Cine de estados unidos

El cine de los Estados Unidos, compuesto principalmente por grandes estudios cinematográficos (también conocidos metónimamente como Hollywood) junto con algunas películas independientes, ha tenido un gran efecto en la industria cinematográfica mundial desde principios del siglo XX. siglo. El estilo dominante del cine estadounidense es el cine clásico de Hollywood, que se desarrolló entre 1910 y 1962 y sigue siendo típico de la mayoría de las películas rodadas allí hasta el día de hoy. Si bien a los franceses Auguste y Louis Lumière se les atribuye generalmente el nacimiento del cine moderno, el cine estadounidense pronto llegó a ser una fuerza dominante en la industria emergente. En 2017, produjo el tercer mayor número de películas de cualquier cine nacional, después de India y China, con más de 600 películas en inglés estrenadas en promedio cada año. Si bien los cines nacionales del Reino Unido, Canadá, Australia y Nueva Zelanda también producen películas en el mismo idioma, no forman parte del sistema de Hollywood. Debido a esto, Hollywood también ha sido considerado un cine transnacional y ha producido versiones en múltiples idiomas de algunos títulos, a menudo en español o francés. El Hollywood contemporáneo a menudo subcontrata la producción al Reino Unido, Canadá, Australia y Nueva Zelanda. Los principales estudios cinematográficos de Hollywood son la fuente principal de las películas de mayor éxito comercial y de mayor venta de entradas del mundo.

Hollywood es considerada la industria cinematográfica más antigua, en el sentido de ser el lugar donde surgieron los primeros estudios cinematográficos y productoras. Es la cuna de varios géneros cinematográficos (entre ellos la comedia, el drama, la acción, el musical, el romance, el terror, la ciencia ficción y la épica) y ha sido el ejemplo para otras industrias cinematográficas nacionales.

Durante 1878, Eadweard Muybridge demostró el poder de la fotografía para capturar el movimiento. En 1894, se realizó en la ciudad de Nueva York la primera exposición cinematográfica comercial del mundo, utilizando el kinetoscopio de Thomas Edison. En las décadas siguientes, la producción de cine mudo se expandió enormemente, se formaron estudios que emigraron a California, y las películas y las historias que contaban se hicieron mucho más largas. Estados Unidos produjo la primera película musical con sonido sincronizado del mundo, The Jazz Singer, en 1927, y estuvo a la vanguardia del desarrollo del cine sonoro en las décadas siguientes. Desde principios del siglo XX, la industria cinematográfica estadounidense se ha basado principalmente en y alrededor de la zona de treinta millas centrada en el vecindario de Hollywood del condado de Los Ángeles, California. El director D. W. Griffith fue fundamental para el desarrollo de una gramática cinematográfica. Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles se cita con frecuencia en las novelas de la crítica. Encuestas como la mejor película de todos los tiempos.

Muchas de las películas más taquilleras de Hollywood han generado más ingresos de taquilla y venta de entradas fuera de Estados Unidos que las películas realizadas en otros lugares. Estados Unidos es un pionero líder en ingeniería y tecnología cinematográfica.

Historia

Orígenes y Fort Lee

El primer caso registrado de fotografías que capturaban y reproducían el movimiento fue una serie de fotografías de un caballo corriendo tomadas por Eadweard Muybridge, que tomó en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en fila. El logro de Muybridge llevó a inventores de todo el mundo a intentar fabricar dispositivos similares. En Estados Unidos, Thomas Edison fue uno de los primeros en producir un dispositivo de este tipo, el kinetoscopio.

La historia del cine en los Estados Unidos tiene sus raíces en la costa este, donde, en un momento, Fort Lee, Nueva Jersey, fue la capital cinematográfica de Estados Unidos. La industria tuvo sus inicios a finales del siglo XIX con la construcción de "Black Maria" de Thomas Edison, el primer estudio cinematográfico en West Orange, Nueva Jersey. Las ciudades y pueblos del río Hudson y Hudson Palisades ofrecieron terrenos a costos considerablemente menores que la ciudad de Nueva York al otro lado del río y se beneficiaron enormemente como resultado del crecimiento fenomenal de la industria cinematográfica a principios del siglo XX.

La industria comenzó a atraer capital y mano de obra innovadora. En 1907, cuando la Compañía Kalem comenzó a utilizar Fort Lee como lugar para filmar en el área, otros cineastas rápidamente siguieron sus pasos. En 1909, un precursor de Universal Studios, Champion Film Company, construyó el primer estudio. Otros siguieron rápidamente y construyeron nuevos estudios o alquilaron instalaciones en Fort Lee. En las décadas de 1910 y 1920, compañías cinematográficas como Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios, The Solax Company, Éclair Studios, Goldwyn Picture Corporation, American Méliès (Star Films), World Film Company, Biograph Studios, Fox Film Corporation, Pathé Frères, Metro Pictures Corporation, Victor Film Company y Selznick Pictures Corporation estaban haciendo películas en Fort Lee. Personas notables como Mary Pickford comenzaron en Biograph Studios.

En Nueva York, los estudios Kaufman Astoria en Queens, construidos durante la era del cine mudo, fueron utilizados por los hermanos Marx y W.C. Campos. Los estudios Edison estaban ubicados en el Bronx. Chelsea, Manhattan, también se utilizó con frecuencia. Otras ciudades del este, sobre todo Chicago y Cleveland, también sirvieron como primeros centros de producción cinematográfica. En Occidente, California ya estaba emergiendo rápidamente como un importante centro de producción cinematográfica. En Colorado, Denver fue el hogar de la compañía cinematográfica Art-O-Graf, y el primer estudio de animación Laugh-O-Gram de Walt Disney tenía su sede en Kansas City, Missouri. Picture City, Florida, era un sitio planificado para un centro de producción de películas en la década de 1920, pero debido al huracán Okeechobee de 1928, la idea colapsó y Picture City volvió a su nombre original de Hobe Sound. Un intento de establecer un centro de producción cinematográfica en Detroit tampoco tuvo éxito.

Las guerras por las patentes cinematográficas de principios del siglo XX ayudaron a facilitar la expansión de las compañías cinematográficas a otras partes de Estados Unidos, fuera de Nueva York. Muchos cineastas trabajaron con equipos para los cuales no poseían los derechos de uso. Por lo tanto, filmar en Nueva York podría ser peligroso ya que estaba cerca de la sede de la empresa Edison, y cerca de los agentes que la empresa se propuso confiscar las cámaras. En 1912, la mayoría de las compañías cinematográficas importantes habían establecido instalaciones de producción en el sur de California, cerca de Los Ángeles o en Los Ángeles, debido al clima favorable de la región durante todo el año.

Auge de Hollywood

La producción de 1908 de Selig Polyscope Company de El Conde de Montecristo, dirigida por Francis Boggs y protagonizada por Hobart Bosworth, fue afirmada como la primera que se filmó en Los Ángeles, en 1907, con una placa en presentado por la ciudad en 1957 en la tienda insignia de Dearden en la esquina de Main Street y 7th Street, para conmemorar el rodaje en el lugar cuando había sido una lavandería china. La viuda de Bosworth sugirió que la ciudad se había equivocado con la fecha y el lugar, y que la película en realidad se rodó en la cercana Venecia, que en ese momento era una ciudad independiente. Boggs' In the Sultan's Power para Selig Polyscope, también protagonizada por Bosworth, se considera la primera película rodada íntegramente en Los Ángeles, rodándose en las calles 7th y Olive en 1909.

A principios de 1910, el director D. W. Griffith fue enviado por Biograph Company a la costa oeste con su grupo de actores, formado por los actores Blanche Sweet, Lillian Gish, Mary Pickford, Lionel Barrymore y otros. Comenzaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street en el centro de Los Ángeles. Mientras estuvo allí, la compañía decidió explorar nuevos territorios, viajando varios kilómetros al norte hasta Hollywood, un pequeño pueblo que era amigable y disfrutaba de que la compañía cinematográfica filmara allí. Luego, Griffith filmó la primera película jamás rodada en Hollywood, In Old California, un melodrama de Biograph sobre la California del siglo XIX, cuando pertenecía a México. Griffith permaneció allí durante meses e hizo varias películas antes de regresar a Nueva York. También en 1910, Selig Polyscope de Chicago estableció el primer estudio de cine en el área de Los Ángeles en Edendale y el primer estudio en Hollywood abrió sus puertas en 1912. Después de enterarse del éxito de Griffith en Hollywood, en 1913, muchos cineastas se dirigieron Occidente para evitar las tarifas impuestas por Thomas Edison, propietario de patentes sobre el proceso de realización de películas. Nestor Studios de Bayonne, Nueva Jersey, construyó el primer estudio en el barrio de Hollywood en 1911. Nestor Studios, propiedad de David y William Horsley, luego se fusionó con Universal Studios; y la otra empresa de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, es ahora la empresa más antigua de Hollywood y ahora se llama Hollywood Digital Laboratory. El clima más hospitalario y rentable de California condujo al eventual traslado de prácticamente toda la producción cinematográfica a la costa oeste en la década de 1930. En ese momento, Thomas Edison poseía casi todas las patentes relevantes para la producción cinematográfica y los productores de películas en la costa este que actuaban independientemente de la Motion Picture Patents Company de Edison a menudo eran demandados o prohibidos por Edison y sus agentes mientras los realizadores de películas trabajaban en la costa oeste podría funcionar independientemente del control de Edison.

En Los Ángeles, los estudios y Hollywood crecieron. Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas se rodaban en varias ciudades estadounidenses, pero los cineastas tendían a gravitar hacia el sur de California a medida que se desarrollaba la industria. Se sintieron atraídos por el clima cálido y la luz solar confiable, que les permitía filmar sus películas al aire libre durante todo el año, y por los variados paisajes disponibles. Los daños de la guerra contribuyeron al declive de la entonces dominante industria cinematográfica europea, a favor de Estados Unidos, donde la infraestructura aún estaba intacta. La respuesta temprana de salud pública más fuerte de Los Ángeles a la epidemia de gripe de 1918 en comparación con otras ciudades estadounidenses redujo el número de casos allí y resultó en una recuperación más rápida, lo que contribuyó al creciente dominio de Hollywood sobre la ciudad de Nueva York. Durante la pandemia, los funcionarios de salud pública cerraron temporalmente las salas de cine en algunas jurisdicciones, los grandes estudios suspendieron la producción durante semanas y algunos actores enfermaron de gripe. Esto causó grandes pérdidas financieras y graves dificultades a los pequeños estudios, pero la industria en su conjunto se recuperó con creces durante los locos años veinte.

A principios del siglo XX, cuando el medio era nuevo, muchos inmigrantes judíos encontraron empleo en la industria cinematográfica estadounidense. Pudieron dejar su huella en un negocio completamente nuevo: la exhibición de cortometrajes en salas de venta llamadas nickelodeons, por el precio de entrada de cinco centavos. En unos pocos años, hombres ambiciosos como Samuel Goldwyn, William Fox, Carl Laemmle, Adolph Zukor, Louis B. Mayer y los hermanos Warner (Harry, Albert, Samuel y Jack) se pasaron al lado de producción del negocio. Pronto se convirtieron en los jefes de un nuevo tipo de empresa: el estudio de cine. Estados Unidos tuvo al menos dos directoras, productoras y jefas de estudio en estos primeros años: Lois Weber y la francesa Alice Guy-Blaché. También prepararon el escenario para el internacionalismo de la industria; A menudo se acusa a la industria de provincianismo amerocéntrico.

Otros cineastas llegaron de Europa después de la Primera Guerra Mundial: directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang y Jean Renoir; y actores como Rudolph Valentino, Marlene Dietrich, Ronald Colman y Charles Boyer. Se unieron a una oferta local de actores, atraídos hacia el oeste desde los escenarios de la ciudad de Nueva York después de la introducción del cine sonoro, para formar una de las industrias de mayor crecimiento del siglo XX. En películas' En el apogeo de su popularidad a mediados de la década de 1940, los estudios producían un total de unas 400 películas al año, vistas por una audiencia de 90 millones de estadounidenses por semana.

El sonido también se utilizó ampliamente en Hollywood a finales de la década de 1920. Después de que The Jazz Singer, la primera película con voces sincronizadas se estrenó con éxito como un Vitaphone talkie en 1927, las compañías cinematográficas de Hollywood responderían a Warner Bros. y comenzarían a utilizar el sonido Vitaphone, que Warner Bros. poseía hasta 1928, en películas futuras. En mayo de 1928, Electrical Research Product Incorporated (ERPI), una subsidiaria de la compañía Western Electric, obtuvo el monopolio de la distribución de sonido cinematográfico.

Un efecto secundario de los "talkies" La razón es que muchos actores que habían hecho su carrera en el cine mudo se encontraron de repente sin trabajo, ya que a menudo tenían mala voz o no recordaban sus líneas. Mientras tanto, en 1922, el político estadounidense Will H. Hays dejó la política y formó la organización de jefes de estudios cinematográficos conocida como Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). La organización se convirtió en la Motion Picture Association of America después de que Hays se jubilara en 1945.

En los primeros tiempos del cine sonoro, los estudios estadounidenses descubrieron que sus producciones sonoras eran rechazadas en los mercados de lenguas extranjeras e incluso entre los hablantes de otros dialectos del inglés. La tecnología de sincronización era todavía demasiado primitiva para el doblaje. Una de las soluciones fue crear versiones paralelas de películas de Hollywood en idiomas extranjeros. Hacia 1930, las compañías estadounidenses abrieron un estudio en Joinville-le-Pont, Francia, donde se utilizaron los mismos decorados y vestuario e incluso escenas de masas para diferentes equipos de tiempo compartido.

Además, se eligieron actores, dramaturgos y ganadores de concursos de fotogenia extranjeros desempleados y se los llevó a Hollywood, donde filmaron versiones paralelas de las películas en inglés. Estas versiones paralelas tenían un presupuesto menor, se rodaban de noche y estaban dirigidas por directores estadounidenses de segunda línea que no hablaban la lengua extranjera. Los equipos de habla hispana incluían a personas como Luis Buñuel, Enrique Jardiel Poncela, Xavier Cugat y Edgar Neville. Las producciones no tuvieron mucho éxito en los mercados previstos, por las siguientes razones:

• Los presupuestos inferiores eran evidentes.
• Muchos actores del teatro no tenían experiencia previa en el cine.
• Las películas originales eran a menudo de segunda categoría, ya que los estudios esperaban que las mejores producciones vendieran por sí mismos.
• La mezcla de acentos extranjeros (Castiliano, Mexicano y Chileno, por ejemplo en el caso español) era extraña para el público.
• Algunos mercados carecían de teatros equipados con sonido.

El cine clásico de Hollywood y la época dorada de Hollywood

El cine clásico de Hollywood, o Edad de Oro de Hollywood, se define como un estilo técnico y narrativo característico del cine estadounidense de 1913 a 1962, durante el cual se emitieron miles de películas desde los estudios de Hollywood. El estilo clásico comenzó a surgir en 1913, se aceleró en 1917 después de que Estados Unidos entrara en la Primera Guerra Mundial y finalmente se solidificó cuando se estrenó la película El cantante de jazz en 1927, poniendo fin a la era del cine mudo y aumentando la taquilla. -Beneficios de oficina para la industria cinematográfica mediante la introducción del sonido en los largometrajes.

La mayoría de las películas de Hollywood se ajustaban estrechamente a una fórmula (western, comedia, musical, dibujos animados, biográfica) y los mismos equipos creativos a menudo trabajaban en películas realizadas por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM, Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años, las películas de Cecil B. De Mille se hicieron casi todas en Paramount y las del director Henry King. Las películas se hicieron principalmente para 20th Century Fox.

Al mismo tiempo, normalmente uno podía adivinar qué estudio hizo qué película, en gran parte por los actores que aparecieron en ella; MGM, por ejemplo, afirmó que había contratado "más estrellas que las que hay en el cielo". Cada estudio tenía su propio estilo y toques característicos que permitían conocer esto, un rasgo que rara vez existe hoy en día.

Por ejemplo, Tener y no tener (1944) destaca no solo por la primera pareja de actores Humphrey Bogart (1899–1957) y Lauren Bacall (1924–2014), sino porque fue escrito por dos futuros ganadores del Premio Nobel de Literatura: Ernest Hemingway (1899-1961), autor de la novela en la que se basó nominalmente el guión, y William Faulkner (1897-1962), que trabajó en la adaptación cinematográfica.

Después del estreno de The Jazz Singer en 1927, Warner Bros. obtuvo un gran éxito y pudo adquirir su propia cadena de salas de cine, después de comprar Stanley Theatres y First National Productions en 1928. En contraste Los teatros Loews eran propietarios de MGM desde su formación en 1924, mientras que Fox Film Corporation era propietaria del Fox Theatre. RKO (una fusión de 1928 entre Keith-Orpheum Theatres y Radio Corporation of America) también respondió al monopolio de Western Electric/ERPI sobre el sonido en las películas y desarrolló su propio método, conocido como Photophone, para poner sonido en las películas.

Paramount, que adquirió Balaban y Katz en 1926, respondería al éxito de Warner Bros. y RKO, y también compraría varias salas a finales de la década de 1920, y tendría un monopolio sobre las salas de Detroit, Michigan. En la década de 1930, casi todos los cines metropolitanos de estreno en Estados Unidos eran propiedad de los cinco grandes estudios: MGM, Paramount Pictures, RKO, Warner Bros. y 20th Century Fox.

Auge y decadencia del sistema de estudios

Las compañías cinematográficas operaban bajo el sistema de estudio. Los grandes estudios mantenían a miles de personas asalariadas: actores, productores, directores, escritores, especialistas, artesanos y técnicos. Eran propietarios o alquilaban Movie Ranches en las zonas rurales del sur de California para el rodaje de westerns y otras películas de género a gran escala, y los principales estudios poseían cientos de salas de cine en ciudades y pueblos de todo el país en salas de cine de 1920 que proyectaban sus películas y que siempre estaban necesitando material fresco.

En 1930, el presidente de la MPPDA, Will Hays, creó el Código Hays (Producción), que seguía las directrices de censura y entró en vigor después de que las amenazas de censura del gobierno se expandieran en 1930. Sin embargo, el código nunca se aplicó hasta 1934, después de que la organización católica de vigilancia La Legión de la Decencia, horrorizada por algunas de las películas provocativas y la publicidad escabrosa de la época, posteriormente clasificada como Pre-Código de Hollywood, amenazó con boicotear las películas si no entraba en vigor. Las películas que no obtuvieron el sello de aprobación de la Administración del Código de Producción tuvieron que pagar una multa de 25.000 dólares y no pudieron obtener ganancias en las salas, ya que la MPPDA controlaba todas las salas del país a través de los estudios Big Five.

A lo largo de la década de 1930, así como durante la mayor parte de la edad de oro, MGM dominó la pantalla cinematográfica y contó con las mejores estrellas de Hollywood, y también se les atribuyó el mérito de crear el sistema de estrellas de Hollywood. Algunas estrellas de MGM incluyeron al "Rey de Hollywood" Clark Gable, Lionel Barrymore, Jean Harlow, Norma Shearer, Greta Garbo, Joan Crawford, Jeanette MacDonald, Gene Raymond, Spencer Tracy, Judy Garland y Gene Kelly. Pero MGM no estuvo sola.

Otro gran logro del cine estadounidense durante esta época llegó a través de la compañía de animación Walt Disney. En 1937, Disney creó la película de mayor éxito de su época, Blancanieves y los siete enanitos. Esta distinción fue rápidamente superada en 1939 cuando Selznick International creó lo que todavía es, ajustado a la inflación, la película más exitosa de todos los tiempos: Lo que el viento se llevó.

Muchos historiadores del cine han destacado las muchas grandes obras cinematográficas que surgieron de este período de realización cinematográfica altamente reglamentada. Una de las razones por las que esto fue posible es que, con tantas películas en desarrollo, no todas tenían por qué ser un gran éxito. Un estudio podría apostar por una película de presupuesto medio con un buen guión y actores relativamente desconocidos: Ciudadano Kane, dirigida por Orson Welles (1915-1985) y a menudo considerada la mejor película de todos los tiempos, encaja esta descripción. En otros casos, directores tenaces como Howard Hawks (1896-1977), Alfred Hitchcock (1899-1980) y Frank Capra (1897-1991) lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas.

El apogeo del sistema de estudios puede haber sido el año 1939, cuando se lanzaron clásicos como El mago de Oz, Lo que el viento se llevó, Diligencia, Sr. Smith va a Washington, Cumbres Borrascosas, Sólo los ángeles tienen alas, Ninotchka y Medianoche. Entre otras películas del Siglo de Oro que hoy se consideran clásicas: Casablanca, Es una vida maravillosa, Sucedió una noche, el King Kong original, Motín en el Bounty, Sombrero de copa, Luces de la ciudad, Río Rojo, La dama de Shanghai, Ventana trasera, En el paseo marítimo, Rebelde sin causa >, A algunos les gusta lo caliente y El candidato de Manchuria.

El sistema de estudios y la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas que se desarrollaron a finales de la década de 1940:

• una acción antimonopolio federal que separó la producción de películas de su exposición; y
• el advenimiento de la televisión.

En 1938, Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney se estrenó durante una serie de películas mediocres de los principales estudios, y rápidamente se convirtió en la película más taquillera estrenada hasta ese momento. De manera vergonzosa para los estudios, se trataba de una película animada producida de forma independiente que no contaba con ninguna estrella empleada por el estudio. Esto avivó la frustración ya generalizada por la práctica de la reserva en bloque, en la que los estudios sólo vendían a los cines la programación de películas de un año completo a la vez y utilizaban el bloqueo para cubrir lanzamientos de calidad mediocre.

El Fiscal General Adjunto Thurman Arnold, un destacado "destructor de confianza" de la administración Roosevelt, aprovechó esta oportunidad para iniciar procedimientos contra los ocho estudios más grandes de Hollywood en julio de 1938 por violaciones de la Ley Sherman Antimonopolio. La demanda federal resultó en que cinco de los ocho estudios (los "Cinco Grandes": Warner Bros., MGM, Fox, RKO y Paramount) llegaran a un compromiso con Arnold en octubre de 1940 y firmaran un decreto de consentimiento acordando: dentro de tres años:

• Eliminar la librería de bloques de sujetos cortos, en un arreglo conocido como "un tiro", o "fuerza total" de la librería.
• Elimina el bloqueo de la reserva de más de cinco características en sus teatros.
• Ya no se involucra en ciego comprar (o la compra de películas por distritos de teatro sin ver películas de antemano) y en su lugar tienen trade-showing, en el que los 31 distritos de teatro en los EE.UU. verían películas cada dos semanas antes de mostrar películas en teatros.
• Establecer una junta de administración en cada distrito de teatro para hacer cumplir estos requisitos.

Los "Pequeños Tres" (Universal Studios, United Artists y Columbia Pictures), que no eran propietarios de ninguna sala de cine, se negaron a participar en el decreto de consentimiento. Varios productores de cine independientes tampoco estaban contentos con el compromiso y formaron un sindicato conocido como Sociedad de Productores Independientes de Películas y demandaron a Paramount por el monopolio que todavía tenían sobre los teatros de Detroit, ya que Paramount también estaba ganando dominio a través de actores como Bob Hope., Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, el cantante Bing Crosby, Alan Ladd y también el veterano actor del estudio Gary Cooper, en 1942. Los estudios Big Five no cumplieron con los requisitos del Consentimiento del Decreto durante la Segunda Guerra Mundial, sin mayores consecuencias. pero después de que terminó la guerra se unieron a Paramount como acusados en el caso antimonopolio de Hollywood, al igual que los estudios Little Three.

La Corte Suprema de los Estados Unidos finalmente dictaminó en Estados Unidos contra Paramount Pictures, Inc. que la propiedad de las salas de cine y la distribución de películas por parte de los principales estudios constituía una violación de la Ley Sherman Antimonopolio. Como resultado, los estudios comenzaron a liberar a los actores y al personal técnico de sus contratos con los estudios. Esto cambió el paradigma de la realización cinematográfica por parte de los principales estudios de Hollywood, ya que cada uno podía tener un elenco y un equipo creativo completamente diferente.

La decisión resultó en la pérdida gradual de las características que hicieron inmediatamente identificables las películas de Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures y 20th Century Fox. Ciertos profesionales del cine, como Cecil B. DeMille, siguieron siendo artistas contratados hasta el final de sus carreras o utilizaron los mismos equipos creativos en sus películas, de modo que una película de DeMille todavía parecía tal, ya fuera realizada en 1932 o 1956.

Nuevo Hollywood y cine posclásico

El cine posclásico son los métodos cambiantes de narración en el Nuevo Hollywood. Se ha argumentado que los nuevos enfoques del drama y la caracterización jugaron con las expectativas de la audiencia adquiridas en el período clásico: la cronología puede estar confusa, las historias pueden presentar "finales retorcidos" y las líneas entre el antagonista y el protagonista pueden ser borrosas. Las raíces de la narración posclásica se pueden ver en el cine negro, en Rebelde sin causa (1955) y en la demoledora de Hitchcock. Psico.

El Nuevo Hollywood es el surgimiento de una nueva generación de directores formados en escuelas de cine que habían absorbido las técnicas desarrolladas en Europa en la década de 1960 como resultado de la Nueva Ola francesa; La película de 1967 Bonnie y Clyde marcó también el comienzo del repunte del cine estadounidense, ya que una nueva generación de películas conseguiría posteriormente también éxito en taquilla. Cineastas como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, Brian De Palma, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Roman Polanski y William Friedkin produjeron películas que rindieron homenaje a la historia del cine y se desarrollaron a partir de géneros y técnicas existentes. Inaugurado con el estreno en 1969 de Andy Warhol's Blue Movie, el fenómeno de la películas eróticas que son discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope) y tomadas en serio por los críticos (como Roger Ebert), un desarrollo al que se refiere Ralph Blumenthal de The New York Times como & El #34;porno chic", y más tarde conocido como la Edad de Oro del porno, comenzó, por primera vez, en la cultura estadounidense moderna. Según el galardonado autor Toni Bentley, la película de Radley Metzger's de 1976 La apertura de Misty Beethoven, basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw (y su derivada, My Fair Lady), y debido a que ha alcanzado un nivel convencional en la trama y los escenarios, es considerada la "joya de la corona" de esta 'Edad de Oro'.

En el apogeo de su fama a principios de la década de 1970, Charles Bronson era la atracción de taquilla número uno del mundo, recaudando 1 millón de dólares por película. En la década de 1970, las películas de los cineastas del Nuevo Hollywood eran a menudo aclamadas por la crítica y exitosas comercialmente. Si bien las primeras películas del Nuevo Hollywood como Bonnie y Clyde y Easy Rider habían sido aventuras de relativamente bajo presupuesto con héroes amorales y una mayor sexualidad y violencia, el enorme éxito que disfrutó Friedkin con El Exorcista, Spielberg con Tiburón, Coppola con El Padrino y Apocalipsis Ahora, Scorsese con Taxi Driver , Kubrick con 2001: Odisea en el espacio, Polanski con Chinatown y Lucas con American Graffiti y Star Wars, respectivamente, ayudaron a dar origen a los "éxitos de taquilla" modernos e indujeron a los estudios a centrarse cada vez más en tratar de producir grandes éxitos.

La creciente indulgencia de estos jóvenes directores no ayudó. A menudo, se excedeban en la programación y el presupuesto, llevándose así a ellos mismos o al estudio a la quiebra. Los tres ejemplos más notables de esto son Apocalypse Now y One From The Heart de Coppola y, en particular, Heaven's de Michael Cimino. Gate, que por sí solo llevó a la quiebra a United Artists. Sin embargo, Apocalypse Now finalmente recuperó su dinero y obtuvo un amplio reconocimiento como obra maestra, ganando la Palma de Oro en Cannes.

Auge de las superproducciones modernas y del cine independiente

En Estados Unidos, la clasificación PG-13 se introdujo en 1984 para dar cabida a películas que se encontraban entre la línea PG y R, lo que se debió principalmente a las controversias en torno al contenido violento de las películas PG Indiana Jones y la Temple of Doom y Gremlins (ambos de 1984).

Los cineastas de la década de 1990 tuvieron acceso a innovaciones tecnológicas, políticas y económicas que no habían estado disponibles en décadas anteriores. Dick Tracy (1990) se convirtió en el primer largometraje de 35 mm con banda sonora digital. Batman Returns (1992) fue la primera película que utilizó el sonido estéreo Dolby Digital de seis canales que desde entonces se ha convertido en el estándar de la industria. Las imágenes generadas por computadora se facilitaron enormemente cuando fue posible transferir imágenes de películas a una computadora y manipularlas digitalmente. Las posibilidades se hicieron evidentes en Terminator 2: El juicio final (1991), del director James Cameron, en imágenes del personaje cambiante T-1000. Los gráficos por computadora o CG avanzaron hasta un punto en el que Parque Jurásico (1993) pudo utilizar las técnicas para crear animales de apariencia realista. Jackpot (2001) se convirtió en la primera película rodada íntegramente en digital. En la película Titanic, Cameron quería traspasar los límites de los efectos especiales con su película y reclutó a Digital Domain y Pacific Data Images para continuar los desarrollos en tecnología digital en los que el director fue pionero mientras trabajaba en . El Abismo y Terminator 2: El Día del Juicio. Muchas películas anteriores sobre el RMS Titanic filmaban agua en cámara lenta, lo que no parecía del todo convincente. Cameron animó a su tripulación a fotografiar su miniatura del barco de 45 pies de largo (14 m) como si "estáramos haciendo un comercial para White Star Line".

Incluso El proyecto de la bruja de Blair (1999), una película de terror independiente de bajo presupuesto de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick, fue un gran éxito financiero. Filmada con un presupuesto de sólo 35.000 dólares, sin grandes estrellas ni efectos especiales, la película recaudó 248 millones de dólares con el uso de modernas técnicas de marketing y promoción online. Aunque no en la escala de la precuela de la Trilogía de Star Wars de George Lucas, valorada en mil millones de dólares, El proyecto de la bruja de Blair se ganó la distinción de ser la película más rentable de todas. tiempo, en términos de porcentaje bruto.

Sin embargo, el éxito de Blair Witch como proyecto independiente sigue siendo una de las pocas excepciones, y el control de los estudios The Big Five sobre la producción cinematográfica continuó aumentará durante el decenio de 1990. Todas las seis grandes empresas disfrutaron de un período de expansión en la década de 1990. Cada uno de ellos desarrolló diferentes formas de adaptarse a los crecientes costos de la industria cinematográfica, especialmente los crecientes salarios de las estrellas de cine, impulsados por agentes poderosos. Las estrellas más importantes como Sylvester Stallone, Russell Crowe, Tom Cruise, Nicole Kidman, Sandra Bullock, Arnold Schwarzenegger, Mel Gibson y Julia Roberts recibieron entre 15 y 20 millones de dólares por película y, en algunos casos, incluso recibieron una parte del total de la película. s ganancias.

Por otro lado, a los guionistas generalmente se les pagaba menos que a los principales actores o directores, normalmente menos de 1 millón de dólares por película. Sin embargo, el factor más importante que impulsó el aumento de los costos fueron los efectos especiales. En 1999, el coste medio de una película de gran éxito era de 60 millones de dólares antes del marketing y la promoción, lo que costaba otros 80 millones de dólares.

Cine contemporáneo

Desde principios del siglo XXI, el mercado teatral ha sido dominado lentamente por el género de superhéroes. A partir de 2022, son las producciones mejor pagadas para los actores, porque los sueldos en otros géneros se han reducido incluso para los mejores actores.

Se planeó originalmente que la película de fantasía de 2019 Frozen II se estrenara en Disney+ el 26 de junio de 2020 antes de que se trasladara al 15 de marzo. El director ejecutivo de Disney, Bob Chapek, explicó que esto se debía a la película. Los "temas poderosos de la perseverancia y la importancia de la familia, mensajes que son increíblemente relevantes" de #39. El 16 de marzo de 2020, Universal anunció que El hombre invisible, La caza y Emma, todas películas en cines en ese momento, serían Disponible a través de video premium a pedido a partir del 20 de marzo a un precio sugerido de US$19,99 cada uno. Después de sufrir una mala taquilla desde su lanzamiento a principios de marzo, Onward estuvo disponible para su compra digital el 21 de marzo y se agregó a Disney+ el 3 de abril. Paramount anunció el 20 de marzo que Se estaba estudiando el lanzamiento anticipado de Sonic the Hedgehog en vídeo a la carta el 31 de marzo. El 16 de marzo, Warner Bros. anunció que Birds of Prey se lanzaría anticipadamente en vídeo a la carta en 24 de marzo. El 3 de abril, Disney anunció que Artemis Fowl, una adaptación cinematográfica del libro de 2001 del mismo nombre, se trasladaría directamente a Disney+ el 12 de junio, omitiendo por completo su estreno en cines.

En 2021, a pesar de la pandemia de COVID-19 en Estados Unidos, se estrenaron películas taquilleras como Black Widow, F9, Muerte en el Nilo y West Side Story. en los cines después de haber sido pospuestos desde sus fechas de estreno iniciales de 2020.

Varios estudios respondieron a la crisis con decisiones controvertidas de renunciar a la ventana teatral y estrenar sus películas en el día y la fecha. NBCUniversal lanzó Trolls World Tour directamente para alquiler de video a pedido el 10 de abril, al tiempo que recibió proyecciones limitadas en cines nacionales a través de autocines; El director ejecutivo, Jeff Shell, afirma que la película había alcanzado unos ingresos de casi 100 millones de dólares en las primeras tres semanas. AMC Theatres se opuso a la decisión, que luego anunció que las proyecciones de películas de Universal Pictures cesarían inmediatamente, aunque las dos compañías eventualmente acordarían una ventana de exhibición de dos semanas. En diciembre de 2020, Warner Bros. Pictures anunció su decisión de lanzar simultáneamente su lista de películas de 2021 en ambos cines y en su sitio de transmisión HBO Max durante un período de un mes para maximizar la audiencia. La medida fue criticada con vehemencia por varias figuras de la industria, muchas de las cuales supuestamente no estaban informadas de la decisión antes del anuncio y se sintieron engañadas por el estudio.

A partir de 2019 se ha visto el auge de las plataformas de streaming estadounidenses, como Netflix, Disney+, Paramount+ y Apple TV+, que llegaron a rivalizar con el cine tradicional. Los comentaristas de la industria han notado el creciente tratamiento de las películas como "contenido" por corporaciones que se correlacionan con la creciente popularidad de las plataformas de transmisión. Esto implica desdibujar los límites entre películas, televisión y otras formas de medios a medida que más personas los consumen juntas de diversas maneras, con películas individuales definidas más por su identidad de marca y potencial comercial que por su medio, historias y arte. El crítico Matt Zoller Seitz ha descrito el estreno de Avengers: Endgame en 2019 como "que representa la derrota decisiva del 'cine' por 'contenido'" debido a su gran éxito como "pieza de entretenimiento" definido por la marca Marvel que culmina una serie de películas taquilleras que tiene rasgos de televisión en serie.

Las películas Space Jam: A New Legacy y Red Notice han sido citadas como ejemplos de este tratamiento, siendo la primera descrita por muchos críticos como " un infomercial extenso para HBO Max", que presenta escenas y personajes que recuerdan varias propiedades de Warner Bros. como Casablanca, The Matrix y Austin Powers, mientras que esta última es una película de Netflix sobre atracos de 200 millones de dólares que los críticos describieron como "una película que se siente más procesada por una máquina [...] en lugar de algo que se acerque a una intención artística o incluso un deseo honesto de entretener".; Algunos han expresado que Space Jam demuestra el tratamiento cada vez más cínico que la industria da a las películas como mera propiedad intelectual (PI) para ser explotada, un enfoque que el crítico Scott Mendelson denominó "PI para el por el bien de la propiedad intelectual."

Martin Scorsese ha advertido que el cine como forma de arte está "siendo sistemáticamente devaluado, marginado, degradado y reducido" al "contenido" y llamó éxitos de taquilla' énfasis excesivo en los retornos de taquilla es "repulsivo". Quentin Tarantino opinó que la década de 2020 fue una de las "peores" eras "en la historia de Hollywood" en una entrevista de podcast. Durante una clase magistral en el Festival de Cine de Sarajevo 2023, Charlie Kaufman criticó los grandes éxitos de taquilla y afirmó que "en este momento, lo único que genera dinero es la basura"; y alentó a los profesionales de la industria a "hacer películas fuera del sistema de estudio tanto como sea posible". James Gray señaló en una entrevista con Deadline "Cuando haces películas que sólo generan un montón de dinero y sólo un tipo de película, comienzas a sacar a un gran segmento de la población de la costumbre de ir al cine," lo que hace que la audiencia disminuya, aunque aclaró que no tiene “ningún problema con una película de cómics”. Como solución a la falta de "inversión en un compromiso amplio con el producto", sugiere que los estudios "estén dispuestos a perder dinero durante un par de años en divisiones de cine artístico, y en al final serán más felices."

Hollywood y la política

En la década de 1930, los demócratas y los republicanos vieron dinero en Hollywood. El presidente Franklin Roosevelt vio una gran asociación con Hollywood. Utilizó el primer potencial real de las estrellas de Hollywood en una campaña nacional. Melvyn Douglas realizó una gira por Washington en 1939 y conoció a los New Dealers clave.

Respaldos políticos

Se firmaron cartas de respaldo de los actores principales, se realizaron apariciones en radio y publicidad impresa. Se utilizaron estrellas de cine para atraer a una gran audiencia a la visión política del partido. En la década de 1960, John F. Kennedy era un rostro nuevo y joven para Washington, y su fuerte amistad con Frank Sinatra ejemplificaba esta nueva era de glamour. Los últimos magnates de Hollywood se habían ido y los ejecutivos y productores más jóvenes y nuevos comenzaron a impulsar ideas más liberales.

Las celebridades y el dinero atrajeron a los políticos al brillante y lujoso estilo de vida de Hollywood. Como escribió Ron Brownstein en su libro The Power and the Glitter, la televisión en las décadas de 1970 y 1980 fue un nuevo medio de enorme importancia en la política y Hollywood ayudó en ese medio con actores que pronunciaban discursos sobre sus creencias políticas, como Jane Fonda contra la guerra de Vietnam. A pesar de que la mayoría de las celebridades y productores eran de izquierda y tendían a apoyar al Partido Demócrata, esta era produjo algunos actores y productores republicanos como Clint Eastwood y Jerry Bruckheimer. Se crearon grupos de apoyo como los Amigos de Abe para apoyar causas conservadoras en Hollywood, que se percibe como parcial contra los conservadores. El ex actor Ronald Reagan se convirtió en gobernador de California y posteriormente en el cuadragésimo presidente de los Estados Unidos. Continuó con Arnold Schwarzenegger como gobernador de California en 2003.

Donaciones políticas

Hoy en día, las donaciones de Hollywood ayudan a financiar la política federal. El 20 de febrero de 2007, por ejemplo, el entonces candidato presidencial demócrata Barack Obama celebró una gala en Hollywood a 2.300 dólares el plato, organizada por los fundadores de DreamWorks, David Geffen, Jeffrey Katzenberg y Steven Spielberg, en el Beverly Hilton.

Críticas

Publicidad encubierta

La publicidad nativa es información diseñada para persuadir de maneras más sutiles que la propaganda clásica. Un ejemplo moderno común en Estados Unidos es la copaganda, en la que los programas de televisión muestran representaciones irrealmente halagadoras de las fuerzas del orden, en parte para pedir prestado equipo y obtener su ayuda para bloquear calles y filmar más fácilmente en exteriores. En la industria del entretenimiento se han formulado otras acusaciones de lavado de reputación, incluido el de pulir la imagen de la mafia.

La colocación de productos también ha sido objeto de críticas, ya que la industria tabacalera promueve el hábito de fumar en la pantalla. Los Centros para el Control de Enfermedades citan que el 18% de los fumadores adolescentes no comenzarían a fumar si las películas sobre fumadores recibieran automáticamente una calificación 'R' calificación, lo que salvaría 1 millón de vidas.

Censura

Los productores de Hollywood generalmente buscan cumplir con los requisitos de censura del gobierno chino en un intento por acceder al restringido y lucrativo mercado cinematográfico del país, con la segunda taquilla más grande del mundo en 2016. Esto incluye priorizar representaciones comprensivas de personajes chinos en las películas, como cambiar a los villanos de Amanecer Rojo de chinos a norcoreanos. Debido a muchos temas prohibidos en China, como la participación del Dalai Lama y Winnie-the-Pooh en el episodio de South Park "Band in China", South Park fue completamente prohibido en China después del episodio. #39;transmisión. A la película de 2018 Christopher Robin, la nueva película de Winnie-the-Pooh, se le negó el estreno en China.

Aunque el Tíbet fue anteriormente una causa célebre en Hollywood, apareciendo en películas como Kundun y Siete años en el Tíbet, en el siglo XXI este ya no es el caso. En 2016, Marvel Entertainment atrajo críticas por su decisión de elegir a Tilda Swinton como "The Ancient One" en la adaptación cinematográfica Doctor Strange, utilizando una mujer blanca para interpretar un personaje tradicionalmente tibetano. El actor y destacado partidario del Tíbet, Richard Gere, declaró que ya no era bienvenido a participar en las principales películas de Hollywood después de criticar al gobierno chino y pedir un boicot a los Juegos Olímpicos de Verano de 2008 en Beijing.

Ejemplos históricos

Hollywood también autocensuró cualquier representación negativa de los nazis durante la mayor parte de la década de 1930 para mantener el acceso al público alemán. Por aquella época, la censura económica dio lugar a la autocensura de contenidos para complacer al grupo que ejercía su influencia económica. El Código Hays fue un esfuerzo liderado por la industria entre 1930 y 1967 para lograr una autocensura estricta con el fin de apaciguar las objeciones religiosas a ciertos contenidos y evitar cualquier censura gubernamental que pudiera haber resultado.

Relación con los militares

Hollywood global

Los investigadores de la economía política de la comunicación se han centrado durante mucho tiempo en la presencia, el poder, la rentabilidad y la popularidad internacional o global de las películas de Hollywood. Los libros sobre el Hollywood global de Toby Miller y Richard Maxwell, Janet Wasko y Mary Erickson, Kerry Segrave, John Trumpbour y Tanner Mirrlees examinan la economía política internacional del poder de Hollywood.

Según Tanner Mirrlees, Hollywood se basa en cuatro estrategias capitalistas "para atraer e integrar en su ámbito a productores, exhibidores y audiencias cinematográficas no estadounidenses: propiedad, producciones transfronterizas con proveedores de servicios subordinados, acuerdos de licencia de contenidos con expositores y éxitos de taquilla diseñados para viajar por el mundo."

En 1912, las compañías cinematográficas estadounidenses estaban en gran medida inmersas en la competencia por el mercado interno. Era difícil satisfacer la enorme demanda de películas creada por el boom del nickelodeon. Los miembros de Motion Picture Patents Company, como Edison Studios, también buscaron limitar la competencia de películas francesas, italianas y otras importadas. Entonces, la exportación de películas se volvió lucrativa para estas empresas. Vitagraph Studios fue la primera empresa estadounidense en abrir sus propias oficinas de distribución en Europa, estableciendo una sucursal en Londres en 1906 y una segunda sucursal en París poco después.

Otras empresas estadounidenses también se estaban trasladando a los mercados extranjeros, y la distribución estadounidense en el extranjero continuó expandiéndose hasta mediados de la década de 1920. Al principio, la mayoría de las empresas vendían sus películas de forma indirecta. Sin embargo, como no tenían experiencia en el comercio exterior, simplemente vendieron los derechos extranjeros de sus películas a empresas distribuidoras o agentes exportadores extranjeros. Poco a poco, Londres se convirtió en un centro de circulación internacional de películas estadounidenses.

Muchas empresas británicas obtuvieron beneficios actuando como agentes de este negocio y, al hacerlo, debilitaron la producción británica al ceder una gran parte del mercado del Reino Unido a películas estadounidenses. En 1911, aproximadamente entre el 60 y el 70 por ciento de las películas importadas a Gran Bretaña eran estadounidenses. A Estados Unidos también le estaba yendo bien en Alemania, Australia y Nueva Zelanda.

Más recientemente, a medida que la globalización ha comenzado a intensificarse y el gobierno de los Estados Unidos ha estado promoviendo activamente agendas de libre comercio y el comercio de productos culturales, Hollywood se ha convertido en una fuente cultural mundial. El éxito en los mercados de exportación de Hollywood se puede conocer no sólo por el auge de las corporaciones multinacionales de medios estadounidenses en todo el mundo, sino también por la capacidad única de hacer películas de gran presupuesto que apelan poderosamente a los gustos populares en muchas culturas diferentes.

Con la globalización, la producción cinematográfica se ha concentrado en Hollywood por varias razones: Estados Unidos tiene el mercado interno más grande en términos de dólares, las películas de Hollywood entretenidas y muy visibles tienen un atractivo global, y el papel del inglés como idioma universal contribuye para compensar los mayores costes fijos de producción.

Hollywood se ha introducido más profundamente en los mercados chinos, aunque influenciado por la censura china. Las películas realizadas en China están censuradas y evitan estrictamente temas como "fantasmas, violencia, asesinatos, terror y demonios". Estos elementos de la trama corren el riesgo de ser eliminados. Hollywood ha tenido que hacer planes "aprobados" películas, que corresponden a los estándares oficiales chinos, pero con estándares estéticos sacrificados en aras de las ganancias de taquilla. Incluso al público chino le resultó aburrido esperar el estreno de grandes películas estadounidenses dobladas a su idioma nativo.

Papel de la mujer

Meryl Streep es citada como una de las mujeres más influyentes de Hollywood y Katharine Hepburn recibió cuatro premios de la Academia por la Mejor Actriz, un registro para cualquier intérprete.

Las mujeres están estadísticamente subrepresentadas en puestos creativos en el centro de la industria cinematográfica estadounidense, Hollywood. Esta subrepresentación se ha denominado “techo de celuloide”, una variante del término de discriminación laboral “techo de cristal”. En 2013, los "actores mejor pagados... ganaron 2+1⁄2 veces más dinero que las actrices mejor pagadas." "Los actores [masculinos] mayores ganan más que sus pares femeninas" en edad, con "las estrellas de cine femeninas que ganan la mayor cantidad de dinero en promedio por película a los 34 años, mientras que las estrellas masculinas ganan más a los 51 años".

El Informe sobre el techo de celuloide de 2013 realizado por el Centro para el estudio de la mujer en la televisión y el cine de la Universidad Estatal de San Diego recopiló una lista de estadísticas recopiladas de 2.813 personas empleadas por las 250 películas con mayor recaudación nacional de 2012. "

Las mujeres representaron:

• "18% de todos los directores, productores ejecutivos, productores, escritores, cinematógrafos y editores. Esto no reflejaba cambios de 2011 y sólo un aumento del 1% de 1998".
• "9% de todos los directores".
• "15% de escritores".
• "25% de todos los productores".
• "20% de todos los editores".
• "2% de todos los cinematógrafos".
• "El 38% de las películas empleadas 0 ó 1 mujer en los papeles considerados, el 23% emplea a 2 mujeres, el 28% emplea a 3 a 5 mujeres y el 10% emplea a 6 a 9 mujeres".

Un artículo del New York Times afirmó que solo el 15% de las mejores películas de 2013 tenían mujeres para un papel principal. El autor del estudio señaló que "el porcentaje de roles femeninos que hablan no ha aumentado mucho desde la década de 1940, cuando rondaban entre el 25 y el 28 por ciento". "Desde 1998, la representación de las mujeres en roles detrás de escena distintos de la dirección ha aumentado sólo un 1 por ciento". Las mujeres "dirigieron el mismo porcentaje de las 250 películas más taquilleras en 2012 (9 por ciento) que en 1998".

Raza y etnia

El 10 de mayo de 2021, NBC anunció que no televisaría la 79.ª edición de los Globos de Oro en 2022 en apoyo de un boicot a la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood por parte de varias empresas de medios por esfuerzos inadecuados para abordar la falta de diversidad entre los miembros de la asociación con personas de color, pero que estaría abierto a televisar la ceremonia en 2023 si la HFPA tuviera éxito en sus esfuerzos de reforma. La HFPA se disolvería dos años después como consecuencia de éste y otros escándalos.

El cine estadounidense a menudo ha reflejado y propagado estereotipos negativos hacia los extranjeros y las minorías étnicas. Por ejemplo, los rusos y los ruso-estadounidenses suelen ser retratados como mafiosos brutales, agentes despiadados y villanos. Según la profesora ruso-estadounidense Nina L. Khrushcheva, "ni siquiera puedes encender la televisión e ir al cine sin mencionar que los rusos son horribles". Los italianos y los italoamericanos suelen estar asociados con el crimen organizado y la mafia estadounidense. Los hispanos y latinoamericanos son representados en gran medida como figuras sexualizadas como el macho latino o la zorra latina, pandilleros, inmigrantes (ilegales) o artistas. Sin embargo, la representación en Hollywood ha mejorado en los últimos años, ganó fuerza en la década de 1990 y ya no enfatiza la opresión, la explotación o la resistencia como temas principales. Según Charles Ramírez Berg, las películas de la tercera ola “no acentúan la opresión o resistencia chicana; La etnicidad en estas películas existe como un hecho entre varios que dan forma a las características de los personajes. vive y imprime sus personalidades." Cineastas como Edward James Olmos y Robert Rodriguez pudieron representar la experiencia hispana y latinoamericana como ninguno antes en la pantalla, y actores como Hilary Swank, Jordana Brewster, Jessica Alba, Camilla Belle, Al Madrigal, Alexis Bledel, Alexa PenaVega, Ana de Armas y Rachel Zegler han tenido éxito. En la última década, cineastas minoritarios como Chris Weitz, Alfonso Gómez-Rejón y Patricia Riggen han recibido narrativas más aplicativas. Las películas que retratan a hispanos y latinoamericanos incluyen La Bamba (1987), Selena (1997), La máscara del Zorro (1998), Gol II (2007), Por la borda (2018), El padre de la novia (2022) y Mujeres de verdad» de Josefina López Have Curves, originalmente una obra de teatro que se estrenó en 1990 y luego se estrenó como película en 2002.

La representación afroamericana en Hollywood mejoró drásticamente hacia finales del siglo XX después de la caída del sistema de estudios. En el viejo Hollywood, cuando los prejuicios raciales eran socialmente aceptables, no era raro que los actores blancos usaran el rostro negro. En la película de 2016 Moonlight, la masculinidad se retrata como rígida y agresiva, entre el comportamiento de los jóvenes negros del grupo de compañeros adolescentes de Chiron. La expresión de hipermasculinidad entre los hombres negros se ha asociado con la aceptación de los pares y la comunidad. Ser un hombre gay dentro de la comunidad negra, por otro lado, se ha asociado con la alienación social y el juicio homofóbico por parte de sus pares porque los hombres homosexuales negros son vistos como débiles o afeminados. En la película, Chiron se ubica en esta división como un hombre gay negro y altera su presentación de la masculinidad como una estrategia para evitar el ridículo porque la homosexualidad se considera incompatible con las expectativas masculinas negras. Cuando era niño, Kevin oculta su sexualidad para evitar ser señalado como lo es Quirón. A medida que Chiron crece, reconoce la necesidad de ajustarse a un ideal heteronormativo de masculinidad negra para evitar el abuso y la homofobia. Como adulto, Chiron elige abrazar el desempeño estereotipado del género masculino negro al volverse musculoso y traficante de drogas.

Según el actor coreano-estadounidense Daniel Dae Kim, los hombres asiáticos y asiático-estadounidenses "han sido retratados como villanos inescrutables y una especie de eunucos asexualizados". La Media Action Network for Asian Americans acusó al director y al estudio de Aloha de blanquear al elenco de la película, y el director, Cameron Crowe, se disculpó por haber interpretado erróneamente a Emma Stone como un personaje que debía ser. de ascendencia una cuarta parte china y una cuarta parte hawaiana. A lo largo del siglo XX, los papeles actorales en el cine fueron relativamente pocos y muchos de los papeles disponibles eran personajes limitados. En el siglo XXI, los jóvenes comediantes y cineastas asiático-estadounidenses han encontrado una salida en YouTube que les permite ganar una base de fans fuerte y leal entre sus compatriotas asiático-estadounidenses. Aunque más recientemente la película Crazy Rich Asians ha sido elogiada en Estados Unidos por presentar un elenco predominantemente asiático, fue criticada en otros lugares por elegir actores birraciales y no chinos como personajes étnicamente chinos. La película Always Be My Maybe fue elogiada por tomar ritmos familiares de comedia romántica y superponer hábilmente comentarios sociales inteligentes.

Antes de los ataques del 11 de septiembre, los árabes y los árabes estadounidenses eran a menudo retratados como terroristas. La decisión de contratar a Naomi Scott, en la película Aladdin, hija de padre inglés y madre gujarati ugandesa-india, para interpretar el papel de Jasmine, también generó críticas, además de acusaciones de colorismo., ya que algunos comentaristas esperaban que el papel fuera para una actriz de origen árabe o de Oriente Medio. En enero de 2018, se informó que a los extras blancos se les estaba aplicando maquillaje marrón durante el rodaje para "mezclarse", lo que provocó protestas y condenas entre los fanáticos y críticos, calificando la práctica como ";un insulto a toda la industria" al tiempo que acusa a los productores de no reclutar personas con herencia de Medio Oriente o Norte de África. Disney respondió a la controversia diciendo: "La diversidad de nuestro elenco y artistas de fondo era un requisito y sólo en unos pocos casos cuando se trataba de habilidades especiales, seguridad y control (equipos de efectos especiales, especialistas y manejo de animales) estaban formados por la tripulación para mezclarse."

Condiciones de trabajo

El flujo de trabajo de Hollywood es único en el sentido de que gran parte de su fuerza laboral no trabaja en la misma fábrica todos los días, ni sigue la misma rutina día a día, sino que filma en lugares distantes alrededor del mundo, con una horario dictado por las escenas que se filman en lugar de lo que tiene más sentido para la productividad. Por ejemplo, una película urbana filmada íntegramente en locaciones nocturnas requeriría que la mayor parte de su equipo trabajara en turno de noche, mientras que una serie de comedia situacional que se filma principalmente en escenarios con solo uno o dos días a la semana en locaciones seguiría un estilo más tradicional. horario de trabajo. Los westerns a menudo se filman en lugares desérticos, lejos de las casas del equipo, en áreas con pocos hoteles que requieren largos viajes antes y después del día de rodaje, que aprovechan la mayor cantidad de horas de luz solar disponible, lo que en última instancia requiere que los trabajadores dediquen 16 o 17 horas de sol. horas al día desde que salen de su casa hasta que regresan.

Si bien el papel de los trabajadores en Estados Unidos ha disminuido en muchas partes del país, los sindicatos han mantenido un firme control en Hollywood desde su inicio durante la Gran Depresión, cuando los trabajadores hacían cola frente a los prósperos estudios de cine en busca del único trabajo en ciudad. A esos trabajadores les esperaban condiciones terribles mientras los estudios explotaban a la ansiosa fuerza laboral con salarios exiguos y la amenaza siempre presente de cientos de personas más esperando afuera de las puertas para ocupar su lugar si expresaban alguna queja.

Debido a la naturaleza informal del empleo en Hollywood, sólo a través de la negociación colectiva pueden los trabajadores individuales expresar sus derechos a garantías de salario mínimo y acceso a planes de pensiones y de salud que se trasladan de una película a otra o de una serie de televisión a otra. y ofrecer a los estudios acceso a una fuerza laboral capacitada capaz de ingresar al set desde el primer día con el conocimiento y la experiencia para manejar el equipo altamente técnico que se les pide que operen.

La mayoría de los trabajadores de Hollywood están representados por varios sindicatos y gremios. La Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE), que cuenta con 150.000 miembros, representa a la mayoría de los oficios, como maquinistas, electricistas y camarógrafos, así como a editores, ingenieros de sonido y peluqueros y profesionales. artistas del maquillaje. El Screen Actors Guild (SAG) es el siguiente grupo más grande que representa a unos 130.000 actores e intérpretes, el Directors Guild of America (DGA) representa a los directores y gerentes de producción, el Writers Guild of America (WGA) representa a los escritores y la Hermandad Internacional de Teamsters (IBT) representa a los conductores.

Los sindicatos y gremios sirven como unidad de negociación colectiva para sus miembros, negociando a intervalos regulares (la mayoría actualmente en contratos de 3 años) con la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP), una alianza comercial que representa a los estudios de cine y cadenas de televisión que contratan equipos para crear su contenido.

Si bien la relación entre los trabajadores y la gerencia ha sido generalmente amistosa a lo largo de los años, trabajando junto con el estado para desarrollar protocolos seguros para continuar trabajando durante COVID-19 y presionando juntos a favor de incentivos fiscales, se sabe que las negociaciones contractuales han prosperado. polémicos sobre los cambios en la industria y como respuesta a la creciente desigualdad de ingresos. La relación incluso se volvió sangrienta en 1945 cuando una huelga de seis meses de los decoradores se convirtió en un sangriento tumulto en un sofocante día de octubre entre huelguistas, esquiroles, rompehuelgas y seguridad del estudio.