coro (o répétiteur) (responsable de entrenar y ensayar a los cantantes) y director (responsable de dirigir el actuación). Sin embargo, estos roles pueden dividirse, especialmente cuando el coro se combina con otras fuerzas, por ejemplo, en la ópera.

El director de orquesta o de coro generalmente se para en una plataforma elevada y puede o no usar una batuta; el uso de una batuta da mayor visibilidad a los gestos del director, pero muchos directores corales prefieren dirigir con las manos para una mayor expresividad, especialmente cuando trabajan con un conjunto más pequeño. En la década de 2010, la mayoría de los directores no tocan un instrumento cuando dirigen, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica, era común dirigir un conjunto mientras tocaban un instrumento. En la música barroca de la década de 1600 a la de 1750, los directores que actúan en la década de 2010 pueden dirigir un conjunto mientras tocan el clavicémbalo o el violín (ver Concertino). La dirección mientras se toca el piano también se puede hacer con orquestas de teatro musical. La comunicación suele ser no verbal durante una actuación (este es estrictamente el caso en la música artística, pero en las grandes bandas de jazz o en los grandes conjuntos de música pop, puede haber instrucciones habladas ocasionales). Sin embargo, en los ensayos, el director a menudo dará instrucciones verbales al conjunto, ya que generalmente también actúa como director artístico que elabora la interpretación de la música del conjunto.

Los directores actúan como guías de los coros que dirigen. Eligen las obras a interpretar y estudian sus partituras, a las que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, en cuanto a tempo, repeticiones de secciones, asignación de solos vocales, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los cantantes.. Los directores de coro también pueden tener que dirigir conjuntos instrumentales como orquestas si el coro está cantando una pieza para coro y orquesta. También pueden atender asuntos organizativos, como programar ensayos, planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y promocionar su conjunto en los medios.

En los servicios de adoración

Históricamente, el repertorio cantado se divide en música sacra o religiosa y música profana. Si bien mucha música religiosa se ha escrito teniendo en cuenta la interpretación en conciertos, su origen radica en su función dentro del contexto de la liturgia.

Acompañamiento

Alejandría egipcio coro judío de Rabino Moshe Cohen en la sinagoga de Samuel Menashe, Alejandría, Egipto

La mayoría de las iglesias cristianas ortodoxas orientales, algunos grupos protestantes estadounidenses y las sinagogas judías tradicionales no acompañan sus canciones con instrumentos musicales. En las iglesias de Rito Occidental el instrumento acompañante suele ser el órgano, aunque en la América colonial, la Iglesia Morava utilizaba grupos de cuerdas y vientos. Muchas iglesias que usan un formato de adoración contemporáneo usan una pequeña banda amplificada para acompañar el canto, y las iglesias católicas romanas pueden usar, a su discreción, acompañamiento orquestal adicional.

Función litúrgica

Además de dirigir cantos en los que participa la congregación, como himnos y música de servicio, algunos coros de iglesias cantan liturgias completas, incluidos los propios (introito, gradual, antífonas de comunión apropiadas para los diferentes tiempos del año litúrgico). Las principales entre ellas son las iglesias anglicana y católica romana; sin embargo, mucho más común es la interpretación de himnos o motetes en momentos designados en el servicio.

Tipos

El boychoir Cantores Menores en la Catedral de Helsinki en 2013

Una de las principales clasificaciones de los coros es por género y edad, ya que estos factores afectan en gran medida cómo suena un coro y qué música interpreta. Los tipos se enumeran aquí en orden descendente aproximado de prevalencia en los niveles profesional y amateur avanzado o semiprofesional.

Las mujeres's, mixtas's's y all-girls' Los coros tienden a ser profesionalmente menos frecuentes que los coros de niños de voz alta. coros, los coros de hombres de voz más baja o los coros completos de SATB.

Los coros también se clasifican según las instituciones en las que operan:

El coro escolar de Lambrook en la década de 1960, un típico coro escolar de los niños

Algunos coros se clasifican por el tipo de música que interpretan, como

En las escuelas

En los Estados Unidos, las escuelas intermedias y secundarias suelen ofrecer el coro como clase o actividad para los estudiantes. Algunos coros participan en concursos. Un tipo de coro popular en las escuelas secundarias es el coro de espectáculos. La escuela intermedia y secundaria es un momento importante, ya que es cuando los estudiantes' las voces están cambiando. Aunque las niñas experimentan un cambio de voz, es mucho más drástico en los niños. Gran parte de la literatura sobre educación musical se ha centrado en cómo funciona el cambio de voz masculino y cómo ayudar a los cantantes varones adolescentes. La investigación realizada por John Cooksey clasifica el cambio de la voz masculina en cinco etapas, y la mayoría de los niños de secundaria se encuentran en las primeras etapas del cambio. El rango vocal de los estudiantes masculinos y femeninos puede verse limitado mientras su voz está cambiando, y los maestros de coro deben poder adaptarse, lo que puede ser un desafío para enseñar a este rango de edad.

A nivel nacional, los estudiantes varones están inscritos en el coro en un número mucho menor que sus estudiantes mujeres. El campo de la educación musical ha tenido un interés desde hace mucho tiempo en los "machos desaparecidos" en programas musicales. Las especulaciones sobre por qué no hay tantos niños en el coro y las posibles soluciones varían ampliamente. Un investigador descubrió que los niños que disfrutan del coro en la escuela intermedia no siempre van al coro de la escuela secundaria porque simplemente no se ajusta a sus horarios. Algunas investigaciones especulan que una de las razones por las que los niños & # 39; la participación en el coro es tan baja se debe a que los EE. UU. no alientan a los cantantes masculinos. A menudo, las escuelas tendrán un coro de mujeres, lo que ayuda a equilibrar los problemas que enfrentan los coros mixtos al contratar cantantes femeninas adicionales. Sin embargo, sin un coro de hombres también, esto podría empeorar el problema al no dar a los niños tantas oportunidades de cantar como a las niñas. Otros investigadores han notado que tener un conjunto o incluso un taller dedicado a los cantantes masculinos puede ayudarlos con su confianza y habilidades para el canto.

Arreglos en el escenario

Una disposición posible
Coro delante de la orquesta

Hay varias escuelas de pensamiento con respecto a cómo deben organizarse las distintas secciones en el escenario. Es decisión del director dónde se colocan los diferentes tipos de voz. En los coros sinfónicos es común (aunque de ninguna manera universal) ordenar el coro detrás de la orquesta de las voces más altas a las más bajas de izquierda a derecha, lo que corresponde a la disposición típica de las cuerdas. En situaciones a cappella o con acompañamiento de piano, no es inusual que los hombres estén atrás y las mujeres adelante; algunos directores prefieren colocar los bajos detrás de las sopranos, argumentando que las voces externas deben sintonizarse entre sí.

Los coros más experimentados pueden cantar con todas las voces mezcladas. A veces, los cantantes de la misma voz se agrupan en parejas o tríos. Los defensores de este método argumentan que facilita que cada cantante individual escuche y afine las otras partes, pero requiere más independencia de cada cantante. Los opositores argumentan que este método pierde la separación espacial de las líneas de voz individuales, una característica valiosa para la audiencia, y que elimina la resonancia seccional, lo que disminuye el volumen efectivo del coro. Para la música con coros dobles (o múltiples), generalmente los miembros de cada coro están juntos, a veces significativamente separados, especialmente en interpretaciones de música del siglo XVI (como obras en el estilo policoral veneciano). Algunos compositores especifican que los coros deben estar separados, como en el War Requiem de Benjamin Britten. Algunos compositores usan coros separados para crear canciones "antifonales" efectos, en los que un coro parece "responder" el otro coro en un diálogo musical.

También se tiene en cuenta el espacio entre los cantantes. Los estudios han encontrado que no solo la formación real, sino también la cantidad de espacio (tanto lateral como circundante) afecta la percepción del sonido por parte de los coristas y los auditores.

Historia

Antigüedad

Alivio, ahora en Atenas, mostrando Dionysus con actrices (posiblemente de El Bacchae) llevando máscaras y tambores

Los orígenes de la música coral se encuentran en la música tradicional, ya que el canto en grandes grupos está muy extendido en las culturas tradicionales (tanto cantando a una parte, o al unísono, como en la Antigua Grecia, como cantando a partes, o en armonía, como en la música coral europea contemporánea).

El repertorio coral inequívocamente más antiguo que se conserva es el de la antigua Grecia, de los cuales los himnos de Delfos del siglo II a. C. y los himnos del siglo II d. C. los himnos de Mesomedes son los más completos. El coro griego original cantó su parte en el drama griego, y se conocen fragmentos de obras de Eurípides (Orestes) y Sófocles (Ajax) a partir de papiros. El epitafio de Seikilos (2c aC) es una canción completa (aunque posiblemente para voz solista). Uno de los últimos ejemplos, el himno de Oxirrinco (3c) también es de interés como la música cristiana más antigua.

De la música del drama romano, una sola línea de Terencio surgió en el siglo XVIII. Sin embargo, el musicólogo Thomas J. Mathiesen comenta que ya no se cree que sea auténtico.

Música medieval

Canto de iglesia, Tacuinum Sanitatis Casanatensis (siglo XIV)

La música notada más antigua de Europa occidental es el canto gregoriano, junto con algunos otros tipos de canto que luego fueron subsumidos (o, a veces, suprimidos) por la Iglesia católica. Esta tradición de canto coral al unísono duró desde la época de San Ambrosio (siglo IV) y Gregorio Magno (siglo VI) hasta el presente. Durante la Baja Edad Media, un nuevo tipo de canto que involucraba múltiples partes melódicas, llamado organum, se volvió predominante para ciertas funciones, pero inicialmente esta polifonía solo era cantada por solistas. Otros desarrollos de esta técnica incluyeron clausulae, conductus y el motete (sobre todo el motete isorrítmico), que, a diferencia del motete renacentista, describe una composición con diferentes textos cantados simultáneamente en diferentes voces. La primera evidencia de polifonía con más de un cantante por parte se encuentra en el Old Hall Manuscript (1420, aunque contiene música de finales del siglo XIV), en el que hay aparentes divisi, una parte que se divide en dos notas que suenan simultáneamente.

Música renacentista

Luca della Robbia Cantoria, Museo dell' Opera del Duomo, Florencia

Durante el Renacimiento, la música coral sagrada era el principal tipo de música formalmente anotada en Europa Occidental. A lo largo de la era, se compusieron cientos de misas y motetes (así como varias otras formas) para un coro a cappella, aunque existe cierta disputa sobre el papel de los instrumentos durante ciertos períodos y en ciertas áreas. Algunos de los compositores más conocidos de esta época incluyen a Guillaume Dufay, Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstable y William Byrd; las glorias de la polifonía renacentista fueron corales, cantadas por coros de gran habilidad y distinción en toda Europa. La música coral de este período sigue siendo popular entre muchos coros de todo el mundo en la actualidad.

El madrigal, una canción parcial concebida para que los aficionados la cantaran en un ambiente de cámara, se originó en este período. Aunque los madrigales fueron inicialmente escenarios dramáticos de poesía de amor no correspondido o historias mitológicas en Italia, fueron importados a Inglaterra y fusionados con el balletto más parecido a la danza, celebrando canciones despreocupadas de las estaciones, o comiendo y bebiendo. Para la mayoría de los hablantes de inglés, la palabra madrigal ahora se refiere a este último, en lugar de a los madrigales propiamente dichos, que se refieren a una forma poética de versos que consta de siete y once sílabas cada uno.

La interacción de las voces cantadas en la polifonía renacentista influyó en la música occidental durante siglos. Los compositores son entrenados rutinariamente en el "estilo Palestrina" hasta el día de hoy, especialmente según lo codificado por el teórico de la música del siglo XVIII Johann Joseph Fux. Los compositores de principios del siglo XX también escribieron en estilos inspirados en el Renacimiento. Herbert Howells escribió una Misa en modo dórico enteramente en estricto estilo renacentista, y la Misa en sol menor de Ralph Vaughan Williams es una extensión de este estilo. Anton Webern escribió su disertación sobre el Choralis Constantinus de Heinrich Isaac y las técnicas contrapuntísticas de su música en serie pueden ser informadas por este estudio.

Música barroca

Cantatata barroca con una sola voz por parte

El período barroco en la música está asociado con el desarrollo alrededor de 1600 del bajo figurado y el sistema de bajo continuo. La parte del bajo figurado fue interpretada por el grupo de bajo continuo, que como mínimo incluía un instrumento que tocaba acordes (p. ej., órgano de tubos, clavicémbalo, laúd) y un instrumento de bajo (p. ej., violone). La música vocal barroca exploró las implicaciones dramáticas en el ámbito de la música vocal solista, como las monodias de la Camerata florentina y el desarrollo de la ópera temprana. Esta innovación fue, de hecho, una extensión de la práctica establecida de acompañar la música coral al órgano, ya sea a partir de una partitura reducida esquelética (a partir de la cual a veces se pueden reconstruir piezas perdidas) o de un basso seguente, una parte en un solo pentagrama que contiene la parte que suena más grave (la parte del bajo).

Un nuevo género fue el concertato vocal, combinando voces e instrumentos; sus orígenes pueden buscarse en la música policoral de la escuela veneciana. Claudio Monteverdi (1567-1643) lo llevó a la perfección con sus Vísperas y su Octavo Libro de Madrigales, que exigen un gran virtuosismo por parte de cantantes e instrumentos por igual. (Su quinto libro incluye un bajo continuo "para clavecín o laúd"). Su alumno Heinrich Schütz (1585-1672) (quien había estudiado anteriormente con Giovanni Gabrieli) introdujo el nuevo estilo a Alemania. Junto a la nueva música de la segunda práctica, se siguieron escribiendo motetes contrapuntísticos en el stile antico o estilo antiguo hasta bien entrado el siglo XIX. Los coros en este momento eran generalmente bastante pequeños y los cantantes podían clasificarse como adecuados para la iglesia o el canto de cámara. Está documentado que Monteverdi, él mismo cantante, participó en representaciones de su Magnificat con una voz por parte.

El acompañamiento instrumental independiente abrió nuevas posibilidades para la música coral. Los himnos en verso alternaban solos acompañados con secciones corales; los compositores más conocidos de este género fueron Orlando Gibbons y Henry Purcell. Los grandes motetes (como los de Lully y Delalande) separaron estas secciones en movimientos separados. Los oratorios (de los cuales Giacomo Carissimi fue pionero) extendieron este concepto a obras de duración de conciertos, generalmente basadas en historias bíblicas o morales.

Aleluya Chorus
El Coro de Aleluya, del Mesías de George Frideric Handel, es uno de los coros más famosos de todos los tiempos
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Un pináculo de la música coral barroca, (particularmente oratorio), se puede encontrar en las obras de George Frideric Handel, especialmente Messiah e Israel in Egypt. Mientras que el coro moderno de cientos tuvo que esperar el crecimiento de las Sociedades Corales y su concierto de conmemoración del centenario, encontramos que Handel ya utiliza una variedad de fuerzas interpretativas, desde los solistas de los Chandos Anthems hasta grupos más grandes (cuyos las proporciones siguen siendo bastante diferentes de los coros de orquesta modernos):

Ayer [Oct. 6] había un Rehearsal del himno de la Coronación en Westminster-Abby, puesto a la música por el famoso Sr. Hendall: había 40 voces, y cerca de 160 violines, Trumpets, Hautboys, Kettle-Drums y Bass proporcionables.!

—Norwich Gazette, 14 de octubre de 1727

Los compositores luteranos escribieron cantatas con acompañamiento instrumental, a menudo basadas en melodías corales. Existen importantes obras corales sagradas de finales del siglo XVII en la tradición alemana emergente (las cantatas de Dietrich Buxtehude son un excelente ejemplo), aunque la cantata de la iglesia luterana no asumió su forma más codificada y reconocible hasta principios del siglo XVIII. Georg Philipp Telemann (basado en Frankfurt) escribió más de 1000 cantatas, muchas de las cuales fueron grabadas y publicadas (por ejemplo, su Harmonische Gottesdienst) y Christoph Graupner (basado en Darmstadt) más de 1400. Las cantatas de Johann Sebastian Bach (1685-1750) son quizás la contribución más reconocible (y más interpretada) a este repertorio: su obituario menciona cinco ciclos completos de sus cantatas, de los cuales tres, que comprenden unas 200 obras, se conocen hoy, además de motetes. El mismo Bach rara vez usó el término cantata. Motete se refiere a su música sacra sin acompañamiento de orquesta, sino instrumentos tocando colla parte con las voces. Su obra con acompañamiento consta de sus Pasiones, Misas, el Magníficat y las cantatas.

Un punto de controversia candente en la actualidad es la llamada "hipótesis de Rifkin" que vuelve a examinar el famoso "Entwurff" El memorando de Bach de 1730 al Ayuntamiento de Leipzig (Un borrador breve pero muy necesario para una música de iglesia bien equipada) solicitando al menos 12 cantantes. A la luz de la responsabilidad de Bach de proporcionar música a cuatro iglesias y poder interpretar composiciones de doble coro con un sustituto para cada voz, Joshua Rifkin concluye que la música de Bach normalmente se escribía pensando en una voz por parte.. Unos cuantos conjuntos de partes interpretativas originales incluyen ripieni que refuerzan en lugar de duplicar servilmente el cuarteto vocal.

Música clásica y romántica

Los compositores de finales del siglo XVIII quedaron fascinados con las nuevas posibilidades de la sinfonía y otra música instrumental y, en general, descuidaron la música coral. Las obras corales de Mozart, en su mayoría sagradas, se destacan como algunas de sus más grandes (como la 'Gran' Misa en do menor y el Réquiem en re menor, el último de los cuales es muy apreciado). Haydn se interesó más en la música coral cerca del final de su vida luego de sus visitas a Inglaterra en la década de 1790, cuando escuchó varios oratorios de Handel interpretados por grandes fuerzas; escribió una serie de misas a partir de 1797 y sus dos grandes oratorios La Creación y Las Estaciones. Beethoven escribió solo dos misas, ambas destinadas al uso litúrgico, aunque su Missa solemnis probablemente sea adecuada solo para las ceremonias más grandiosas debido a su extensión, dificultad y partitura de gran escala. También fue pionero en el uso del coro como parte de la textura sinfónica con su Novena Sinfonía y Fantasía Coral.

"Wie lieblich sind deine Wohnungen"
(Cuán hermosa es tu morada) Ein deutsches Requiem por Johannes Brahms
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En el siglo XIX, la música sacra escapó de la iglesia y saltó al escenario de los conciertos, con grandes obras sacras no aptas para el uso de la iglesia, como el Te Deum y el Réquiem de Berlioz, y Ein deutsches Requiem de Brahms. El Stabat mater de Rossini, las Misas de Schubert y el Réquiem de Verdi también explotaron la grandeza que ofrecía el acompañamiento instrumental. También se siguieron escribiendo oratorios, claramente influidos por los modelos de Haendel. L'enfance du Christ de Berlioz y Elijah and St Paul de Mendelssohn están en la categoría. Schubert, Mendelssohn y Brahms también escribieron cantatas profanas, de las cuales las más conocidas son Schicksalslied y Nänie de Brahms.

Algunos compositores desarrollaron música a cappella, especialmente Bruckner, cuyas misas y motetes sorprendentemente yuxtaponen el contrapunto renacentista con la armonía cromática. Mendelssohn y Brahms también escribieron importantes motetes a cappella. El coro de aficionados (que comenzó principalmente como una salida social) comenzó a recibir una seria consideración como un lugar de composición para las canciones parciales de Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms y otros. Estos 'clubes de canto' a menudo eran para mujeres u hombres por separado, y la música era típicamente a cuatro partes (de ahí el nombre de "parte de la canción") y a capella o con instrumentación simple. Al mismo tiempo, el movimiento ceciliano intentó restaurar el estilo renacentista puro en las iglesias católicas.

Siglos XX y XXI

Además de sus roles en la liturgia y el entretenimiento, los coros y coros también pueden tener funciones de servicio social, incluido el tratamiento de salud mental o como terapia para personas sin hogar y desfavorecidas, como el Coro de Hard Knocks.