Cine negro

Cine negro (francés: [película nwaʁ]) es un término cinematográfico que se usa principalmente para describir los dramas criminales con estilo de Hollywood, particularmente aquellos que enfatizan actitudes y motivaciones cínicas. Las décadas de 1940 y 1950 se consideran generalmente como el "período clásico" del cine negro estadounidense. El cine negro de esta época se asocia con un estilo visual discreto en blanco y negro que tiene sus raíces en la cinematografía expresionista alemana. Muchas de las historias prototípicas y gran parte de la actitud del cine negro clásico se derivan de la dura escuela de ficción criminal que surgió en los Estados Unidos durante la Gran Depresión.

El término film noir, francés para 'película negra' (literal) o 'película oscura' (significado más cercano), fue aplicado por primera vez a las películas de Hollywood por el crítico francés Nino Frank en 1946, pero la mayoría de los profesionales de la industria cinematográfica estadounidense de esa época no lo reconocieron. Se cree que Frank se inspiró en la editorial literaria francesa Série noire, fundada en 1945.

Los historiadores y críticos de cine definieron la categoría retrospectivamente. Antes de que la noción fuera ampliamente adoptada en la década de 1970, muchas de las películas negras clásicas se denominaban "melodramas". Si el cine negro califica como un género distinto o si es más un estilo cinematográfico es un tema de debate en curso entre los académicos.

El cine negro abarca una variedad de tramas: la figura central puede ser un investigador privado (The Big Sleep), un oficial de policía vestido de civil (The Big Heat), un boxeador envejecido (The Set-Up), un estafador desventurado (Night and the City), un ciudadano respetuoso de la ley atraído a una vida delictiva (Gun Crazy ), o simplemente una víctima de las circunstancias (D.O.A.). Aunque el cine negro se asoció originalmente con producciones estadounidenses, el término se ha utilizado para describir películas de todo el mundo. Muchas películas estrenadas a partir de la década de 1960 comparten atributos con el cine negro del período clásico y, a menudo, tratan sus convenciones de manera autorreferencial. Algunos se refieren a estos trabajos de los últimos días como neo-noir. Los clichés del cine negro han inspirado la parodia desde mediados de la década de 1940.

Definición

Las preguntas sobre qué define al cine negro y qué tipo de categoría es, provocan un debate continuo. "Simplificaríamos demasiado las cosas al llamar al cine negro onírico, extraño, erótico, ambivalente y cruel...": este conjunto de atributos constituye el primero de muchos intentos de definir el cine negro realizados por Los críticos franceses Raymond Borde y Étienne Chaumeton en su libro de 1955 Panorama du film noir américain 1941–1953 (A Panorama of American Film Noir), el tratamiento ampliado original y seminal de la tema. Enfatizan que no todas las películas negras encarnan los cinco atributos en la misma medida: una podría ser más onírica; otra, particularmente brutal. Los autores' Las advertencias y los repetidos esfuerzos de definición alternativa se han hecho eco en estudios posteriores: en las más de cinco décadas desde entonces, ha habido innumerables intentos adicionales de definición, sin embargo, en palabras del historiador del cine Mark Bould, el cine negro sigue siendo un "escurridizo". fenómeno... siempre fuera de alcance".

Aunque el cine negro a menudo se identifica con un estilo visual, poco convencional dentro del contexto de Hollywood, que enfatiza la iluminación discreta y las composiciones desequilibradas, las películas comúnmente identificadas como noir evidencian una variedad de enfoques visuales, incluidos los que encajan cómodamente dentro de Hollywood. convencional. De manera similar, el cine negro abarca una variedad de géneros, desde la película de gángsters hasta la policiaca procesal, el romance gótico y la imagen de problemas sociales; cualquier ejemplo de los años 40 y 50, ahora vistos como la era clásica del noir, era probable. para ser descrito como un melodrama en ese momento.

Mientras que muchos críticos se refieren al cine negro como un género en sí mismo, otros argumentan que no puede ser tal cosa. Foster Hirsch define un género como determinado por "convenciones de estructura narrativa, caracterización, tema y diseño visual". Hirsch, como alguien que ha asumido la posición de que el cine negro es un género, argumenta que estos elementos están presentes 'en abundancia'. Hirsch señala que existen características unificadoras de tono, estilo visual y narrativa suficientes para clasificar al cine negro como un género distinto.

Otros argumentan que el cine negro no es un género. El cine negro a menudo se asocia con un entorno urbano, pero muchas películas negras clásicas tienen lugar en pueblos pequeños, suburbios, áreas rurales o en la calle; el escenario, por lo tanto, no puede ser su género determinante, como ocurre con el western. De manera similar, mientras que el detective privado y la femme fatale son tipos de personajes comunes que se identifican convencionalmente con el noir, la mayoría de las películas noir no presentan ninguno; por lo tanto, no existe una base de carácter para la designación de género como en la película de gánsteres. El cine negro tampoco se basa en nada tan evidente como los elementos monstruosos o sobrenaturales de la película de terror, los saltos especulativos de la película de ciencia ficción o las rutinas de canto y baile del musical.

Un caso análogo es el de la comedia chiflada, ampliamente aceptada por los historiadores del cine como un "género": la chiflada se define no por un atributo fundamental, sino por una disposición general y un conjunto de elementos, algunos, pero rara vez y quizás nunca todos, de los cuales se encuentran en cada una de las películas del género. Debido a la diversidad del noir (mucho mayor que la de la comedia loca), ciertos académicos en el campo, como el historiador de cine Thomas Schatz, lo tratan no como un género sino como un "estilo". Alain Silver, el crítico estadounidense especializado en estudios de cine negro con más publicaciones, se refiere al cine negro como un "ciclo" y un "fenómeno", incluso cuando argumenta que tiene, como ciertos géneros, un conjunto consistente de códigos visuales y temáticos. El guionista Eric R. Williams etiqueta tanto el cine negro como la comedia loca como un 'camino'. en su taxonomía de guionistas; explicando que un camino tiene dos partes: 1) la forma en que la audiencia se conecta con el protagonista y 2) la trayectoria que la audiencia espera que siga la historia. Otros críticos tratan el cine negro como un "estado de ánimo", lo caracterizan como una "serie", o simplemente abordan un conjunto elegido de películas que consideran pertenecientes al "canon" del cine negro. 34;. No hay consenso al respecto.

Antecedentes

Fuentes cinematográficas

Marlene Dietrich, una actriz frecuentemente llamada a jugar un femme fatale.

La estética del cine negro estuvo influenciada por el expresionismo alemán, un movimiento artístico de las décadas de 1910 y 1920 que involucró el teatro, la música, la fotografía, la pintura, la escultura y la arquitectura, además del cine. Las oportunidades que ofrecía la floreciente industria cinematográfica de Hollywood y luego la amenaza del nazismo provocaron la emigración de muchos artistas cinematográficos que trabajaban en Alemania y que habían estado involucrados en el movimiento expresionista o habían estudiado con sus practicantes. M (1931), filmada solo unos años antes de la partida de Alemania del director Fritz Lang, se encuentra entre las primeras películas policíacas de la era del sonido en unir un estilo visual característicamente noirish con un estilo noir- tipo trama, en la que el protagonista es un criminal (como lo son sus perseguidores más exitosos). Directores como Lang, Jacques Tourneur, Robert Siodmak y Michael Curtiz trajeron a Hollywood un estilo de iluminación dramáticamente sombreado y un enfoque psicológicamente expresivo de la composición visual (mise-en-scène), donde realizaron algunos de los noirs clásicos más famosos.

Para 1931, Curtiz ya llevaba media década en Hollywood, haciendo hasta seis películas al año. Películas suyas como 20,000 Years in Sing Sing (1932) y Private Detective 62 (1933) se encuentran entre las primeras películas sonoras de Hollywood posiblemente clasificables como noir, ofrece el erudito Marc Vernet. este último como evidencia de que fechar el inicio del cine negro en 1940 o en cualquier otro año es "arbitrario". Los cineastas orientados al expresionismo tuvieron rienda suelta estilísticamente en películas de terror de Universal como Dracula (1931), The Mummy (1932), la primera fotografiada y la segunda dirigida por el director de Berlín. entrenó a Karl Freund—y The Black Cat (1934), dirigida por el emigrado austríaco Edgar G. Ulmer. La película de terror de Universal que más se acerca al noir, en historia y sensibilidad, es El hombre invisible (1933), dirigida por el inglés James Whale y fotografiada por el estadounidense Arthur Edeson. Más tarde, Edeson fotografió El halcón maltés (1941), ampliamente considerada como la primera gran película negra de la era clásica.

Josef von Sternberg dirigía en Hollywood durante el mismo período. Películas suyas como Shanghai Express (1932) y The Devil Is a Woman (1935), con su erotismo de invernadero y su estilo visual barroco anticiparon elementos centrales del cine negro clásico. El éxito comercial y de crítica de la película muda Underworld (1927) de Sternberg fue en gran parte responsable de estimular la tendencia de las películas de gánsteres de Hollywood. Películas exitosas en ese género como Little Caesar (1931), The Public Enemy (1931) y Scarface (1932) demostraron que había una público de dramas policiacos con protagonistas moralmente reprobables. Un antecedente cinematográfico importante, posiblemente influyente, del cine negro clásico fue el realismo poético francés de la década de 1930, con su actitud romántica y fatalista y su celebración de héroes condenados. La sensibilidad del movimiento se refleja en el drama de Warner Bros. I Am a Fugitive from a Chain Gang (1932), un precursor del noir. Entre las películas no consideradas noir, quizás ninguna tuvo un mayor efecto en el desarrollo del género que Citizen Kane (1941), dirigida por Orson Welles. Su complejidad visual y su compleja estructura narrativa de voz en off se repiten en docenas de películas clásicas de cine negro.

El neorrealismo italiano de la década de 1940, con su énfasis en la autenticidad casi documental, fue una influencia reconocida en las tendencias que surgieron en el cine negro estadounidense. The Lost Weekend (1945), dirigida por Billy Wilder, otro autor estadounidense nacido en Viena y formado en Berlín, cuenta la historia de un alcohólico de una manera que evoca el neorrealismo. También ejemplifica el problema de la clasificación: una de las primeras películas estadounidenses en ser descrita como cine negro, ha desaparecido en gran medida de las consideraciones del campo. El director Jules Dassin de The Naked City (1948) señaló que los neorrealistas inspiraron su uso de la fotografía de locaciones con extras no profesionales. Este enfoque semidocumental caracterizó a un número sustancial de noirs a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950. Junto con el neorrealismo, el estilo tuvo un precedente estadounidense citado por Dassin, en The House on 92nd Street (1945) del director Henry Hathaway, que demostró la influencia paralela del noticiero cinematográfico.

Fuentes literarias

La cuestión de octubre de 1934 Mascara negra presentó la primera aparición del personaje detective a quien Raymond Chandler se convirtió en el famoso Philip Marlowe.

La principal influencia literaria en el cine negro fue la dura escuela estadounidense de detectives y novela negra, dirigida en sus primeros años por escritores como Dashiell Hammett (cuya primera novela, Red Harvest, se publicó en 1929) y James M. Cain (cuyo El cartero siempre llama dos veces apareció cinco años después), y se popularizó en revistas pulp como Black Mask. Los clásicos del cine negro El halcón maltés (1941) y La llave de cristal (1942) se basaron en novelas de Hammett; Las novelas de Cain sirvieron de base para Double Indemnity (1944), Mildred Pierce (1945), The Postman Always Rings Twice (1946) y Slightly Scarlet (1956; adaptada de Love's Lovely Counterfeit). Una década antes de la era clásica, una historia de Hammett fue la fuente del melodrama de gánsteres City Streets (1931), dirigido por Rouben Mamoulian y fotografiado por Lee Garmes, quien trabajaba regularmente con Sternberg. Estrenada un mes antes de M de Lang, City Streets pretende ser la primera gran película de cine negro; tanto su estilo como su historia tenían muchas características noir.

Raymond Chandler, quien debutó como novelista con The Big Sleep en 1939, pronto se convirtió en el autor más famoso de la escuela hardboiled. Las novelas de Chandler no solo se convirtieron en grandes novelas negras: Murder, My Sweet (1944; adaptada de Farewell, My Lovely), The Big Sleep< /i> (1946), y Lady in the Lake (1947), también fue un guionista importante en el género, produciendo los guiones de Double Indemnity, La dalia azul (1946), y Extraños en un tren (1951). Mientras que Chandler, al igual que Hammett, centró la mayoría de sus novelas e historias en el personaje del detective privado, Cain presentó protagonistas menos heroicos y se centró más en la exposición psicológica que en la resolución de crímenes; el enfoque de Caín ha llegado a identificarse con un subconjunto del género duro denominado "ficción negra". Durante gran parte de la década de 1940, uno de los autores más prolíficos y exitosos de este tipo de cuento de suspenso, a menudo pesimista, fue Cornell Woolrich (a veces bajo el seudónimo de George Hopley o William Irish). El trabajo publicado de ningún escritor proporcionó la base para más películas negras del período clásico que las de Woolrich: trece en total, incluidas Black Angel (1946), Deadline at Dawn (1946), y Miedo en la noche (1947).

Otra fuente literaria crucial para el cine negro fue W. R. Burnett, cuya primera novela publicada fue Little Caesar, en 1929. Se convirtió en un éxito para Warner Bros. en 1931; al año siguiente, Burnett fue contratado para escribir diálogos para Scarface, mientras que The Beast of the City (1932) fue una adaptación de una de sus historias. Al menos una obra de referencia importante identifica a este último como un cine negro a pesar de su fecha temprana. El enfoque narrativo característico de Burnett se encontraba en algún lugar entre el de los escritores duros por excelencia y sus compatriotas de ficción negra: sus protagonistas a menudo eran heroicos a su manera, que resultó ser la del gángster. Durante la era clásica, su trabajo, ya sea como autor o como guionista, fue la base de siete películas que ahora se consideran ampliamente como cine negro, incluidas tres de las más famosas: High Sierra (1941), Este pistolero de alquiler (1942) y La jungla de asfalto (1950).

Período clásico

Resumen

Las décadas de 1940 y 1950 se consideran generalmente como el período clásico del cine negro estadounidense. Mientras que City Streets y otros melodramas policiacos anteriores a la Segunda Guerra Mundial como Fury (1936) y You Only Live Once (1937), ambos dirigidos por Fritz Lang, se clasifican como noir en toda regla en la película de cine negro de Alain Silver y Elizabeth Ward. enciclopedia, otros críticos tienden a describirlos como "proto-noir" o en términos similares.

La película ahora más citada como la primera "verdadera" El cine negro es Un extraño en el tercer piso (1940), dirigida por Boris Ingster, nacido en Letonia y formado en la Unión Soviética. El emigrado húngaro Peter Lorre, que había protagonizado M de Lang, fue el mejor anunciado, aunque no interpretó el papel principal principal. (Más tarde desempeñó papeles secundarios en varias otras películas negras estadounidenses formativas). Aunque con un presupuesto modesto, en el extremo superior de la escala de películas B, Stranger on the Third Floor aún perdió su estudio, RKO, US $ 56,000 (equivalente a $1.083.154 en 2021), casi la tercera parte de su costo total. La revista Variety encontró el trabajo de Ingster: "...demasiado estudiado y cuando es original, carece del destello para llamar la atención. Es una película demasiado artística para el público medio y demasiado monótona para los demás. Stranger on the Third Floor no fue reconocido como el comienzo de una tendencia, y mucho menos de un nuevo género, durante muchas décadas.

La mayoría de las películas de cine negro del período clásico eran películas igualmente modestas y de bajo presupuesto sin grandes estrellas: películas de serie B, ya sea literalmente o en espíritu. En este contexto de producción, los escritores, directores, directores de fotografía y otros artesanos estaban relativamente libres de las limitaciones típicas del panorama general. Hubo más experimentación visual que en el cine de Hollywood en su conjunto: el expresionismo ahora estrechamente asociado con el noir y el estilo semi-documental que surgió más tarde representan dos tendencias muy diferentes. Las estructuras narrativas a veces involucraban flashbacks intrincados poco comunes en producciones comerciales no noir. En términos de contenido, la aplicación del Código de producción aseguró que ningún personaje de la película pudiera literalmente cometer un asesinato o ser visto compartiendo la cama con alguien que no sea su cónyuge; Sin embargo, dentro de esos límites, muchas películas ahora identificadas como noir presentan elementos de trama y diálogos que eran muy atrevidos para la época.

Del pasado (1947) dirigida por Jacques Tourneur, cuenta con muchos de los sellos del género: un detective privado cínico como protagonista, un femme fatale, múltiples flashbacks con la narración de voz, dramáticamente la fotografía sombreada, y un humor fatalista dejado con provocativo banter. Iconos noir Robert Mitchum y Jane Greer.

Temáticamente, las películas negras fueron más excepcionales por la frecuencia relativa con la que se centraron en representaciones de mujeres de virtud cuestionable, un enfoque que se había vuelto raro en las películas de Hollywood después de mediados de la década de 1930 y el final de la era anterior al Código. La película señal en este sentido fue Double Indemnity, dirigida por Billy Wilder; La inolvidable femme fatale de Barbara Stanwyck, Phyllis Dietrichson, sentó las bases, un aparente guiño a Marlene Dietrich, quien había construido su extraordinaria carrera interpretando tales personajes para Sternberg. Un largometraje de nivel A, el éxito comercial de la película y siete nominaciones al Oscar la convirtieron probablemente en la más influyente de las primeras películas de cine negro. Una gran cantidad de 'chicas malas' del ahora renombrado noir seguidas, como las interpretadas por Rita Hayworth en Gilda (1946), Lana Turner en El cartero siempre llama dos veces (1946), Ava Gardner en The Killers< /i> (1946), y Jane Greer en Desde el pasado (1947). La icónica contraparte noir de la femme fatale, el detective privado, saltó a la palestra en películas como The Maltese Falcon (1941), con Humphrey Bogart como Sam Spade, y Murder, My Sweet (1944), con Dick Powell como Philip Marlowe.

La prevalencia del detective privado como personaje principal disminuyó en el cine negro de la década de 1950, un período durante el cual varios críticos describen la forma como cada vez más centrada en psicologías extremas y más exagerada en general. Un buen ejemplo es Kiss Me Deadly (1955); basada en una novela de Mickey Spillane, el best-seller de todos los autores duros, aquí el protagonista es un detective privado, Mike Hammer. Tal como lo describe Paul Schrader, la dirección burlona de 'Robert Aldrich' lleva el noir a su forma más sórdida y perversamente erótica. Hammer da un vuelco al inframundo en busca del "gran qué" [que] resulta ser, broma de bromas, una bomba atómica que explota." Touch of Evil (1958), de Orson Welles, de estilo barroco, se cita con frecuencia como la última novela negra del período clásico. Algunos académicos creen que el cine negro nunca terminó realmente, sino que continuó transformándose incluso cuando el estilo visual característico del cine negro comenzó a parecer anticuado y las condiciones de producción cambiantes llevaron a Hollywood en diferentes direcciones; desde este punto de vista, las películas posteriores a 1950 en la tradición del cine negro se consideran parte de una continuidad con el noir clásico. Sin embargo, la mayoría de los críticos consideran que las películas comparables hechas fuera de la era clásica son algo más que cine negro genuino. Consideran que el verdadero cine negro pertenece a un ciclo o período temporal y geográficamente limitado, y tratan las películas posteriores que evocan a los clásicos como fundamentalmente diferentes debido a los cambios generales en el estilo cinematográfico y la conciencia actual del cine negro como una fuente histórica de alusión. Estas últimas películas a menudo se denominan neo-noir.

Directores y el negocio del noir

Una escena de En un lugar solitario (1950), dirigida por Nicholas Ray y basada en una novela de Dorothy B. Hughes, escritora de ficción. Dos de los actores que definen a Noir, Gloria Grahame y Humphrey Bogart, retratan a los amantes de la película.

Mientras que el cine negro incipiente, Un extraño en el tercer piso, era una película B dirigida por un virtual desconocido, muchas de las películas negras que aún se recuerdan eran producciones de primer nivel de cineastas conocidos. Debutando como director con The Maltese Falcon (1941), John Huston siguió con Key Largo (1948) y The Asphalt Jungle (1950). La opinión está dividida sobre el estado del cine negro de varios thrillers de Alfred Hitchcock de la época; al menos cuatro califican por consenso: Shadow of a Doubt (1943), Notorious (1946), Strangers on a Train (1951) y < i>The Wrong Man (1956), el éxito de Otto Preminger con Laura (1944) hizo su nombre y ayudó a demostrar la adaptabilidad del noir a un brillante siglo XX. Presentación de Century-Fox. Entre los directores más célebres de Hollywood de la época, podría decirse que ninguno trabajó más a menudo en un modo noir que Preminger; sus otros noirs incluyen Fallen Angel (1945), Whirlpool (1949), Donde termina la acera (1950) (todas para Fox) y < i>Cara de ángel (1952). Media década después de Double Indemnity y The Lost Weekend, Billy Wilder hizo Sunset Boulevard (1950) y Ace in the Hole< /i> (1951), noirs que no eran tanto dramas criminales como sátiras sobre Hollywood y los medios de comunicación, respectivamente. In a Lonely Place (1950) fue el avance de Nicholas Ray; sus otros noirs incluyen su debut, They Live by Night (1948) y On Dangerous Ground (1952), destacados por su tratamiento inusualmente comprensivo de personajes alienados de la corriente social principal.

Rita Hayworth en el remolque La Señora de Shanghai (1947)

Orson Welles tuvo notorios problemas de financiación, pero sus tres películas de cine negro tuvieron un buen presupuesto: La dama de Shanghái (1947) recibió "prestigio" mientras que The Stranger (1946), su película más convencional, y Touch of Evil (1958), una obra inequívocamente personal, fueron financiadas a niveles más bajos pero aún acordes con lanzamientos principales. Al igual que The Stranger, The Woman in the Window (1945) de Fritz Lang fue una producción de la independiente International Pictures. El seguimiento de Lang, Scarlet Street (1945), fue uno de los pocos clásicos del cine negro censurado oficialmente: lleno de insinuaciones eróticas, fue prohibido temporalmente en Milwaukee, Atlanta y Nueva York. Expresar. Scarlet Street era una semi-independiente, copatrocinada por Universal y Diana Productions de Lang, de la cual la coprotagonista de la película, Joan Bennett, era el segundo mayor accionista. Lang, Bennett y su esposo, el veterano de Universal y jefe de producción de Diana, Walter Wanger, hicieron Secret Beyond the Door (1948) de manera similar.

Antes de abandonar los Estados Unidos mientras estaba sujeto a la lista negra de Hollywood, Jules Dassin hizo dos películas negras clásicas que también se extendían a ambos lados de la línea principal/independiente: Brute Force (1947) y el influyente estilo documental The Naked City (1948) fueron desarrollados por el productor Mark Hellinger, quien tenía un "adentro/afuera" contrato con Universal similar al de Wanger. Años antes, trabajando en Warner Bros., Hellinger había producido tres películas para Raoul Walsh, las proto-noirs They Drive by Night (1940), Manpower (1941) y < i>High Sierra (1941), ahora considerada como una obra fundamental en el desarrollo del cine negro. Walsh no tuvo un gran nombre durante su medio siglo como director, pero sus noirs White Heat (1949) y The Enforcer (1951) tuvieron estrellas de primer nivel y son vistos como ejemplos importantes del ciclo. Otros directores asociados con las mejores películas negras de Hollywood incluyen a Edward Dmytryk (Murder, My Sweet (1944), Crossfire (1947)), el primer cine negro importante director a caer presa de la lista negra de la industria, así como Henry Hathaway (The Dark Corner (1946), Kiss of Death (1947)) y John Farrow ( El gran reloj (1948), La noche tiene mil ojos (1948)).

La mayoría de las películas de Hollywood consideradas como noirs clásicas caen en la categoría de película B. Algunos eran B en el sentido más preciso, producidos para ejecutarse en la parte inferior de las facturas dobles por una unidad de bajo presupuesto de uno de los principales estudios o por uno de los equipos más pequeños de Poverty Row, desde el Monogram relativamente acomodado hasta empresas más inestables. como Producers Releasing Corporation (PRC). Jacques Tourneur había hecho más de treinta películas B en Hollywood (algunas ahora muy apreciadas, la mayoría olvidadas) antes de dirigir el A-level Out of the Past, descrito por el erudito Robert Ottoson como "el ne plus ultra del cine negro de los cuarenta". Películas con presupuestos un paso más arriba, conocidas como "intermedios" por la industria, pueden ser tratadas como imágenes A o B dependiendo de las circunstancias. Monogram creó Allied Artists a fines de la década de 1940 para enfocarse en este tipo de producción. Robert Wise (Born to Kill [1947], The Set-Up [1949]) y Anthony Mann (T-Men [1947] y Raw Deal [1948]) cada uno hizo una serie de impresionantes intermedios, muchos de ellos noirs, antes de graduarse para trabajar de manera estable en producciones de gran presupuesto. Mann realizó algunos de sus trabajos más célebres con el director de fotografía John Alton, un especialista en lo que James Naremore denominó "momentos hipnóticos de luz en la oscuridad". He Walked by Night (1948), filmada por Alton aunque acreditada únicamente a Alfred Werker, dirigida en gran parte por Mann, demuestra su dominio técnico y ejemplifica la tendencia de fines de la década de 1940 de "procedimiento policial". 34; dramas criminales Fue lanzado, como otros noirs de Mann-Alton, por la pequeña compañía Eagle-Lion; fue la inspiración para la serie Dragnet, que debutó en la radio en 1949 y en la televisión en 1951.

Desvío (1945) costó $117.000 para hacer cuando los mayores estudios de Hollywood gastaron alrededor de $600,000 en la característica promedio. Producido en el pequeño PRC, sin embargo, la película fue 30 por ciento sobre el presupuesto.

Varios directores asociados con el cine negro crearon obras muy respetadas en gran parte en el nivel intermedio/película B. Las películas brutales y visualmente enérgicas de Samuel Fuller como Pickup on South Street (1953) y Underworld U.S.A. (1961) le ganaron una reputación única; sus defensores lo alaban como "primitivo" y "bárbaro". Joseph H. Lewis dirigió noirs tan diversos como Gun Crazy (1950) y The Big Combo (1955). El primero, cuyo guión fue escrito por Dalton Trumbo en la lista negra, disfrazado por un frente, presenta una secuencia de atraco a un banco que se muestra en una toma ininterrumpida de más de tres minutos que fue influyente. The Big Combo fue fotografiado por John Alton y llevó el estilo negro sombrío a sus límites exteriores. Las películas más distintivas de Phil Karlson (The Phenix City Story [1955] y The Brothers Rico [1957]) cuentan historias de vicio organizado a escala monstruosa. El trabajo de otros directores en este nivel de la industria, como Felix E. Feist (The Devil Thumbs a Ride [1947], Tomorrow Is Another Day [1951]), se ha vuelto oscuro. Edgar G. Ulmer pasó la mayor parte de su carrera en Hollywood trabajando en los estudios B y de vez en cuando en proyectos que alcanzaron un estatus intermedio; en su mayor parte, en inconfundibles Bs. En 1945, mientras estaba en PRC, dirigió un clásico de culto del cine negro, Detour. Los otros noirs de Ulmer incluyen Strange Illusion (1945), también para PRC; Ruthless (1948), para Eagle-Lion, que había adquirido PRC el año anterior y Murder Is My Beat (1955), para Allied Artists.

Empresas independientes, a menudo propiedad de actores, que contrataron estudios más grandes para su distribución, realizaron una serie de novelas negras de bajo y modesto presupuesto. Como productor, escritor, director y actor de primer nivel, Hugo Haas realizó películas como Pickup (1951), The Other Woman (1954) y Jacques Tourneur, Los hacedores de miedo (1958). Fue así como la consumada actriz de cine negro Ida Lupino se consagró como la única mujer directora en Hollywood a finales de la década de 1940 y gran parte de la de 1950. No aparece en la película más conocida que dirigió, The Hitch-Hiker (1953), desarrollada por su compañía, The Filmakers, con el apoyo y distribución de RKO. Es uno de los siete clásicos del cine negro producidos en gran medida fuera de los principales estudios que han sido elegidos para el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos. De los otros, uno fue un lanzamiento de estudio pequeño: Detour. Cuatro fueron producciones independientes distribuidas por United Artists, el 'estudio sin estudio': Gun Crazy; Bésame mortal; D.O.A. (1950), dirigida por Rudolph Maté y Sweet Smell of Success (1957), dirigida por Alexander Mackendrick. Uno era independiente distribuido por MGM, el líder de la industria: La fuerza del mal (1948), dirigida por Abraham Polonsky y protagonizada por John Garfield, ambos incluidos en la lista negra en la década de 1950. La producción independiente por lo general implicaba circunstancias restringidas, pero Sweet Smell of Success, a pesar de los planes del equipo de producción, claramente no se hizo a bajo costo, aunque como muchas otras preciadas novelas negras de bajo presupuesto, podría decirse que tener un alma de película B.

Quizás ningún director mostró mejor ese espíritu que el alemán Robert Siodmak, quien ya había hecho una veintena de películas antes de su llegada a Hollywood en 1940. Trabajando principalmente en largometrajes A, hizo ocho películas que ahora se consideran películas negras de la era clásica (una cifra igualada solo por Lang y Mann). Además de The Killers, el debut de Burt Lancaster y una coproducción de Hellinger/Universal, las otras contribuciones importantes de Siodmak al género incluyen Phantom de 1944 Lady (una adaptación de primera línea de B y Woolrich), la irónicamente titulada Navidad navideña (1944), y Cry of the City (1948). Criss Cross (1949), con Lancaster de nuevo al frente, ejemplifica cómo Siodmak trasladó las virtudes del cine de serie B al A noir. Además de las restricciones relativamente más flexibles sobre el personaje y el mensaje con presupuestos más bajos, la naturaleza de la producción B se prestó al estilo noir por razones económicas: la iluminación tenue ahorró electricidad y ayudó a encubrir escenarios baratos (la niebla y el humo también sirvieron a la causa); el rodaje nocturno a menudo se vio obligado por los horarios de producción apresurados; tramas con motivaciones oscuras y transiciones intrigantemente elípticas a veces eran la consecuencia de guiones escritos apresuradamente, de los cuales no siempre había suficiente tiempo o dinero para filmar cada escena. En Criss Cross, Siodmak logró estos efectos con un propósito, envolviéndolos alrededor de Yvonne De Carlo, interpretando a la mujer fatal más comprensible; Dan Duryea, en uno de sus muchos carismáticos papeles de villano; y Lancaster como un trabajador ordinario convertido en ladrón armado, condenado por una obsesión romántica.

Fuera de los Estados Unidos

"Générique" ("Nuit sur les Champs-Élysées")

La música de humor evocadora improvisada por el quinteto del jazz de Miles Davis para Ascenseur pour l'échafaud (1958) es considerado como uno de los puntajes definitivos de noir.

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Algunos críticos consideran el cine negro clásico como un ciclo exclusivo de los Estados Unidos; Alain Silver y Elizabeth Ward, por ejemplo, argumentan: "Con el western, el cine negro comparte la distinción de ser una forma indígena estadounidense... un estilo cinematográfico completamente estadounidense". Sin embargo, aunque el término "cine negro" fue acuñado originalmente para describir las películas de Hollywood, fue un fenómeno internacional. Incluso antes del comienzo del período clásico generalmente aceptado, hubo películas hechas lejos de Hollywood que pueden verse en retrospectiva como cine negro, por ejemplo, las producciones francesas Pépé le Moko (1937), dirigidas por Julien Duvivier, y Le Jour se lève (1939), dirigida por Marcel Carné. Además, México experimentó un vibrante período de cine negro desde aproximadamente 1946 hasta 1952, que fue casi al mismo tiempo que el cine negro florecía en los Estados Unidos.

Durante el período clásico, se produjeron muchas películas en Europa, especialmente en Francia, que comparten elementos de estilo, tema y sensibilidad con el cine negro estadounidense y pueden incluirse en el canon del género. En ciertos casos, la interrelación con el cine negro de Hollywood es obvia: el director estadounidense Jules Dassin se mudó a Francia a principios de la década de 1950 como resultado de la lista negra de Hollywood e hizo uno de los más famosos del cine negro francés, Rififi (1955). Otras películas francesas conocidas a menudo clasificadas como noir incluyen Quai des Orfèvres (1947) y Les Diaboliques (1955), ambas dirigidas por Henri-Georges Clouzot. Casque d'Or (1952), Touchez pas au grisbi (1954) y Le Trou (1960) dirigidas por Jacques Becker; y Ascenseur pour l'échafaud (1958), dirigida por Louis Malle. El director francés Jean-Pierre Melville es ampliamente reconocido por sus películas negras trágicas y minimalistas: Bob le flambeur (1955), del período clásico, fue seguida por Le Doulos (1962), Le deuxième souffle 1966), Le Samouraï (1967) y Le Cercle rouge (1970). En la década de 1960, el cine negro griego "El secreto del manto rojo" y "El miedo" permitió a la audiencia una lectura anti-capacista que desafió los estereotipos de discapacidad.

Stray Dog (1949), dirigido y varitten por Akira Kurosawa, contiene muchos elementos cinematográficos y narrativos asociados con el clásico noir cinematográfico americano.

El erudito Andrew Spicer argumenta que el cine negro británico evidencia una mayor deuda con el realismo poético francés que con el estilo expresionista estadounidense del noir. Ejemplos de noir británico del período clásico incluyen Brighton Rock (1947), dirigida por John Boulting; Me hicieron fugitivo (1947), dirigida por Alberto Cavalcanti; The Small Back Room (1948), dirigida por Michael Powell y Emeric Pressburger; El hombre de octubre (1950), dirigida por Roy Ward Baker; y Proyectar una sombra oscura (1955), dirigida por Lewis Gilbert. Terence Fisher dirigió varios thrillers de bajo presupuesto en un modo noir para Hammer Film Productions, incluidos The Last Page (también conocido como Man Bait; 1952), Stolen Face. i> (1952), y Murder by Proxy (también conocido como Blackout; 1954). Antes de partir hacia Francia, Jules Dassin se había visto obligado por presiones políticas a rodar en Gran Bretaña su última película en lengua inglesa sobre el cine negro clásico: Night and the City (1950). Aunque fue concebida en los Estados Unidos y no solo fue dirigida por un estadounidense, sino que también está protagonizada por dos actores estadounidenses, Richard Widmark y Gene Tierney, técnicamente es una producción del Reino Unido, financiada por la subsidiaria británica de 20th Century-Fox. El más famoso de los clásicos del cine negro británico es The Third Man (1949), de la directora Carol Reed, a partir de un guión de Graham Greene. Ambientada en Viena inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, también está protagonizada por dos actores estadounidenses, Joseph Cotten y Orson Welles, que habían aparecido juntos en Ciudadano Kane.

Por otra parte, el director italiano Luchino Visconti adaptó El cartero siempre llama dos veces de Caín como Ossessione (1943), considerado tanto uno de los grandes del cine negro como un película seminal en el desarrollo del neorrealismo. (Esta ni siquiera fue la primera versión cinematográfica de la novela de Caín, ya que fue precedida por la francesa Le Dernier Tournant en 1939). En Japón, el célebre Akira Kurosawa dirigió varias películas reconocibles como películas noir, incluyendo Drunken Angel (1948), Stray Dog (1949), The Bad Sleep Well (1960) y High and Bajo (1963). La novela La ciudad perdida de la autora española Mercedes Formica fue adaptada al cine en 1960.

Entre las primeras grandes películas de neo-noir (término que a menudo se aplica a las películas que se refieren conscientemente a la tradición clásica del noir) se encuentra la francesa Tirez sur le pianiste (1960), dirigida por François Truffaut. de una novela de uno de los escritores de ficción negra estadounidenses más sombríos, David Goodis. En muchos países del área posclásica se han producido películas policíacas y melodramas negros. Algunos de estos son esencialmente neo-noirs conscientes de sí mismos, por ejemplo, Il Conformista (1969; Italia), Der Amerikanische Freund (1977; Alemania), The Element of Crime (1984; Dinamarca), y El Aura (2005; Argentina). Otros simplemente comparten elementos narrativos y una versión de la sensibilidad dura asociada con el noir clásico, como Castle of Sand (1974; Japón), Insomnia (1997; Noruega), < i>Croupier (1998; Reino Unido) y Blind Shaft (2003; China).

Neo-noir y ecos del modo clásico

El género cinematográfico neo-noir se desarrolló a mediados de la Guerra Fría. Esta tendencia cinematográfica reflejaba mucho del cinismo y la posibilidad de aniquilamiento nuclear de la época. Este nuevo género introdujo innovaciones que no estaban disponibles en películas de cine negro anteriores. La violencia también fue más potente.

Décadas de 1960 y 1970

Si bien es difícil trazar una línea entre algunas de las películas de cine negro de principios de la década de 1960, como Blast of Silence (1961) y Cape Fear (1962) y los noirs de fines de la década de 1950, surgieron nuevas tendencias en la era posclásica. El candidato de Manchuria (1962), dirigida por John Frankenheimer, Shock Corridor (1963), dirigida por Samuel Fuller, y Brainstorm (1965), dirigida por el experimentado actor de carácter noir William Conrad, todas tratan el tema del despojo mental dentro de marcos estilísticos y tonales derivados del cine negro clásico. The Manchurian Candidate examinó la situación de los prisioneros de guerra estadounidenses (POW) durante la Guerra de Corea. Los incidentes que ocurrieron durante la guerra, así como los de la posguerra, sirvieron de inspiración para una "Cold War Noir" subgénero La serie de televisión The Fugitive (1963-1967) trajo temas y estados de ánimo clásicos del cine negro a la pantalla chica durante un tiempo prolongado.

Como ladrón de coches Michel Poiccard, a.k.a. Laszlo Kovacs, Jean-Paul Belmondo en À bout de souffle ()Sin aliento; 1960). Poiccard reverencia y estilos a sí mismo después de la imagen de Humphrey Bogart. Aquí imita un gesto característico de Bogart, uno de los motivos de la película.

En una vena diferente, comenzaron a aparecer películas que conscientemente reconocían las convenciones del cine negro clásico como arquetipos históricos para ser revividos, rechazados o reinventados. Estos esfuerzos tipifican lo que se conoció como neo-noir. Aunque varios clásicos del cine negro tardío, Kiss Me Deadly en particular, eran profundamente conscientes de sí mismos y de concepción postradicional, ninguno apuntó su mano tan evidentemente como para ser comentado por los críticos estadounidenses en ese momento. La primera película importante en trabajar abiertamente este ángulo fue À bout de souffle (Breathless; 1960) del director francés Jean-Luc Godard, que rinde sus respetos literales a Bogart y sus películas policiacas mientras blande un nuevo estilo audaz para un nuevo día. En los Estados Unidos, Arthur Penn (Mickey One de 1965, inspirado en Tirez sur le pianiste de Truffaut y otras películas francesas de la Nueva Ola), John Boorman (Point Blank de 1967, atrapado de manera similar, aunque en aguas más profundas de la Nouvelle vague), y Alan J. Pakula (1971&# 39;s Klute) dirigió películas que a sabiendas se relacionaban con las películas negras originales, invitando al público a participar en el juego.

Una afiliación manifiesta con las tradiciones del cine negro, que, por su naturaleza, permite inferir diferentes tipos de comentarios sobre ellas, también puede proporcionar la base para críticas explícitas de esas tradiciones. En 1973, el director Robert Altman se deshizo de la piedad del cine negro con The Long Goodbye. Basada en la novela de Raymond Chandler, presenta a uno de los personajes más famosos de Bogart, pero de manera iconoclasta: Philip Marlowe, el prototípico detective empedernido, es interpretado como un desafortunado inadaptado, casi risiblemente fuera de contacto con las costumbres y costumbres contemporáneas. moralidad. Donde la subversión de Altman del mito del cine negro fue tan irreverente como para indignar a algunos críticos contemporáneos, casi al mismo tiempo que Woody Allen estaba rindiendo un homenaje cariñoso, a veces idólatra, al modo clásico con Tócala otra vez, Sam< /i> (1972). La "blaxploitation" La película Shaft (1971), en la que Richard Roundtree interpreta al detective privado afroamericano John Shaft, toma las convenciones del cine negro clásico.

El más aclamado de los neo-noirs de la época fue Chinatown de 1974 del director Roman Polanski. Escrita por Robert Towne, está ambientada en la década de 1930 en Los Ángeles, un lugar de cine negro acostumbrado retrocediendo unos años de una manera que hace que la pérdida fundamental de la inocencia en la historia sea aún más cruel. Donde Polanski y Towne elevaron el noir a un apogeo negro al volverse hacia atrás, el director Martin Scorsese y el guionista Paul Schrader trajeron la actitud del noir a la actualidad con Taxi Driver (1976), un crepitante y sanguinario glosa sobre la América bicentenaria. En 1978, Walter Hill escribió y dirigió The Driver, una película de persecuciones como podría haberla imaginado Jean-Pierre Melville en un estado de ánimo especialmente abstracto.

Hill ya era una figura central en la década de 1970 de una manera más directa, habiendo escrito el guión de The Getaway (1972) del director Sam Peckinpah, adaptando una novela del maestro pulp Jim. Thompson, así como para dos duras películas de detectives privados: un guión original para Hickey & Boggs (1972) y una adaptación de una novela de Ross Macdonald, el principal descendiente literario de Hammett y Chandler, para The Drowning Pool (1975). Algunas de las novelas negras más potentes de la década de 1970, de hecho, eran remakes imperturbables de los clásicos, "neo" en su mayoría por defecto: la desgarradora Thieves Like Us (1974), dirigida por Altman de la misma fuente que They Live by Night de Ray, y Farewell, My Lovely (1975), el cuento de Chandler interpretado clásicamente como Murder, My Sweet, rehecho aquí con Robert Mitchum en su último papel notable de cine negro. Las series de detectives, predominantes en la televisión estadounidense durante el período, actualizaron la tradición dura de diferentes maneras, pero el programa que invocó el tono más noir fue una mezcla de terror tocada con un humor desgreñado al estilo Long Goodbye: Kolchak: The Night Stalker (1974–75), protagonizada por un reportero de un periódico de Chicago que investiga sucesos extraños, generalmente sobrenaturales.

Décadas de 1980 y 1990

Sharon Stone como Catherine Tramell, arquetípico moderno femme fatale, en Instinto básico (1992). Su naturaleza diabólica es subrayada por un "código visual ultra-lúido", como en la notoria escena del interrogatorio.

El cambio de década trajo Raging Bull en blanco y negro de Scorsese (1980, coescrita por Schrader). Una obra maestra reconocida (en 2007, el American Film Institute la clasificó como la mejor película estadounidense de la década de 1980 y la cuarta más grande de todos los tiempos), cuenta la historia de la autodestrucción moral de un boxeador que recuerda tanto en el tema como en el aspecto visual. dramas de ambiente negro como Body and Soul (1947) y Champion (1949). De 1981, Body Heat, escrita y dirigida por Lawrence Kasdan, invoca un conjunto diferente de elementos clásicos del cine negro, esta vez en un ambiente húmedo y eróticamente cargado de Florida. Su éxito confirmó la viabilidad comercial del neo-noir en un momento en que los principales estudios de Hollywood se estaban volviendo cada vez más reacios al riesgo. La incorporación del neo-noir es evidente en películas como Black Widow (1987), Shattered (1991) y Final Analysis (1992). Pocos neo-noirs han hecho más dinero o han actualizado más ingeniosamente la tradición del doble sentido del noir que Basic Instinct (1992), dirigida por Paul Verhoeven y escrita por Joe Eszterhas. La película también demuestra cómo la paleta policromada del neo-noir puede reproducir muchos de los efectos expresionistas del noir clásico en blanco y negro.

Al igual que Chinatown, su predecesora más compleja, la ganadora del Oscar L.A. Confidencial (1997), basada en la novela de James Ellroy, demuestra la tendencia opuesta: el cine negro deliberadamente retro; su historia de policías corruptos y mujeres fatales parece sacada directamente de una película de 1953, el año en el que se desarrolla. El director David Fincher siguió al inmensamente exitoso neo-noir Seven (1995) con una película que se convirtió en una película de culto después de su decepcionante lanzamiento original: Fight Club (1999), una mezcla sui generis de estética negra, comedia perversa, contenido especulativo e intención satírica.

"Dub Driving"

Angelo Badalamenti ha marcado la mayor parte del trabajo relacionado con el noir de David Lynch. Su trabajo en esta pista tipifica un estilo "moderno noir", que el director buscaba explícitamente Carretera perdida (1997).

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Trabajando generalmente con presupuestos mucho más pequeños, los hermanos Joel y Ethan Coen han creado una de las obras más extensas influenciadas por el cine negro clásico, con películas como Blood Simple (1984) y Fargo< /i> (1996), esta última considerada por algunos una obra suprema en la modalidad neo-noir. Los Coen cruzan el noir con otras tradiciones genéricas en el drama de gánsteres Miller's Crossing (1990), basado libremente en las novelas de Dashiell Hammett Red Harvest y The Glass Key—y la comedia The Big Lebowski (1998), un tributo a Chandler y un homenaje a la versión de Altman de The Long Goodbye. La característica obra de David Lynch combina tropos del cine negro con escenarios protagonizados por personajes perturbados como el criminal sociópata interpretado por Dennis Hopper en Blue Velvet (1986) y el delirante protagonista de Lost Highway. yo> (1997). El ciclo Twin Peaks, tanto la serie de televisión (1990-1991) como una película, Fire Walk with Me (1992), presenta una trama detectivesca a través de una sucesión de extraños espasmos.. David Cronenberg también mezcla surrealismo y noir en Naked Lunch (1991), inspirado en William S. Burroughs' novedoso.

Quizás ningún neo-noir estadounidense refleje mejor el espíritu clásico de la serie B noir que el del director y guionista Quentin Tarantino. Neo-noirs suyos como Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994) muestran una sensibilidad implacablemente autorreflexiva, a veces irónica, similar a la obra de los directores de la Nueva Ola y los Coen. Otras películas de la época fácilmente identificables como neo-noir (algunas retro, otras más au courant) incluyen Kill Me Again (1989), Red Rock West del director John Dahl. i> (1992) y La última seducción (1993); cuatro adaptaciones de novelas de Jim Thompson: The Kill-Off (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Grifters (1990), y el remake de The Getaway (1994); y muchos más, incluidas adaptaciones de la obra de otros importantes escritores de ficción negra: The Hot Spot (1990), de Hell Hath No Fury, de Charles Williams; Miami Blues (1990), de la novela de Charles Willeford; y Out of Sight (1998), de la novela de Elmore Leonard. Varias películas del director y guionista David Mamet incluyen elementos noir: House of Games (1987), Homicide (1991), The Spanish Prisoner (1997), y Heist (2001). En televisión, Moonlighting (1985–89) rindió homenaje al cine negro clásico al tiempo que demostró una apreciación inusual del sentido del humor que a menudo se encuentra en el ciclo original. Entre 1983 y 1989, el endurecido detective privado de Mickey Spillane, Mike Hammer, fue interpretado con irónico entusiasmo por Stacy Keach en una serie y varias películas de televisión independientes (se produjo un renacimiento fallido en 1997-1998). La miniserie británica The Singing Detective (1986), escrita por Dennis Potter, cuenta la historia de un escritor de misterio llamado Philip Marlow; Ampliamente considerado uno de los mejores neo-noirs en cualquier medio, algunos críticos lo ubican entre las mejores producciones televisivas de todos los tiempos.

Neón negro

Entre los autores de gran presupuesto, Michael Mann ha trabajado con frecuencia en un modo neo-noir, con películas como Thief (1981) y Heat (1995) y the Serie de televisión Miami Vice (1984–89) y Crime Story (1986–88). La producción de Mann ejemplifica una variedad principal de neo-noir, o como se le llama cariñosamente, 'neon noir', en la que se revisan temas y tropos clásicos en un entorno contemporáneo con un estilo actualizado. estilo visual de fecha y banda sonora musical basada en el rock o el hip hop.

La película Neo-noir toma prestado y refleja muchas de las características del cine negro: la presencia de crimen y violencia, personajes y tramas complejas, misterio y ambivalencia moral, todo lo cual entra en juego en el neón. subgénero negro. Pero más que simplemente exhibir los rasgos superficiales del género, neon-noir enfatiza la crítica social del cine negro, recordando las dimensiones socioculturales específicas de los años de entreguerras cuando los noirs se hicieron prominentes por primera vez; un tiempo de crisis existencial global, depresión y el movimiento masivo de la población rural a las ciudades. Las tomas largas o los montajes de paisajes urbanos, a menudo retratados como oscuros y amenazantes, sugieren lo que Dueck denominó una "perspectiva sombría de la sociedad", proporcionando una crítica sobre el capitalismo global y el consumismo. Otras características incluyen el uso de técnicas de iluminación altamente estilizadas como el claroscuro, letreros de neón y edificios muy iluminados que brindan una sensación de alienación y atrapamiento.

Acentuando el uso de la iluminación artificial y de neón en el cine negro de los años 40 y 50, las películas de neón-noir acentúan esta estética con color electrizante y luz manipulada para resaltar su socio- críticas culturales y sus referencias a la cultura pop y contemporánea. Al hacerlo, las películas neon-noir presentan los temas de la decadencia urbana, la decadencia consumista y el capitalismo, el existencialismo, la sexualidad y cuestiones de raza y violencia en la cultura contemporánea, no solo en Estados Unidos, sino en el mundo globalizado en general.

Neon-noirs busca traer el noir contemporáneo, algo diluido bajo el paraguas del neo-noir, de regreso a la exploración de la cultura: clase, raza, género, patriarcado y capitalismo. Neon-noirs presenta una exploración existencial de la sociedad en un mundo hipertecnológico y globalizado. Al ilustrar la sociedad como decadente y consumista, y la identidad como confusa y ansiosa, los neon-noirs reubican el noir contemporáneo en el escenario de la decadencia urbana, a menudo presentando escenas ambientadas en lugares subterráneos de la ciudad: burdeles, clubes nocturnos, casinos, bares de striptease, casas de empeño, lavanderías.

Neon-noirs se popularizó en los años 70 y 80 con películas como Taxi Driver (1976), Blade Runner (1982) y películas de David Lynch, como Blue Velvet (1986) y, más tarde, Lost Highway (1997). Otros títulos de esta época incluyeron Blow Out (1981) de Brian De Palma y The Coen Brothers' debut Blood Simple (1984). Más actualmente, películas como la muy provocativa Spring Breakers (2012) de Harmony Korine y Trance (2013) de Danny Boyle se han destacado especialmente por su interpretación del cine negro con infusión de neón.; mientras que Trance fue celebrado por 'sacudir (hacer) los ingredientes (del noir) como arena coloreada en un frasco', Spring Breakers produjo una gran cantidad de críticas en referencia a su estética de 'sueño febril' y 'explosión de exceso cubierta de neón' (Kohn). Otro neon-noir dotado de la 'fiebre-sueño' estética es The Persian Connection, expresamente vinculada a la estética lynchiana como un noir contemporáneo bañado en neón.

Neon-noir puede verse como una respuesta al uso excesivo del término neo-noir. Si bien el término neo-noir funciona para traer el noir al panorama contemporáneo, a menudo ha sido criticado por su dilución del género noir. El autor Robert Arnett comentó sobre su "amorfo" Alcance: "cualquier película protagonizada por un detective o un crimen califica". El neon-noir, más específicamente, busca revivir las sensibilidades del noir en una forma de referencia más específica, focalizando los comentarios socioculturales y una estética hiperestilizada.

Años 2000 y 2010

Los hermanos Coen vuelven a hacer referencia a la tradición noir con The Man Who Wasn't There (2001); un melodrama criminal en blanco y negro ambientado en 1949; presenta una escena aparentemente montada para reflejar una de Out of the Past. Mulholland Drive (2001) de Lynch continuó en su vena característica, convirtiendo el clásico escenario del cine negro de Los Ángeles en el escenario de un rompecabezas psicológico con influencias del cine negro. El debut en blanco y negro del director británico Christopher Nolan, Following (1998), fue un homenaje abierto al cine negro clásico. Durante la primera década del nuevo siglo, fue uno de los principales directores de neo-noir de Hollywood con la aclamada Memento (2000) y el remake de Insomnia (2002).

The Pledge (2001), del director Sean Penn, aunque adaptado de una novela muy autorreflexiva de Friedrich Dürrenmatt, juega al cine negro comparativamente directo, con un efecto devastador. El guionista David Ayer actualizó el clásico cuento de policías malos del noir, tipificado por Shield for Murder (1954) y Rogue Cop (1954), con sus guiones para Training Day (2001) y, adaptando un cuento de James Ellroy, Dark Blue (2002); más tarde escribió y dirigió la aún más oscura Harsh Times (2006). Collateral (2004) de Michael Mann presenta una actuación de Tom Cruise como un asesino en el linaje de Le Samouraï. Los tormentos de The Machinist (2004), dirigida por Brad Anderson, evocan tanto Fight Club como Memento. En 2005, Shane Black dirigió Kiss Kiss Bang Bang, basando su guión en parte en una novela policíaca de Brett Halliday, quien publicó sus primeras historias en la década de 1920. La película juega con la conciencia no solo del noir clásico, sino también de la propia reflexividad del neo-noir.

Con películas ultraviolentas como Sympathy for Mr. Vengeance (2002) y Thirst (2009), Park Chan-wook de Corea del Sur ha sido el más destacado director fuera de los Estados Unidos para trabajar regularmente en un modo noir en el nuevo milenio. El neo-noir de mayor éxito comercial de este período ha sido Sin City (2005), dirigida por Robert Rodríguez en un blanco y negro extravagantemente estilizado con toques de color. La película se basa en una serie de historietas creadas por Frank Miller (acreditado como el codirector de la película), que a su vez están en deuda abierta con los trabajos de Spillane y otros autores de misterio pulp. Del mismo modo, las novelas gráficas proporcionan la base para Road to Perdition (2002), dirigida por Sam Mendes, y A History of Violence (2005), dirigida por David Cronenberg; esta última fue votada como la mejor película del año en la encuesta anual Village Voice. Brick (2005), del escritor y director Rian Johnson, que presenta a estudiantes de secundaria de hoy en día hablando una versión del argot duro de la década de 1930, ganó el Premio Especial del Jurado a la Originalidad de la Visión en el Festival de Cine de Sundance. La serie de televisión Veronica Mars (2004–07) y la película Veronica Mars (2014) también dieron un giro orientado a la juventud al cine negro. Los ejemplos de este tipo de crossover genérico se han denominado "teen noir".

Las películas neo-noir estrenadas en la década de 2010 incluyen I Saw the Devil (2010) de Kim Jee-woon, Point Blank (2010) de Fred Cavaye, Na Hong-jin El mar amarillo (2010), Drive de Nicolas Winding Refn (2011), Claire Denis' Bastards (2013) y Nightcrawler de Dan Gilroy (2014).

Años 2020

The Science Channel transmitió la serie de documentales científicos de 2021 Killers of the Cosmos en un formato que describe como "espacio negro". En la serie, el actor Aidan Gillen en forma animada actúa como presentador de la serie mientras interpreta a un investigador privado que se hace cargo de 'casos'. en el que "caza hacia abajo" amenazas letales para la humanidad planteadas por el cosmos. Las secuencias animadas combinan las características del cine negro con las de una novela gráfica pulp fiction ambientada a mediados del siglo XX, y vinculan segmentos documentales convencionales de acción real en los que los expertos describen los fenómenos potencialmente mortales.

Ciencia ficción negra

Harrison Ford como detective Rick Deckard en Blade Runner (1982). Como muchos noirs clásicos, la película está ambientada en una versión de Los Ángeles donde constantemente llueve. El vapor en primer plano es una tropa de noir familiar, mientras que el "exterior azul-esmoky" actualiza el modo negro-y-blanco.

En la era posclásica, una tendencia importante en los crossovers del cine negro ha sido la ciencia ficción. En Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard, Lemmy Caution es el nombre del detective privado de la vieja escuela en la ciudad del mañana. The Groundstar Conspiracy (1972) se centra en otro investigador implacable y amnésico llamado Welles. Soylent Green (1973), el primer gran ejemplo estadounidense, retrata un mundo distópico de futuro cercano a través de una trama de detección de cine negro; protagonizada por Charlton Heston (protagonista de Touch of Evil), también cuenta con los clásicos del cine negro Joseph Cotten, Edward G. Robinson y Whit Bissell. La película fue dirigida por Richard Fleischer, quien dos décadas antes había dirigido varias sólidas películas de serie B, incluidas Armored Car Robbery (1950) y The Narrow Margin (1952).

La perspectiva cínica y elegante del cine negro clásico tuvo un efecto formativo en el género ciberpunk de ciencia ficción que surgió a principios de la década de 1980; la película que más influyó directamente en el cyberpunk fue Blade Runner (1982), dirigida por Ridley Scott, que rinde un evocador homenaje a la moda negra clásica (Scott dirigió posteriormente el conmovedor melodrama negro sobre crímenes de 1987 Alguien para Cuídame). El erudito Jamaluddin Bin Aziz ha observado cómo "la sombra de Philip Marlowe persiste en" en ese otro "noir futuro" películas como 12 monos (1995), Dark City (1998) y Minority Report (2002). El debut cinematográfico de Fincher fue Alien 3 (1992), que evocaba la clásica película de cine negro carcelario Brute Force.

Crash (1996) de David Cronenberg, una adaptación de la novela especulativa de J. G. Ballard, ha sido descrita como una "película negra en tonos magullados". El héroe es objeto de investigación en Gattaca (1997), que fusiona motivos de cine negro con un escenario deudor de Brave New World. The Thirteenth Floor (1999), al igual que Blade Runner, es un homenaje explícito al noir clásico, en este caso de especulaciones sobre la realidad virtual. Ciencia ficción, noir y anime se unen en las películas japonesas de los 90 Ghost in the Shell (1995) y Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), ambas Dirigida por Mamoru Oshii. The Animatrix (2003), basada y ambientada en el mundo de la trilogía cinematográfica The Matrix, contiene un cortometraje de anime en estilo noir clásico titulado "A Detective Story& #34;. Las series de televisión de anime con temas de ciencia ficción noir incluyen Noir (2001) y Cowboy Bebop (1998).

La película de 2015 Ex Machina le da un discreto giro de cine negro al mito de Frankenstein, con la inteligente androide Ava como una potencial femme fatale, su creador Nathan encarnando al abusivo esposo o padre tropo, y su posible salvador Caleb como un "vagabundo despistado" cautivado por Ava.

Parodias

El cine negro ha sido parodiado muchas veces de muchas maneras. En 1945, Danny Kaye protagonizó lo que parece ser la primera parodia intencional del cine negro, Wonder Man. Ese mismo año, Deanna Durbin fue la cantante principal en la comedia negra Lady on a Train, que se burla del miserabilismo nostálgico de la marca Woolrich. Bob Hope inauguró la parodia del cine negro de detectives privados con My Favourite Brunette (1947), interpretando a un fotógrafo de bebés al que confunden con un detective férreo. También en 1947, The Bowery Boys apareció en Hard Boiled Mahoney, que tenía una trama similar de identidad errónea; parodiaron el género una vez más en Private Eyes (1953). Dos producciones de RKO protagonizadas por Robert Mitchum llevan el cine negro al otro lado de la frontera y lo convierten en una autoparodia: The Big Steal (1949), dirigida por Don Siegel, y His Kind of Woman (1951).). La "caza de chicas" El ballet en The Band Wagon (1953) de Vincente Minnelli es una destilación de diez minutos y un juego de noir en la danza. The Cheap Detective (1978), protagonizada por Peter Falk, es una amplia parodia de varias películas, incluidos los clásicos de Bogart The Maltese Falcon y Casablanca. Dead Men Don't Wear Plaid (1982) de Carl Reiner en blanco y negro se apropia de fragmentos de noirs clásicos para un pastiche ridículo, mientras que su Fatal Instinct (1993) lanza noir clásico (Double Indemnity) y neo-noir (Basic Instinct). Quién engañó a Roger Rabbit (1988) de Robert Zemeckis desarrolla una trama negra ambientada en la década de 1940 en Los Ángeles en torno a una serie de personajes de dibujos animados.

"La soledad me ha seguido toda mi vida, en todas partes. En bares, en autos, aceras, tiendas, en todas partes. No hay escape. Soy el hombre solitario de Dios." Robert De Niro como antihéroe neo-noir Travis Bickle Taxi Driver (1976)

Las parodias de Noir también vienen en tonos más oscuros. Murder by Contract (1958), dirigida por Irving Lerner, es una broma inexpresiva sobre el noir, con un desenlace tan sombrío como cualquiera de las películas que bromea. Una producción de Columbia Pictures de ultra bajo presupuesto, puede calificarse como el primer ejemplo intencional de lo que ahora se llama una película neo-noir; probablemente fue una fuente de inspiración tanto para Le Samouraï de Melville como para Taxi Driver de Scorsese. Contradiciendo su tensión paródica, el acto final de The Long Goodbye'es seriamente grave. Taxi Driver deconstruye cáusticamente la "oscuridad" película policiaca, llevándola a un extremo absurdo y luego ofreciendo una conclusión que logra burlarse de todos los posibles finales anticipados (triunfante, trágico, ingeniosamente ambivalente) mientras son todos, todos a la vez. Coqueteando con el estatus de salpicadura aún más descaradamente, los Coens' Blood Simple es tanto un pastiche exigente como una gran exageración del cine negro clásico. Adaptada por el director Robinson Devor de una novela de Charles Willeford, The Woman Chaser (1999) presenta no solo el modo noir sino todo el proceso cinematográfico de Hollywood, con cada toma aparentemente escenificada como el equivalente visual de una mordaz broma de Marlowe.

En otros medios, la serie de televisión Sledge Hammer! (1986–88) satiriza el cine negro, junto con temas como la pena capital, el fetichismo de las armas y Harry el Sucio. Plaza Sésamo (1969–presente) ocasionalmente presenta a Kermit the Frog como detective privado; los bocetos hacen referencia a algunos de los motivos típicos del cine negro, en particular la voz en off. El programa de radio de Garrison Keillor A Prairie Home Companion presenta al personaje recurrente Guy Noir, un detective empedernido cuyas aventuras siempre desembocan en una farsa (Guy también aparece en la película dirigida por Altman basada en Keillor').;s espectáculo). Nick Danger de Firesign Theatre ha pisado las mismas calles no tan malas, tanto en la radio como en álbumes de comedia. Dibujos animados como Garfield's Babes and Bullets (1989) y personajes de tiras cómicas como Tracer Bullet de Calvin and Hobbes han parodiado tanto el cine negro como la tradición afín. —una de las fuentes de las que surgió el cine negro y que ahora eclipsa.

Características de identificación

Algunos consideran Vertigo (1958) un noir sobre la base de trama y tono y diversos motivos, pero tiene un diseño gráfico modernista típico de la década de 1950 y un diseño más moderno, que lo eliminaría de la categoría de noir de película. Otros dicen que la combinación de color y la especificidad de la visión del director Alfred Hitchcock lo excluyen de la categoría.

En su canon original de cine negro de 1955, Raymond Borde y Etienne Chaumeton identificaron veintidós películas de Hollywood estrenadas entre 1941 y 1952 como ejemplos centrales; enumeraron otras cincuenta y nueve películas estadounidenses de la época como significativamente relacionadas con el campo del noir. Medio siglo después, los historiadores y críticos cinematográficos habían llegado a un acuerdo sobre un canon de aproximadamente trescientas películas entre 1940 y 1958. Sin embargo, quedan muchas diferencias de opinión sobre si otras películas de la época, entre ellas varias -las conocidas, califiquen como cine negro o no. Por ejemplo, La noche del cazador (1955), protagonizada por Robert Mitchum en una actuación aclamada, es tratada como una película negra por algunos críticos, pero no por otros. Algunos críticos incluyen Suspicion (1941), dirigida por Alfred Hitchcock, en sus catálogos de noir; otros lo ignoran. En cuanto a las películas realizadas antes o después del período clásico, o fuera de los Estados Unidos en cualquier momento, el consenso es aún más raro.

Para respaldar su categorización de ciertas películas como noirs y su rechazo a otras, muchos críticos se refieren a un conjunto de elementos que ven como ejemplos distintivos del modo. La cuestión de qué constituye el conjunto de características identitarias del noir es una fuente fundamental de controversia. Por ejemplo, los críticos tienden a definir el cine negro modelo con una conclusión trágica o sombría, pero muchos clásicos reconocidos del género tienen finales claramente felices (por ejemplo, Stranger on the Third Floor, The Big Sleep, Dark Passage y The Dark Corner), mientras que el tono de muchos otros desenlaces del cine negro es ambivalente. Algunos críticos perciben el sello distintivo del cine negro clásico como un estilo visual distintivo. Otros, observando que en realidad existe una variedad estilística considerable entre los noirs, en cambio enfatizan la trama y el tipo de personaje. Otros se centran en el estado de ánimo y la actitud. Por lo tanto, ningún estudio de las características de identificación del cine negro clásico puede considerarse definitivo. En las décadas de 1990 y 2000, los críticos dirigieron cada vez más su atención a ese diverso campo de películas llamado neo-noir; una vez más, hay aún menos consenso sobre los atributos definitorios de tales películas realizadas fuera del período clásico.

Estilo visual

Los esquemas de iluminación discretos de muchas películas negras clásicas se asocian con contrastes claros/oscuros y patrones de sombras dramáticos, un estilo conocido como claroscuro (un término adoptado de la pintura renacentista). Las sombras de las persianas venecianas o las barras de la barandilla, proyectadas sobre un actor, una pared o un escenario completo, son una imagen icónica del noir y ya se habían convertido en un cliché mucho antes de la era del neo-noir. Personajes' los rostros pueden estar parcial o totalmente oscurecidos por la oscuridad, una rareza relativa en el cine convencional de Hollywood. Si bien muchos consideran que la cinematografía en blanco y negro es uno de los atributos esenciales del cine negro clásico, las películas en color Leave Her to Heaven (1945) y Niagara (1953) se incluyen habitualmente en filmografías de cine negro, mientras que Slightly Scarlet (1956), Party Girl (1958) y Vertigo (1958) se clasifican como noir por un número variable de críticos.

El cine negro también es conocido por el uso de tomas de ángulo bajo, gran angular y sesgadas u holandesas. Otros dispositivos de desorientación relativamente comunes en el cine negro incluyen tomas de personas reflejadas en uno o más espejos, tomas a través de vidrios curvos o esmerilados u otros objetos que distorsionan (como durante la escena del estrangulamiento en Extraños en un tren)., y secuencias de efectos especiales de naturaleza a veces extraña. A menudo se empleaba el rodaje noche por noche, a diferencia de la norma de Hollywood de día por noche. Desde mediados de la década de 1940 en adelante, el rodaje en exteriores se hizo cada vez más frecuente en el cine negro.

En un análisis del enfoque visual de Kiss Me Deadly, un ejemplo tardío y tímidamente estilizado de noir clásico, el crítico Alain Silver describe cómo las elecciones cinematográficas enfatizan los temas de la historia y estado animico. En una escena, los personajes, vistos a través de una 'confusión de formas angulares', parecen 'atrapados en un vórtice tangible o encerrados en una trampa'. Silver defiende cómo "se usa la luz lateral... para reflejar la ambivalencia de los personajes", mientras que las tomas de personajes en las que están iluminados desde abajo "se ajustan a una convención de expresión visual que asocia sombras echado hacia arriba de la cara con el antinatural y ominoso".

Estructura y dispositivos narrativos

Barbara Stanwyck y Burt Lancaster fueron dos de las estrellas más prolíficas del noir clásico. La compleja estructura de Lo siento, Número equivocado (1948) implica una historia en tiempo real, múltiples narradores y flashbacks dentro de flashbacks.

Las películas negras tienden a tener argumentos inusualmente complicados, que con frecuencia involucran flashbacks y otras técnicas de edición que interrumpen y, a veces, oscurecen la secuencia narrativa. Enmarcar toda la narrativa principal como un flashback también es un dispositivo estándar. La narración en off, a veces utilizada como un dispositivo estructurador, llegó a verse como un sello distintivo del cine negro; mientras que el noir clásico se asocia generalmente con la narración en primera persona (es decir, por el protagonista), Stephen Neale señala que la narración en tercera persona es común entre los noirs del estilo semidocumental. Neo-noirs tan variados como The Element of Crime (surrealista), After Dark, My Sweet (retro) y Kiss Kiss Bang Bang (meta) han empleado la combinación de flashback/voz en off.

A veces se intentaron audaces experimentos en la narración cinematográfica durante la época clásica: La dama del lago, por ejemplo, está rodada enteramente desde el punto de vista del protagonista Philip Marlowe; el rostro de la estrella (y director) Robert Montgomery solo se ve en los espejos. The Chase (1946) toma el onirismo y el fatalismo como base de su sistema narrativo fantástico, con reminiscencias de ciertas historias de terror, pero con pocos precedentes en el contexto de un género supuestamente realista. A su manera, tanto Sunset Boulevard como D.O.A. son historias contadas por hombres muertos. El cine negro de los últimos días ha estado a la vanguardia de la experimentación estructural en el cine popular, como lo demuestran películas como Pulp Fiction, Fight Club y Memento.

Tramas, personajes y escenarios

El crimen, generalmente el asesinato, es un elemento de casi todas las películas negras; Además de la codicia estándar, los celos son frecuentemente la motivación criminal. La investigación de un crimen, por parte de un detective privado, un detective de la policía (que a veces actúa solo) o un aficionado preocupado, es la trama básica más frecuente, pero lejos de ser dominante. En otras tramas comunes, los protagonistas están implicados en atracos o estafas, o en conspiraciones asesinas que a menudo involucran asuntos adúlteros. Las falsas sospechas y las acusaciones de delitos son elementos frecuentes de la trama, al igual que las traiciones y las traiciones. Según J. David Slocum, "los protagonistas asumen las identidades literales de hombres muertos en casi el quince por ciento de todo el cine negro". La amnesia es bastante epidémica: la versión 'noir' del resfriado común', en palabras del historiador de cine Lee Server.

A finales de la década de 1940, la tendencia noir dejaba su marca en otros géneros. Un primer ejemplo es el oeste Pursued (1947), lleno de tensiones psicosexuales y explicaciones conductuales derivadas de la teoría freudiana.

El cine negro tiende a girar en torno a héroes que son más defectuosos y moralmente cuestionables que la norma, a menudo chiflados de un tipo u otro. Muchos críticos describen a los protagonistas característicos del noir como "alienados"; en palabras de Silver y Ward, "lleno de amargura existencial". Ciertos personajes arquetípicos aparecen en muchas películas negras: detectives empedernidos, mujeres fatales, policías corruptos, maridos celosos, intrépidos ajustadores de siniestros y escritores de mala muerte. Entre los personajes de todas las tendencias, el tabaquismo es rampante. Desde comentaristas históricos hasta películas neo-noir y efímeras de la cultura pop, el detective privado y la mujer fatal han sido adoptados como las figuras del cine negro por excelencia, aunque no aparecen en la mayoría de las películas que ahora se consideran clásicas. De las veintiséis películas negras del National Film Registry, solo en cuatro la estrella interpreta a un detective privado: The Maltese Falcon, The Big Sleep, Out of the Past y Bésame mortal. Solo otras cuatro califican fácilmente como historias de detectives: Laura, The Killers, The Naked City y Touch of Evil. Por lo general, hay un elemento de uso de drogas o alcohol, particularmente como parte del método del detective para resolver el crimen, por ejemplo, el personaje de Mike Hammer en la película de 1955 Kiss Me Deadly que entra en un bar diciendo "Dame un bourbon doble y deja la botella". Chaumeton y Borde han argumentado que el cine negro surgió de la "literatura de drogas y alcohol".

El cine negro a menudo se asocia con un entorno urbano, y algunas ciudades (Los Ángeles, San Francisco, Nueva York y Chicago, en particular) son la ubicación de muchas de las películas clásicas. A los ojos de muchos críticos, la ciudad se presenta en noir como un "laberinto" o "laberinto". Bares, salones, clubes nocturnos y casas de juego son frecuentemente escenarios de acción. Los clímax de un número considerable de películas de cine negro tienen lugar en escenarios visualmente complejos, a menudo industriales, como refinerías, fábricas, estaciones de tren, centrales eléctricas; el más famoso es el final explosivo de White Heat, ambientado en una planta química planta. En la imaginación popular (y, con bastante frecuencia, crítica), en el noir siempre es de noche y siempre llueve.

Una tendencia sustancial dentro del noir de los últimos días, denominada "film soleil" por el crítico D. K. Holm, se dirige precisamente en la dirección opuesta, con historias de engaño, seducción y corrupción que explotan escenarios brillantes y soleados, estereotípicamente el desierto o el mar abierto, con un efecto abrasador. Los predecesores significativos de las eras clásica y posclásica temprana incluyen La dama de Shanghái; el vehículo de Robert Ryan Inferno (1953); la adaptación francesa de The Talented Mr. Ripley de Patricia Highsmith, Plein soleil (Purple Noon en los Estados Unidos, interpretada con más precisión en otros lugares como Blazing Sun o Full Sun; 1960); y la versión del director Don Siegel de The Killers (1964). La tendencia alcanzó su apogeo a finales de los años 80 y 90, con películas como Dead Calm (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Hot Spot (1990), Delusion (1991), Red Rock West (1993) y la serie de televisión Miami Vice.

Visión del mundo, moralidad y tono

"Tienes un toque de clase, pero no sé lo lejos que puedes ir."
"Mucho depende de quién está en la silla."
Bogart y Bacall en El gran sueño.

El cine negro suele describirse como esencialmente pesimista. Las historias de cine negro que se consideran más características hablan de personas atrapadas en situaciones no deseadas (que, en general, no causaron, sino que son responsables de exacerbar), luchando contra el destino aleatorio e indiferente, y con frecuencia están condenados. Se considera que las películas representan un mundo inherentemente corrupto. Muchos críticos han asociado el cine negro clásico con el panorama social estadounidense de la época, en particular, con una sensación de mayor ansiedad y alienación que se dice que siguió a la Segunda Guerra Mundial. En opinión del autor Nicholas Christopher, "es como si la guerra, y las erupciones sociales posteriores, hubieran desatado demonios que habían estado reprimidos en la psique nacional". A menudo se dice que las películas negras, especialmente las de la década de 1950 y el apogeo de Red Scare, reflejan una paranoia cultural; Kiss Me Deadly es la novela negra que se presenta con mayor frecuencia como prueba de esta afirmación.

A menudo se dice que el cine negro se define por la "ambigüedad moral", sin embargo, el Código de Producción obligó a casi todos los clásicos del cine negro a ver que la virtud constante era finalmente recompensada y el vicio, en ausencia de vergüenza y redención, severamente castigado (por dramáticamente increíble que pueda ser la interpretación final de la justicia obligatoria). Un número considerable de noirs de los últimos días se burlan de tales convenciones: el vicio emerge triunfante en películas tan variadas como el sombrío Chinatown y el obsceno Hot Spot.

El tono del cine negro generalmente se considera pesimista; algunos críticos lo perciben como aún más oscuro, "abrumadoramente negro", según Robert Ottoson. El influyente crítico (y cineasta) Paul Schrader escribió en un ensayo seminal de 1972 que el "cine negro se define por el tono", un tono que parece percibir como "desesperado";. Al describir la adaptación de Double Indemnity, el analista de cine negro Foster Hirsch describe el "tono desesperanzado necesario" logrado por los cineastas, lo que parece caracterizar su visión del noir en su conjunto. Por otro lado, film noirs definitivos como The Big Sleep, The Lady from Shanghai, Scarlet Street y Double Indemnity son famosos por sus réplicas duras, a menudo imbuidas de insinuaciones sexuales y humor autorreflexivo.

Música

La música del cine negro era típicamente orquestal, según la norma de Hollywood, pero a menudo con disonancia añadida. Muchos de los principales compositores, al igual que los directores y camarógrafos, eran emigrados europeos, por ejemplo, Max Steiner (The Big Sleep, Mildred Pierce), Miklós Rózsa (Double Indemnity, The Killers, Criss Cross) y Franz Waxman (Fury, Dark City, La noche y la ciudad). Double Indemnity es una partitura fundamental, que al principio no le gustó al director musical de Paramount por su dureza, pero que recibió el fuerte respaldo del director Billy Wilder y el jefe de estudio Buddy DeSylva. Existe una impresión popular generalizada de que "sórdido" El saxofón de jazz y el bajo pizzicato constituyen el sonido del noir, pero esas características surgieron mucho más tarde, como en la música de Henry Mancini de fines de la década de 1950 para Touch of Evil y la serie de televisión Peter Gunn. .

Lecturas sugeridas

Escucha sugerida

• Asesinato es Mi Beat: Temas y Escenas de Cine Clásico (1997, Rhino Movie Music) - CD de audio de 18 vías
• Maltese Falcons, Third Men ' Touches of Evil-The Sound of Film Noir 1941-1950 (2019, Jasmine Records [UK]) - 42-track audio CD
• Film Noir: Six Classic Soundtracks (2016, Real Gone Jazz [UK]) - 57 pistas sobre 4 CDs de audio