Claude Monet

Oscar-Claude Monet (, francés: [klod mɔnɛ]; 14 de noviembre de 1840 - 5 de diciembre de 1926) fue un pintor francés y fundador de la pintura impresionista que se considera un precursor clave del modernismo, especialmente en sus intentos de pintar la naturaleza como él lo percibí. Durante su larga carrera, fue el practicante más constante y prolífico de la filosofía del impresionismo de expresar las percepciones de uno ante la naturaleza, especialmente aplicada a la pintura de paisajes plein air (al aire libre). El término "impresionismo" se deriva del título de su cuadro Impression, soleil levant, expuesto en la 1874 ("exposición de rechazos") iniciada por Monet y sus asociados como alternativa al Salón.

Monet se crió en Le Havre, Normandía, y desde temprana edad se interesó por el aire libre y el dibujo. Aunque su madre, Louise-Justine Aubrée Monet, apoyaba sus ambiciones de ser pintor, su padre, Claude-Adolphe, lo desaprobaba y quería que siguiera una carrera en los negocios. Era muy cercano a su madre, pero ella murió en enero de 1857 cuando él tenía dieciséis años, y lo enviaron a vivir con su tía Marie-Jeanne Lecadre, sin hijos, viuda pero rica. Luego pasó a estudiar en la Académie Suisse, y con el pintor de historia académica Charles Gleyre, donde fue compañero de clase de Auguste Renoir. Sus primeros trabajos incluyen paisajes, paisajes marinos y retratos, pero atrajeron poca atención. Una influencia temprana clave fue Eugène Boudin, quien le introdujo en el concepto de pintura plein air. Desde 1883, Monet vivió en Giverny, también en el norte de Francia, donde compró una casa y una propiedad y comenzó un vasto proyecto de jardinería, incluido un estanque de nenúfares.

La ambición de Monet de documentar la campiña francesa llevó a un método de pintar la misma escena muchas veces para capturar el cambio de luz y el paso de las estaciones. Entre los ejemplos más conocidos se encuentran su serie de pajares (1890-1891), pinturas de la Catedral de Rouen (1894) y las pinturas de nenúfares en su jardín en Giverny que lo ocuparon continuamente durante los últimos 20 años de su vida.

Expuesto con frecuencia y exitoso durante su vida, la fama y la popularidad de Monet se dispararon en la segunda mitad del siglo XX cuando se convirtió en uno de los pintores más famosos del mundo y en una fuente de inspiración para grupos florecientes. de artistas

Biografía

Nacimiento e infancia

Claude Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en el quinto piso de 45 rue Laffitte, en el distrito 9 de París. Fue el segundo hijo de Claude Adolphe Monet y Louise Justine Aubrée Monet, ambos parisinos de segunda generación. El 20 de mayo de 1841, fue bautizado en la iglesia local de París, Notre-Dame-de-Lorette, como Oscar-Claude, pero sus padres lo llamaban simplemente Oscar. A pesar de ser bautizado católico, Monet se convirtió más tarde en ateo.

En 1845, su familia se mudó a Le Havre en Normandía. Su padre, un comerciante mayorista, quería que él entrara en el negocio de abarrotes y abarrotes de la familia, pero Monet quería convertirse en artista. Su madre era cantante y apoyó el deseo de Monet de hacer una carrera en el arte.

El 1 de abril de 1851, ingresó en la escuela secundaria de artes de Le Havre. Era un estudiante apático que, después de mostrar habilidad en el arte desde muy joven, comenzó a dibujar caricaturas y retratos de conocidos a los 15 años por dinero. Comenzó sus primeras lecciones de dibujo con Jacques-François Ochard, antiguo alumno de Jacques-Louis David. Alrededor de 1858, conoció a su colega artista Eugène Boudin, quien animaría a Monet a desarrollar sus técnicas, le enseñaría el "en plein air" técnicas (al aire libre) para pintar y llevar a Monet a excursiones de pintura. Monet pensó en Boudin como su maestro, a quien "le debía todo" por su éxito posterior.

En 1857, su madre murió. Vivía con su padre y su tía, Marie-Jeanne Lecadre; Lecadre sería una fuente de apoyo para Monet en los inicios de su carrera artística.

La mujer en el vestido verde, Camille Doncieux, 1866, Kunsthalle Bremen

París y Argelia

De 1858 a 1860, Monet continuó sus estudios en París, donde se matriculó en la Académie Suisse y conoció a Camille Pissarro en 1859. Fue llamado al servicio militar y sirvió a las órdenes de los Chasseurs d'Afrique (Cazadores Africanos), en Argelia, de 1861 a 1862. Su paso por Argelia tuvo un efecto poderoso en Monet, quien diría más tarde que los colores claros y vivos del norte de África "contenían la joya de mis futuras investigaciones". La enfermedad lo obligó a regresar a Le Havre, donde compró el servicio que le quedaba y conoció a Johan Barthold Jongkind, quien junto con Boudin fue un importante mentor para Monet.

Le déjeuner sur l'herbe (sección derecha), 1865-1866, París, con Gustave Courbet, Frédéric Bazille y Camille Doncieux, primera esposa del artista, Musée d'Orsay

A su regreso a París, con el permiso de su padre, dividió su tiempo entre el hogar de su infancia y el campo y se inscribió en el estudio de Charles Gleyre, donde conoció a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille. Bazille finalmente se convirtió en su amigo más cercano. En busca de motivos, viajaron a Honfleur donde Monet pintó varios "estudios" del puerto y la desembocadura del Sena. Monet pintaba a menudo junto a Renoir y Alfred Sisley, quienes compartían su deseo de articular nuevos estándares de belleza en temas convencionales.

Durante este tiempo pintó Mujeres en el jardín, su primera pintura a gran escala exitosa, y Le déjeuner sur l'herbe, la "más Importante pintura de la primera época de Monet. Habiendo debutado en el Salón en 1865 con La Pointe de la Hève at Low Tide y Boca del Sena en Honfleur con grandes elogios, esperaba que Le déjeuner sur l& #39;herbe le ayudaría a entrar en el Salón de 1866. No pudo terminarlo a tiempo y en su lugar presentó La mujer del vestido verde y Pavé de Chailly a la aceptación. A partir de entonces, presentó obras al Salón anualmente hasta 1870, pero los jurados las aceptaron solo dos veces, en 1866 y 1868. No envió más obras al Salón hasta su único y último intento en 1880. Su trabajo fue considerado radical, "desaconsejado en todos los niveles oficiales".

En 1867, su entonces amante, Camille Doncieux, a quien había conocido dos años antes como modelo para sus pinturas, dio a luz a su primer hijo, Jean. Monet tenía una fuerte relación con Jean, alegando que Camille era su legítima esposa para que Jean fuera considerada legítima. El padre de Monet dejó de apoyarlo económicamente a raíz de la relación. A principios de año, Monet se vio obligado a mudarse a la casa de su tía en Sainte-Adresse. Allí se sumergió en su trabajo, aunque un problema temporal en la vista, probablemente relacionado con el estrés, le impidió trabajar a la luz del sol.

Con la ayuda del coleccionista de arte Louis-Joachim Gaudibert, se reunió con Camille y se mudó a Étretat al año siguiente. Por esta época, estaba tratando de establecerse como un pintor de figuras que representaba al "explícitamente contemporáneo, burgués", una intención que continuó hasta la década de 1870. Hizo evolucionar su técnica de pintura e integró la experimentación estilística en su estilo al aire libre, como lo demuestran La playa en Sainte-Adresse y A orillas del Sena respectivamente, el la primera fue su "primera campaña sostenida de pintura que involucró al turismo".

Gaudibert había comprado varias de sus pinturas, quien encargó una pintura de su esposa, junto con otros proyectos; los Gaudibert fueron durante dos años "los que más apoyaron a los mecenas de la ciudad natal de Monet". Más tarde, Monet sería apoyado financieramente por el artista y coleccionista de arte Gustave Caillebotte, Bazille y quizás Gustave Courbet, aunque los acreedores aún lo perseguían.

Exilio y Argenteuil

Retrato de Claude Monet, Carolus-Duran, c. 1867

Se casó con Camille el 28 de junio de 1870, justo antes del estallido de la guerra franco-prusiana. Durante la guerra, él y su familia vivieron en Londres y los Países Bajos para evitar el servicio militar obligatorio. Monet y Charles-François Daubigny vivieron en un exilio autoimpuesto. Mientras vivía en Londres, Monet conoció a su viejo amigo Pissarro, el pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler, y se hizo amigo de su primer y principal comerciante de arte, Paul Durand-Ruel; un encuentro que sería decisivo para su carrera. Allí vio y admiró las obras de John Constable y J. M. W. Turner y quedó impresionado por el tratamiento de Turner de la luz, especialmente en las obras que representan la niebla en el Támesis. Pintó repetidamente el Támesis, Hyde Park y Green Park. En la primavera de 1871, se denegó la autorización para incluir sus obras en la exposición de la Royal Academy y la policía sospechó de él por sus actividades revolucionarias. Ese mismo año se enteró de la muerte de su padre.

La familia se mudó a Argenteuil en 1871, donde él, influenciado por su tiempo con los pintores holandeses, pintó principalmente los alrededores del Sena. Adquirió un velero para pintar en el río. En 1874, firmó un contrato de arrendamiento de seis años y medio y se mudó a una "casa color rosa con persianas verdes" en Argenteuil, donde pintó quince cuadros de su jardín desde una perspectiva panorámica. Pinturas como Gladiolos marcaron lo que probablemente fue la primera vez que Monet cultivó un jardín con el propósito de su arte. La casa y el jardín se convirtieron en los "más importantes" motivo de sus últimos años en Argenteuil. Durante los siguientes cuatro años, pintó principalmente en Argenteuil y se interesó por las teorías del color del químico Michel Eugène Chevreul. Durante tres años de la década, alquiló una gran villa en Saint-Denis por mil francos al año. Camille Monet en un banco de jardín muestra el jardín de la villa y lo que algunos han argumentado que es el dolor de Camille al enterarse de la muerte de su padre.

Monet y Camille a menudo se encontraban en apuros financieros durante este período; no pudieron pagar la factura del hotel durante el verano de 1870 y probablemente vivían en las afueras de Londres debido a la insuficiencia de fondos. Sin embargo, una herencia de su padre, junto con la venta de sus pinturas, les permitió contratar a dos sirvientes y un jardinero en 1872. Tras la exitosa exposición de algunas pinturas marítimas y la obtención de una medalla de plata en Le Havre, Monet&# Los cuadros de 39 fueron embargados por los acreedores, de quienes fueron comprados por un comerciante marítimo, Gaudibert, quien también era mecenas de Boudin.

Impresionismo

Impresión, amanecer (impresión, levante del suero), 1872; la pintura que dio su nombre al estilo y al movimiento artístico. Musée Marmottan Monet, París

Cuando el apoyo anterior de Durand-Ruel a Monet y sus pares comenzó a declinar, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Paul Cézanne, Edgar Degas y Berthe Morisot exhibieron su trabajo de forma independiente; lo hicieron bajo el nombre de Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores, para la cual Monet fue una figura destacada en su formación. Se inspiró en el estilo y el tema de sus contemporáneos un poco mayores, Pissarro y Édouard Manet. El grupo, cuyo título se eligió para evitar la asociación con cualquier estilo o movimiento, se unieron en su independencia del Salón y el rechazo al academicismo imperante. Monet se ganó la reputación de ser el paisajista más importante del grupo.

En la primera exposición, en 1874, Monet exhibió, entre otros, Impression, Sunrise, The Luncheon y Boulevard des Capucines. El crítico de arte Louis Leroy escribió una crítica hostil. Prestando especial atención a Impression, Sunrise (1872), una representación confusa del puerto de Le Havre y un desvío estilístico, acuñó el término "impresionismo". Los críticos conservadores y el público se burlaron del grupo, con el término inicialmente irónico y denotando la pintura como inacabada. Los críticos más progresistas elogiaron la representación de la vida moderna: Louis Edmond Duranty llamó a su estilo una "revolución en la pintura". Más tarde se arrepintió de haber inspirado el nombre, ya que creía que eran un grupo 'cuya mayoría no tenía nada de impresionista'.

La asistencia total se estima en 3500. Monet fijó el precio de Impression: Sunrise en 1000 francos, pero no logró venderlo. La exposición estaba abierta a cualquiera dispuesto a pagar 60 francos y dio a los artistas la oportunidad de mostrar su trabajo sin la interferencia de un jurado. En 1876 se realizó otra exposición, nuevamente en oposición al Salón. Monet exhibió 18 pinturas, incluida La playa en Sainte-Adresse, que mostraba múltiples características impresionistas.

Para la tercera exposición, el 5 de abril de 1877, seleccionó siete pinturas de la docena que había hecho de Gare Saint-Lazare en los últimos tres meses, la primera vez que había "sincronizado tantas pinturas de la misma sitio, coordinando cuidadosamente sus escenas y temporalidades". Las pinturas fueron bien recibidas por la crítica, que elogió especialmente la forma en que capturó la llegada y salida de los trenes. A partir de la cuarta exposición su implicación fue mediante negociación por parte de Caillebotte. La última vez que expuso con los impresionistas fue en 1882, cuatro años antes de la última exposición impresionista.

Monet, Renoir, Pissarro, Morisot, Cézanne y Sisley procedieron a experimentar con nuevos métodos de representación de la realidad. Rechazaron la iluminación oscura y contrastante de las pinturas románticas y realistas, a favor de los tonos pálidos de sus pares' pinturas como las de Jean-Baptiste-Camille Corot y Boudin. Después de desarrollar métodos para pintar efectos transitorios, Monet buscaría temas más exigentes, nuevos mecenas y coleccionistas; sus pinturas producidas a principios de la década de 1870 dejaron un impacto duradero en el movimiento y sus compañeros, muchos de los cuales se mudaron a Argenteuil como resultado de admirar su representación.

• Pinturas 1858-1872
• 

  Vista a Rouelles, Le Havre 1858, colección privada; un trabajo temprano que muestra la influencia de Corotà Sainte-Adress and Courbet

• 

  Mouth of the Seine at Honfleur, 1865, Norton Simon Foundation, Pasadena, California; indica la influencia de la pintura marítima holandesa.

• 

  La ola verde, 1866, Metropolitan Museum of Art

• 

  Mujeres en el jardín, 1866-1867, Musée d'Orsay, Paris

• 

  Mujer en el jardín, 1867, Hermitage, San Petersburgo; un estudio en el efecto de la luz solar y la sombra sobre el color.

• 

  Jardín en Sainte-Adresse ("Jardin à Sainte-Adresse"), 1867, Metropolitan Museum of Art, New York

• 

  El Luncheon, 1868, Städel, que cuenta con Camille Doncieux y Jean Monet, fue rechazado por el Salón de París de 1870 pero incluido en la primera exposición de impresionistas en 1874.

• 

  La Grenouillére 1869, Metropolitan Museum of Art, Nueva York; una pequeña pintura al aire libre creada con amplios trazos de color intenso.

• 

  En el Banco del Sena, Bennecourt, 1868, Art Institute of Chicago

• 

  El Magpie, 1868-1869. Musée d'Orsay, París; uno de los primeros intentos de Monet de capturar el efecto de la nieve en el paisaje. Véase también Nieve en Argenteuil

• 

  Le port de Trouville (Breakwater at Trouville, Low Tide), 1870, Museo de Bellas Artes, Budapest

• 

  La plage de Trouville, 1870, National Gallery, Londres. La figura izquierda puede ser Camille, a la derecha posiblemente la esposa de Eugène Boudin, cuyas escenas de playa influyeron en Monet.

• 

  Casas en el Achterzaan, 1871, Metropolitan Museum of Art, New York

• 

  Jean Monet en su caballo hobby1872. Metropolitan Museum of Art, Nueva York

• 

  Primavera 1872, Walters Art Museum

• 

  Barcos en el Sena en Rouen, 1872, National Gallery of Art, Washington DC

Muerte de Camille y Vétheuil

Claude Monet, Camille Monet en su lecho de muerte, 1879, Musée d'Orsay, Paris

En 1875, volvió a la pintura de figuras con Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo, después de abandonarla efectivamente con El almuerzo. Su interés en la figura continuó durante los siguientes cuatro años, alcanzando su punto máximo en 1877 y concluyendo por completo en 1890. En un "inusualmente revelador" En una carta a Théodore Duret, Monet habló sobre su renovado interés: "Estoy trabajando como nunca antes en un nuevo esfuerzo. Figuras al aire libre, tal como yo las entiendo". Este es un viejo sueño, uno que siempre me ha obsesionado y que me gustaría dominar de una vez por todas. ¡Pero todo es tan difícil! Estoy trabajando muy duro, casi hasta el punto de enfermarme".

En 1876, Camille Monet enfermó gravemente. Su segundo hijo, Michel, nació en 1878, después de lo cual la salud de Camille se deterioró aún más. En el otoño de ese año, se mudaron al pueblo de Vétheuil donde compartieron una casa con la familia de Ernest Hoschedé, un rico propietario de grandes almacenes y mecenas de las artes que había encargado cuatro cuadros a Monet. En 1878, a Camille le diagnosticaron cáncer de útero. Ella murió al año siguiente. Su muerte, junto con las dificultades financieras, una vez que tuvo que dejar su casa para evitar a los acreedores, afectó la carrera de Monet; Hoschedé había comprado recientemente varias pinturas, pero pronto quebró y se fue a París con la esperanza de recuperar su fortuna, ya que el interés por los impresionistas disminuyó.

Pierre-Auguste Renoir, Retrato del Pintor Claude Monet, 1875, Musée d'Orsay

Carolus-Duran, Alice Hoschedé, segunda esposa de Claude Monet y madre de Blanche Hoschedé Monet, 1878

Las familias Monet y Hoschedé c.1880 de izquierda a derecha: Claude Monet, Alice Hoschedé, Jean-Pierre Hoschedé, Jacques Hoschedé, Blanche Hoschedé Monet, Jean Monet, Michel Monet, Martha Hoschedé, Germaine Hoschedé, Suzanne Hoschedé é

Monet realizó un estudio al óleo de su difunta esposa. Muchos años después, le confesó a su amigo Georges Clemenceau que su necesidad de analizar los colores era para él una alegría y un tormento. Explicó: "Un día me encontré mirando el rostro muerto de mi amada esposa y notando sistemáticamente los colores de acuerdo con un reflejo automático". John Berger describe la obra como "una ventisca de pintura blanca, gris y púrpura... una terrible ventisca de pérdida que borrará para siempre sus rasgos". De hecho, puede haber muy pocas pinturas de lechos de muerte que hayan sido tan intensamente sentidas o tan subjetivamente expresivas."

Continuó el estudio de Monet sobre el Sena. Presentó dos cuadros al Salón en 1880, uno de los cuales fue aceptado. Comenzó a abandonar las técnicas impresionistas a medida que sus pinturas utilizaban tonos más oscuros y mostraban ambientes, como el río Sena, en condiciones climáticas adversas. Durante el resto de la década, se centró en el aspecto elemental de la naturaleza. Su vida personal influyó en su distanciamiento de los impresionistas. Regresó a Étretat y expresó en cartas a Alice Hoschedé —con quien se casaría en 1892, tras la muerte de su marido el año anterior— el deseo de morir. En 1881, se mudó con Alice y sus hijos a Poissy y nuevamente vendió sus pinturas a Durand-Ruel. La tercera hija de Alice, Suzanne, se convertiría en la 'modelo preferida' de Monet, después de Camille.

En abril de 1883, mirando por la ventana del tren entre Vernon y Gasny, descubrió Giverny en Normandía. Ese mismo año se realizó su primera gran retrospectiva.

Las luchas de Monet con los acreedores terminaron luego de viajes prósperos; fue a Bordighera en 1884 y trajo 50 paisajes. Viajó a los Países Bajos en 1886 para pintar los tulipanes. Pronto conoció y se hizo amigo de Gustave Geffroy, quien publicó un artículo sobre Monet. A pesar de sus reparos, las pinturas de Monet se vendieron en Estados Unidos y contribuyeron a su seguridad financiera. En contraste con las últimas dos décadas de su carrera, Monet prefería trabajar solo y sentía que siempre era mejor cuando lo hacía, ya que regularmente "anhelaba la soledad, lejos de los centros turísticos abarrotados y los entornos urbanos sofisticados". 34;. Tal deseo era recurrente en sus cartas a Alicia.

• Pinturas 1873-1886
• 

  Camille Monet en un jardín, 1873, Metropolitan Museum of Art, New York

• 

  El Sena en Argenteuil, 1873

• 

  Casa del artista en Argenteuil, 1873, Art Institute of Chicago

• 

  Coquelicots, La promenade (Poppies), 1873, Musée d'Orsay, Paris

• 

  Argenteuil, 1874, National Gallery of Art, Washington D.C.

• 

  El Studio Boat, 1874, Kröller-Müller Museum, Otterlo, Netherlands

• 

  Camille au métier, 1875, colección Barnes

• 

  Una imagen de la pintura de 1875 Bords de la Seine à Argenteuil del obituario de Monet Le Figaro (1926)

• 

  Mujer con un Parasol - Madame Monet y Su Hijo, 1875, National Gallery of Art, Washington D.C.

• 

  Madame Monet en un Kimono japonés, 1876, Museo de Bellas Artes, Boston

• 

  Le Bateau-atelier, 1876, colección Barnes

• 

  Flores en la orilla del río en Argenteuil, 1877, Pola Museum of Art, Japan

• 

  Vétheuil en el Fog, 1879, Musée Marmottan Monet, París

• 

  Estudio de una figura al aire libre: Mujer con un Parasol, frente a la izquierda, 1886, Musée d'Orsay

Giverny

El jardín de agua de Claude Monet en Giverny, 2019

En 1883, Monet y su familia alquilaron una casa y jardines en Giverny, lo que le proporcionó una estabilidad doméstica que aún no había disfrutado. La casa estaba situada cerca de la carretera principal entre las ciudades de Vernon y Gasny en Giverny. Había un granero que hacía las veces de estudio de pintura, huertas y un pequeño jardín. La casa estaba lo suficientemente cerca de las escuelas locales para que los niños asistieran, y el paisaje circundante proporcionó numerosas áreas naturales para que Monet pintara.

La familia trabajó y construyó los jardines, y la fortuna de Monet comenzó a mejorar a medida que Durand-Ruel tenía un éxito cada vez mayor en la venta de sus pinturas. Los jardines fueron la mayor fuente de inspiración de Monet durante 40 años. En 1890, Monet compró la casa. Durante la década de 1890, Monet construyó un invernadero y un segundo estudio, un edificio espacioso bien iluminado con tragaluces.

Monet escribía instrucciones diarias a su jardinero, diseños y diseños precisos para plantaciones y facturas por sus compras de flores y su colección de libros de botánica. A medida que crecía la riqueza de Monet, su jardín evolucionaba. Siguió siendo su arquitecto, incluso después de contratar a siete jardineros. Monet compró terrenos adicionales con un prado de agua. Se plantaron nenúfares blancos locales de Francia junto con cultivares importados de América del Sur y Egipto, lo que dio como resultado una gama de colores que incluía nenúfares amarillos, azules y blancos que se volvían rosados con el tiempo. En 1902, aumentó el tamaño de su jardín acuático en casi 4000 metros cuadrados; el estanque se amplió en 1901 y 1910 con caballetes instalados alrededor para permitir capturar diferentes perspectivas.

Insatisfecho con las limitaciones del impresionismo, Monet comenzó a trabajar en una serie de pinturas que mostraban temas únicos (pajares, álamos y la catedral de Rouen) para resolver su frustración. Esta serie de pinturas proporcionó un gran éxito crítico y financiero; en 1898 se exhibieron 61 cuadros en la galería Petit. También comenzó una serie de Mañanas en el Sena, que retrata las horas del amanecer del río. En 1887 y 1889 exhibió una serie de pinturas de Belle Île con excelentes críticas. por los críticos Monet eligió el lugar con la esperanza de encontrar un "nuevo lenguaje estético que pasara por alto las fórmulas aprendidas, uno que fuera fiel a la naturaleza y único para él como individuo, no como cualquier otra persona".

Monet en el trabajo en el estudio grande en su casa de Giverny

En 1899, comenzó a pintar los nenúfares que lo ocuparían continuamente durante los siguientes 20 años de su vida, siendo su última y "más ambiciosa" secuencia de pinturas. Había exhibido este primer grupo de cuadros del jardín, dedicado principalmente a su puente japonés, en 1900. Regresó a Londres, ahora residiendo en el prestigioso Hotel Savoy, en 1899 para producir una serie que incluía 41 pinturas del puente de Waterloo, 34 del puente de Charing Cross y 19 de la Casa del Parlamento. El último viaje de Monet sería a Venecia, con Alicia en 1908.

Las representaciones de los nenúfares, con luces alternas y reflejos de espejo, se convirtieron en una parte integral de su trabajo. A mediados de la década de 1910, Monet había logrado "un estilo de pintura completamente nuevo, fluido y algo audaz en el que el estanque de nenúfares se convirtió en el punto de partida de un arte casi abstracto". Claude Roger-Marx señaló en una reseña de la exitosa exposición de Monet de 1909 de la primera serie Nenúfares que había "alcanzado el último grado de abstracción e imaginación unidas a lo real". 34;. Esta exposición, titulada Nenúfares, una serie de paisajes acuáticos, constaba de 42 lienzos, su "serie más grande y unificada hasta la fecha". más de 250 pinturas de los nenúfares.

En su casa, Monet se reunía con artistas, escritores, intelectuales y políticos de Francia, Inglaterra, Japón y Estados Unidos. En el verano de 1887 conoció a John Singer Sargent, cuya experimentación con la pintura de figuras al aire libre lo intrigó; la pareja pasó a influirse mutuamente con frecuencia.

• Jardín
• 

  En el jardín, 1895, Colección E. G. Buehrle, Zürich

• 

  Agapanthus, entre 1914 y 1926, Museo de Arte Moderno, Nueva York

• 

  Arcos de flores, Giverny, 1913, Phoenix Art Museum

• 

  Lirios de agua y el puente japonés, 1897-1899, Museo de Arte de la Universidad de Princeton

• 

  Lirios de agua, 1906, Art Institute of Chicago

• 

  Lirios de agua, Musée Marmottan Monet

• 

  Lirios de agua, c. 1915, Neue Pinakothek, Munich

• 

  Lirios de agua, c. 1915, Musée Marmottan Monet

Visión fallida

Monet en su jardín en Giverny, c. 1917

La segunda esposa de Monet, Alice, murió en 1911, y su hijo mayor, Jean, que se había casado con la hija de Alice, Blanche, la favorita de Monet, murió en 1914. Sus muertes dejaron a Monet deprimido, ya que Blanche lo cuidaba. Fue durante este tiempo que Monet comenzó a desarrollar los primeros signos de cataratas. En 1913, Monet viajó a Londres para consultar al oftalmólogo alemán Richard Liebreich. Le recetaron anteojos nuevos y rechazó la cirugía de cataratas en el ojo derecho. Al año siguiente, Monet, alentado por Clemenceau, hizo planes para construir un estudio nuevo y grande que podría usar para crear un "ciclo decorativo de pinturas dedicadas al jardín acuático".

En los años siguientes, su percepción del color sufrió; sus trazos gruesos eran más amplios y sus pinturas cada vez más oscuras. Para lograr el resultado deseado, comenzó a etiquetar sus tubos de pintura, mantuvo un orden estricto en su paleta y usó un sombrero de paja para evitar el deslumbramiento. Se acercó a la pintura formulando las ideas y características en su mente, tomando el "motivo en grandes masas" y transcribirlos a través de la memoria y la imaginación. Esto se debió a que él era "insensible" a los "tonos más finos de tonalidades y colores vistos de cerca".

La producción de Monet disminuyó a medida que se retraía, aunque produjo varios paneles para el gobierno francés, de 1914 a 1918 con gran éxito financiero y más tarde crearía obras para el estado. Su obra sobre el "ciclo de pinturas" ocurrieron principalmente alrededor de 1916 a 1921. Una vez más se recomendó la cirugía de cataratas, esta vez por Clemenceau. Monet, que estaba aprensivo después de las cirugías fallidas de Honoré Daumier y Mary Cassatt, afirmó que preferiría tener mala vista y tal vez abandonar la pintura que renunciar a 'un poco de estas cosas que amo'. En 1919, Monet comenzó una serie de pinturas de paisajes, "en plena vigencia" aunque no quedó satisfecho con el resultado. En octubre, el clima hizo que Monet dejara de pintar al aire libre y al mes siguiente vendió cuatro de las once pinturas de Nenúfares, a pesar de su renuencia a renunciar a su obra. La serie inspiró elogios de sus compañeros; sus obras posteriores fueron bien recibidas por comerciantes y coleccionistas, y recibió 200.000 francos de un coleccionista.

En 1922, una prescripción de midriáticos proporcionó un alivio de corta duración. Finalmente se sometió a una cirugía de cataratas en 1923. La cianopsia persistente y los anteojos afáquicos demostraron ser una lucha. Ahora "capaz de ver los colores reales", comenzó a destruir lienzos de su período preoperatorio. Al recibir lentes Zeiss tintados, Monet se mostró elogioso, aunque su ojo izquierdo pronto tuvo que ser completamente cubierto por una lente negra. En 1925, su discapacidad visual mejoró y comenzó a retocar algunos de sus trabajos preoperatorios, con nenúfares más azules que antes.

Durante la Primera Guerra Mundial, en la que sirvió su hijo menor, Michel, Monet pintó una serie de sauces llorones como homenaje a los soldados franceses caídos. Se dedicó profundamente a la decoración de su jardín durante la guerra.

• Pinturas tardías
• 

  Lirios de agua y reflexiones de un sauce (1916-1919), Musée Marmottan Monet

• 

  Water-Lily Pond y Weeping Willow, 1916-1919, Venta la Nueva York de Christie, 1998

• 

  Willow llorando, 1918, Museo de Arte de Colón

• 

  Willow llorando, 1918-19, Kimball Art Museum, Fort Worth, Monet Willow llorando pinturas fueron un homenaje a los caídos soldados franceses de la Primera Guerra Mundial

• 

  Casa entre las rosas, entre 1917 y 1919, Albertina, Viena

• 

  The Rose Walk, Giverny, 1920-1922, Musée Marmottan Monet

• 

  La pasarela japonesa, 1920-1922, Museo de Arte Moderno

• 

  Wisteria, 1920-1925, Kunstmuseum Den Haag

Método

Édouard Manet, Claude Monet en Argenteuil, 1874, Neue Pinakothek

Monet ha sido descrito como "la fuerza impulsora detrás del impresionismo". Crucial para el arte de los pintores impresionistas fue la comprensión de los efectos de la luz en el color local de los objetos y los efectos de la yuxtaposición de colores entre sí. Su estilo fluido y el uso del color han sido descritos como "casi etéreos" y el "[epítome] del estilo impresionista"; Impression, Sunrise es un ejemplo de la "fundamental" Principio impresionista de representar solo lo que es puramente visible. Monet estaba fascinado con los efectos de la luz y de pintar al aire libre: creía que su único "mérito radica en haber pintado directamente frente a la naturaleza, buscando convertir mis impresiones en los efectos más fugaces" Queriendo "pintar el aire", a menudo combinaba temas de la vida moderna con luz exterior.

John Singer Sargent, Claude Monet Pintura por el borde de una madera, 1885, Tate Britain

Monet hizo de la luz el foco central de sus pinturas. Para capturar sus variaciones, a veces completaba una pintura de una sola vez, a menudo sin preparación. Quería demostrar cómo la luz alteraba el color y la percepción de la realidad. Su interés por la luz y la reflexión comenzó a fines de la década de 1860 y se prolongó durante toda su carrera. Durante su primera estancia en Londres, desarrolló una admiración por la relación entre el artista y los motivos, por lo que él consideraba el 'envoltorio'. Utilizó dibujos a lápiz para anotar rápidamente temas y motivos para futuras referencias.

La representación de paisajes de Monet enfatizaba elementos industriales como vías férreas y fábricas; sus primeros paisajes marinos presentaban una naturaleza inquietante representada con colores apagados y residentes locales. Crítico y amigo de Monet, Théodore Duret señaló, en 1874, que estaba "poco atraído por las escenas rústicas... [Se sentía] especialmente atraído por la naturaleza cuando está embellecida y por las escenas urbanas y, de preferencia, pintaba [ed] jardines floridos, parques y arboledas." Al representar figuras y paisajes en tándem, Monet deseaba que el paisaje no fuera un mero telón de fondo y que las figuras no dominaran la composición. Su dedicación a tal representación de paisajes resultó en que Monet reprendiera a Renoir por desafiarlo. A menudo representó las actividades de ocio suburbanas y rurales de París y, como artista joven, experimentó con naturalezas muertas. A partir de la década de 1870, se alejó gradualmente de los paisajes suburbanos y urbanos; cuando se representaban, era para profundizar en su estudio de la luz. Los críticos contemporáneos, y los académicos posteriores, sintieron que con su elección de exhibir Belle Île, había indicado un deseo de alejarse de la cultura moderna de las pinturas impresionistas y, en cambio, acercarse a la naturaleza primitiva.

Después de conocer a Boudin, Monet se dedicó a buscar nuevos y mejores métodos de expresión pictórica. Con este fin, cuando era joven, visitó el Salón y se familiarizó con las obras de los pintores mayores y se hizo amigo de otros artistas jóvenes. Los cinco años que pasó en Argenteuil, pasando mucho tiempo en el río Sena en un pequeño estudio flotante, fueron formativos en su estudio de los efectos de la luz y los reflejos. Comenzó a pensar en términos de colores y formas en lugar de escenas y objetos. Usó colores brillantes en toques, rayas y garabatos de pintura. Habiendo rechazado las enseñanzas académicas del estudio de Gleyre, se liberó de la teoría y dijo "Me gusta pintar como canta un pájaro". Boudin, Daubigny, Jongkind, Courbet y Corot se encontraban entre las influencias de Monet y, a menudo, trabajaba de acuerdo con los desarrollos del arte de vanguardia.

En 1877, una serie de pinturas en la estación de St-Lazare mostraban a Monet mirando el humo y el vapor y la forma en que afectaban el color y la visibilidad, siendo a veces opacos y a veces translúcidos. Debía seguir utilizando este estudio en la pintura de los efectos de la niebla y la lluvia en el paisaje. El estudio de los efectos de la atmósfera se convertiría en una serie de pinturas en las que Monet pintó repetidamente el mismo tema (como su serie de nenúfares) con diferentes luces, en diferentes horas del día y a través de los cambios de clima. y temporada Este proceso comenzó en la década de 1880 y continuó hasta el final de su vida en 1926. En su carrera posterior, Monet "trascendió" el estilo impresionista y comenzó a empujar los límites del arte.

Monet en su estudio, c. 1920

Monet refinó su paleta en la década de 1870, minimizando conscientemente el uso de tonos más oscuros y favoreciendo los colores pastel. Esto coincidió con su enfoque más suave, utilizando pinceladas más pequeñas y variadas. Su paleta volvería a sufrir cambios en la década de 1880, con más énfasis que antes en la armonía entre los tonos cálidos y fríos. Tras su operación óptica en 1923, Monet volvió a su estilo de hace una década. Renunció a los colores chillones o la "aplicación tosca" para esquemas de color enfatizados de azul y verde. Mientras sufría de cataratas, sus pinturas eran más amplias y abstractas; desde finales de la década de 1880 en adelante, simplificó sus composiciones y buscó temas que pudieran ofrecer colores y tonos amplios. Usó cada vez más los tonos rojos y amarillos, una tendencia que comenzó después de su viaje a Venecia. Monet a menudo viajaba solo en este momento, desde Francia hasta Normandía y Londres; a Rivera y Rouen, en busca de temas nuevos y más desafiantes.

El cambio de estilo probablemente fue un subproducto del desorden y no una elección intencional. Monet solía trabajar en lienzos grandes debido al deterioro de su vista y en 1920 admitió que se había acostumbrado demasiado a la pintura amplia como para volver a los lienzos pequeños. La influencia de sus cataratas en su producción ha sido tema de discusión entre académicos; Lane et al. (1997) argumenta que la ocurrencia de un deterioro desde finales de la década de 1860 en adelante condujo a una disminución de las líneas nítidas. Los jardines fueron un foco a lo largo de su arte, llegando a ser prominentes en su trabajo posterior, especialmente durante la última década de su vida. Daniel Wildenstein señaló un "sin costuras" continuidad en su pintura que fue "enriquecida por la innovación".

Monet en su estudio, c. 1920

Desde la década de 1880 en adelante, y particularmente en la década de 1890, la serie de pinturas de Monet sobre temas específicos buscaba documentar las diferentes condiciones de luz y clima. A medida que la luz y el clima cambiaron a lo largo del día, cambió de lienzo, a veces trabajando en hasta ocho a la vez, por lo general dedicando una hora a cada uno. En 1895, exhibió 20 pinturas de la catedral de Rouen, mostrando la fachada en diferentes condiciones de luz, clima y atmósfera. Las pinturas no se centran en el gran edificio medieval, sino en el juego de luces y sombras en su superficie, transformando la sólida mampostería. Para esta serie, experimentó con la creación de sus propios marcos.

Su primera serie expuesta fue de pajares, pintados desde diferentes puntos de vista y en diferentes momentos del día. Quince de las pinturas se exhibieron en la Galerie Durand-Ruel en 1891. En 1892 realizó veintiséis vistas de la catedral de Rouen. Entre 1883 y 1908, Monet viajó al Mediterráneo, donde pintó monumentos, paisajes y marinas, incluida una serie de pinturas en Venecia. En Londres pintó cuatro series: Houses of Parliament, London, Charing Cross Bridge, Waterloo Bridge y Views of Westminster Bridge . Helen Gardner escribe:

Monet, con una precisión científica, nos ha dado un registro inigualable e inexcelente del paso del tiempo como se ve en el movimiento de la luz sobre formas idénticas.

• Serie de pinturas
• 

  La Gare Saint-Lazare, 1877, Musée d'Orsay

• 

  Llegada del Tren Normandía, Gare Saint-Lazare, 1877, El Instituto de Arte de Chicago, una parte de Monet Gare Saint-Lazare serie.

• 

  Los acantilados en Etretat, 1885, Clark Institute, Williamstown

• 

  Veleros detrás de la aguja en Etretat, 1885

• 

  Dos pinturas de una serie de granos, 1890-91: Grainstacks in the Sunlight, Morning Effect

• 

  Al final del día, otoño, 1890-1891, Art Institute of Chicago

• 

  Poplars (Autumn), 1891, Philadelphia Museum of Art

• 

  Álamos en el río Epte, 1891 Tate, Londres

• 

  Catedral de Rouen al atardecer, 1893, Musée Marmottan Monet

• 

  Catedral de Rouen, Morning Light, 1894, J. Paul Getty Museum

• 

  El Sena cerca de Giverny, 1897, Museo de Bellas Artes, Boston

• 

  Mañana en el Sena, 1898, Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio

• 

  Charing Cross Bridge, 1899, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

• 

  Charing Cross Bridge, Londres, 1899–1901, Museo de Arte de Saint Louis

• 

  Dos pinturas de una serie de Las Cámaras del Parlamento, Londres, 1900–01, Art Institute of Chicago

• 

  Londres, Cámaras del Parlamento. El Sol brillando a través de la Fog, 1904, Musée d'Orsay

• 

  Gran Canal, Venecia, 1908, Museo de Bellas Artes, Boston

• 

  Gran Canal, Venecia, 1908, Museos de Bellas Artes de San Francisco

• 

  San Giorgio Maggiore en Dusk, 1908, National Museum Cardiff, Gales

• 

  San Giorgio Maggiore, 1908, Indianápolis Museum of Art

Nenúfares

Después de su regreso de Londres, Monet pintó principalmente de la naturaleza, en su propio jardín; sus nenúfares, su estanque y su puente. Del 22 de noviembre al 15 de diciembre de 1900 se celebró otra exposición dedicada a él en la galería Durand-Ruel, con una decena de versiones de los Nenúfares expuestas. Esta misma exposición se organizó en febrero de 1901 en la ciudad de Nueva York, donde tuvo un gran éxito.

En 1901, Monet amplió el estanque de su casa comprando un prado situado al otro lado del Ru, el curso de agua local. Luego dividió su tiempo entre el trabajo sobre la naturaleza y el trabajo en su estudio.

Los lienzos dedicados a los nenúfares evolucionaron con los cambios realizados en su jardín. Además, hacia 1905, Monet modifica progresivamente su estética abandonando el perímetro de la masa de agua y modificando por tanto la perspectiva. También cambió la forma y el tamaño de sus lienzos pasando de bastidores rectangulares a bastidores cuadrados y luego circulares.

Estos lienzos se crearon con gran dificultad: Monet dedicó una gran cantidad de tiempo a reelaborarlos para encontrar los efectos y las impresiones perfectos. Cuando los consideró infructuosos, no dudó en destruirlos. Pospuso continuamente la exposición Durand-Ruel hasta que estuvo satisfecho con las obras. Tras varios aplazamientos desde 1906, la exposición titulada Les Nymphéas acabó inaugurándose el 6 de mayo de 1909. Compuesta por cuarenta y ocho pinturas que datan de 1903 a 1908, que representan una serie de paisajes y escenas de nenúfares, esta La exposición fue una vez más un éxito.

• Lirios de agua
• 

  Le Bassin Aux Nymphéas1919. La última serie de pinturas de lirios de agua de Monet se encuentran entre sus obras más conocidas.

• 

  Lirios de agua, 1919, Metropolitan Museum of Art, New York

• 

  Lirios de agua, 1917-1919, Museo de Arte Honolulu

• 

  Lirios de agua, 1920, Galería Nacional, Londres

• 

  Lirios de agua, c. 1915–1926, Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri

• 

  Reflections of Clouds on the Water-Lily Pond, c.1920, Museo de Arte Moderno, Nueva York

Muerte

Monet familia grave en Giverny

Monet murió de cáncer de pulmón el 5 de diciembre de 1926 a la edad de 86 años y está enterrado en el cementerio de la iglesia de Giverny. Monet había insistido en que la ocasión fuera sencilla; así, solo unas cincuenta personas asistieron a la ceremonia. En su funeral, Clemenceau retiró la tela negra que cubría el ataúd y dijo: "¡No hay negro para Monet!". y lo reemplazó con un paño estampado de flores. En el momento de su muerte, Waterlilies estaba "técnicamente sin terminar".

La casa, el jardín y el estanque de nenúfares de Monet fueron legados por Michel a la Academia Francesa de Bellas Artes (parte del Institut de France) en 1966. A través de la Fondation Claude Monet, se abrieron la casa y los jardines. para visitas en 1980, tras la restauración. Además de recuerdos de Monet y otros objetos de su vida, la casa alberga su colección de xilografías japonesas. La casa y el jardín, junto con el Museo del Impresionismo, son las principales atracciones de Giverny, que recibe a turistas de todo el mundo.

Legado

Hablando del cuerpo de trabajo de Monet, Wildenstein dijo que es 'tan extenso que su misma ambición y diversidad desafía nuestra comprensión de su importancia'. Se ha dicho que sus pinturas producidas en Giverny y bajo la influencia de cataratas crean un vínculo entre el impresionismo y el arte del siglo XX y el arte abstracto moderno, respectivamente. Sus trabajos posteriores fueron un "major" inspiración a la abstracción objetiva. Ellsworth Kelly, tras una experiencia formativa en Giverny, rindió homenaje a las obras de Monet creadas allí con Tableau Vert (1952). Monet ha sido llamado un "intermediario" entre la tradición y el modernismo —su obra ha sido examinada en relación con el posmodernismo— y fue una influencia para Bazille, Sisley, Renoir y Pissarro. Monet es ahora el más famoso de los impresionistas; como resultado de sus contribuciones al movimiento, "ejerció una gran influencia en el arte de finales del siglo XIX".

Lirios de agua en exposición en el Musée de l'Orangerie de París

En mayo de 1927, se exhibieron 27 paneles en el Musée de l'Orangerie, luego de largas negociaciones con el gobierno francés. Debido a que sus obras posteriores fueron ignoradas por artistas, historiadores del arte, críticos y público, pocos asistieron a la muestra. En la década de 1950, las últimas obras de Monet fueron "redescubiertas" por los expresionistas abstractos, y los adyacentes como Clement Greenberg, que utilizó lienzos similares y mantuvo un desinterés por el arte contundente e ideológico de la guerra. Un ensayo de 1952 de André Masson ayudó a cambiar la percepción de las pinturas e inspiró la apreciación que comenzó a tomar forma en 1956-1957. Al año siguiente, un incendio en el Museo de Arte Moderno haría arder las pinturas Nenúfares adquiridas por ellos. La naturaleza a gran escala de las pinturas posteriores de Monet resultó ser difícil para algunos museos, lo que provocó que alteraran el encuadre.

En 1978, el jardín de Monet en Giverny, que se había vuelto decrépito durante cincuenta años, fue restaurado y abierto al público. En 2004, London, the Parliament, Effects of Sun in the Fog (Londres, le Parlement, trouée de soleil dans le brouillard; 1904), vendido por 20,1 millones de dólares. En 2006, la revista Proceedings of the Royal Society publicó un artículo que proporciona evidencia de que estos fueron pintados in situ en St Thomas' Hospital sobre el río Támesis. En 1981, Ronald Pickvance señaló que las obras de Monet posteriores a 1880 estaban recibiendo cada vez más atención académica.

Falaises près de Dieppe (Cliffs Near Dieppe) ha sido robado en dos ocasiones: una en 1998 (en la que el conservador del museo fue condenado por el robo y encarcelado por cinco años y dos meses junto con dos cómplices) y más recientemente en agosto de 2007. Fue recuperado en junio de 2008.

Monet's Le Pont du chemin de fer à Argenteuil, una pintura de 1873 de un puente ferroviario que cruza el Sena cerca de París, fue comprada por un postor telefónico anónimo por un récord de $ 41,4 millones en Subasta de Christie's en Nueva York el 6 de mayo de 2008. El récord anterior de su pintura era de 36,5 millones de dólares. Unas semanas más tarde, Le bassin aux nymphéas (de la serie de nenúfares) se vendió en la subasta de Christie's el 24 de junio de 2008 en Londres por 40 921 250 libras esterlinas (80 451 178 dólares), casi el doble del récord del artista.. Esta compra representó uno de los 20 precios más altos pagados por una pintura en ese momento.

En octubre de 2013, las pinturas de Monet, L'Eglise de Vétheuil y Le Bassin aux Nympheas, se convirtieron en objeto de un caso legal en Nueva York. contra Vilma Bautista, que vive en Nueva York y fue ayudante de Imelda Marcos, esposa del dictador Ferdinand Marcos, después de que ella vendiera Le Bassin aux Nympheas por 32 millones de dólares a un comprador suizo. Dichas pinturas de Monet, junto con otras dos, fueron adquiridas por Imelda durante la presidencia de su esposo y presuntamente las compró con fondos de la nación. El abogado de Bautista afirmó que el ayudante vendió la pintura para Imelda pero no tuvo la oportunidad de darle el dinero. El gobierno filipino busca la devolución del cuadro. Le Bassin aux Nympheas, también conocido como Pasarela japonesa sobre el estanque de nenúfares en Giverny, forma parte de la famosa serie Nenúfares de Monet.

Saqueo nazi

Bajo el régimen nazi, tanto en Alemania desde 1933 como en los países ocupados por Alemania hasta 1945, los coleccionistas de arte judíos de Monet fueron saqueados por los nazis y sus agentes. Varias de las obras de arte sustraídas han sido restituidas a sus antiguos propietarios, mientras que otras han sido objeto de procesos judiciales. En 2014, durante el espectacular descubrimiento de un tesoro oculto de arte en Múnich, se encontró un Monet que había pertenecido a un magnate minorista judío en la maleta de Cornelius Gurlitt, el hijo de uno de los marchantes de arte oficiales de Hitler. arte, Hildebrand Gurlitt.

Los ejemplos de obras de Monet saqueadas por los nazis incluyen:

• La Seine à Asnières/Les Péniches sur la Seine, anteriormente propiedad de la Sra. Fernand Halphen, tomada por agentes de la Embajada de Alemania en París el 10 de julio de 1940.
• Le Repos Dans Le Jardin Argenteuil, anteriormente propiedad de Henry y Maria Newman, robado de una bóveda del banco de Berlín, asentamiento con el Metropolitan Museum of Art.
• Nymphéas, robado por nazis en 1940 de Paul Rosenberg.
• Au Parc Monceau, anteriormente propiedad de Ludwig Kainer, cuya vasta colección fue saqueada por los nazis.
• Haystacks en Giverny Perteneció a René Gimpel, un comerciante de arte judío francés asesinado en un campo de concentración nazi.