Concierto para solista

Un concierto solista es una forma musical que se caracteriza por la presencia de un solo instrumento solista con la línea melódica, acompañado por una orquesta. Tradicionalmente, hay tres movimientos en un concierto solista, que consisten en una sección rápida, una sección lenta y lírica, y luego otra sección rápida. Sin embargo, hay muchos ejemplos de conciertos que no se ajustan a este plan.

Los primeros conciertos para solista conocidos son los números 6 y 12 del Op. 6 de Giuseppe Torelli de 1698. Estas obras emplean tanto un ciclo de tres movimientos como una forma clara (aunque diminuta) de ritornello, como la del concierto ripieno, excepto que las secciones para el solista y el continuo separan los ritornellos orquestales. Torelli, que estuvo activo en Bolonia, habría conocido las arias operísticas y las numerosas sonatas y sinfonías para trompeta y cuerdas producidas en Bolonia desde la década de 1660. Él mismo compuso más de una docena de obras de este tipo para trompeta, dos de ellas datadas a principios de la década de 1690. Otros conciertos para violín tempranos son los cuatro del Op. 2 de Albinoni (1700) y los seis del importante Op. 8 de Torelli (1709; las otras seis obras de este conjunto son conciertos dobles para dos violines).

El compositor de conciertos más influyente y prolífico durante el período barroco fue el veneciano Antonio Vivaldi (1678-1741). Además de sus casi 60 conciertos ripieno existentes, Vivaldi compuso aproximadamente 425 conciertos para uno o más solistas, incluidos unos 350 conciertos solistas (dos tercios para violín solista) y 45 conciertos dobles (más de la mitad para dos violines). Los conciertos de Vivaldi establecen firmemente la forma de tres movimientos como la norma. El virtuosismo de las secciones solistas aumenta notablemente, especialmente en las obras posteriores, y al mismo tiempo la textura se vuelve más homofónica.

A principios del siglo XVIII empezaron a aparecer conciertos para instrumentos distintos del violín, entre ellos los conciertos para oboe de Georg Friedrich Handel y los numerosos conciertos para flauta, oboe, fagot, violonchelo y otros instrumentos de Vivaldi. Los primeros conciertos para órgano probablemente se puedan atribuir a Handel (16 conciertos, c. 1735-51), los primeros conciertos para clave a Johann Sebastian Bach (13 conciertos para uno a cuatro claves, c. 1735-40). En este último caso, todos los conciertos, salvo probablemente uno, son arreglos de obras existentes, aunque Bach ya había abordado la idea de un concierto para clave antes de 1721 en el Concierto de Brandeburgo n.º 5.

El período clásico trajo consigo el triunfo del concierto solista sobre el concierto para grupo o múltiple, ayudado por el continuo ascenso del solista virtuoso y la creciente demanda de obras actualizadas para interpretación por parte de aficionados. La primera tendencia se manifiesta de forma más evidente en la gran cantidad de conciertos para violín escritos por violinistas para su propio uso.

El período clásico también fue testigo del auge del concierto para teclado. Hasta aproximadamente 1770, el instrumento de cuerda de teclado preferido era el clavicémbalo, pero fue reemplazado gradualmente por el piano. Los compositores de conciertos para teclado más importantes antes de Wolfgang Amadeus Mozart fueron los hijos de Bach. En Viena se produjeron muchos conciertos para teclado. Las últimas décadas del siglo XVIII trajeron consigo el auge de los virtuosos itinerantes del piano.

Los conciertos de este período muestran una amplia transición del estilo barroco al clásico, aunque muchos son más conservadores que las sinfonías contemporáneas. La mayoría consta de tres movimientos, aunque una minoría significativa adopta patrones más ligeros de dos movimientos, como Allegro-Minuet y Allegro-Rondo. Los finales de danza y rondó también son frecuentes en los conciertos de tres movimientos. Además, la forma ritornello en los movimientos rápidos fue reemplazada por la forma sonata y las formas rondó respectivamente.

Los conciertos de Joseph Haydn pertenecen en su mayoría a los comienzos de su carrera. Las excepciones son el Concierto para piano en re mayor, el Concierto para violonchelo en re mayor y el Concierto para trompeta.

De los 23 conciertos para piano originales de Mozart, 17 datan de su período vienés. Son el logro supremo del concierto en el siglo XVIII. La mayoría de las obras que escribió para Viena son de un tipo que Mozart llamó grandes conciertos. Estos estaban destinados a ser interpretados en sus propios conciertos de abono, que se celebraban en grandes salas. Requieren una orquesta mucho más grande que un concierto típico de la época, especialmente en el papel ampliado asignado a los instrumentos de viento. La orquesta se vuelve completamente capaz de sostener una confrontación dramática con el virtuosismo y la individualidad del solista. El enfoque de Mozart en estos conciertos es a menudo claramente sinfónico, tanto en la aplicación de principios sinfónicos formales como en un interés haydnesco por la unidad temática en los conciertos posteriores. La gama de estilos y expresiones es mayor que la de la mayoría de los conciertos del período, desde los elementos de ópera cómica del K.467 hasta el lirismo italianizante del K.488, el carácter trágico de los K.466 y 491 hasta el heroísmo beethoveniano del K.503.

Los cinco conciertos para piano de Ludwig van Beethoven datan de entre 1793 y 1809 aproximadamente. Son más largos que los conciertos de Mozart y requieren incluso más virtuosismo por parte del solista. El Concierto para violín de Beethoven (1806) muestra logros similares: los cinco conciertos para violín de Mozart son todos obras tempranas escritas en Salzburgo en 1775, excepto el primero en 1773.

Entre los conciertos del Romanticismo temprano se encuentran los dos conciertos para piano (1810-1812) y los dos conciertos para clarinete (1811) de Weber, los dos conciertos para piano (1831-1837) y su importante Concierto para violín (1844) de Mendelssohn, así como los conciertos para piano (1845), violonchelo (1850) y violín (1853) de Schumann. La forma de estas obras es predominantemente clásica en tres movimientos. Entre las obras posteriores de este estilo se encuentran ejemplos de Johannes Brahms (dos para piano -el n.º 1 de 1858 y el n.º 2 de 1878, que añade un cuarto movimiento- y uno para violín de 1878), Edvard Grieg (piano, 1868), Max Bruch (el más famoso es su Concierto para violín n.º 1, 1868) y Antonín Dvořák (piano, violín, violonchelo, 1876-1895). En Francia, esta tradición está representada principalmente por Camille Saint-Saëns (diez conciertos para piano, violín y violonchelo, 1858-1902), y en Rusia por Anton Rubinstein y Pyotr Ilyich Tchaikovsky (tres conciertos para piano, uno para violín, 1874-1893).

Una tendencia más abiertamente virtuosa apareció en los conciertos de violinistas brillantes del siglo XIX, entre ellos Louis Spohr y Niccolò Paganini y los pianistas Frédéric Chopin (dos conciertos, 1829-30) y Franz Liszt (dos conciertos, versiones originales 1839-49). La estructura de movimiento en la mayoría de estas obras sigue el tipo convencional de ritornello-sonata perfeccionado por Mozart y Beethoven. Sin embargo, los dos conciertos de Liszt son poco convencionales, ya que las cinco secciones del primero están conectadas tanto formal como temáticamente, y el segundo utiliza una estructura seccional aún más libre. El primer concierto en particular muestra la influencia de formas compuestas continuas como las del Konzertstuck de Weber y la Fantasía del errante de Schubert. El virtuosismo que exigen todos estos conciertos se vio facilitado por los avances técnicos de los propios instrumentos y contribuyó a estimularlos.

Numerosas composiciones del siglo XX se escribieron en la línea de los conciertos románticos del siglo XIX -y a menudo utilizando sus formas y estilos-, incluidos los conciertos de Sergei Rachmaninoff (cuatro conciertos para piano, 1890-1926), Jean Sibelius (violín, 1903), Edward Elgar (violín 1909-10, violonchelo 1919), Carl Nielsen (violín, flauta, clarinete), Sergei Prokofiev (cinco conciertos para piano, 1911-32; dos para violín 1916-17 y 1935), William Walton (viola, violín, violonchelo), Dmitri Shostakovich (dos para piano, violín y violonchelo) y Francis Poulenc (órgano). La tradición virtuosa reflejada en estos conciertos también es obvia, aunque en una forma radicalmente original, en los conciertos de Béla Bartók. Rachmaninov, Prokofiev y Bartók fueron todos virtuosos del piano.

Los compositores de la Segunda Escuela Vienesa también produjeron varios conciertos importantes: el Concierto de cámara para piano, violín y trece instrumentos de viento de Alban Berg (1923-1925), que no fue totalmente serial pero que incorporó muchos elementos del nuevo sistema de Arnold Schoenberg; el Concierto para nueve instrumentos de Anton Webern (1931-1934), originalmente concebido como un concierto para piano; el importante Concierto para violín de Berg (1935); y el Concierto para violín (1935-1936) y el Concierto para piano (1942) del propio Schoenberg.

El movimiento neoclásico del período posterior a la Primera Guerra Mundial produjo una larga serie de obras que volvieron a las concepciones prerrománticas del concierto. El Concierto para piano y vientos de Igor Stravinsky (1923-24) se inscribe en este estilo, pero sus conciertos posteriores son más específicamente neobarrocos en su carácter. Su Concierto para violín (1931), por ejemplo, comprende una Toccata, dos Arias y un Capriccio, y el solista es tratado más como un miembro del conjunto que como un protagonista virtuoso. Los conciertos para solista de Paul Hindemith (8 para varios instrumentos, 1939-62) son más tradicionales que los de Stravinsky en su tratamiento de la relación entre solista y orquesta. Aunque difícilmente neoclásico en el sentido habitual, el Concierto para trompa n.º 1 de Richard Strauss es un ejemplo de la influencia de la música en el arte contemporáneo. 2 (1942, escrito unos 60 años después del primero) y el Concierto para oboe (1945) también se remontan a una época anterior, encontrando inspiración nostálgica en los conciertos de viento de Mozart.

Una tendencia relacionada con el rechazo neoclásico de los rasgos románticos y tradicionales es el uso de elementos de jazz en muchos conciertos del siglo XX. George Gershwin fue un pionero de este tipo de obras, por ejemplo, en su Rapsodia en azul (1924) y el Concierto en fa para piano (1925). El jazz fue una fuente de inspiración para el Concierto para piano de Aaron Copland (1926) y el Concierto de ébano para clarinete y banda de jazz de Stravinsky (1945).

De manera similar, en 1966 el virtuoso del acordeón John Serry completó su Concierto en do mayor para acordeón Bassetti, que muestra la amplia gama de cualidades tonales orquestales modernas inherentes al sistema de bajos libres solista diseñado por el fabricante de instrumentos italiano Julio Giulietti.

• El Nuevo Diccionario de Música de Harvard ().