Cine del Reino Unido
El Reino Unido ha tenido una importante industria cinematográfica durante más de un siglo. Si bien la producción cinematográfica alcanzó un máximo histórico en 1936, la "edad de oro" Se suele pensar que el desarrollo del cine británico ocurrió en la década de 1940, durante la cual los directores David Lean, Michael Powell (con Emeric Pressburger) y Carol Reed produjeron sus obras más aclamadas por la crítica. Muchos actores británicos han obtenido el éxito de la crítica y el reconocimiento mundial, como Audrey Hepburn, Olivia de Havilland, Glynis Johns, Maggie Smith, Roger Moore, Michael Caine, Sean Connery, Joan Collins, Judi Dench, Julie Andrews, Daniel Day-Lewis, Gary Oldman, Emma Thompson, Hugh Grant y Kate Winslet. Algunas de las películas con los mayores retornos de taquilla de la historia se han realizado en el Reino Unido, incluidas la tercera y la sexta franquicia cinematográfica más taquilleras (Harry Potter y James Bond)..
La identidad de la industria cinematográfica británica, particularmente en lo que se refiere a Hollywood, ha sido a menudo objeto de debate. Su historia a menudo se ha visto afectada por los intentos de competir con la industria estadounidense. La carrera del productor Alexander Korda estuvo marcada por este objetivo, la Organización Rank lo intentó en la década de 1940 y Goldcrest en la década de 1980. Numerosos directores nacidos en Gran Bretaña, incluidos Alfred Hitchcock, Christopher Nolan y Ridley Scott, e intérpretes, como Charlie Chaplin y Cary Grant, han logrado el éxito principalmente a través de su trabajo en los Estados Unidos.
En 2009, las películas británicas recaudaron alrededor de 2 000 millones de dólares en todo el mundo y alcanzaron una cuota de mercado de alrededor del 7 % a nivel mundial y del 17 % en el Reino Unido. La recaudación de taquilla en el Reino Unido ascendió a 1.100 millones de libras esterlinas en 2012, con 172,5 millones de entradas.
El British Film Institute ha elaborado una encuesta que clasifica lo que considera las 100 mejores películas británicas de todos los tiempos, las 100 mejores películas británicas de BFI. Los Premios BAFTA anuales organizados por la Academia Británica de Cine y Televisión se consideran el equivalente británico de los Premios de la Academia.
Historia
Orígenes y cine mudo
La primera imagen en movimiento del mundo fue filmada en Leeds por Louis Le Prince en 1888 y las primeras imágenes en movimiento reveladas en película de celuloide fueron realizadas en Hyde Park, Londres en 1889 por el inventor británico William Friese Greene, quien patentó la proceso en 1890.
Los primeros en construir y operar una cámara de 35 mm en Gran Bretaña fueron Robert W. Paul y Birt Acres. Hicieron la primera película británica Incident at Clovelly Cottage en febrero de 1895, poco antes de pelearse por la patente de la cámara. Pronto se abrieron varias compañías cinematográficas británicas para satisfacer la demanda de nuevas películas, como Mitchell y Kenyon en Blackburn.
Aunque las primeras películas británicas trataban de hechos cotidianos, a principios del siglo XX aparecieron los cortos narrativos, principalmente comedias y melodramas. Las primeras películas a menudo tenían un tono melodramático y había una clara preferencia por las tramas ya conocidas por el público, en particular, las adaptaciones de las obras de Shakespeare y las novelas de Dickens.
Los hermanos Lumière trajeron su espectáculo a Londres por primera vez en 1896. En 1898, el productor estadounidense Charles Urban amplió Warwick Trading Company, con sede en Londres, para producir películas británicas, principalmente documentales y noticias.
En 1898, se fundó Gaumont-British Picture Corp. como una subsidiaria de la compañía francesa Gaumont Film, y en 1915 se construyeron los estudios Lime Grove en el oeste de Londres en el primer edificio construido en Gran Bretaña exclusivamente para la producción cinematográfica. También en 1898, Cecil Hepworth fundó Hepworth Studios en Lambeth, al sur de Londres, los Bamforth comenzaron a producir películas en Yorkshire y William Haggar comenzó a producir películas en Gales.
Dirigida por Walter R. Booth en 1901, Scrooge, or, Marley's Ghost es la primera adaptación cinematográfica de la novela festiva de Charles Dickens A Christmas Carol. La mano del artista de Booth (1906) ha sido descrita como la primera película de animación británica.
En 1902, Will Barker fundó Ealing Studios, convirtiéndose en el estudio de cine en funcionamiento continuo más antiguo del mundo.
En 1902 se hizo la primera película en color del mundo; como otras películas realizadas en ese momento, trata de hechos cotidianos. En 2012 fue encontrado por el Museo Nacional de Ciencias y Medios en Bradford después de haber estado olvidado en una lata vieja durante 110 años. Se pensaba que el título anterior de la película en color más antigua, que utilizaba el proceso Kinemacolor inferior de Urban, databa de 1909. Las películas redescubiertas fueron realizadas por el pionero Edward Raymond Turner de Londres, quien patentó su proceso el 22 de marzo de 1899.
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En 1903, Urban formó Charles Urban Trading Company, que produjo las primeras películas en color utilizando su proceso Kinemacolor patentado. Más tarde, Greene impugnó esto en los tribunales, lo que provocó que la empresa cerrara en 1915.
En 1903, Cecil Hepworth y Percy Stow dirigieron Alicia en el país de las maravillas, la primera adaptación cinematográfica del libro infantil de Lewis Carroll Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas.
En 1903, Frank Mottershaw de Sheffield produjo la película A Daring Daylight Robbery, que lanzó el género de las persecuciones.
En 1911 se fundó Ideal Film Company en Soho, Londres, que distribuía casi 400 películas en 1934 y producía 80.
En 1913, el director de escena Maurice Elvey comenzó a dirigir películas británicas y se convirtió en el director de cine más prolífico de Gran Bretaña, con casi 200 en 1957.
En 1914, Elstree Studios fue fundado y adquirido en 1928 por el alemán Ludwig Blattner, quien inventó un sistema de grabación de cinta magnética de acero que fue adoptado por la BBC en 1930.
En 1915, se formó la Kinematograph Renters’ Society of Great Britain and Ireland para representar a las empresas distribuidoras de películas. Es el organismo de comercio de películas más antiguo del mundo. Era conocida como la Sociedad de Distribuidores de Cine hasta que volvió a cambiar su nombre por el de Asociación de Distribuidores de Cine (FDA).
En 1920, Gaumont abrió Islington Studios, donde Alfred Hitchcock comenzó, vendiéndose a Gainsborough Pictures en 1927. También en 1920, Cricklewood Studios fue fundado por Sir Oswald Stoll, convirtiéndose en el estudio de cine más grande de Gran Bretaña, conocido por Fu Ciclo de cine Manchú y Sherlock Holmes.
En 1920, el actor Leslie Howard (también productor y director) y su amigo y editor de historias Adrian Brunel fundaron en Londres la compañía de corta duración Minerva Films. Algunas de sus primeras películas incluyen cuatro escritas por A. A. Milne, incluyendo The Bump, protagonizada por C. Aubrey Smith; Dos Veces Dos; Recompensa de cinco libras; y Ratones de biblioteca.
A mediados de la década de 1920, la industria cinematográfica británica estaba perdiendo frente a la fuerte competencia de los Estados Unidos, que se vio favorecida por su mercado interno mucho más grande: en 1914, el 25 % de las películas exhibidas en el Reino Unido eran británicas, pero en 1926 esto había caído al 5%. La depresión de 1924 provocó el cierre de muchos estudios cinematográficos británicos, lo que resultó en la aprobación de la Ley de películas cinematográficas de 1927 para impulsar la producción local, lo que exige que los cines muestren un cierto porcentaje de películas británicas. El acto fue técnicamente un éxito, ya que las audiencias de las películas británicas superaron la cuota requerida, pero tuvo el efecto de crear un mercado para películas de baja calidad y bajo costo, hechas para satisfacer la cuota. Los "rápidos de cuota", como se los conoció, a menudo son culpados por los historiadores por retrasar el desarrollo de la industria. Sin embargo, algunos cineastas británicos, como Michael Powell, aprendieron su oficio haciendo este tipo de películas. La ley se modificó con la Ley de películas cinematográficas de 1938 que ayudó a la industria cinematográfica británica al especificar que solo las películas realizadas y filmadas en Gran Bretaña se incluirían en la cuota, una ley que redujo drásticamente la producción cinematográfica canadiense y australiana.
Irónicamente, la mayor estrella de la era del cine mudo, el comediante inglés Charlie Chaplin, vivía en Hollywood.
El período del sonido temprano
El abogado escocés John Maxwell fundó British International Pictures (BIP) en 1927. Con sede en los antiguos British National Pictures Studios en Elstree, los propietarios originales de las instalaciones, incluido el productor y director Herbert Wilcox, habían tenido dificultades financieras. Una de las primeras películas de la compañía, Chantaje (1929) de Alfred Hitchcock, se considera a menudo como el primer largometraje sonoro británico. Era un medio hablado con una partitura sincronizada y efectos de sonido. A principios de 1929, se estrenó el primer largometraje británico en el que todo hablaba, The Clue of the New Pin. Se basó en una novela de Edgar Wallace, protagonizada por Donald Calthrop, Benita Home y Fred Raines, que fue realizada por British Lion en sus Beaconsfield Studios. El BIP de John Maxwell se convirtió en Associated British Picture Corporation (ABPC) en 1933. Los estudios de ABPC en Elstree llegaron a ser conocidos como la "fábrica de gachas de avena", según Lou Alexander, &# 34;por razones más probablemente relacionadas con la cantidad de películas que produjo la empresa, que con su calidad". Elstree (estrictamente hablando, casi todos los estudios estaban en la vecina Borehamwood) se convirtió en el centro de la industria cinematográfica británica, con seis complejos cinematográficos a lo largo de los años, todos muy cerca unos de otros.
En 1927, las cadenas de cine más grandes del Reino Unido consistían en alrededor de 20 cines, pero al año siguiente Gaumont-British se expandió significativamente hasta convertirse en la más grande, controlando 180 cines en 1928 y hasta 300 en 1929. Maxwell formó ABC Cinemas en 1927, que se convirtió en subsidiaria de BIP y pasó a convertirse en una de las más grandes del país, junto con Odeon Cinemas, fundada por Oscar Deutsch, quien abrió su primer cine en 1928. Para 1937, estas tres cadenas controlaban casi una cuarta parte de todos cines del país. Una contratación de una de estas cadenas era indispensable para el éxito de cualquier película británica.
Con la llegada de las películas sonoras, muchos actores extranjeros tenían menos demanda, y la pronunciación recibida en inglés se usaba comúnmente; por ejemplo, la voz de la actriz checa Anny Ondra en Chantaje fue sustituida por Joan Barry fuera de cámara durante las escenas de Ondra.
Comenzando con Drifters de John Grierson (también de 1929), el período vio el surgimiento de la escuela del Movimiento de Cine Documental realista, a partir de 1933 asociada con la Unidad de Cine GPO. Fue Grierson quien acuñó el término "documental" para describir una película de no ficción, y produjo las primeras películas más célebres del movimiento, Night Mail (1936), escrita y dirigida por Basil Wright y Harry Watt, e incorporando el poema de W. H. Auden hacia el final del corto.
Los teatros de variedades también influyeron en las películas de comedia de este período, y surgieron varias personalidades populares, como George Formby, Gracie Fields, Jessie Matthews y Will Hay. Estas estrellas a menudo hacían varias películas al año y sus producciones siguieron siendo importantes para la moral durante la Segunda Guerra Mundial.
Muchas de las películas británicas con mayores presupuestos durante la década de 1930 fueron producidas por London Films, fundada por el emigrado húngaro Alexander Korda. El éxito de La vida privada de Enrique VIII (1933), realizado en British y Dominions Elstree Studios, convenció a United Artists y The Prudential de invertir en Korda's Denham Film Studios, que abrió sus puertas en mayo. 1936, pero ambos inversionistas sufrieron pérdidas como resultado. Las películas de Korda antes de la guerra incluyeron Things to Come, Rembrandt (ambas de 1936) y Knight Without Armour (1937), así como como las primeras películas en Technicolor The Drum (1938) y The Four Feathers (1939). Estos habían seguido de cerca a Wings of the Morning (1937), el primer largometraje en Technicolor de tres tiras del Reino Unido, realizado por la rama local de 20th Century Fox. Aunque algunas de las películas de Korda se entregaron al 'ondear implacable de la bandera a favor del Imperio', las que presentaban a Sabu lo convirtieron en 'una gran estrella internacional'; "durante muchos años" tenía el perfil más alto de cualquier actor de origen indio. Paul Robeson también fue elegido para papeles protagónicos cuando "casi no había oportunidades" para que los afroamericanos "desempeñen papeles desafiantes" en las producciones de su propio país.
En 1933, el British Film Institute se estableció como la principal organización de cine en el Reino Unido. Establecieron la Biblioteca Nacional de Cine en 1935 (ahora conocida como el Archivo Nacional BFI), con Ernest Lindgren como curador.
En 1934, J. Arthur Rank se convirtió en cofundador de British National Films Company y ayudó a crear Pinewood Studios, que abrió sus puertas en 1936. También en 1936, Rank se hizo cargo de General Film Distributors y en 1937, Rank fundó The Rank. Organización. En 1938, General Film Distributors se afilió a Odeon Cinemas.
El aumento de los gastos y las expectativas demasiado optimistas de expansión en el mercado estadounidense provocaron una crisis financiera en 1937, después de que se estrenara un máximo histórico de 192 películas en 1936. De las 640 productoras británicas registradas entre 1925 y 1936, solo 20 todavía estaban activos en 1937. Además, la Ley de películas de 1927 estaba por renovarse. La Ley de películas cinematográficas de reemplazo de 1938 proporcionó incentivos, a través de una "prueba de calidad", para que las empresas del Reino Unido hicieran menos películas, pero de mayor calidad, y eliminaran las "cuotas rápidas". Influenciado por la política mundial, alentó la inversión y las importaciones estadounidenses. Uno de los resultados fue la creación de MGM-British, una subsidiaria inglesa del mayor estudio estadounidense, que produjo cuatro películas antes de la guerra, incluida Goodbye, Mr. Chips (1939).
La nueva empresa se basó inicialmente en Denham Studios. El propio Korda perdió el control de la instalación en 1939 ante la Organización de rango. Las circunstancias obligaron a Korda a terminar El ladrón de Bagdad (1940), una espectacular película de fantasía, en California, donde Korda continuó su carrera cinematográfica durante la guerra.
Con contrato ahora con Gaumont British, Alfred Hitchcock se había asentado en el género de suspenso a mediados de la década de 1930 con El hombre que sabía demasiado (1934), Los 39 escalones (1935) y La dama desaparece (1938). Alabado en Gran Bretaña, donde fue apodado "Alfred the Great" por la revista Picturegoer, la reputación de Hitchcock comenzaba a desarrollarse en el extranjero, con un periodista de The New York Times afirmando; “Tres instituciones únicas y valiosas que tienen los británicos que nosotros en Estados Unidos no tenemos. Magna Carta, el Tower Bridge y Alfred Hitchcock, el mejor director de melodramas cinematográficos del mundo." Luego, Hitchcock firmó un contrato de siete años con Selznick y se mudó a Hollywood.
Segunda Guerra Mundial
"La idea de una nación de devotos directores de cine está inextricablemente vinculada con el número de películas clásicas publicadas durante los años de guerra. Esta era la "edad de oro" del cine británico, un período en el que los cineastas como Humphrey Jennings, David Lean, Powell y Pressburger, y Carol Reed llegaron al frente".
Publicada en The Times el 5 de septiembre de 1939, dos días después de que Gran Bretaña declarara la guerra a Alemania, la carta de George Bernard Shaw protestaba contra la orden del gobierno de cerrar todos los lugares de entretenimiento, incluidos los cines. "¿Qué agente del canciller Hitler es el que ha sugerido que todos deberíamos acobardarnos en la oscuridad y el terror "mientras dure"?". Dos semanas después de la orden, se reabrieron los cines en las provincias, seguidos del centro de Londres dentro de un mes. En 1940, las cifras de entradas al cine aumentaron, hasta poco más de 1.000 millones en el año, y siguieron aumentando hasta superar los 1.500 millones en 1943, 1944 y 1945.
Humphrey Jennings comenzó su carrera como realizador de documentales justo antes de la guerra, en algunos casos trabajando en colaboración con codirectores. London Can Take It (con Harry Wat, 1940) detalló el Blitz mientras que Listen to Britain (con Stewart McAllister, 1942) se centró en el frente interno. La Unidad de Cine de la Corona, parte del Ministerio de Información, asumió las responsabilidades de la Unidad de Cine de GPO en 1940. Paul Rotha y Alberto Cavalcanti eran colegas de Jennings. Las películas británicas comenzaron a utilizar técnicas documentales; Cavalcanti se unió a Ealing para Went the Day Well? (1942),
Muchas otras películas ayudaron a dar forma a la imagen popular de la nación en guerra. Entre las más conocidas de estas películas se encuentran In Which We Serve (1942), We Dive at Dawn (1943), Millions Like Us (1943) y El camino por delante (1944). Los años de la guerra también vieron el surgimiento de la asociación The Archers entre el director Michael Powell y el escritor y productor de origen húngaro Emeric Pressburger con películas como La vida y muerte del coronel Blimp (1943) y Un cuento de Canterbury (1944).
Two Cities Films, una productora independiente que estrena sus películas a través de una subsidiaria de Rank, también realizó algunas películas importantes, incluidas las colaboraciones de Noël Coward y David Lean This Happy Breed (1944) y Blithe Spirit (1945), así como Henry V de Laurence Olivier (1944). En ese momento, Gainsborough Studios estaba lanzando su serie de melodramas de época ridiculizados por la crítica pero inmensamente populares, incluidos The Man in Grey (1943) y The Wicked Lady (1945). Nuevas estrellas, como Margaret Lockwood y James Mason, surgieron en las películas de Gainsborough.
Cine de posguerra
Hacia fines de la década de 1940, la Organización Rank se convirtió en la fuerza dominante detrás del cine británico, tras adquirir varios estudios británicos y la cadena Gaumont (en 1941) para agregarlos a sus cines Odeon. La grave crisis financiera de Rank en 1949, una pérdida y una deuda sustanciales, dieron como resultado la contracción de su producción cinematográfica. En la práctica, Rank mantuvo un duopolio industrial con ABPC (más tarde absorbida por EMI) durante muchos años.
Por el momento, la industria alcanzó nuevos niveles de creatividad en los años inmediatamente posteriores a la guerra. Entre las películas más significativas producidas durante este período se encuentran Brief Encounter (1945) de David Lean y sus adaptaciones de Dickens Great Expectations (1946) y Oliver Twist (1948), la comedia de Ken Annakin Miranda (1948) protagonizada por Glynis Johns, los thrillers de Carol Reed Odd Man Out (1947) y El tercer hombre (1949), y Cuestión de vida o muerte de Powell y Pressburger (1946), Black Narcissus (1947) y The Red Shoes (1948), la película de mayor éxito comercial de su año en los Estados Unidos. Hamlet de Laurence Olivier (también de 1948), fue la primera película no estadounidense en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película. Ealing Studios (respaldados financieramente por Rank) comenzaron a producir sus comedias más célebres, con tres de las películas más recordadas, Whisky Galore (1948), Kind Hearts and Coronets y Pasaporte a Pimlico (ambas de 1949), siendo estrenadas casi simultáneamente. Su película de terror acrónimo Dead of Night (1945) también es particularmente apreciada.
En virtud de la Ley de Derechos de Importación de 1932, el Tesoro de Su Majestad impuso un arancel del 75 % sobre todas las importaciones de películas el 6 de agosto de 1947, que se conoció como Impuesto Dalton (en honor a Hugh Dalton, entonces Ministro de Hacienda). El impuesto entró en vigor el 8 de agosto y se aplica a todas las películas importadas, de las cuales la gran mayoría provino de Estados Unidos; Los ingresos de los estudios de cine estadounidenses del Reino Unido habían superado los 68 millones de dólares estadounidenses en 1946. Al día siguiente, 9 de agosto, la Motion Picture Association of America anunció que no se suministrarían más películas a los cines británicos hasta nuevo aviso. El deber de Dalton finalizó el 3 de mayo de 1948 y los estudios estadounidenses volvieron a exportar películas al Reino Unido, aunque el Plan Marshall prohibió a las compañías cinematográficas estadounidenses sacar divisas de las naciones en las que se proyectaban sus películas.
Después de la Ley de producción de películas cinematográficas (préstamos especiales) de 1949, se estableció la National Film Finance Corporation (NFFC) como una agencia de financiación cinematográfica británica.
El Eady Levy, llamado así por Sir Wilfred Eady, era un impuesto sobre los ingresos de taquilla en el Reino Unido para apoyar a la industria cinematográfica británica. Se estableció en 1950 y entró en vigencia en 1957. Un pago gubernamental directo a los productores británicos habría calificado como un subsidio según los términos del Acuerdo General sobre Aranceles Aduaneros y Comercio y habría provocado objeciones por parte de los productores cinematográficos estadounidenses. Un gravamen indirecto no calificaba como subvención, por lo que era una forma adecuada de proporcionar financiación adicional para la industria cinematográfica del Reino Unido y evitar las críticas del extranjero.
En 1951, el Teatro Nacional de Cine se inauguró inicialmente en un edificio temporal en el Festival de Gran Bretaña. Se trasladó a su ubicación actual en South Bank en Londres para el primer Festival de Cine de Londres el 16 de octubre de 1957 organizado por el BFI.
Durante la década de 1950, la industria británica comenzó a concentrarse en comedias populares y dramas de la Segunda Guerra Mundial dirigidos más directamente a la audiencia nacional. Las películas de guerra a menudo se basaban en historias reales y se hacían con un estilo discreto similar al de sus predecesores en tiempos de guerra. Ayudaron a convertir en estrellas a actores como John Mills, Jack Hawkins y Kenneth More. Algunos de los más exitosos incluyen The Cruel Sea (1953), The Dam Busters (1954), The Colditz Story (1955) y Alcanzar el cielo (1956).
The Rank Organization produjo algunos éxitos cómicos, como Genevieve (1953). El equipo de escritores, directores y productores de los hermanos gemelos John y Roy Boulting también produjeron una serie de sátiras exitosas sobre la vida y las instituciones británicas, comenzando con Private's Progress (1956) y continuando con (entre otros) Cuñados (1957), Carlton-Browne of the F.O. (1958) y I'm All Right Jack (1959). Protagonizando School for Scoundrels (1960), el British Film Institute pensó que Terry-Thomas era "sobresaliente como un saltador británico clásico".
Las series de comedia populares incluyeron "Doctor" serie, comenzando con Doctor in the House (1954). La serie originalmente fue protagonizada por Dirk Bogarde, probablemente la estrella más popular de la industria británica de la década de 1950, aunque las películas posteriores tuvieron a Michael Craig y Leslie Phillips en los papeles principales. La serie Carry On comenzó en 1958 con entregas regulares que aparecieron durante los siguientes veinte años. El director y productor italiano Mario Zampi también realizó una serie de exitosas comedias negras, incluidas Risas en el paraíso (1951), La verdad al desnudo (1957) y Demasiados Ladrones (1958). Ealing Studios había continuado con su racha de comedias exitosas, incluidas The Lavender Hill Mob (1951) y The Ladykillers (1955), pero la compañía cesó la producción en 1958, después de que los estudios ya había sido comprado por la BBC.
La censura menos restrictiva hacia fines de la década de 1950 animó al productor de cine Hammer Films a embarcarse en su serie de películas de terror comercialmente exitosas. Comenzando con adaptaciones de las series de ciencia ficción de la BBC de Nigel Kneale The Quatermass Experiment (1955) y Quatermass II (1957), Hammer pasó rápidamente a The Curse de Frankenstein (1957) y Drácula (1958), ambas engañosamente lujosas y las primeras películas góticas de terror en color. El estudio produjo numerosas secuelas y variantes, siendo los actores ingleses Peter Cushing y Christopher Lee los protagonistas más habituales. Peeping Tom (1960), un thriller ahora muy apreciado, con elementos de terror, ambientado en la época contemporánea, fue mal recibido por la crítica de la época, y acabó efectivamente con la carrera de Michael Powell, su director..
Realismo social
Los cineastas británicos de la Nueva Ola intentaron producir películas de realismo social (ver también 'realismo en el fregadero de la cocina') intentaron en largometrajes comerciales estrenados entre 1959 y 1963 transmitir narrativas sobre un espectro más amplio de personas en Gran Bretaña de lo que habían hecho las películas anteriores del país. Estas personas, principalmente Karel Reisz, Lindsay Anderson y Tony Richardson, también participaron en la revista de cine de Oxford de corta duración Sequence y en el "Free Cinema" movimiento del cine documental. La declaración de Free Cinema de 1956, nombre acuñado por Anderson, afirmaba: "Ninguna película puede ser demasiado personal". La imagen habla. Los sonidos se amplifican y comentan. El tamaño es irrelevante. La perfección no es un objetivo. Una actitud significa un estilo. Un estilo significa una actitud." Anderson, en particular, desdeñó la industria del cine comercial. Sus documentales incluyeron Every Day Except Christmas de Anderson, entre varios patrocinados por Ford de Gran Bretaña, y Momma Don't Allow de Richardson. Otro miembro de este grupo, John Schlesinger, realizó documentales para la serie de artes Monitor de la BBC.
Junto con el futuro coproductor de James Bond, Harry Saltzman, el dramaturgo John Osborne y Tony Richardson establecieron la compañía Woodfall Films para producir sus primeros largometrajes. Estos incluyeron adaptaciones de las producciones teatrales de Richardson de Look Back in Anger (1959) de Osborne, con Richard Burton, y The Entertainer (1960) con Laurence Olivier, ambos de los propios guiones de Osborne. Películas como Saturday Night and Sunday Morning de Reisz (también de 1960), A Taste of Honey de Richardson (1961), Schlesinger A Kind of Loving (1962) y Billy Liar (1963), y This Sporting Life (1963) de Anderson se asocian a menudo con una nueva apertura sobre la vida de la clase trabajadora o temas que antes eran tabú.
El equipo de Basil Dearden y Michael Relph, de una generación anterior, "indaga[ron] en los problemas sociales que ahora enfrentaban la estabilidad social y el establecimiento del consenso prometido en tiempos de paz". Piscina de Londres (1950). y Sapphire (1959) fueron los primeros intentos de crear narrativas sobre las tensiones raciales y una Gran Bretaña multicultural emergente. Victim (1961), de Dearden y Relph, trataba sobre el chantaje a los homosexuales. Influenciada por el informe Wolfenden de cuatro años antes, que defendía la despenalización de la actividad sexual homosexual, esta fue "la primera película británica en tratar explícitamente la homosexualidad". Sin embargo, a diferencia de los cineastas de la Nueva Ola, las respuestas críticas al trabajo de Dearden y Relph no han sido generalmente positivas.
La década de 1960
A medida que avanzaba la década de 1960, los estudios estadounidenses volvieron a apoyar financieramente las películas británicas, especialmente aquellas que capitalizaban el "swinging London" imagen propagada por la revista Time en 1966. Películas como Darling, The Knack...and How to Get It (ambas de 1965), Alfie y Georgy Girl (ambas de 1966), exploraron este fenómeno. Blowup (también 1966), y más tarde Mujeres enamoradas (1969), mostraron desnudos frontales completos femeninos y luego masculinos en la pantalla en películas británicas convencionales por primera vez.
Al mismo tiempo, los productores de cine Harry Saltzman y Albert R. Broccoli combinaron el sexo con lugares exóticos, violencia casual y humor autorreferencial en la exitosa serie de James Bond con Sean Connery en el papel principal. La primera película Dr. No (1962) fue un éxito inesperado en el Reino Unido y el segundo, From Russia with Love (1963), un éxito mundial. En el momento de la tercera película, Goldfinger (1964), la serie se había convertido en un fenómeno mundial, alcanzando su pico comercial con Thunderball al año siguiente. La serie' El éxito condujo a un auge de las películas de espías con muchas imitaciones de Bond. El coproductor de Bond, Saltzman, también instigó una serie rival de películas de espías más realistas basadas en las novelas de Len Deighton. Michael Caine interpretó al espía con gafas Harry Palmer en The Ipcress File (1965) y dos secuelas en los años siguientes. Otras películas de espionaje más pesimistas fueron adaptadas de las novelas de John le Carré, como The Spy Who Came in from the Cold (1965) y The Deadly Affair (1966).
Los directores estadounidenses trabajaron regularmente en Londres a lo largo de la década, pero varios se convirtieron en residentes permanentes en el Reino Unido. Joseph Losey, incluido en la lista negra de Estados Unidos, tuvo una influencia significativa en el cine británico de la década de 1960, particularmente con sus colaboraciones con el dramaturgo Harold Pinter y el protagonista Dirk Bogarde, incluidas The Servant (1963) y Accident (1967). Los exiliados voluntarios Richard Lester y Stanley Kubrick también estuvieron activos en el Reino Unido. Lester tuvo grandes éxitos con la película de The Beatles A Hard Day's Night (1964) y The Knack...and How to Get It (1965) y Kubrick con Dra. Strangelove (1963) y 2001: Una odisea del espacio (1968). Si bien Kubrick se instaló en Hertfordshire a principios de la década de 1960 y permanecería en Inglaterra por el resto de su carrera, estas dos películas mantuvieron una fuerte influencia estadounidense. Otras películas de esta época involucraron a destacados cineastas de otras partes de Europa, Repulsión (1965) y Blowup (1966) fueron las primeras películas en inglés del director polaco Roman Polanski y el italiano Michelangelo Antonioni respectivamente.
Películas históricas tan diversas como Lawrence de Arabia (1962), Tom Jones (1963) y Un hombre para todas las estaciones (1966)) se benefició de la inversión de los estudios estadounidenses. Grandes películas como Becket (1964), Khartoum (1966) y The Charge of the Light Brigade (1968) se montaron regularmente, mientras que películas más pequeñas - Las películas a gran escala, incluida Accident (1967), fueron grandes éxitos de crítica. Cuatro de los ganadores del Premio de la Academia a la mejor película de la década fueron producciones británicas, incluidos seis premios Oscar por la película musical Oliver! (1968), basada en la novela de Charles Dickens Oliver Twist.
Después de dirigir varias contribuciones a la serie de antología Wednesday Play de la BBC, Ken Loach comenzó su carrera cinematográfica con el realista social Poor Cow (1967) y Kes (1969). Mientras tanto, la polémica en torno a Peter Watkins The War Game (1965), que ganó el Oscar a la Mejor Película Documental en 1967, pero había sido suprimida por la BBC que la había encargado, acabaría por llevar a Watkins a trabajar en exclusiva fuera de Gran Bretaña.
Década de 1970
Los estudios estadounidenses redujeron las producciones británicas y, en muchos casos, dejaron de financiarlas por completo. Todavía se hacían películas financiadas por intereses estadounidenses, incluida La vida privada de Sherlock Holmes de Billy Wilder (1970), pero durante un tiempo se hizo difícil conseguir fondos.
Una censura más relajada también generó varias películas controvertidas, como Performance de Nicolas Roeg y Donald Cammell, The Devils de Ken Russell (1971), Straw Dogs (1971) de Sam Peckinpah y La naranja mecánica (1971) de Stanley Kubrick, protagonizada por Malcolm McDowell como el líder de una banda de matones. en un futuro distópico Gran Bretaña.
Otras películas de principios de la década de 1970 incluyeron el drama eduardiano The Go-Between (1971), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, Nicolas Roeg's Venice ambientada en el thriller sobrenatural Don't Look Now (1973) y Mike Hodges' drama de gángsters Get Carter (1971) protagonizado por Michael Caine. Alfred Hitchcock regresó a Gran Bretaña para filmar Frenzy (1972), otras producciones como Young Winston (1972) de Richard Attenborough y A Bridge Too Far (1977) tuvo un éxito comercial mixto. El ciclo británico de películas de terror asociado con Hammer Film Productions, Amicus y Tigon llegó a su fin, a pesar de los intentos de Hammer de darle vida a la fórmula con desnudez y sangre añadidas. Aunque se hicieron algunos intentos de ampliar la gama de películas de terror británicas, como con The Wicker Man (1973), estas películas tuvieron poco impacto en la taquilla. En 1976, British Lion, que produjo The Wicker Man, finalmente fueron absorbidos por la división cinematográfica de EMI, que se había hecho cargo de ABPC en 1969. El duopolio en la exhibición de cine británico, a través de Rank y ahora EMI, continuó.
A principios de la década de 1970, el gobierno redujo la financiación de la National Film Finance Corporation, por lo que la NFFC comenzó a operar como un consorcio, incluso con bancos, lo que los llevó a utilizar criterios más comerciales para financiar películas británicas en lugar de centrarse en la calidad. o nuevos talentos, pasando a financiar películas basadas en programas de televisión como Up Pompeii (1971).
Algunos otros productores británicos, incluido Hammer, recurrieron a la televisión en busca de inspiración y versiones para la pantalla grande de comedias populares como On the Buses (1971) y Steptoe and Son (1972) tuvo éxito entre el público nacional, el primero tuvo mayores retornos de taquilla en su año que la película de Bond, Diamantes para siempre y en 1973, un actor británico establecido, Roger Moore, fue elegido como Bond en, Live and Let Die, fue un éxito comercial y Moore continuaría en el papel durante los siguientes 12 años. Las comedias sexuales británicas de bajo presupuesto incluyeron la serie Confessions of... protagonizada por Robin Askwith, que comenzó con Confessions of a Window Cleaner (1974). Las películas de comedia más elevadas vinieron del equipo de Monty Python, también de la televisión. Sus dos películas más exitosas fueron Monty Python and the Holy Grail (1975) y Monty Python's Life of Brian (1979), esta última un gran éxito comercial, probablemente, al menos en parte, debido a la controversia en ese momento en torno a su tema.
Algunas producciones estadounidenses regresaron a los principales estudios británicos entre 1977 y 1979, incluida la original Star Wars (1977) en Elstree Studios, Superman (1978) en Pinewood y Alien (1979) en Shepperton. Se realizaron adaptaciones exitosas en la década de las novelas de Agatha Christie Murder on the Orient Express (1974) y Death on the Nile (1978). La entrada de la compañía ITC de Lew Grade en la producción cinematográfica en la segunda mitad de la década trajo solo unos pocos éxitos de taquilla y una cantidad insostenible de fracasos.
Década de 1980
En 1980, solo se realizaron 31 películas británicas, un 50 % menos que el año anterior y el número más bajo desde 1914, y la producción volvió a caer en 1981 a 24 películas. La industria sufrió más golpes por la caída de la asistencia al cine, que alcanzó un mínimo histórico de 54 millones en 1984, y la eliminación del Eady Levy de 1957, una concesión fiscal, en el mismo año. La concesión hizo posible que una compañía cinematográfica con sede en el extranjero cancelara una gran cantidad de sus costos de producción al filmar en el Reino Unido; esto fue lo que atrajo una sucesión de producciones estadounidenses de gran presupuesto a los estudios británicos en la década de 1970. Estos factores llevaron a cambios significativos en la industria, con la rentabilidad de las películas británicas ahora "cada vez más dependientes de los mercados secundarios como el video y la televisión, y Channel 4... [se convirtió] en una parte crucial de la ecuación de financiación". #34;
Con la eliminación del impuesto, los multicines se introdujeron en el Reino Unido con la apertura de un cine de diez pantallas por parte de AMC Cinemas en The Point en Milton Keynes en 1985 y el número de pantallas en el Reino Unido aumentó en alrededor de 500 durante la década, lo que llevó a un aumento de la asistencia de casi 100 millones al final de la década.
La década de 1980 pronto vio un renovado optimismo, liderado por pequeñas productoras independientes como Goldcrest, HandMade Films y Merchant Ivory Productions.
Handmade Films, que era en parte propiedad de George Harrison, se formó originalmente para hacerse cargo de la producción de Monty Python's Life of Brian, en honor a Bernard Delfont de EMI (Lew el hermano de Grade) se había retirado. Handmade también compró y estrenó el drama de gángsters The Long Good Friday (1980), producido por una subsidiaria de Lew Grade, después de que sus patrocinadores originales se volvieran cautelosos. Los miembros del equipo de Python participaron en otras comedias durante la década, incluidas las películas de fantasía de Terry Gilliam Time Bandits (1981) y Brazil (1985), the black comedia Withnail & I (1987), y el éxito de John Cleese A Fish Called Wanda (1988), mientras que Michael Palin protagonizó A Private Function (1984), del primer guión de Alan Bennett para la pantalla de cine.
El productor de Goldcrest, David Puttnam, ha sido descrito como "lo más parecido a un magnate que ha tenido el cine británico en el último cuarto del siglo XX". Bajo Puttnam, surgió una generación de directores británicos que hacían películas populares con distribución internacional. Algunos de los talentos respaldados por Puttnam (Hugh Hudson, Ridley Scott, Alan Parker y Adrian Lyne) habían filmado comerciales; El mismo Puttnam había comenzado su carrera en la industria de la publicidad. Cuando Carros de fuego (1981) de Hudson ganó 4 premios de la Academia en 1982, incluido el de Mejor Película, su guionista Colin Welland declaró "¡que vienen los británicos!". Cuando Gandhi (1982), otra película de Goldcrest, obtuvo el Oscar a la Mejor Película, parecía que tenía razón.
Impulsó un ciclo de películas de época, algunas con un gran presupuesto para una película británica, como la última película de David Lean Pasaje a la India (1984), junto con la película de menor adaptaciones económicas de Merchant Ivory de las obras de E. M. Forster, como A Room with a View (1986). Pero nuevos intentos de hacer 'grandes' las producciones para el mercado estadounidense terminaron en un fracaso, con Goldcrest perdiendo su independencia después de que Revolution (1985) y Absolute Beginners (1986) fueran fracasos comerciales y críticos. Otra película de Goldcrest, La misión de Roland Joffé (también de 1986), ganó la Palma de Oro de 1986, pero tampoco obtuvo beneficios. El anterior The Killing Fields (1984) de Joffé había sido un éxito tanto crítico como financiero. Estos fueron los dos primeros largometrajes de Joffé y se encontraban entre los producidos por Puttnam.
Principalmente fuera del sector comercial, los cineastas de los nuevos países de la Commonwealth habían comenzado a surgir durante la década de 1970. Pressure (1975) de Horace Ové había sido financiada por el British Film Institute al igual que A Private Enterprise (1974), siendo estas las primeras películas británicas negras y británicas asiáticas. películas, respectivamente. Sin embargo, la década de 1980 vio una ola de nuevos talentos, con películas como Babylon de Franco Rosso (1980), Burning an Illusion de Menelik Shabazz (1981) y Ping Pong de Po-Chih Leong (1986; una de las primeras películas sobre la comunidad china británica). Muchas de estas películas fueron asistidas por el recién formado Channel 4, que tenía la misión oficial de atender a 'audiencias minoritarias'. El éxito comercial se logró por primera vez con My Beautiful Laundrette (1985). Tratando temas raciales y homosexuales, se desarrolló a partir del primer guión cinematográfico de Hanif Kureishi. My Beautiful Laundrette presenta a Daniel Day-Lewis en un papel principal. Day-Lewis y otros jóvenes actores británicos que se estaban convirtiendo en estrellas, como Gary Oldman, Colin Firth, Tim Roth y Rupert Everett, fueron apodados Brit Pack.
Con la participación de Channel 4 en la producción cinematográfica, los talentos de la televisión se trasladaron a los largometrajes con Stephen Frears (My Beautiful Laundrette) y Mike Newell con Dance with a Stranger. (1985). John Boorman, que había estado trabajando en los EE. UU., se animó a regresar al Reino Unido para hacer Hope and Glory (1987). Channel Four también se convirtió en uno de los principales patrocinadores de la Junta de Producción del British Film Institute, que respaldó a tres de los cineastas británicos más aclamados por la crítica: Derek Jarman (The Last of England, 1987), Terence Davies (Distant Voices, Still Lives, 1988) y Peter Greenaway; el último de los cuales obtuvo un sorprendente éxito comercial con The Draughtsman's Contract (1982) y The Cook, the Thief, His Wife & Su amante (1989). La compañía de Stephen Woolley, Palace Pictures, también produjo algunas películas de éxito, como The Company of Wolves (1984) y Mona Lisa (1986) de Neil Jordan. antes de colapsar en medio de una serie de películas sin éxito. Entre las otras películas británicas de la década se encuentran Gregory's Girl (1981) y Local Hero (1983) de Bill Forsyth, Lewis Gilbert' s Educando a Rita (1983), Peter Yates' The Dresser (1983) y el debut como director de Kenneth Branagh, Henry V (1989).
Década de 1990
En comparación con la década de 1980, la inversión en producción de películas aumentó drásticamente. En 1989, la inversión anual era de apenas 104 millones de libras esterlinas. Para 1996, esta cifra se había disparado a 741 millones de libras esterlinas. Sin embargo, la dependencia de las finanzas de las emisoras de televisión como la BBC y el Canal 4 significaba que los presupuestos eran a menudo bajos y la producción local estaba muy fragmentada: la industria cinematográfica dependía principalmente de la inversión interna de Hollywood. Según el crítico Neil Watson, se esperaba que los 90 millones de libras repartidos por la nueva Lotería Nacional en tres franquicias (The Film Consortium, Pathé Pictures y DNA) llenaran el vacío, pero "la financiación corporativa y de capital para la La industria de producción cinematográfica del Reino Unido sigue siendo escasa y la mayoría de las productoras que operan en el sector siguen estando irremediablemente subcapitalizadas."
Estos problemas fueron compensados en su mayoría por PolyGram Filmed Entertainment, un estudio cinematográfico cuya subsidiaria británica, Working Title Films, estrenó una comedia con guión de Richard Curtis Cuatro bodas y un funeral (1994). Recaudó 244 millones de dólares en todo el mundo y llevó a Hugh Grant a la fama mundial, generó un renovado interés e inversión en películas británicas y estableció un patrón para las comedias románticas ambientadas en Gran Bretaña, incluidas Sliding Doors (1998) y Notting Hill (1999). Otras películas de Working Titles incluyen Bean (1997), Elizabeth (1998) y Captain Corelli's Mandolin (2001). PFE finalmente se vendió y se fusionó con Universal Pictures en 1999, las esperanzas y expectativas de "construir una empresa con sede en Gran Bretaña que pudiera competir con Hollywood en su mercado local [habían] finalmente colapsado".
Los incentivos fiscales permitieron a los productores estadounidenses invertir cada vez más en la producción cinematográfica en el Reino Unido a lo largo de la década de 1990, incluidas películas como Entrevista con el vampiro (1994), Misión: Imposible (1996), Salvando al soldado Ryan (1998), Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma (1999) y La momia (1999). Miramax también distribuyó el aclamado thriller The Crying Game (1992) de Neil Jordan, que generalmente fue ignorado en su lanzamiento inicial en el Reino Unido, pero fue un éxito considerable en los Estados Unidos. La misma compañía también disfrutó de cierto éxito al lanzar el drama de época de la BBC Enchanted April (1992) y The Wings of the Dove (1997).
Entre las películas británicas más exitosas se encuentran las producciones de Merchant Ivory Howards End (1992) y The Remains of the Day (1993), de Richard Attenborough Shadowlands (1993) y las adaptaciones de Shakespeare de Kenneth Branagh. La locura del rey Jorge (1994) demostró que todavía había un mercado para los dramas de época británicos, y siguieron otras películas de época, como Sense and Sensibility (1995), Restauración (1995), Emma (1996), Sra. Brown (1997), Basil (1998), Shakespeare enamorado (1998) y Topsy-Turvy (1999).
Después de una pausa de seis años por motivos legales, las películas de James Bond volvieron a la producción con la película número 17 de Bond, GoldenEye. Con su hogar tradicional Pinewood Studios completamente reservado, se creó un nuevo estudio para la película en una antigua fábrica de motores aeronáuticos Rolls-Royce en Leavesden en Hertfordshire.
Mike Leigh surgió como una figura significativa en el cine británico en la década de 1990, con una serie de películas financiadas por Channel 4 sobre la vida de la clase media y trabajadora en la Inglaterra moderna, incluida Life Is Sweet (1991), Naked (1993) y su mayor éxito Secrets & Mentiras (1996), que ganó la Palma de Oro en Cannes.
Otros nuevos talentos que surgieron durante la década incluyeron al equipo de escritores, directores y productores de John Hodge, Danny Boyle y Andrew Macdonald, responsables de Shallow Grave (1994) y Trainspotting (1996). Esta última película generó interés en otros "regionales" producciones, incluidas las películas escocesas Small Faces (1996), Ratcatcher (1999) y My Name Is Joe (1998).
Años 2000
La primera década del siglo XXI fue relativamente exitosa para la industria cinematográfica británica. Muchas películas británicas encontraron una amplia audiencia internacional gracias a la financiación de BBC Films, Film 4 y el UK Film Council, y algunas productoras independientes, como Working Title, aseguraron acuerdos de financiación y distribución con los principales estudios estadounidenses. Working Title obtuvo tres grandes éxitos internacionales, todos protagonizados por Hugh Grant y Colin Firth, con las comedias románticas El diario de Bridget Jones (2001), que recaudó 254 millones de dólares en todo el mundo; la secuela Bridget Jones: The Edge of Reason, que recaudó 228 millones de dólares; y el debut como director de Richard Curtis Love Actually (2003), que recaudó 239 millones de dólares. La más exitosa de todas, Mamma Mia! (2008) de Phyllida Lloyd, recaudó 601 millones de dólares.
La nueva década vio una importante serie de películas nuevas en las películas de Harry Potter, comenzando con Harry Potter y la piedra filosofal en 2001. La compañía de David Heyman, Heyday Films, ha produjo siete secuelas, con el título final lanzado en dos partes: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 1 en 2010 y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2 en 2011 Todos fueron filmados en Leavesden Studios en Inglaterra.
Animaciones de Aardman' Nick Park, el creador de Wallace y Gromit y la serie Creature Comforts, produjo su primer largometraje, Chicken Run en 2000. Codirigido con Peter Lord, la película fue un gran éxito en todo el mundo y una de las películas británicas más exitosas de su año. El seguimiento de Park, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit fue otro éxito mundial: recaudó 56 millones de dólares en la taquilla estadounidense y 32 millones de libras esterlinas en el Reino Unido. También ganó el Premio de la Academia 2005 a la Mejor Película Animada.
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Sin embargo, fue por lo general a través de largometrajes financiados a nivel nacional a lo largo de la década que los directores y películas británicos ganaron premios en los principales festivales de cine internacionales. En 2003, Michael Winterbottom ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín por In This World. En 2004, Mike Leigh dirigió Vera Drake, la historia de un ama de casa que lleva una doble vida como proveedora de servicios de aborto en la década de 1950 en Londres. La película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. En 2006, Stephen Frears dirigió The Queen basada en los acontecimientos que rodearon la muerte de la princesa Diana, que ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia y los Premios de la Academia y el BAFTA a la Mejor Película. En 2006, Ken Loach ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con su relato de la lucha por la independencia de Irlanda en El viento que agita la cebada. La adaptación de Joe Wright de la novela de Ian McEwan Atonement fue nominada a 7 premios de la Academia, incluido el de Mejor Película, y ganó el Globo de Oro y el BAFTA a la Mejor Película. Slumdog Millionaire se filmó íntegramente en Bombay con un reparto mayoritariamente indio, aunque con un director (Danny Boyle), un productor (Christian Colson), un guionista (Simon Beaufoy) y una estrella (Dev Patel) británicos: la película fue totalmente británico financiado a través de Film4 y Celador. Ha recibido elogios de la crítica mundial. Ha ganado cuatro Globos de Oro, siete Premios BAFTA y ocho Premios de la Academia, incluyendo Mejor Director y Mejor Película. El discurso del rey, que cuenta la historia de los intentos del rey Jorge VI de superar su impedimento del habla, fue dirigida por Tom Hooper y filmada casi en su totalidad en Londres. Recibió cuatro Premios de la Academia (incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor y Mejor Guión) en 2011.
El comienzo del siglo XXI vio cómo el cine asiático británico se afirmaba en la taquilla, comenzando con East Is East (1999) y continuando con Bend It Like Beckham (2002). Otras películas asiáticas británicas notables de este período incluyen My Son the Fanatic (1997), Ae Fond Kiss... (2004), Mischief Night (2006), Yasmin (2004) y Cuatro leones (2010). Algunos argumentan que ha traído actitudes más flexibles hacia la elección de actores británicos negros y asiáticos, con Robbie Gee y Naomie Harris asumiendo los papeles principales en Underworld y 28 Days Later respectivamente.
2005 vio el surgimiento del Festival de Cine Urbano Británico, una adición oportuna al calendario de festivales de cine, que reconoció la influencia de las películas urbanas y negras en las audiencias del Reino Unido y, en consecuencia, comenzó a exhibir un perfil cada vez mayor de películas en un género que antes no era por lo demás visto regularmente en los cines de la capital. Luego, en 2006, Kidulthood, una película que muestra a un grupo de adolescentes que crecen en las calles del oeste de Londres, tuvo un estreno limitado. A esto le siguió con éxito una secuela Adulthood (2008) que fue escrita y dirigida por el actor Noel Clarke. El éxito de Kidulthood y Adulthood condujo al estreno de varias otras películas en las décadas de 2000 y 2010, como Bullet Boy (2004), Life and Lyrics (2006), The Intent (2016), su secuela The Intent 2: The Come Up (2018), Blue Story y Rocks (ambos de 2019), todos protagonizados por actores negros y británicos.
Al igual que en la década de 1960, esta década vio muchas películas británicas dirigidas por talentos importados. El estadounidense Woody Allen rodó Match Point (2005) y tres películas posteriores en Londres. El director mexicano Alfonso Cuarón dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) y Los hijos de los hombres (2006); La cineasta neozelandesa Jane Campion realizó Bright Star (2009), una película ambientada en el Londres del siglo XIX; El director danés Nicolas Winding Refn realizó Bronson (2008), un biopic sobre el criminal inglés Michael Gordon Peterson; el cineasta español Juan Carlos Fresnadillo dirigió 28 Weeks Later (2007), secuela de una película de terror británica; y dos adaptaciones de John le Carré también fueron dirigidas por extranjeros: El jardinero fiel del brasileño Fernando Meirelles y Tinker Tailor Soldier Spy del sueco Tomas Alfredson. La década también vio al actor inglés Daniel Craig convertirse en el nuevo James Bond con Casino Royale, la entrada número 21 en la serie oficial de Eon Productions.
A pesar de la creciente competencia de los estudios de cine en Australia y Europa del Este, los estudios británicos como Pinewood, Shepperton y Leavesden mantuvieron su éxito al albergar producciones importantes, incluidas Finding Neverland, Closer, Batman Begins, Charlie y la fábrica de chocolate, United 93, El fantasma de la ópera, Sweeney Todd, Fantástico Sr. Zorro, Robin Hood, X-Men: Primera generación, Hugo y Caballo de Guerra.
En febrero de 2007, el Reino Unido se convirtió en el hogar de los primeros cines multiplex totalmente digitales compatibles con DCI de Europa con el lanzamiento de Odeon Hatfield y Odeon Surrey Quays (en Londres), con un total de 18 pantallas digitales.
En noviembre de 2010, Warner Bros. completó la adquisición de Leavesden Film Studios, convirtiéndose en el primer estudio de Hollywood desde la década de 1940 en tener una base permanente en el Reino Unido, y anunció planes para invertir £100 millones en el sitio.
Un estudio del British Film Institute publicado en diciembre de 2013 encontró que de las 613 películas británicas rastreadas que se estrenaron entre 2003 y 2010, solo el 7 % obtuvo ganancias. Las películas con presupuestos bajos, aquellas cuya producción cuesta menos de £ 500,000, tenían incluso menos probabilidades de obtener un retorno de la inversión. De estas películas, solo el 3,1% entró en negro. En el extremo superior de los presupuestos de la industria británica, menos de una quinta parte de las películas que costaron 10 millones de libras esterlinas generaron ganancias.
2010
El 26 de julio de 2010 se anunció que el UK Film Council, que era el principal organismo responsable del desarrollo de la promoción del cine británico durante la década de 2000, sería abolido, y muchas de las funciones del organismo abolido serían asumido por el Instituto Británico de Cine. Actores y profesionales, incluidos James McAvoy, Emily Blunt, Pete Postlethwaite, Damian Lewis, Timothy Spall, Daniel Barber e Ian Holm, hicieron campaña contra la abolición del Consejo. La medida también llevó al actor y director estadounidense Clint Eastwood (que había filmado Hereafter en Londres) a escribir al Ministro de Hacienda británico George Osborne en agosto de 2010 para protestar por la decisión de cerrar el Consejo. Eastwood advirtió a Osborne que el cierre podría resultar en que menos productoras extranjeras elijan trabajar en el Reino Unido. Se lanzó una campaña popular en línea y los partidarios del Consejo establecieron una petición.
En contra de esto, algunos profesionales, incluidos Michael Winner y Julian Fellowes, apoyaron la decisión del gobierno. Varias otras organizaciones respondieron positivamente.
En la clausura del Consejo de Cine del Reino Unido el 31 de marzo de 2011, The Guardian informó que el presupuesto anual total del 'UKFC' ascendía a 3 millones de libras esterlinas, mientras que el costo de se estima que cerrarlo y reestructurarlo ha sido casi cuatro veces esa cantidad." Se estima que una de las últimas películas del UKFC, The King's Speech, costó $15 millones y recaudó $235 millones, además de ganar varios premios de la Academia. UKFC invirtió 1,6 millones de dólares para obtener una participación del 34 % en las ganancias netas, una participación valiosa que pasará al British Film Institute.
En junio de 2012, Warner inauguró el estudio Leavesden remodelado para los negocios. Los directores británicos de mayor éxito comercial en los últimos años son Paul Greengrass, Mike Newell, Christopher Nolan, Ridley Scott y David Yates.
En enero de 2012, en Pinewood Studios para visitar empresas relacionadas con el cine, el primer ministro del Reino Unido, David Cameron, dijo que su gobierno tenía grandes ambiciones para la industria cinematográfica: "Nuestro papel, y el del BFI, debería ser apoyar al sector para que se vuelva aún más dinámico y emprendedor, ayudando a los productores del Reino Unido a realizar películas comercialmente exitosas que rivalicen con la calidad y el impacto de las mejores producciones internacionales. Así como la British Film Commission ha jugado un papel crucial en atraer a los mejores y más grandes estudios internacionales para que produzcan sus películas aquí, debemos incentivar a los productores del Reino Unido para que busquen nuevos mercados tanto aquí como en el extranjero."
La industria cinematográfica sigue siendo una importante fuente de ingresos para la economía británica. Según un comunicado de prensa del Consejo de Cine del Reino Unido del 20 de enero de 2011, se gastaron 1.115 millones de libras esterlinas en la producción de películas del Reino Unido durante 2010. Una encuesta de 2014 sugirió que las películas realizadas en Gran Bretaña generalmente tenían una calificación más alta que las producciones de Hollywood, especialmente cuando se considera el Reino Unido de bajo presupuesto. producciones
Años 2020
En noviembre de 2022, el director Danny Boyle expresó un sentimiento negativo de la industria cinematográfica británica en los últimos años, afirmando que "no estoy seguro de que seamos grandes cineastas, para ser absolutamente honesto". Como nación, nuestras dos formas de arte son el teatro, en un sentido de clase media, y la música pop, porque somos extraordinarios en eso”.
Cine de arte
Aunque había estado financiando películas experimentales británicas desde 1952, la fundación de una junta de producción por parte del British Film Institute en 1964, y un aumento sustancial en la financiación pública a partir de 1971, le permitieron convertirse en una fuerza dominante. en el desarrollo del cine de arte británico en las décadas de 1970 y 1980: desde la primera trilogía de Bill Douglas My Childhood (1972), y de Terence Davies' Trilogía Childhood (1978), a través de las primeras películas de Peter Greenaway (incluido el sorprendente éxito comercial de The Draughtsman's Contract (1982)) y Derek Jarman& #39;s defensa del Nuevo Cine Queer. El primer largometraje producido bajo el nuevo esquema del BFI fue Winstanley (1975) de Kevin Brownlow y Andrew Mollo, mientras que otros incluyeron Moon Over the Alley (1975), Requiem for a Village (1975), el Central Bazaar abiertamente vanguardista (1973), Pressure (1975) y A Private Enterprise (1974), siendo los dos últimos, respectivamente, los primeros largometrajes británicos negros y asiáticos.
El estreno de Jubilee (1978) de Derek Jarman marcó el comienzo de un período exitoso del cine artístico del Reino Unido, que continuó en la década de 1980 con cineastas como Sally Potter. A diferencia de la generación anterior de cineastas británicos que habían irrumpido en la dirección y la producción después de carreras en el teatro o la televisión, los directores de cine artístico eran en su mayoría productos de las escuelas de arte. Muchos de estos cineastas fueron defendidos en sus primeros años de carrera por la London Film Makers Cooperative y su trabajo fue objeto de un análisis teórico detallado en la revista Screen Education. Peter Greenaway fue uno de los primeros pioneros en el uso de imágenes generadas por computadora combinadas con metraje filmado y también fue uno de los primeros directores en filmar completamente en video de alta definición para un estreno cinematográfico.
Con el lanzamiento de Channel 4 y su rama de puesta en marcha Film on Four, Art Cinema se promocionó a una audiencia más amplia. Sin embargo, el canal tuvo un cambio radical en su política de puesta en marcha a principios de la década de 1990 y Greenaway y otros se vieron obligados a buscar financiación de coproducción europea.
Tecnología de película
En las décadas de 1970 y 1980, los estudios británicos establecieron una reputación por sus excelentes efectos especiales en películas como Superman (1978), Alien (1979) y Batman (1989). Parte de esta reputación se basó en el núcleo de talento reunido para el rodaje de 2001: A Space Odyssey (1968), que posteriormente trabajaron juntos en series y largometrajes para Gerry Anderson. Gracias a Aardman Animations, con sede en Bristol, el Reino Unido sigue siendo reconocido como líder mundial en el uso de animación stop-motion.
Los técnicos de efectos especiales y diseñadores de producción británicos son conocidos por crear efectos visuales a un costo mucho más bajo que sus contrapartes en los EE. UU., como se ve en Time Bandits (1981) y Brazil (1985). Esta reputación ha continuado durante la década de 1990 y en el siglo XXI con películas como la serie de James Bond, Gladiator (2000) y la franquicia de Harry Potter.
Desde la década de 1990 hasta el día de hoy, ha habido un movimiento progresivo desde la óptica cinematográfica tradicional hacia un entorno cinematográfico digital integrado, con efectos especiales, corte, gradación de color y otras tareas de posproducción, todas compartiendo el mismo entorno totalmente digital. infraestructura. La compañía de efectos visuales con sede en Londres Framestore, con Tim Webber como supervisor de efectos visuales, ha trabajado en algunos de los proyectos más desafiantes desde el punto de vista técnico y artístico, incluidos The Dark Knight (2008) y Gravity (2013), con nuevas técnicas involucradas en Gravity realizadas por Webber y el equipo de Framestore que tardaron tres años en completarse.
La disponibilidad de Internet de alta velocidad ha hecho que la industria cinematográfica británica sea capaz de trabajar en estrecha colaboración con los estudios estadounidenses como parte de producciones distribuidas globalmente. A partir de 2005, se espera que esta tendencia continúe con movimientos hacia la distribución y proyección digital (actualmente experimental) como tecnologías dominantes. La película británica This Is Not a Love Song (2003) fue la primera que se transmitió en vivo por Internet al mismo tiempo que su estreno en el cine.
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