Claude Debussy

Debussy en 1908

(Achille) Claude Debussy (francés: [aʃil klod dəbysi]; 22 de agosto de 1862 - 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés. A veces se le considera el primer compositor impresionista, aunque rechazó enérgicamente el término. Fue uno de los compositores más influyentes de finales del siglo XIX y principios del XX.

Nacido en una familia de recursos modestos y poca participación cultural, Debussy mostró suficiente talento musical para ser admitido a la edad de diez años en la principal escuela de música de Francia, el Conservatorio de París. Originalmente estudió piano, pero encontró su vocación en la composición innovadora, a pesar de la desaprobación de los profesores conservadores del Conservatorio. Le tomó muchos años desarrollar su estilo maduro, y tenía cerca de 40 años cuando alcanzó la fama internacional en 1902 con la única ópera que completó, Pelléas et Mélisande.

Las obras orquestales de Debussy incluyen Prélude à l'après-midi d'un faune (1894), Nocturnes (1897–1899) e Imágenes (1905-1912). Su música fue en gran medida una reacción contra Wagner y la tradición musical alemana. Consideró la sinfonía clásica como obsoleta y buscó una alternativa en sus "bocetos sinfónicos", La mer (1903-1905). Sus obras para piano incluyen conjuntos de 24 Préludes y 12 Études. A lo largo de su carrera escribió melodías basadas en una amplia variedad de poesía, incluida la suya. Fue muy influenciado por el movimiento poético simbolista de finales del siglo XIX. Un pequeño número de obras, incluyendo la temprana La Damoiselle élue y la tardía Le Martyre de saint Sébastien tienen partes importantes para coro. En sus últimos años, se centró en la música de cámara, completando tres de las seis sonatas planeadas para diferentes combinaciones de instrumentos.

Con influencias tempranas que incluyen música rusa y del Lejano Oriente, Debussy desarrolló su propio estilo de armonía y colorido orquestal, ridiculizado y resistido sin éxito por gran parte del establecimiento musical de la época. Sus obras han influido fuertemente en una amplia gama de compositores, incluidos Béla Bartók, Olivier Messiaen, George Benjamin y el pianista y compositor de jazz Bill Evans. Debussy murió de cáncer en su casa de París a la edad de 55 años después de una carrera como compositor de poco más de 30 años.

Vida y carrera

Rue au Pain, Saint-Germain-en-Laye, calle del lugar de nacimiento de Debussy

Primeros años

Debussy nació el 22 de agosto de 1862 en Saint-Germain-en-Laye, Seine-et-Oise, en la periferia noroeste de París. Era el mayor de los cinco hijos de Manuel-Achille Debussy y su esposa, Victorine, née Manoury. Debussy padre tenía una tienda de porcelana y su esposa era costurera. La tienda no tuvo éxito y cerró en 1864; la familia se mudó a París, primero viviendo con la madre de Victorine, en Clichy, y, a partir de 1868, en su propio apartamento en la Rue Saint-Honoré. Manuel trabajaba en una imprenta.

En 1870, para escapar del asedio de París durante la guerra franco-prusiana, la madre embarazada de Debussy lo llevó a él y a su hermana Adèle a la casa de su tía paterna en Cannes, donde permanecieron hasta el siguiente año. Durante su estancia en Cannes, Debussy, de siete años, recibió sus primeras lecciones de piano; su tía pagó para que estudiara con un músico italiano, Jean Cerutti. Manuel Debussy permaneció en París y se unió a las fuerzas de la Comuna; después de su derrota por las tropas del gobierno francés en 1871 fue condenado a cuatro años' prisión, de la que sólo cumplió un año. Sus compañeros de prisión de Communard incluían a su amigo Charles de Sivry, un músico. La madre de Sivry, Antoinette Mauté de Fleurville, daba lecciones de piano y, a instancias suyas, el joven Debussy se convirtió en uno de sus alumnos.

El talento de Debussy pronto se hizo evidente y en 1872, a los diez años, fue admitido en el Conservatorio de París, donde permaneció como estudiante durante los siguientes once años. Ingresó primero a la clase de piano de Antoine François Marmontel, y estudió solfeo con Albert Lavignac y, más tarde, composición con Ernest Guiraud, armonía con Émile Durand y órgano con César Franck. El curso incluía estudios de historia y teoría de la música con Louis-Albert Bourgault-Ducoudray, pero no es seguro que Debussy, que solía faltar a clases, realmente asistiera a estos.

En el Conservatorio, Debussy inicialmente hizo un buen progreso. Marmontel dijo de él "Un niño encantador, un temperamento verdaderamente artístico; se puede esperar mucho de el". Otro maestro quedó menos impresionado: Émile Durand escribió en un informe: "Debussy sería un alumno excelente si fuera menos incompleto y menos arrogante". Un año más tarde describió a Debussy como 'desesperadamente descuidado'. En julio de 1874, Debussy recibió el premio deuxième accessit por su actuación como solista en el primer movimiento del Segundo Concierto para piano de Chopin en el concurso anual del Conservatorio. Era un buen pianista y un destacado lector a primera vista, que podría haber tenido una carrera profesional si lo hubiera deseado, pero solo fue intermitentemente diligente en sus estudios. Avanzó al premier accessit en 1875 y al segundo premio en 1877, pero fracasó en los concursos de 1878 y 1879. Estos fracasos lo hicieron inelegible para continuar en las clases de piano del Conservatorio, pero permaneció estudiante de armonía, solfeo y, más tarde, composición.

Con la ayuda de Marmontel, Debussy consiguió un trabajo de vacaciones de verano en 1879 como pianista residente en el Château de Chenonceau, donde rápidamente adquirió un gusto por el lujo que lo acompañaría toda su vida. Sus primeras composiciones datan de este período, dos composiciones de poemas de Alfred de Musset: "Ballade à la lune" y 'Madrid, princesa de España'. Al año siguiente consiguió un trabajo como pianista en la casa de Nadezhda von Meck, la patrona de Tchaikovsky. Viajó con su familia durante los veranos de 1880 a 1882, alojándose en varios lugares de Francia, Suiza e Italia, así como en su casa de Moscú. Compuso su Trío para piano en sol mayor para el conjunto de von Meck e hizo una transcripción para dúo de piano de tres danzas del El lago de los cisnes de Tchaikovsky.

Premio de Roma

Debussy de Marcel Baschet, 1884

A finales de 1880, Debussy, mientras continuaba sus estudios en el Conservatorio, fue contratado como acompañante de la clase de canto de Marie Moreau-Sainti; asumió este papel durante cuatro años. Entre los miembros de la clase estaba Marie Vasnier; Debussy quedó muy prendado de ella, y ella lo inspiró a componer: escribió 27 canciones dedicadas a ella durante su relación de siete años. Era la esposa de Henri Vasnier, un destacado funcionario y mucho más joven que su marido. Pronto se convirtió en la amante de Debussy y en su musa. No está claro si Vasnier se contentó con tolerar la aventura de su esposa con el joven estudiante o si simplemente no lo sabía, pero él y Debussy se mantuvieron en excelentes términos y siguió alentando al compositor en su carrera.

En el Conservatorio, Debussy incurrió en la desaprobación de la facultad, particularmente de su profesor de composición, Guiraud, por no seguir las reglas ortodoxas de composición que prevalecían en ese momento. Sin embargo, en 1884 Debussy ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Prix de Rome, con su cantata L'enfant prodigue. El Premio trajo consigo una residencia en la Villa Medici, la Academia Francesa en Roma, para continuar los estudios del ganador. Debussy estuvo allí desde enero de 1885 hasta marzo de 1887, con tres o posiblemente cuatro ausencias de varias semanas cuando regresó a Francia, principalmente para ver a Marie Vasnier.

Inicialmente, Debussy encontró la atmósfera artística de Villa Medici sofocante, la compañía grosera, la comida mala y el alojamiento "abominable". Tampoco se deleitaba con la ópera italiana, ya que las óperas de Donizetti y Verdi no le agradaban. Le impresionó mucho más la música de los compositores del siglo XVI Palestrina y Lassus, que escuchó en Santa Maria dell'Anima: "La única música de iglesia que aceptaré". A menudo estaba deprimido y no podía componer, pero se inspiró en Franz Liszt, quien visitaba a los estudiantes y tocaba para ellos. En junio de 1885, Debussy escribió sobre su deseo de seguir su propio camino, diciendo: "Estoy seguro de que el Instituto no lo aprobaría, porque, naturalmente, considera el camino que ordena como el único correcto". ¡Pero no hay ayuda para eso! ¡Estoy demasiado enamorado de mi libertad, demasiado aficionado a mis propias ideas!

Debussy finalmente compuso cuatro piezas que fueron enviadas a la Academia: la oda sinfónica Zuleima (basada en un texto de Heinrich Heine); la pieza orquestal Printemps; la cantata La Damoiselle élue (1887-1888), la primera pieza en la que comienzan a emerger los rasgos estilísticos de su música posterior; y la Fantasía para piano y orquesta, que se basó en gran medida en la música de Franck y que finalmente fue retirada por Debussy. La Academia lo reprendió por escribir música que era "extraña, incomprensible e imposible de interpretar". Aunque las obras de Debussy mostraban la influencia de Jules Massenet, este último concluyó: "Es un enigma". Durante sus años en Roma, Debussy compuso, no para la Academia, la mayor parte de su ciclo de Verlaine, Ariettes oubliées, que tuvo poco impacto en ese momento pero se volvió a publicar con éxito en 1903 después de que el compositor se hiciera famoso.

Regreso a París, 1887

Una semana después de su regreso a París en 1887, Debussy escuchó el primer acto de Tristán e Isolda de Wagner en los Conciertos Lamoureux, y lo consideró "decididamente lo mejor". Lo sé. En 1888 y 1889 asistió a los festivales anuales de óperas de Wagner en Bayreuth. Respondió positivamente a la sensualidad, el dominio de la forma y las sorprendentes armonías de Wagner, y fue brevemente influenciado por ellos, pero, a diferencia de otros compositores franceses de su generación, concluyó que no había futuro en intentar adoptar y desarrollar El estilo de Wagner. Comentó en 1903 que Wagner era "un hermoso atardecer que fue confundido con un amanecer".

orquesta de Gamelan, alrededor de 1889

En 1889, en la Exposición Universal de París, Debussy escuchó por primera vez música gamelán javanesa. Le atraían las escalas, las melodías, los ritmos y las texturas del conjunto del gamelán, y sus ecos se escuchan en "Pagodes" en su suite para piano Estampes. También asistió a dos conciertos de música de Rimsky-Korsakov, dirigidos por el compositor. Esto también le impresionó, y su libertad armónica y colores de tono no teutónicos influyeron en su propio estilo musical en desarrollo.

Marie Vasnier terminó su relación con Debussy poco después de su regreso definitivo de Roma, aunque permanecieron en buenos términos para que él le dedicara una canción más, 'Mandoline', en 1890. Más tarde, en 1890 Debussy conoció a Erik Satie, quien demostró ser un alma gemela en su enfoque experimental de la composición. Ambos eran bohemios, disfrutaban de la misma sociedad de cafeterías y luchaban por sobrevivir económicamente. En el mismo año Debussy inició una relación con Gabrielle (Gaby) Dupont, hija de un sastre de Lisieux; en julio de 1893 comenzaron a vivir juntos.

Debussy continuó componiendo canciones, piezas para piano y otras obras, algunas de las cuales se interpretaron públicamente, pero su música solo tuvo un impacto modesto, aunque sus compañeros compositores reconocieron su potencial al elegirlo para el comité de la Société Nationale de Musique. en 1893. Su cuarteto de cuerdas fue estrenado por el cuarteto de cuerdas Ysaÿe en la Société Nationale ese mismo año. En mayo de 1893, Debussy asistió a un evento teatral que fue de vital importancia para su carrera posterior: el estreno de la obra de Maurice Maeterlinck Pelléas et Mélisande, que inmediatamente decidió convertir en ópera. Viajó a la casa de Maeterlinck en Gante en noviembre para obtener su consentimiento para una adaptación operística.

1894-1902: Pelléas y Mélisande

Lilly Debussy en 1902

En febrero de 1894, Debussy completó el primer borrador del Acto I de su versión operística de Pelléas et Mélisande, y durante la mayor parte del año trabajó para completar la obra. Mientras aún vivía con Dupont, tuvo una aventura con la cantante Thérèse Roger, y en 1894 anunció su compromiso. Su comportamiento fue ampliamente condenado; circularon cartas anónimas denunciando su trato hacia ambas mujeres, así como su irresponsabilidad financiera y sus deudas. El compromiso se rompió y varios de los amigos y partidarios de Debussy lo repudiaron, incluido Ernest Chausson, hasta ahora uno de sus más firmes seguidores.

En términos de reconocimiento musical, Debussy dio un paso adelante en diciembre de 1894, cuando el poema sinfónico Prélude à l'après-midi d'un faune, basado en Stéphane Mallarmé&# 39;s poema, fue estrenado en un concierto de la Société Nationale. Al año siguiente completó el primer borrador de Pelléas y comenzó las gestiones para su puesta en escena. En mayo de 1898 hizo sus primeros contactos con André Messager y Albert Carré, respectivamente director musical y director general de la Opéra-Comique de París, para presentar la ópera.

Poster de Georges Rochegrosse para el estreno de Pelléas et Mélisande (1902).

Debussy abandonó a Dupont por su amiga Marie-Rosalie Texier, conocida como 'Lilly', con quien se casó en octubre de 1899, tras amenazar con suicidarse si ella lo rechazaba. Era cariñosa, práctica, directa y muy querida por los amigos y socios de Debussy, pero sus limitaciones intelectuales y su falta de sensibilidad musical lo irritaban cada vez más. El matrimonio duró apenas cinco años.

Desde alrededor de 1900, la música de Debussy se convirtió en el foco y la inspiración de un grupo informal de jóvenes artistas, poetas, críticos y músicos innovadores que comenzaron a reunirse en París. Se llamaban a sí mismos Les Apaches, más o menos "The Hooligans" – para representar su condición de "marginados artísticos" La membresía fue fluida, pero en varios momentos incluyeron a Maurice Ravel, Ricardo Viñes, Igor Stravinsky y Manuel de Falla. Ese mismo año se estrenaron los dos primeros de los tres Nocturnos orquestales de Debussy. Aunque no tuvieron un gran impacto entre el público, fueron bien criticados por músicos como Paul Dukas, Alfred Bruneau y Pierre de Bréville. El juego completo se entregó al año siguiente.

Como muchos otros compositores de la época, Debussy complementó sus ingresos enseñando y escribiendo. Durante la mayor parte de 1901 tuvo una actividad secundaria como crítico musical de La Revue Blanche, adoptando el seudónimo de "Monsieur Croche". Expresó opiniones mordaces sobre los compositores ("Odio el sentimentalismo, su nombre es Camille Saint-Saëns"), las instituciones (sobre la Ópera de París: "Un extraño la tomaría por una estación de tren y, una vez dentro, lo confundiría con un baño turco"), directores ("Nikisch es un virtuoso único, tanto que su virtuosismo parece hacerle olvidar las pretensiones del buen gusto"), política musical ("¡Los ingleses realmente piensan que un músico puede dirigir un teatro de ópera con éxito!"), y audiencias ("su expresión casi drogada de aburrimiento, indiferencia e incluso estupidez"). Más tarde recogió sus críticas con vistas a su publicación en forma de libro; se publicó después de su muerte como Monsieur Croche, Antidilettante.

En enero de 1902 comenzaron los ensayos en la Opéra-Comique para el estreno de Pelléas et Mélisande. Durante tres meses, Debussy asistió a los ensayos prácticamente todos los días. En febrero hubo conflicto entre Maeterlinck por un lado y Debussy, Messager y Carré por el otro sobre el casting de Mélisande. Maeterlinck quería que su amante, Georgette Leblanc, cantara el papel, y se indignó cuando la pasaron por alto a favor de la soprano escocesa Mary Garden. La ópera se inauguró el 30 de abril de 1902 y, aunque el público de la primera noche se dividió entre admiradores y escépticos, la obra se convirtió rápidamente en un éxito. Hizo de Debussy un nombre muy conocido en Francia y en el extranjero; The Times comentó que la ópera había "provocado más discusión que cualquier obra de los tiempos modernos, excepto, por supuesto, las de Richard Strauss". Los Apaches, encabezados por Ravel (quien asistió a cada una de las 14 funciones en la primera carrera), expresaron su apoyo; la facultad conservadora del Conservatorio trató en vano de impedir que sus estudiantes vieran la ópera. La partitura vocal se publicó a principios de mayo y la partitura orquestal completa en 1904.

1903-1918

Emma Bardac (más tarde Emma Debussy) en 1903

En 1903 hubo un reconocimiento público de la estatura de Debussy cuando fue nombrado Caballero de la Légion d'honneur, pero su posición social sufrió un duro golpe cuando otro giro en su vida privada provocó un escándalo. año siguiente. Entre sus alumnos estaba Raoul Bardac, hijo de Emma, la esposa de un banquero parisino, Sigismond Bardac. Raoul le presentó a su maestro a su madre, por quien Debussy rápidamente se sintió muy atraído. Era sofisticada, brillante conversadora, consumada cantante y relajada en cuanto a la fidelidad conyugal, habiendo sido la amante y musa de Gabriel Fauré unos años antes. Después de enviar a Lilly a su casa paterna en Bichain en Villeneuve-la-Guyard el 15 de julio de 1904, Debussy se llevó a Emma, permaneciendo de incógnito en Jersey y luego en Pourville en Normandía. Escribió a su esposa el 11 de agosto desde Dieppe, diciéndole que su matrimonio había terminado, pero sin mencionar a Bardac. Cuando volvió a París se instaló solo, alquilando un piso en otro distrito. El 14 de octubre, cinco días antes de su quinto aniversario de bodas, Lilly Debussy intentó suicidarse disparándose en el pecho con un revólver; ella sobrevivió, aunque la bala permaneció alojada en sus vértebras por el resto de su vida. El escándalo que siguió hizo que la familia de Bardac la repudiara y Debussy perdió muchos buenos amigos, incluidos Dukas y Messager. Sus relaciones con Ravel, nunca estrechas, se exacerbaron cuando este último se sumó a otros antiguos amigos de Debussy para contribuir a un fondo de apoyo a la desierta Lilly.

Los Bardac se divorciaron en mayo de 1905. Encontrando intolerable la hostilidad en París, Debussy y Emma (ahora embarazada) se fueron a Inglaterra. Se alojaron en el Grand Hotel, Eastbourne en julio y agosto, donde Debussy corrigió las pruebas de sus bocetos sinfónicos La mer, celebrando su divorcio el 2 de agosto. Después de una breve visita a Londres, la pareja regresó a París en septiembre y compró una casa en un desarrollo con patio en la Avenue du Bois de Boulogne (ahora Avenue Foch), el hogar de Debussy por el resto de su vida.

La última casa de Debussy, ahora 23 Square de l'Avenue Foch, París

En octubre de 1905, La mer, la obra orquestal más importante de Debussy, fue estrenada en París por la Orchestre Lamoureux bajo la dirección de Camille Chevillard; la recepción fue mixta. Algunos elogiaron la obra, pero Pierre Lalo, crítico de Le Temps, hasta ahora admirador de Debussy, escribió: "No escucho, no veo, no huelo el mar" 34;. En el mismo mes nació en su casa el único hijo del compositor. Claude-Emma, conocida cariñosamente como "Chouchou", fue una inspiración musical para el compositor (fue la dedicatoria de su suite Children's Corner). Sobrevivió a su padre por apenas un año y sucumbió a la epidemia de difteria de 1919. Mary Garden dijo: "Honestamente, no sé si Debussy alguna vez amó a alguien de verdad". Amaba su música, y quizás a sí mismo. Creo que estaba envuelto en su genio, pero los biógrafos están de acuerdo en que, independientemente de sus relaciones con amantes y amigos, Debussy se dedicó a su hija.

Debussy y Emma Bardac finalmente se casaron en 1908, y su problemática unión perduró por el resto de su vida. El año siguiente comenzó bien, cuando por invitación de Fauré, Debussy se convirtió en miembro del consejo de administración del Conservatorio. Su éxito en Londres se consolidó en abril de 1909, cuando dirigió Prélude à l'après-midi d'un faune y los Nocturnos en el Queen'deberá; en mayo estuvo presente en la primera producción londinense de Pelléas et Mélisande, en Covent Garden. Ese mismo año, a Debussy se le diagnosticó cáncer colorrectal, del que moriría nueve años después.

Las obras de Debussy comenzaron a aparecer cada vez más en programas de conciertos en el país y en el extranjero. En 1910, Gustav Mahler dirigió los Nocturnos y Prélude à l'après-midi d'un faune en Nueva York en meses sucesivos. En el mismo año, de visita en Budapest, Debussy comentó que sus obras eran más conocidas allí que en París. En 1912, Sergei Diaghilev encargó una nueva partitura de ballet, Jeux. Esa, y las tres Imágenes, estrenadas al año siguiente, fueron las últimas obras orquestales del compositor. Jeux fue desafortunado en su momento: dos semanas después del estreno, en marzo de 1913, Diaghilev presentó la primera representación de La consagración de la primavera de Stravinsky, un evento sensacional que monopolizó la discusión en los círculos musicales, y efectivamente dejó de lado a Jeux junto con Pénélope de Fauré, que se había estrenado una semana antes.

La tumba de Debussy en el cementerio de Passy en París

En 1915, Debussy se sometió a una de las primeras operaciones de colostomía. Logró sólo un respiro temporal y le ocasionó una frustración considerable ("Hay mañanas en que el esfuerzo de vestirse parece uno de los doce trabajos de Hércules"). También tenía un enemigo feroz en este período en la forma de Camille Saint-Saëns, quien en una carta a Fauré condenó En blanc et noir de Debussy: "It' Es increíble, y la puerta del Institut [de France] debe cerrarse a toda costa contra un hombre capaz de tales atrocidades". Saint-Saëns había sido miembro del Institut desde 1881: Debussy nunca llegó a serlo. Su salud siguió empeorando; dio su concierto final (el estreno de su Sonata para violín) el 14 de septiembre de 1917 y quedó postrado en cama a principios de 1918.

Debussy murió el 25 de marzo de 1918 en su casa. La Primera Guerra Mundial todavía estaba en su apogeo y París estaba bajo el bombardeo aéreo y de artillería alemán. La situación militar no permitía el honor de un funeral público con oraciones ceremoniosas junto a la tumba. La procesión fúnebre avanzó por calles desiertas hasta una tumba temporal en el cementerio Père Lachaise mientras los cañones alemanes bombardeaban la ciudad. El cuerpo de Debussy fue enterrado de nuevo al año siguiente en el pequeño cementerio de Passy secuestrado detrás del Trocadéro, cumpliendo su deseo de descansar "entre los árboles y los pájaros"; su esposa e hija están enterradas con él.

Obras

En un estudio de la obra de Debussy poco después de la muerte del compositor, el crítico Ernest Newman escribió: "No sería exagerado decir que Debussy pasó un tercio de su vida en el descubrimiento de sí mismo, un tercero en la libre y feliz realización de sí mismo, y el último tercio en la pérdida parcial y dolorosa de sí mismo". Los comentaristas posteriores han calificado algunas de las últimas obras mejor que Newman y otros contemporáneos, pero gran parte de la música por la que Debussy es más conocido es de los años intermedios de su carrera.

El analista David Cox escribió en 1974 que Debussy, admirando los intentos de Wagner de combinar todas las artes creativas, "creó un mundo musical nuevo, instintivo y onírico, lírico y panteísta, contemplativo y objetivo". un tipo de arte, de hecho, que parecía abarcar todos los aspectos de la experiencia". En 1988, el compositor y erudito Wilfrid Mellers escribió sobre Debussy:

Debido a, más que a pesar de, su preocupación con acordes en sí mismos, él despojó la música del sentido de la progresión armónica, rompió el dominio de tres siglos de tonalidad armónica, y mostró cómo las concepciones melódicas de la tonalidad típica de la música folclórica primitiva y de la música medieval podrían ser relevantes para el siglo XX"

Debussy no dio números de opus a sus obras, aparte de su String Quartet, op. 10 en sol menor (también la única obra donde el título del compositor incluía una clave). Sus obras fueron catalogadas e indexadas por el musicólogo François Lesure en 1977 (revisadas en 2003) y su número Lesure ("L" seguido de un número) se usa a veces como sufijo de su título en programas de conciertos y grabaciones..

Primeros trabajos, 1879–1892

Clair de Lune (5:04)

Compuesto en 1890, realizado por Laurens Goedhart en 2011

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Première Arabesque (4:53)

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Deuxième Arabesque (4:00)

Ambos arabescos realizados en 2016 por Patrizia Prati

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El desarrollo musical de Debussy fue lento y, como estudiante, era lo suficientemente hábil como para producir para sus profesores en el Conservatorio obras que se ajustaban a sus preceptos conservadores. Su amigo Georges Jean-Aubry comentó que Debussy "admiraba admirablemente los giros melódicos de Massenet" en la cantata L'enfant prodigue (1884) que le valió el Premio de Roma. Una obra más característica de Debussian de sus primeros años es La Damoiselle élue, que reformula la forma tradicional de oratorios y cantatas, utilizando una orquesta de cámara y un pequeño cuerpo de tonos corales y utilizando escalas y armonías Sus primeras melodías, inspiradas en Marie Vasnier, tienen un carácter más virtuoso que sus obras posteriores del género, con una extensa vocalización sin palabras; a partir de las Ariettes oubliées (1885–1887) desarrolló un estilo más sobrio. Escribió sus propios poemas para las Proses lyriques (1892–1893) pero, en opinión del erudito musical Robert Orledge, "su talento literario no estaba a la altura de su imaginación musical" 34;.

El musicólogo Jacques-Gabriel Prodöhomme escribió que, junto con La Demoiselle élue, las Ariettes oubliées y las Cinq poèmes de Charles Baudelaire< /i> (1889) muestran "el nuevo y extraño camino que seguirá el joven músico de ahora en adelante". Newman estuvo de acuerdo: "Hay mucho de Wagner, especialmente de Tristan, en el idioma. Pero la obra en su conjunto es distintiva, y la primera en la que se insinúa el Debussy que conoceríamos más tarde: el amante de los contornos vagos, de las medias luces, de las misteriosas consonancias y disonancias del color, el apóstol de la languidez., el exclusivista en pensamiento y en estilo." Durante los años siguientes Debussy desarrolló su estilo personal, sin, en esta etapa, romper bruscamente con las tradiciones musicales francesas. Gran parte de su música de este período es de pequeña escala, como Two Arabesques, Valse romantique, Suite bergamasque y el primer set de Fêtes galantes. Newman comentó que, al igual que Chopin, el Debussy de este período aparece como un liberador de los estilos germánicos de composición, ofreciendo en cambio "un estilo exquisito y diáfano" capaz de transmitir "no solo alegría y extravagancia, sino también emociones de un tipo más profundo". En un estudio de 2004, Mark DeVoto comenta que las primeras obras de Debussy no son armónicamente más aventureras que la música existente de Fauré; en un libro de 2007 sobre las obras para piano, Margery Halford observa que Two Arabesques (1888–1891) y "Rêverie" (1890) tienen "la fluidez y calidez del estilo posterior de Debussy" pero no son armónicamente innovadores. Halford cita el popular "Clair de Lune" (1890), el tercero de los cuatro movimientos de la Suite Bergamasque, como obra de transición que apunta hacia el estilo maduro del compositor.

Obras medias, 1893-1905

Ilustración de L'après-midi d'un faune, 1910

Músicos desde la época de Debussy en adelante han considerado Prélude à l'après-midi d'un faune (1894) como su primera obra maestra orquestal. Newman lo consideró "completamente original en la idea, absolutamente personal en el estilo, y lógico y coherente de principio a fin, sin una barra superflua o incluso una nota superflua"; Pierre Boulez observó: "La música moderna fue despertada por Prélude à l'après-midi d'un faune". La mayoría de las obras principales por las que Debussy es más conocido se escribieron entre mediados de la década de 1890 y mediados de la década de 1900. Incluyen el Cuarteto de Cuerdas (1893), Pelléas et Mélisande (1893–1902), los Nocturnos para Orquesta (1899) y La mer (1903-1905). La suite Pour le piano (1894–1901) es, en opinión de Halford, uno de los primeros ejemplos del Debussy maduro como compositor para piano: "un hito importante... y una ampliación del uso de sonoridades de piano".

En el Cuarteto de cuerdas (1893), las sonoridades del gamelán que Debussy había escuchado cuatro años antes se recuerdan en los pizzicatos y ritmos cruzados del scherzo. El biógrafo de Debussy, Edward Lockspeiser, comenta que este movimiento muestra el rechazo del compositor a "la máxima tradicional de que los instrumentos de cuerda deberían ser predominantemente líricos". La obra influyó en Ravel, cuyo Cuarteto de Cuerdas, escrito diez años después, tiene rasgos claramente debussianos. El académico y periodista Stephen Walsh llama a Pelléas et Mélisande (comenzada en 1893, puesta en escena en 1902) "una obra clave para el siglo XX". El compositor Olivier Messiaen quedó fascinado por sus "cualidades armónicas extraordinarias y... textura instrumental transparente". La ópera está compuesta en lo que Alan Blyth describe como un estilo recitativo sostenido y elevado, con "sensual, íntimo" lineas vocales Influyó en compositores tan diferentes como Stravinsky y Puccini.

Orledge describe los Nocturnos como excepcionalmente variados en textura, "desde el inicio musorgskiano de 'Nuages', pasando por la procesión de bandas de música que se aproxima en ' Fêtes', al coro femenino sin palabras en 'Sirènes'". Orledge considera este último un preeco de las texturas marinas de La mer. Estampes para piano (1903) da impresiones de lugares exóticos, con más ecos del gamelán en sus estructuras pentatónicas. Debussy creía que desde Beethoven, la forma sinfónica tradicional se había vuelto formularia, repetitiva y obsoleta. La sinfonía cíclica en tres partes de César Franck (1888) fue más de su agrado, y su influencia se encuentra en La mer (1905); este utiliza una forma casi sinfónica, sus tres secciones forman un movimiento gigante en forma de sonata con, como observa Orledge, un tema cíclico, a la manera de Franck. El "Jeux de vagues" central tiene la función de una sección de desarrollo sinfónico que conduce al "Dialogue du vent et de la mer" final, "un ensayo poderoso en color orquestal y sonoridad" (Orledge) que reelabora temas del primer movimiento. Las críticas estuvieron muy divididas. Algunos críticos consideraron el tratamiento menos sutil y menos misterioso que sus obras anteriores, e incluso un paso atrás; otros elogiaron su "poder y encanto", su "brío extraordinario y fantasía brillante" y sus colores fuertes y líneas definidas.

Obras tardías, 1906-1917

De las obras orquestales posteriores, Images (1905–1912) es más conocida que Jeux (1913). El primero sigue la forma tripartita establecida en los Nocturnos y La mer, pero difiere en el empleo de melodías populares tradicionales británicas y francesas, y en hacer que el movimiento central, " Ibéria", mucho más larga que las exteriores, y subdividiéndola en tres partes, todas ellas inspiradas en escenas de la vida española. Aunque considera a Images "el pináculo del logro de Debussy como compositor para orquesta", Trezise señala una opinión contraria de que el galardón pertenece a la partitura de ballet Jeux< /i>. Este último fracasó como ballet debido a lo que Jann Pasler describe como un escenario banal, y la partitura se descuidó durante algunos años. Los analistas recientes han encontrado que es un vínculo entre la continuidad tradicional y el crecimiento temático dentro de una partitura y el deseo de crear discontinuidad de una manera reflejada en la música de finales del siglo XX. En esta pieza, Debussy abandonó la escala de tonos enteros que a menudo había favorecido anteriormente en favor de la escala octatónica con lo que el estudioso de Debussy François Lesure describe como sus ambigüedades tonales.

Piezas del primer libro Préludes (1909-1910)

La fille aux cheveux de lin

Interpretado por Mike Ambrose

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La cathédrale engloutie

Interpretado por Ivan Ilic

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Entre las últimas obras para piano se encuentran dos libros de Préludes (1909–10, 1911–13), piezas cortas que representan una amplia gama de temas. Lesure comenta que van desde las travesuras de los juglares en Eastbourne en 1905 y el acróbata estadounidense "General Lavine" "a las hojas muertas y los sonidos y olores del aire de la tarde". En blanc et noir (En blanco y negro, 1915), una obra en tres movimientos para dos pianos, es una pieza predominantemente sombría, que refleja la guerra y el peligro nacional. Los Études (1915) para piano han dividido la opinión. Escribiendo poco después de la muerte de Debussy, Newman los encontró laboriosos: 'un extraño último capítulo en la vida de un gran artista'; Lesure, escribiendo ochenta años después, las clasifica entre las obras tardías más grandes de Debussy: "Detrás de un exterior pedagógico, estas 12 piezas exploran intervalos abstractos o, en los últimos cinco, las sonoridades y timbres propios del piano.." En 1914, Debussy comenzó a trabajar en un conjunto planificado de seis sonatas para varios instrumentos. Su enfermedad fatal le impidió completar el conjunto, pero los de violonchelo y piano (1915), flauta, viola y arpa (1915) y violín y piano (1917, su última obra completa) son piezas concisas de tres movimientos. de naturaleza más diatónica que algunas de sus otras obras tardías.

Le Martyre de saint Sébastien (1911), originalmente una obra musical en cinco actos con texto de Gabriele D'Annunzio que tardó casi cinco horas en interpretarse, no fue un éxito y la música ahora se escucha más a menudo en una adaptación de concierto (o estudio) con narrador, o como una suite orquestal de 'Fragments symphoniques'. Debussy contó con la ayuda de André Caplet para orquestar y arreglar la partitura. Dos obras tardías, los ballets Khamma (1912) y La boîte à joujoux (1913), quedaron con la orquestación incompleta, y fueron completadas por Charles Koechlin y Caplet, respectivamente.

Estilo

Debussy y el impresionismo

Monet's Impresión, levante soleil (1872), de la que el "impresionismo" toma su nombre

La aplicación del término "Impresionista" a Debussy y la música en la que influyó ha sido muy debatido, tanto durante su vida como desde entonces. El analista Richard Langham Smith escribe que impresionismo fue originalmente un término acuñado para describir un estilo de pintura francesa de finales del siglo XIX, típicamente escenas inundadas de luz reflejada en las que el énfasis está en la impresión general en lugar del contorno o la claridad de los detalles, como en obras de Monet, Pissarro, Renoir y otros. Langham Smith escribe que el término se transfirió a las composiciones de Debussy y otros que estaban "preocupados por la representación de paisajes o fenómenos naturales, en particular las imágenes de agua y luz apreciadas por los impresionistas, a través de texturas sutiles impregnadas de color instrumental".;.

Entre los pintores, Debussy admiraba particularmente a Turner, pero también se inspiró en Whistler. Con esto último en mente, el compositor escribió al violinista Eugène Ysaÿe en 1894 describiendo los Nocturnos orquestales como "un experimento en las diferentes combinaciones que se pueden obtener de un color, qué estudio en gris estaría en la pintura."

Debussy se opuso enérgicamente al uso de la palabra "impresionismo" por su música (o la de cualquier otra persona), pero se le ha apegado continuamente desde que los asesores del Conservatorio la aplicaron por primera vez, de manera oprobiosa, a su obra temprana Printemps. Langham Smith comenta que Debussy escribió muchas piezas para piano con títulos evocadores de la naturaleza: "Reflets dans l'eau" (1905), "Les Sons et les parfums tournent dans l'air du soir" (1910) y "Brouillards" (1913) – y sugiere que los pintores impresionistas' el uso de pinceladas y puntos tiene un paralelo en la música de Debussy. Aunque Debussy dijo que cualquiera que usara el término (ya sea sobre pintura o música) era un imbécil, algunos estudiosos de Debussy han adoptado una línea menos absolutista. Lockspeiser llama a La mer "el mayor ejemplo de una obra impresionista orquestal", y más recientemente en The Cambridge Companion to Debussy Nigel Simeone comenta: "No parece excesivamente descabellado ver un paralelo en los paisajes marinos de Monet".

En este contexto se puede colocar el elogio panteísta de Debussy a la Naturaleza, en una entrevista de 1911 con Henry Malherbe:

He hecho de la naturaleza misteriosa mi religión... Cuando miro un cielo de puesta de sol y paso horas contemplando su maravillosa belleza siempre cambiante, una emoción extraordinaria me abruma. La naturaleza en toda su inmensidad se refleja sinceramente en mi alma sincera pero débil. A mi alrededor están los árboles que extienden sus ramas a los cielos, las flores perfumadas que alegran el prado, la suave tierra de la hierba,... y mis manos inconscientemente asumen una actitud de adoración.

En contraste con el "impresionista" caracterización de la música de Debussy, varios escritores han sugerido que estructuró al menos parte de su música en líneas matemáticas rigurosas. En 1983, el pianista y erudito Roy Howat publicó un libro en el que afirmaba que algunas de las obras de Debussy están proporcionadas mediante modelos matemáticos, incluso cuando se utiliza una estructura aparentemente clásica, como la forma de sonata. Howat sugiere que algunas de las piezas de Debussy se pueden dividir en secciones que reflejan la proporción áurea, que se aproxima mediante proporciones de números consecutivos en la secuencia de Fibonacci. Simon Trezise, en su libro de 1994 Debussy: La Mer, considera que la evidencia intrínseca es "notable", con la advertencia de que ninguna evidencia escrita o reportada sugiere que Debussy buscó deliberadamente tales proporciones. Lesure tiene un punto de vista similar, respaldando las conclusiones de Howat sin tener una opinión sobre las intenciones conscientes de Debussy.

Idioma musical

Secuencias de acordes improvisadas interpretadas por Debussy para Guiraud

Debussy escribió "Debemos estar de acuerdo en que la belleza de una obra de arte siempre será un misterio [...] nunca podemos estar absolutamente seguros de 'cómo está hecha'.' 39; Debemos preservar a toda costa esta magia que es propia de la música y para la cual la música, por su naturaleza, es la más receptiva de todas las artes."

Sin embargo, hay muchos indicadores de las fuentes y elementos del idioma de Debussy. Escribiendo en 1958, el crítico Rudolph Reti resumió seis características de la música de Debussy, que afirmó "establecieron un nuevo concepto de tonalidad en la música europea": el uso frecuente de puntos de pedal largos - ";no simplemente pedales de bajo en el sentido real del término, sino 'pedales' en cualquier voz"; pasajes brillantes y telarañas de figuraciones que distraen de la ausencia ocasional de tonalidad; uso frecuente de acordes paralelos que "en esencia no son armonías en absoluto, sino más bien 'melodías de acordes', unísonos enriquecidos", descritos por algunos escritores como armonías no funcionales; bitonalidad, o al menos acordes bitonales; uso de las escalas de tonos enteros y pentatónicas; y modulaciones no preparadas, "sin ningún puente armónico". Reti concluye que el logro de Debussy fue la síntesis de la "tonalidad melódica" con armonías, aunque diferentes a las de "tonalidad armónica".

En 1889, Debussy mantuvo conversaciones con su antiguo maestro Guiraud, que incluyeron la exploración de las posibilidades armónicas en el piano. La discusión y las improvisaciones del teclado de acordes de Debussy fueron anotadas por un alumno más joven de Guiraud, Maurice Emmanuel. Las secuencias de acordes tocadas por Debussy incluyen algunos de los elementos identificados por Reti. También pueden indicar la influencia en Debussy de Trois Sarabandes de 1887 de Satie. Otra improvisación de Debussy durante esta conversación incluyó una secuencia de armonías de tonos completos que pueden haber sido inspiradas por la música de Glinka o Rimsky-Korsakov que se estaba dando a conocer en París en ese momento. Durante la conversación, Debussy le dijo a Guiraud: “No hay teoría. Sólo tienes que escuchar. ¡El placer es la ley!" – aunque también admitió, "me siento libre porque he pasado por el molino, y no escribo en estilo fugaz porque lo sé".

Influencias

Musicales

Entre los predecesores franceses, Chabrier fue una influencia importante en Debussy (como lo fue en Ravel y Poulenc); Howat ha escrito que la música para piano de Chabrier, como "Sous-bois" y "Mauresco" en las Pièces pittoresques exploró nuevos mundos sonoros de los que Debussy hizo un uso efectivo 30 años después. Lesure encuentra rastros de Gounod y Massenet en algunas de las primeras canciones de Debussy, y comenta que puede haber sido de los rusos (Tchaikovsky, Balakirev, Rimsky-Korsakov, Borodin y Mussorgsky) que Debussy adquirió su gusto por "modos antiguos y orientales y por las coloraciones vivas, y cierto desdén por las reglas académicas". Lesure también considera que la ópera Boris Godunov de Mussorgsky influyó directamente en Pelléas et Mélisande de Debussy. En la música de Palestrina, Debussy encontró lo que llamó 'una blancura perfecta', y sintió que aunque las formas musicales de Palestrina tenían una 'manera estricta', eran más para su gusto que las rígidas reglas que prevalecían entre los compositores y maestros franceses del siglo XIX. Se inspiró en lo que llamó la "armonía creada por la melodía" de Palestrina, encontrando una cualidad parecida a un arabesco en las líneas melódicas.

Debussy opinó que Chopin era "el más grande de todos, porque a través del piano lo descubrió todo"; profesó su "respetuoso agradecimiento" para la música de piano de Chopin. Se debatía entre dedicar sus propios Estudios a Chopin oa François Couperin, a quien también admiraba como modelo de forma, viéndose heredero de su dominio del género. Howat advierte contra la suposición de que la Balada (1891) y el Nocturno (1892) de Debussy están influenciados por Chopin (desde el punto de vista de Howat, se deben más a los primeros modelos rusos de Debussy), pero Chopin' Su influencia se encuentra en otras obras tempranas como los Dos arabescos (1889–1891). En 1914, el editor A. Durand & fils comenzó a publicar nuevas ediciones académicas de las obras de los principales compositores, y Debussy se hizo cargo de la supervisión de la edición de la música de Chopin.

Aunque Debussy no tenía dudas sobre la estatura de Wagner, solo estuvo brevemente influenciado por él en sus composiciones, después de La damoiselle élue y los Cinq poèmes de Baudelaire (ambos iniciados en 1887). Según Pierre Louÿs, Debussy "no vio 'lo que cualquiera puede hacer más allá de Tristán'," aunque admitió que a veces era difícil evitar que 'el fantasma del viejo Klingsor, alias Richard Wagner, apareciera en el recodo de un bar'. Después de la breve fase wagneriana de Debussy, comenzó a interesarse por la música no occidental y sus enfoques desconocidos de la composición. La pieza para piano Golliwogg's Cakewalk, de la suite de 1908 Children's Corner, contiene una parodia de la música de la introducción a Tristan. i>, en el que, en opinión del musicólogo Lawrence Kramer, Debussy escapa a la sombra del compositor mayor y "sonriendo relativiza a Wagner hasta la insignificancia".

Una influencia contemporánea fue Erik Satie, según el "amigo más fiel" de Nichols Debussy; entre los músicos franceses. La orquestación de Debussy en 1896 de las Gymnopédies de Satie (que había sido escrita en 1887) "puso a su compositor en el mapa" según el musicólogo Richard Taruskin, y la Sarabanda de Pour le piano de Debussy (1901) "muestra que [Debussy] conocía los Trois Sarabandes< de Satie. /i> en un momento en que solo un amigo personal del compositor podría haberlos conocido." (No se publicaron hasta 1911). El interés de Debussy por la música popular de su época se evidencia no solo en Golliwogg's Cakewalk y otras piezas para piano con rag-time, como The Little Nigar< /i> (Ortografía de Debussy) (1909), sino por el vals lento La plus que lente (La más que lenta), basado en el estilo de el violinista gitano en un hotel de París (a quien entregó el manuscrito de la pieza).

Además de los compositores que influyeron en sus propias composiciones, Debussy tenía fuertes puntos de vista sobre varios otros. En su mayor parte, estaba entusiasmado con Richard Strauss y Stravinsky, respetaba a Mozart y estaba asombrado de Bach, a quien llamó el "buen Dios de la música" (le Bon Dieu de la musique). Su relación con Beethoven fue compleja; se decía que se refería a él como le vieux sourd ('el viejo sordo') y le pidió a un joven alumno que no tocara la música de Beethoven porque "es como si alguien bailara sobre mi tumba;" pero creía que Beethoven tenía cosas profundas que decir, pero no sabía cómo decirlas, 'porque estaba aprisionado en una red de incesantes reafirmaciones y de agresividad alemana'. No simpatizaba con Schubert, Schumann, Brahms y Mendelssohn, este último descrito como un "notario fácil y elegante".

Con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial, Debussy se volvió apasionadamente patriótico en sus opiniones musicales. Escribiendo a Stravinsky, preguntó '¿Cómo no pudimos haber previsto que estos hombres estaban planeando la destrucción de nuestro arte, tal como habían planeado la destrucción de nuestro país?' En 1915 se quejó de que "desde Rameau no hemos tenido una tradición puramente francesa [...] Tolerábamos orquestas exageradas, formas tortuosas [...] estábamos a punto de dar el sello de aprobación a naturalizaciones aún más sospechosas cuando el sonido de los disparos detuvo repentinamente todo." Taruskin escribe que algunos han visto esto como una referencia a los compositores Gustav Mahler y Arnold Schoenberg, ambos judíos de nacimiento. En 1912, Debussy le había comentado a su editor de la ópera Ariane et Barbe-bleue del compositor (también judío) Paul Dukas: "Tienes razón, es una obra maestra". – pero no es una obra maestra de la música francesa."

Literaria

(feminine)

S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C.

A pesar de su falta de educación formal, Debussy leyó mucho y encontró inspiración en la literatura. Lesure escribe: "El desarrollo del verso libre en la poesía y la desaparición del tema o modelo en la pintura lo influenciaron a pensar en cuestiones de forma musical." Debussy fue influenciado por los poetas simbolistas. Estos escritores, entre los que se encontraban Verlaine, Mallarmé, Maeterlinck y Rimbaud, reaccionaron contra el realismo, el naturalismo, la objetividad y el conservadurismo formal que prevalecían en la década de 1870. Favorecían la poesía usando sugerencias en lugar de declaraciones directas; el erudito literario Chris Baldrick escribe que evocaban "estados de ánimo subjetivos mediante el uso de símbolos privados, evitando la descripción de la realidad externa o la expresión de opiniones". Debussy simpatizaba mucho con los simbolistas. deseo de acercar la poesía a la música, trabó amistad con varios exponentes destacados, y fijó muchas obras simbolistas a lo largo de su carrera.

Las inspiraciones literarias de Debussy eran principalmente francesas, pero no pasó por alto a los escritores extranjeros. Además de Maeterlinck para Pelléas et Mélisande, recurrió a Shakespeare y Dickens para dos de sus Preludios para piano: La Danse de Puck (Libro 1, 1910) y Homenaje a S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C. (Libro 2, 1913). Puso la La bendita doncella de Dante Gabriel Rossetti en su primera cantata, La Damoiselle élue (1888). Escribió música incidental para King Lear y planeó una ópera basada en Como gustéis, pero lo abandonó una vez que centró su atención en ambientar la obra de Maeterlinck. En 1890 comenzó a trabajar en una pieza orquestal inspirada en La caída de la casa de Usher de Edgar Allan Poe y más tarde esbozó el libreto de una ópera, La chute de la maison Usher. . Otro proyecto inspirado en Poe, una versión operística de El diablo en el campanario, no avanzó más allá de los bocetos. Los escritores franceses cuyas palabras fijó incluyen a Paul Bourget, Alfred de Musset, Théodore de Banville, Leconte de Lisle, Théophile Gautier, Paul Verlaine, François Villon y Mallarmé, el último de los cuales también inspiró a Debussy para uno de sus escritos más populares. piezas orquestales, Prélude à l'après-midi d'un faune.

Influencia en compositores posteriores

Debussy con Igor Stravinsky: fotografía de Erik Satie, junio de 1910, tomada en la casa de Debussy en la Avenida de Bois de Boulogne

Debussy es ampliamente considerado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Roger Nichols escribe que "si se omite a Schoenberg [...] una lista de compositores del siglo XX influenciados por Debussy es prácticamente una lista de compositores del siglo XX tout court."

Bartók se encontró por primera vez con la música de Debussy en 1907 y luego dijo que "el gran servicio de Debussy a la música fue despertar entre todos los músicos la conciencia de la armonía y sus posibilidades". No solo el uso de Debussy de escalas de tonos enteros, sino también su estilo de composición de palabras en Pelléas et Mélisande, fueron objeto de estudio de Leoš Janáček mientras escribía su ópera de 1921 < i>Káťa Kabanová. Stravinsky era más ambivalente acerca de la música de Debussy (pensaba que Pelléas "un terrible aburrimiento... a pesar de muchas páginas maravillosas"), pero los dos compositores se conocían y Las Sinfonías de instrumentos de viento de Stravinsky (1920) fueron escritas en memoria de Debussy.

Después de la Primera Guerra Mundial, los jóvenes compositores franceses de Les Six reaccionaron contra lo que consideraban la calidad poética y mística de la música de Debussy en favor de algo más duro. Su simpatizante y autoproclamado portavoz Jean Cocteau escribió en 1918: "Basta de nuages, olas, acuarios, ondinas y perfumes nocturnos," aludiendo deliberadamente a los títulos de piezas de Debussy. Las generaciones posteriores de compositores franceses tuvieron una relación mucho más positiva con su música. Messiaen recibió una partitura de Pelléas et Mélisande cuando era niño y dijo que fue "una revelación, amor a primera vista" y "probablemente la influencia más decisiva a la que he estado sujeto". Boulez también descubrió la música de Debussy a una edad temprana y dijo que le dio su primer sentido de lo que podría significar la modernidad en la música.

Entre los compositores contemporáneos, George Benjamin ha descrito Prélude à l'après-midi d'un faune como "la definición de perfección"; ha dirigido Pelléas et Mélisande y el crítico Rupert Christiansen detecta la influencia de la obra en la ópera de Benjamin Written on Skin (2012). Otros han orquestado algunas de las obras para piano y voz, incluida la versión de John Adams de cuatro de las canciones de Baudelaire (Le Livre de Baudelaire, 1994), la de Robin Holloway de En blanc et noir (2002), y la de Colin Matthews de ambos libros de Préludes (2001–2006).

El pianista Stephen Hough cree que la influencia de Debussy también se extiende al jazz y sugiere que Reflets dans l'eau se pueden escuchar en las armonías de Bill Evans.

Grabaciones

En 1904, Debussy acompañó al piano a Mary Garden en grabaciones para la Compagnie française du Gramophone de cuatro de sus canciones: tres mélodies del ciclo de Verlaine Ariettes oubliées – "Il pleure dans mon coeur", "L'ombre des arbres" y "Verde" – y "Mes longs cheveux", del Acto III de Pelléas et Mélisande. Hizo una serie de rollos de piano para la compañía Welte-Mignon en 1913. Contienen catorce de sus piezas: "D'un cahier d'esquisses", "La plus que lente& #34;, "La soirée dans Grenade", los seis movimientos de Children's Corner y cinco de los Preludios: "Danseuses de Delphes", "Le vent dans la plaine", "La cathédrale engloutie", "La danse de Puck" y "Jugadores". Los conjuntos de 1904 y 1913 se han transferido a disco compacto.

Los contemporáneos de Debussy que grabaron su música incluyeron a los pianistas Ricardo Viñes (en "Poissons d'or" de Images y "La soirée dans Grenade& #34; de Estampes); Alfred Cortot (numerosas piezas solistas, así como la Sonata para violín con Jacques Thibaud y las Chansons de Bilitis con Maggie Teyte); y Marguerite Long ("Jardins sous la pluie" y "Arabesques"). Los cantantes de las melodías de Debussy o extractos de Pelléas et Mélisande incluyeron a Jane Bathori, Claire Croiza, Charles Panzéra y Ninon Vallin; y entre los directores de las principales obras orquestales estaban Ernest Ansermet, Désiré-Émile Inghelbrecht, Pierre Monteux y Arturo Toscanini, y en la Petite Suite, Henri Büsser, que había preparado la orquestación para Debussy. Muchas de estas primeras grabaciones han sido reeditadas en CD.

En tiempos más recientes, la producción de Debussy ha sido ampliamente registrada. En 2018, para conmemorar el centenario de la muerte del compositor, Warner Classics, con contribuciones de otras compañías, publicó un conjunto de 33 CD que supuestamente incluye toda la música que escribió Debussy.

Notas, referencias y fuentes

Notas

1. ^ Debussy fue abordada por varias permutaciones de sus nombres durante el curso de su vida. Su nombre fue registrado oficialmente en el mairie el día de su nacimiento como "Achille Claude". Muchas autoridades hiphenate "Achille-Claude". Como niño pequeño fue dirigido como "Claude"; su certificado bautismal (no fue bautizado hasta julio de 1864) está en el nombre de "Claude-Achille"; como joven fue conocido como "Achille"; al comienzo de su carrera trató de hacer su nombre más impresionante al llamarse "Claude-Achille" (y a veces se hace su apellido "de Bussy"). Se suscribió como "Claude-Achille" entre diciembre de 1889 y 4 de junio de 1892, después de lo cual adoptó permanentemente el "Claude".
2. ^ El lugar de nacimiento de Debussy es ahora un museo dedicado a él. Además de exhibir su vida y trabajo, el edificio contiene un pequeño auditorio en el que se da una temporada anual de conciertos.
3. ^ Biographers of Debussy, incluyendo a Edward Lockspeiser, Stephen Walsh y Eric Frederick Jensen, comentan que aunque Antoinette Mauté de Fleurville era una mujer de algunas afectividades, con la forma asumida de una gran dama, era una buena maestra. Ella afirmó haber estudiado con Chopin, y aunque muchos de los biógrafos de Debussy han sido escépticos sobre esto, su proeza artística fue votada no sólo por Debussy, sino por su yerno, Paul Verlaine.
4. ^ Es decir, cuarto premio, después del acceso principal, el corredor-up (segundo prix) y el ganador (premier prix).
5. ^ En septiembre de 1880 von Meck envió el manuscrito de Debussy Danse bohémienne para el perusal de Tchaikovsky; un mes más tarde Tchaikovsky escribió de vuelta, suavemente elogiando el trabajo pero remarcando su levedad y brevedad. Debussy no lo publicó, y el manuscrito permaneció en la familia von Meck y no fue publicado hasta 1932.
6. ^ El director del Conservatorio, Ambroise Thomas, era un músico profundamente conservador, al igual que la mayoría de su facultad. No fue hasta que Gabriel Fauré se convirtió en director en 1905 que la música moderna como Debussy o incluso Wagner fue aceptada dentro del Conservatorio.
7. ^ La consideración de Debussy por la música de Rimsky-Korsakov no fue reciprocada. Después de escuchar Estampes una década más tarde, Rimsky escribió en su diario, "Pobre y esquiva hasta el nth degree; no hay técnica; incluso menos imaginación. El decadente impulsivo – ignora toda la música que ha ido antes que él, y... piensa que ha descubierto América."
8. ^ Otros miembros fueron los compositores Florent Schmitt, Maurice Delage y Paul Ladmirault, los poetas Léon-Paul Fargue y Tristan Klingsor, el pintor Paul Sordes y el crítico Michel Calvocoressi.
9. ^ Saint-Saëns, Franck, Massenet, Fauré y Ravel fueron todos conocidos como maestros, y Fauré, Messager y Dukas fueron críticos de música regular para revistas parisinas.
10. ^ Mary Garden era la amante de Messager en ese momento, pero por lo que se sabe que fue elegida por razones totalmente musicales y dramáticas. Ella se describe en el Diccionario Grove de música y músicos como "una suprema acción de canto, con poderes infrecuentes de caracterización... y una rara sutileza de color y frase."
11. ^ Una dramatización ficticia y melodramática del asunto, La femme nue, jugado en París en 1908. Un mito creció que Lilly Debussy se disparó en la Place de la Concorde, en lugar de en casa. Esa versión de los eventos no es corroborada por estudiosos de Debussy como Marcel Dietschy, Roger Nichols, Robert Orledge y Nigel Simeone; y ninguna mención de la Place de la Concorde apareció incluso en la cobertura de prensa más sensacional en ese momento. Otro informe inexacto del caso, en Le Figaro a principios de enero de 1905, dijo que Lilly había hecho un segundo intento de suicidio.
12. ^ Lalo objetó lo que sentía era la artificialidad de la pieza: "una reproducción de la naturaleza; una reproducción maravillosamente refinada, ingeniosa y cuidadosamente compuesta, pero una reproducción no menos". Otro crítico parisino, Louis Schneider, escribió: "El público parecía bastante decepcionado: esperaban el océano, algo grande, algo colosal, pero fueron servidos en cambio con un poco de agua agitada en un platillo."
13. ^ Describió las sinfonías de Schumann y Mendelssohn como "respectiva repetición"
14. ^ En una carta de 1908 escribió: "Estoy tratando de hacer 'algo diferente' - un efecto de la realidad... lo que los imbeciles llaman 'impresionismo', un término que es tan mal utilizado como sea posible, especialmente por los críticos, ya que no dudan en aplicarlo a [J.M.W.] Turner, el mejor creador de efectos misteriosos en todo el mundo del arte."
15. ^ Respetuosamente, Reflections in the Water, Sounds and Perfumes Swirl in the Evening Air, and Mists.
16. ^ Roy Howat escribe que Debussy, como Fauré "a menudo yuxtapone el mismo material básico en diferentes modos o con un bajo de cambio estratégico" que, Howat sugiere, es "arguiblemente su enfoque más literal a la verdadera técnica impresionista, el equivalente del objeto fijo de Monet (por ser catedral o paja) iluminado desde diferentes ángulos".
17. ^ Debussy examinó algunas ediciones existentes, y eligió basar su en la de Ignaz Friedman. Le escribió a Durand: "En Friedmannsic] prefacio (Breitkopf Edition, que es bastante superior a los Peters), la influencia de Chopin en Wagner se indica por primera vez".
18. ^ Señaló a un colega que si Wagner, Mozart y Beethoven podían venir a su puerta y pedirle que jugara Pelléas Para ellos, lo haría con gusto, pero si fuera Bach, estaría demasiado en temor de atreverse.
19. ^ Además de Bill Evans, otros músicos de jazz influenciados por Debussy incluyen Herbie Hancock, y McCoy Tyner, según un artículo en Jazz Education in Research and Practice.

Referencias

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