Cine de China

El cine de China es uno de los tres hilos históricos distintos del cine en idioma chino junto con el cine de Hong Kong y el cine de Taiwán.

El cine se introdujo en China en 1896 y la primera película china, Montaña Dingjun, se hizo en 1905. En las primeras décadas, la industria cinematográfica se centró en Shanghái. La década de 1920 estuvo dominada por pequeños estudios y películas comerciales, especialmente en el género de acción wuxia. La primera película sonora, Sing-Song Girl Red Peony, utilizando la tecnología de sonido en disco, se realizó en 1931. La década de 1930, considerada el primer "período dorado" del cine chino, vio el advenimiento del movimiento cinematográfico de izquierda. La disputa entre nacionalistas y comunistas se reflejó en las películas producidas. Después de la invasión japonesa de China y la ocupación de Shanghái, la industria de la ciudad se vio gravemente restringida y los cineastas se mudaron a Hong Kong, Chungking (Chongqing) y otros lugares. Una "isla solitaria" El período comenzó en Shanghai, donde los cineastas que se quedaron trabajaron en las concesiones extranjeras. Princess Iron Fan (1941), el primer largometraje de animación chino, se estrenó al final de este período. Influyó en la animación japonesa en tiempos de guerra y más tarde en Osamu Tezuka. Después de quedar completamente envuelta por la ocupación en 1941 y hasta el final de la guerra en 1945, la industria cinematográfica de la ciudad estuvo bajo control japonés.

Después del final de la guerra, tuvo lugar una segunda época dorada, con la reanudación de la producción en Shanghái. Primavera en un pueblo pequeño (1948) fue nombrada la mejor película en idioma chino en los 24th Hong Kong Film Awards. Después de la revolución comunista de 1949, las películas nacionales que ya se habían estrenado y una selección de películas extranjeras fueron prohibidas en 1951, marcando una diatriba de censura cinematográfica en China. A pesar de esto, la asistencia al cine aumentó considerablemente. Durante la Revolución Cultural, la industria cinematográfica estuvo severamente restringida, llegando casi a un punto muerto entre 1967 y 1972. La industria floreció después del final de la Revolución Cultural, incluidos los "drama de cicatrices" de la década de 1980, como Evening Rain (1980), Legend of Tianyun Mountain (1980) y Hibiscus Town (1986), que describen la emocional traumas dejados por la época. Desde mediados hasta finales de la década de 1980, con películas como One and Eight (1983) y Yellow Earth (1984), el surgimiento de la quinta generación aumentó la popularidad de los chinos. cine en el extranjero, especialmente entre el público occidental de arte y ensayo. Películas como Red Sorghum (1987), The Story of Qiu Ju (1992) y Farewell My Concubine (1993) ganaron importantes premios internacionales. El movimiento terminó parcialmente después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989. El período posterior a 1990 vio el surgimiento de la Sexta Generación y la posterior a la Sexta Generación, ambas en su mayoría haciendo películas fuera del principal sistema cinematográfico chino que se proyectó principalmente en el circuito internacional de festivales de cine.

Tras el éxito comercial internacional de películas como Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000) y Hero (2002), el número de coproducciones en chino el cine ha aumentado y ha habido un movimiento del cine en idioma chino hacia un dominio de influencia internacional a gran escala. Después de que The Dream Factory (1997) demostrara la viabilidad del modelo comercial, y con el crecimiento de la taquilla china en el nuevo milenio, las películas chinas han batido récords de taquilla y, a partir de enero de 2017, 5 de las 10 películas más taquilleras de China son producciones nacionales. Perdidos en Tailandia (2012) fue la primera película china en alcanzar ¥1000 millones RMB en la taquilla china. Monster Hunt (2015) fue el primero en alcanzar ¥2 mil millones RMB. La sirena (2016) fue la primera en ¥3 mil millones RMB. Wolf Warrior 2 (2017) los superó para convertirse en la película más taquillera de China.

China es el hogar del mayor complejo de producción de películas y dramas y estudios cinematográficos del mundo, Oriental Movie Metropolis y Hengdian World Studios, y en 2010 tenía la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos anualmente. En 2012, el país se convirtió en el segundo mercado más grande del mundo por ingresos de taquilla. En 2016, la taquilla bruta en China fue de ¥45,71 mil millones RMB (US$6,58 mil millones). El país tiene la mayor cantidad de pantallas en el mundo desde 2016 y se espera que se convierta en el mercado teatral más grande para 2019. China también se ha convertido en un importante centro de negocios para los estudios de Hollywood.

En noviembre de 2016, China aprobó una ley cinematográfica que prohíbe el contenido considerado perjudicial para la "dignidad, el honor y los intereses" de la República Popular y alentar la promoción de los 'valores fundamentales socialistas', aprobado por el Comité Permanente de la Asamblea Popular Nacional. Debido a las regulaciones de la industria, las películas generalmente pueden permanecer en los cines durante un mes. Sin embargo, los estudios pueden solicitar a los reguladores que extiendan el límite.

En los últimos años, el público chino se ha interesado cada vez más en [las películas en chino] producidas en el país. Los valores de producción de las películas nacionales han ido en aumento. Según la firma de investigación Ampere Analysis, las películas nacionales representaron el 85% de la taquilla de China en 2020. Aynne Kokas, profesora de estudios de medios en la Universidad de Virginia y autora del libro "Hollywood Made in China& #34; declaró que, "Hay éxitos de taquilla chinos que los cineastas chinos están haciendo que la gente quiere ver, y se sienten menos derivados que los hechos en Hollywood". Las altas ganancias de taquilla de películas chinas de 2021 como 'Hola, mamá' y "La batalla en el lago Changjin" ha indicado que la industria cinematográfica nacional china ha alcanzado la autosuficiencia y no necesita atraer a la audiencia internacional para producir películas comercialmente exitosas.

Las películas patrióticas recientes han sido etiquetadas como películas de propaganda por los principales medios de comunicación occidentales. Sin embargo, Richard Peña, profesor de la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia en Nueva York, le dijo a la VOA con respecto al reclamo de "propaganda" etiqueta que era más una cuestión de perspectiva de "el espectador". Ian Huffer, profesor titular de estudios de medios en la Universidad de Massey, agregó que "los éxitos de taquilla chinos más recientes que el periodismo occidental ha caracterizado como propaganda se parecen más a esas películas de Hollywood a lo largo de los años que han utilizado conflictos militares para evocar sentimientos jingoístas". o que muestren a EE. UU. salvando al mundo de una catástrofe global".

Comienzos

1926 Tianyi film Lady Meng Jiang, protagonizada por Hu Die

Las películas se introdujeron en China en 1896. China fue uno de los primeros países en estar expuesto al medio cinematográfico, debido a que Louis Lumière envió a su camarógrafo a Shanghái un año después de inventar la cinematografía. La primera proyección registrada de una película en China tuvo lugar en Shanghai el 11 de agosto de 1896, como un "act" en un proyecto de ley de variedad. La primera película china, una grabación de la ópera de Pekín, Montaña Dingjun, se realizó en noviembre de 1905 en Pekín. Durante la década siguiente, las productoras eran principalmente de propiedad extranjera y la industria cinematográfica nacional se centró en Shanghai, un centro comercial próspero y la ciudad más grande del Lejano Oriente. En 1913, Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan filmaron en Shanghái el primer guión chino independiente, La pareja difícil. Zhang Shichuan luego estableció la primera productora de cine de propiedad china en 1916. El primer largometraje fue Yan Ruisheng (閻瑞生) estrenado en 1921, que era un docudrama sobre el asesinato de un La cortesana de Shanghái, aunque era una película demasiado cruda para ser considerada comercialmente exitosa. Durante la década de 1920, los técnicos cinematográficos de los Estados Unidos capacitaron a los técnicos chinos en Shanghái, y la influencia estadounidense continuó sintiéndose allí durante las siguientes dos décadas. Dado que el cine aún se encontraba en sus primeras etapas de desarrollo, la mayoría de las películas mudas chinas en este momento eran solo parodias cómicas o cortometrajes de ópera, y la capacitación era mínima en un aspecto técnico debido a que se trataba de un período de cine experimental.

Más tarde, después de prueba y error, China pudo inspirarse en sus propios valores tradicionales y comenzó a producir películas de artes marciales, siendo la primera Burning of Red Lotus Temple (1928). Burning of Red Lotus Temple tuvo tanto éxito en la taquilla que la producción de Star Motion Pictures (Mingxing) luego filmó 18 secuelas, marcando el comienzo de las estimadas películas de artes marciales de China. Siguieron muchos imitadores, incluido Red Heroine (1929) de U. Lien (Youlian) Studio, que aún existe. Fue durante este período cuando surgieron algunas de las productoras más importantes, en particular Mingxing y los hermanos Shaw. Tianyi ("Único"). Mingxing, fundada por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan en 1922, inicialmente se centró en cortos cómicos, incluida la película china completa más antigua que se conserva, Laborer's Love (1922). Sin embargo, esto pronto cambió a largometrajes y dramas familiares, incluido Orphan Rescues Grandfather (1923). Mientras tanto, Tianyi cambió su modelo hacia los dramas folclóricos y también ingresó a los mercados extranjeros; su película White Snake (1926) demostró ser un ejemplo típico de su éxito en las comunidades chinas del sudeste asiático. En 1931, se realizó la primera película sonora china Sing-Song Girl Red Peony, producto de una cooperación entre la producción de imágenes de Mingxing Film Company y la tecnología de sonido de Pathé Frères. Sin embargo, el sonido se grabó en un disco, que luego se reprodujo en el cine en sincronía con la acción en la pantalla. El primer cine sonoro con sonido en película realizado en China fue Spring on Stage (歌場春色) de Tianyi, o Clear Sky After Storm de Great China Studio y Jinan Studio.. Las películas musicales, como Song at Midnight (1937) y Street Angels (1937), protagonizadas por Zhou Xuan, se convirtieron en uno de los géneros cinematográficos más populares en China.

Movimiento de izquierda

Ruan Lingyu, de 20 años, una superestrella durante la era de la película silenciosa, en Amor y deber (1931).

Sin embargo, las primeras películas chinas realmente importantes se produjeron a partir de la década de 1930, con el advenimiento de la película "progresista" o "de izquierda" movimiento, como Primavera de gusanos de seda de Cheng Bugao (1933), La diosa de Wu Yonggang (1934) y de Sun Yu >El Gran Camino, también conocido como El Gran Camino (1934). Estas películas se destacaron por su énfasis en la lucha de clases y las amenazas externas (es decir, la agresión japonesa), así como por su enfoque en la gente común, como una familia de cultivadores de seda en Spring Silkworms y una prostituta en La Diosa. En parte debido al éxito de este tipo de películas, esta era posterior a 1930 ahora se conoce como el primer "período dorado" del cine chino. El movimiento cinematográfico de izquierda a menudo giraba en torno a la Shanghái de influencia occidental, donde los cineastas retrataban a la clase baja en apuros de una ciudad superpoblada.

Tres empresas de producción dominaron el mercado entre principios y mediados de la década de 1930: la recién formada Lianhua ('China unida'), la más antigua y más grande Mingxing y Tianyi. Tanto Mingxing como Lianhua se inclinaron hacia la izquierda (quizás más la dirección de Lianhua), mientras que Tianyi continuó haciendo tarifas menos conscientes socialmente.

Jin Yan, un actor chino nacido en Corea El Gran Camino (1935), que ganó fama durante la época dorada del cine china.

El período también produjo las primeras grandes estrellas del cine chino, como Hu Die, Ruan Lingyu, Li Lili, Chen Yanyan, Zhou Xuan, Zhao Dan y Jin Yan. Otras películas importantes de la época incluyen Love and Duty (1931), Little Toys (1933), New Women (1934), Canción de los pescadores (1934), Pulder of Peach and Plum (1934), Crossroads (1937) y Street Angel (1937). A lo largo de la década de 1930, los nacionalistas y los comunistas lucharon por el poder y el control de los principales estudios; su influencia se puede ver en las películas que los estudios produjeron durante este período.

Ocupación japonesa y Segunda Guerra Mundial

Zhou Xuan, una icónica cantante china y actriz de cine.

La invasión japonesa de China en 1937, en particular la Batalla de Shanghái, puso fin a esta racha dorada del cine chino. Todas las productoras, excepto Xinhua Film Company ('Nueva China'), cerraron sus puertas y muchos de los cineastas huyeron de Shanghái y se trasladaron a Hong Kong, la capital nacionalista en tiempos de guerra, Chongqing, y otros lugares. La industria cinematográfica de Shanghái, aunque severamente restringida, no se detuvo, lo que llevó a la "Isla Solitaria" (también conocida como "Isla Única" o "Isla Huérfana"), con las concesiones extranjeras de Shanghai sirviendo como una "isla" de producción en el "mar" del territorio ocupado por los japoneses. Fue durante este período que los artistas y directores que permanecieron en la ciudad tuvieron que caminar por una delgada línea entre mantenerse fieles a sus creencias izquierdistas y nacionalistas y las presiones japonesas. Hua Mu Lan del director Bu Wancang, también conocida como Mulan se une al ejército (1939), con la historia de un joven campesino chino que lucha contra una invasión extranjera, fue un ejemplo particularmente bueno de la continua producción cinematográfica de Shanghái en medio de la guerra. Este período terminó cuando Japón declaró la guerra a los aliados occidentales el 7 de diciembre de 1941; la isla solitaria fue finalmente engullida por el mar de la ocupación japonesa. Con la industria de Shanghái firmemente bajo el control japonés, se produjeron películas como Eternidad (1943) que promueve la Esfera de Co-Prosperidad de la Gran Asia Oriental. Al final de la Segunda Guerra Mundial, una de las compañías autorizadas por Japón más controvertidas, Manchukuo Film Association, sería separada e integrada al cine chino.

Segunda edad de oro

Wang Danfeng en la película Canción de New Fisherman (1942)

La industria cinematográfica siguió desarrollándose después de 1945. La producción en Shanghái se reanudó una vez más cuando una nueva generación de estudios ocupó el lugar que habían ocupado los estudios Lianhua y Mingxing en la década anterior. En 1945, Cai Chusheng regresó a Shanghai para revivir el nombre de Lianhua como la "Sociedad de Cine de Lianhua con Shi Dongshan, Meng Junmou y Zheng Junli". Esto, a su vez, se convirtió en Kunlun Studios, que se convertiría en uno de los estudios más importantes de la época (Kunlun Studios se fusionó con otros siete estudios para formar el estudio de cine de Shanghai en 1949) presentando los clásicos The Spring River Flows East (1947), Miríada de luces (1948), Cuervos y gorriones (1949) y Evagaciones del huérfano de tres cabellos, también conocido como San Mao, El pequeño vagabundo (1949). Muchas de estas películas mostraban la desilusión con el régimen opresivo del Partido Nacionalista de Chiang Kai-shek y la lucha contra la opresión de la nación por la guerra. The Spring River Flows East, una película en dos partes de tres horas de duración dirigida por Cai Chusheng y Zheng Junli, fue un gran éxito. Su descripción de las luchas de los chinos comunes durante la Segunda Guerra Sino-Japonesa, repleta de comentarios sociales y políticos mordaces, tocó la fibra sensible del público de la época.

Mientras tanto, compañías como Wenhua Film Company ("Culture Films"), se alejaron de la tradición izquierdista y exploraron la evolución y el desarrollo de otros géneros dramáticos. Wenhua trató los problemas de la posguerra de manera universalista y humanista, evitando la narrativa familiar y las fórmulas melodramáticas. Excelentes ejemplos de la oferta de Wenhua son sus dos primeros largometrajes de posguerra, Unending Emotions (1947) y Fake Bride, Phony Bridegroom (1947). Otra película memorable de Wenhua es Long Live the Missus (1947), como Unending Emotions con un guión original de la escritora Eileen Chang. El drama romántico de Wenhua Primavera en un pueblo pequeño (1948), una película del director Fei Mu poco antes de la revolución, a menudo es considerada por los críticos de cine chinos como una de las películas más importantes de la historia del cine chino, en 2005, el cine de Hong Kong la premia como la mejor película de los 100 años. Irónicamente, fue precisamente su calidad artística y su aparente falta de "base política" eso llevó a que los comunistas la etiquetaran como derechista o reaccionaria, y la película fue rápidamente olvidada por aquellos en el continente luego de la victoria comunista en China en 1949. Sin embargo, con la reapertura del Archivo de Cine de China después de la Cultural Revolution, se obtuvo una nueva copia del negativo original, lo que permitió que Primavera de la pequeña ciudad encontrara una audiencia nueva y admiradora e influenciara a toda una nueva generación de cineastas. De hecho, Tian Zhuangzhuang hizo una nueva versión aclamada en 2002. Una película de la ópera china de Pekín, A Wedding in the Dream (1948), del mismo director (Fei Mu), fue la primera película china en color.

Primera era comunista

Con la revolución comunista en China en 1949, el gobierno vio las películas como una importante forma de arte de producción en masa y una herramienta de propaganda. A partir de 1951, se prohibieron las películas chinas anteriores a 1949, las producciones de Hollywood y Hong Kong, ya que el Partido Comunista Chino buscaba reforzar el control sobre los medios de comunicación y, en cambio, producía películas centradas en campesinos, soldados y trabajadores, como Bridge (1949) y La chica de los cabellos blancos (1950). Una de las bases de producción en medio de toda la transición fue el Estudio de Cine de Changchun.

Los estudios privados en Shanghái, incluidos Kunming, Wenhua, Guotai y Datong, fueron alentados a hacer nuevas películas entre 1949 y 1951. Hicieron aproximadamente 47 películas durante este período, pero pronto tuvieron problemas debido al furor por la Drama producido por Kunlun La vida de Wu Xun (1950), dirigido por Sun Yu y protagonizado por el veterano Zhao Dan. La característica fue acusada en un artículo anónimo en el Diario del Pueblo en mayo de 1951 de difundir ideas feudales. Después de que se revelara que el artículo había sido escrito por Mao Zedong, se prohibió la película y se formó un Comité Directivo de Cine para "reeducar" la industria cinematográfica y, en dos años, estos estudios privados se incorporaron al Shanghai Film Studio, administrado por el estado.

El régimen comunista resolvió el problema de la falta de salas de cine construyendo unidades de proyección móviles que podían recorrer las regiones remotas de China, asegurando que incluso los más pobres pudieran tener acceso a las películas. En 1965 había alrededor de 20.393 unidades de este tipo. Por lo tanto, el número de espectadores aumentó considerablemente, en parte impulsado por el hecho de que las entradas para el cine se entregaban a las unidades de trabajo y la asistencia era obligatoria, con un aumento de las entradas de 47 millones en 1949 a 4.150 millones en 1959. En los 17 años entre la fundación de la República Popular China y la Revolución Cultural, se produjeron 603 largometrajes y 8.342 carretes de documentales y noticieros, patrocinados principalmente como propaganda comunista por parte del gobierno. Por ejemplo, en Guerrilla on the Railroad (铁道游击队), fechado en 1956, el Partido Comunista Chino fue representado como la principal fuerza de resistencia contra los japoneses en la guerra contra la invasión. Los cineastas chinos fueron enviados a Moscú para estudiar el estilo cinematográfico del realismo socialista soviético. La Academia de Cine de Beijing se estableció en 1950 y en 1956 se inauguró oficialmente la Academia de Cine de Beijing. Una película importante de esta era es This Life of Mine (1950), dirigida por Shi Hu, que sigue a un anciano mendigo que reflexiona sobre su vida pasada como policía trabajando para varios regímenes desde 1911. La primera La película china de pantalla ancha se produjo en 1960. Las películas animadas que utilizan una variedad de artes populares, como recortes de papel, juegos de sombras, títeres y pinturas tradicionales, también fueron muy populares para entretener y educar a los niños. El más famoso de ellos, el clásico Havoc in Heaven (dos partes, 1961, 4), fue realizado por Wan Laiming de los hermanos Wan y ganó el premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Londres.

El deshielo de la censura en 1956-1957 (conocido como la Campaña de las Cien Flores) y principios de la década de 1960 llevaron a que se hicieran más películas chinas autóctonas que dependían menos de sus contrapartes soviéticas. Durante esta campaña las críticas más duras vinieron de las comedias satíricas de Lü Ban. Antes de que llegue el nuevo director expone las relaciones jerárquicas que se dan entre los cuadros, mientras que su siguiente película, La comedia inconclusa (1957), fue etiquetada como "hierba venenosa& #34; durante el Movimiento Antiderechista y a Lü se le prohibió dirigir de por vida. La comedia inacabada solo se proyectó después de la muerte de Mao. Otras películas notables producidas durante este período fueron adaptaciones de clásicos literarios, como The New Year's Sacrifice de Sang Hu's (1956; adaptada de una historia de Lu Xun) y Shui Hua's. 39;s La tienda de la familia Lin (1959; adaptado de una historia de Mao Dun). El cineasta más destacado de esta era fue Xie Jin, cuyas tres películas en particular, Woman Basketball Player No. 5 (1957), The Red Detachment of Women (1961) y Two Stage Sisters (1964), ejemplifica la mayor experiencia de China en el cine durante este tiempo. Las películas realizadas durante este período se pulen y exhiben un alto valor de producción y decorados elaborados. Si bien Beijing y Shanghái siguieron siendo los principales centros de producción, entre 1957 y 1960 el gobierno construyó estudios regionales en Guangzhou, Xi'an y Chengdu para fomentar la representación de las minorías étnicas en las películas. El cine chino comenzó a abordar directamente el tema de dichas minorías étnicas a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, en películas como Five Golden Flowers (1959), Third Sister Liu (1960), Siervos (1963), Ashima (1964).

Películas de la Revolución Cultural

Durante la Revolución Cultural, la industria cinematográfica estuvo severamente restringida. Casi todas las películas anteriores fueron prohibidas y solo se produjeron unas pocas nuevas, las llamadas "óperas modelo revolucionarias". La más notable de ellas fue una versión de ballet de la ópera revolucionaria El destacamento rojo de mujeres, dirigida por Pan Wenzhan y Fu Jie en 1970. La producción de largometrajes casi se paralizó en los primeros años a partir de 1967. a 1972. La producción de películas revivió después de 1972 bajo la estricta jurisdicción de la Banda de los Cuatro hasta 1976, cuando fueron derrocados. Las pocas películas que se produjeron durante este período, como Breaking with Old Ideas de 1975, estaban muy reguladas en términos de trama y caracterización.

Revolución poscultural

Boom de taquilla después de la Revolución Cultural

En los años inmediatamente posteriores a la Revolución Cultural, la industria cinematográfica volvió a florecer como medio de entretenimiento popular. La producción aumentó constantemente, de 19 largometrajes en 1977 a 125 en 1986. Las películas producidas en el país se proyectaron ante un gran público y las entradas para festivales de cine extranjeros se vendieron rápidamente. La industria trató de revivir a las multitudes haciendo más innovadores y "exploratorios" películas como sus contrapartes en Occidente.

Después de que terminó la Revolución Cultural en 1976, el cine chino creció significativamente a fines de la década de 1970. En 1979, las entradas anuales de taquilla alcanzaron un máximo de 29 300 millones de entradas vendidas, lo que equivale a una media de 30 películas por persona. El cine chino continuó prosperando hasta principios de la década de 1980. En 1980, las entradas anuales de taquilla se situaron en 23 400 millones de entradas vendidas, lo que equivale a una media de 29 películas por persona. En términos de entradas en taquilla, este período representó el pico de venta de entradas en la historia de la taquilla china. Las altas ventas de entradas se vieron impulsadas por los bajos precios de las entradas, con una entrada de cine que normalmente cuesta entre 0,1 yenes (0,06 dólares) y 0,3 yenes ($0.19) en ese momento.

Varias películas durante este período atrajeron entradas de taquilla de cientos de millones. La película más taquillera de China en taquilla fue La leyenda de la serpiente blanca (1980) con un estimado de 700 millones de entradas, seguida de Suegros (Full House of Joy) [zh] (1981) y The Undaunted Wudang (1983) con más de 600 millones de entradas vendidas cada uno. La película extranjera más taquillera fue la película japonesa Kimi yo Fundo no Kawa o Watare (1976), que se estrenó en 1978 y vendió más de 330 millones. entradas, seguida de la película india Caravan (1971) que se estrenó en 1979 y vendió unos 300 millones de entradas.

A fines de la década de 1980, la industria cinematográfica atravesó tiempos difíciles, enfrentada al doble problema de la competencia de otras formas de entretenimiento y la preocupación de las autoridades de que muchas de las películas populares de suspenso y artes marciales fueran socialmente inaceptables. En enero de 1986, la industria cinematográfica fue transferida del Ministerio de Cultura al recién formado Ministerio de Radio, Cine y Televisión para someterla a un "control y gestión más estrictos". y para "fortalecer la supervisión sobre la producción".

"Dramas de cicatrices"

El final de la Revolución Cultural trajo consigo el estreno de "scar dramas" (傷痕剧 shānghén jù), que describía los traumas emocionales dejados por este período. El más conocido de ellos es probablemente Hibiscus Town (1986) de Xie Jin, aunque aún se pueden ver en la década de 1990 con The Blue Kite de Tian Zhuangzhuang. (1993). En la década de 1980, Deng Xiaoping alentó la crítica abierta de ciertas políticas pasadas del Partido Comunista como una forma de revelar los excesos de la Revolución Cultural y la campaña antiderechista anterior, lo que también ayudó a legitimar las nuevas políticas de Deng de ' 34;reforma y apertura." Por ejemplo, el premio a la Mejor Película en la edición inaugural de los Golden Rooster Awards de 1981 se otorgó a dos "scar dramas", Evening Rain (Wu Yonggang, Wu Yigong, 1980) y Leyenda de la montaña Tianyun (Xie Jin, 1980).

Muchos dramas de cicatrices fueron realizados por miembros de la Cuarta Generación cuyas carreras o vidas sufrieron durante los eventos en cuestión, mientras que los directores más jóvenes de la Quinta Generación, como Tian, tendieron a centrarse en temas menos controvertidos del presente inmediato o lejano. pasado. El entusiasmo oficial por los dramas de cicatrices se desvaneció en la década de 1990 cuando los cineastas más jóvenes comenzaron a confrontar los aspectos negativos de la era de Mao. The Blue Kite, aunque compartía un tema similar al de los dramas de cicatrices anteriores, tenía un estilo más realista y se hizo solo ofuscando su guión real. Mostrado en el extranjero, se prohibió su estreno en China continental, mientras que al propio Tian se le prohibió hacer películas durante casi una década después. Después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989, se estrenaron pocos o ningún drama de cicatrices a nivel nacional en China continental.

Auge de la quinta generación

Un cine en Qufu, Shandong

A partir de mediados de la década de 1980, el surgimiento de la llamada quinta generación de cineastas chinos aumentó la popularidad del cine chino en el extranjero. La mayoría de los cineastas que componían la Quinta Generación se habían graduado de la Academia de Cine de Beijing en 1982 e incluían a Zhang Yimou, Tian Zhuangzhuang, Chen Kaige, Zhang Junzhao, Li Shaohong, Wu Ziniu y otros. Estos graduados constituyeron el primer grupo de cineastas en graduarse desde la Revolución Cultural y pronto abandonaron los métodos tradicionales de narración y optaron por un enfoque simbólico más libre y poco ortodoxo. Después de que la llamada literatura de cicatrices en la ficción allanara el camino para una discusión franca, One and Eight (1983) de Zhang Junzhao y Yellow Earth de Chen Kaige i> (1984) en particular fueron tomadas para marcar los inicios de la Quinta Generación. Los directores más famosos de la Quinta Generación, Chen Kaige y Zhang Yimou, produjeron obras célebres como King of the Children (1987), Ju Dou (1989), Raise the Red Lantern (1991) y Farewell My Concubine (1993), que no solo fueron aclamadas por los cinéfilos chinos, sino también por el público occidental. Las películas de Tian Zhuangzhuang, aunque menos conocidas por los espectadores occidentales, fueron bien conocidas por directores como Martin Scorsese. Fue durante este período que el cine chino comenzó a cosechar los frutos de la atención internacional, incluido el Oso de Oro de 1988 por Red Sorghum, el León de Oro de 1992 por La historia de Qiu Ju, la Palma de Oro de 1993 por Farewell My Concubine y tres nominaciones a la Mejor Película en Lengua Extranjera de los Premios de la Academia. Todas estas películas premiadas fueron protagonizadas por la actriz Gong Li, quien se convirtió en la estrella más reconocible de la Quinta Generación, especialmente para el público internacional.

Diversos en estilo y tema, los directores de la Quinta Generación' las películas iban desde la comedia negra (El incidente del cañón negro de Huang Jianxin, 1985) hasta lo esotérico (La vida en una cuerda de Chen Kaige, 1991), pero comparten un rechazo común a la tradición socialista-realista trabajada por cineastas chinos anteriores en la era comunista. Otros directores notables de la Quinta Generación incluyen a Wu Ziniu, Hu Mei, Li Shaohong y Zhou Xiaowen. Los cineastas de la Quinta Generación reaccionaron contra la pureza ideológica del cine de la Revolución Cultural. Al mudarse a estudios regionales, comenzaron a explorar la actualidad de la cultura local de una manera un tanto documental. En lugar de historias que representan heroicas luchas militares, las películas se construyeron a partir del drama de la vida cotidiana de la gente común. También conservaron la ventaja política, pero apuntaron a explorar problemas en lugar de reciclar la política aprobada. Si bien las películas de la Revolución Cultural utilizaron personajes, los directores más jóvenes favorecieron la profundidad psicológica en la línea del cine europeo. Adoptaron tramas complejas, simbolismo ambiguo e imágenes evocadoras. Algunas de sus obras más audaces con connotaciones políticas fueron prohibidas por las autoridades chinas.

Estas películas llegaron con géneros creativos de historias, además de un nuevo estilo de filmación, los directores utilizaron mucho color y planos generales para presentar y explorar la historia y la estructura de la cultura nacional. Como resultado de que las nuevas películas eran tan intrincadas, las películas eran para audiencias más educadas que cualquier otra cosa. El nuevo estilo fue rentable para algunos y ayudó a los cineastas a avanzar en el negocio. Permitió a los directores alejarse de la realidad y mostrar su sentido artístico.

La Cuarta Generación también volvió a la prominencia. Dada su etiqueta después del surgimiento de la Quinta Generación, estos eran directores cuyas carreras se vieron estancadas por la Revolución Cultural y que fueron capacitados profesionalmente antes de 1966. Wu Tianming, en particular, hizo contribuciones sobresalientes al ayudar a financiar a los principales directores de la Quinta Generación bajo el auspicios del Xi'an Film Studio (del que se hizo cargo en 1983), mientras continúa haciendo películas como Old Well (1986) y The King of Masks (1996).

El movimiento de la Quinta Generación terminó en parte después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen en 1989, aunque sus principales directores continuaron produciendo obras notables. Varios de sus cineastas se exiliaron a sí mismos: Wu Tianming se mudó a los Estados Unidos (pero luego regresó), Huang Jianxin se fue a Australia, mientras que muchos otros se dedicaron a trabajos relacionados con la televisión.

Dramas de melodía principal

Durante un período en el que los dramas socialistas comenzaban a perder audiencia, el gobierno chino comenzó a involucrarse más en el mundo de la cultura popular y el cine al crear el género oficial de la "melodía principal" (主旋律 zhǔxuánlǜ), inspirado en los avances de Hollywood en los dramas musicales. En 1987, el Ministerio de Radio, Cine y Televisión emitió una declaración alentando la realización de películas que enfatizan la melodía principal para "vigorizar el espíritu nacional y el orgullo nacional". La expresión melodía principal se refiere al término musical leitmotiv, que se traduce como el 'tema de nuestro tiempo', que los eruditos sugieren que es representativo de China&#39 Clima sociopolítico y contexto cultural del cine popular. Estas principales películas de melodía, que todavía se producen regularmente en los tiempos modernos, intentan emular la corriente comercial mediante el uso de música y efectos especiales al estilo de Hollywood. Una característica importante de estas películas es la incorporación de una "canción roja", que es una canción escrita como propaganda para apoyar a la República Popular China. Al girar la película en torno al motivo de una canción roja, la película puede ganar terreno en la taquilla, ya que generalmente se piensa que las canciones son más accesibles que una película. Teóricamente, una vez que la canción roja domine las listas, despertará interés en la película a la que acompaña.

Los dramas con melodías principales a menudo están subvencionados por el estado y tienen acceso gratuito al personal militar y del gobierno. El gobierno chino gasta entre "uno y dos millones de RMB" anualmente para apoyar la producción de películas en el género musical principal. August 1st Film Studio, el brazo de producción de cine y televisión del Ejército Popular de Liberación, es un estudio que produce cine de melodía principal. Las principales películas de melodía, que a menudo representan compromisos militares pasados o son biografías de líderes del PCCh de primera generación, han ganado varios premios a la Mejor Película en los premios Golden Rooster. Algunos de los dramas de melodías principales más famosos incluyen la épica de diez horas Decisive Engagement (大决战, 1991), dirigida por Cai Jiawei, Yang Guangyuan y Wei Lian; La guerra del opio (1997), dirigida por Xie Jin; y La fundación de una república (2009), dirigida por Han Sanping y el director de Fifth Generation, Huang Jianxin. La fundación de un ejército (2017) fue un encargo del gobierno para celebrar el 90.º aniversario del Ejército Popular de Liberación y es la tercera entrega de la serie La fundación de una república. La película contó con muchos jóvenes cantantes pop chinos que ya están bien establecidos en la industria, incluidos Li Yifeng, Liu Haoran y Lay Zhang, para promover la reputación de la película como un drama de melodía principal.

La sexta generación

La era posterior a 1990 ha sido etiquetada como el "regreso del cineasta aficionado" ya que las políticas estatales de censura después de las manifestaciones de la Plaza de Tiananmen produjeron un movimiento cinematográfico clandestino vanguardista al que se hace referencia vagamente como la Sexta Generación. Debido a la falta de financiamiento y respaldo estatal, estas películas se filmaron de manera rápida y económica, utilizando materiales como películas de 16 mm y video digital y, en su mayoría, actores y actrices no profesionales, lo que produjo una sensación de documental, a menudo con tomas largas, cámaras de mano. y sonido ambiental; más parecido al neorrealismo italiano y al cinéma vérité que las producciones a menudo exuberantes y mucho más consideradas de la Quinta Generación. A diferencia de la Quinta Generación, la Sexta Generación aporta una visión de la vida más individualista y antirromántica y presta mucha más atención a la vida urbana contemporánea, especialmente afectada por la desorientación, la rebelión y la insatisfacción con las tensiones económicas y el mercado social contemporáneo de China. amplio bagaje cultural. Muchos se hicieron con un presupuesto extremadamente bajo (un ejemplo es Jia Zhangke, que filma en video digital y anteriormente en 16 mm; The Days (1993) de Wang Xiaoshuai se hizo por 10 000 dólares estadounidenses). El título y los temas de muchas de estas películas reflejan las preocupaciones de la Sexta Generación. La Sexta Generación se interesa por las personas marginadas y los sectores menos representados de la sociedad. Por ejemplo, Beijing Bastards (1993), de Zhang Yuan, se centra en la subcultura punk juvenil, presentando a artistas como Cui Jian, Dou Wei y He Yong mal vistos por muchas autoridades estatales, mientras que Jia La película debut de Zhangke, Xiao Wu (1997), trata sobre un carterista provincial.

A medida que la Sexta Generación ganó exposición internacional, muchas películas posteriores fueron empresas conjuntas y proyectos con patrocinadores internacionales, pero permanecieron resueltamente discretas y de bajo presupuesto. Platform (2000) de Jia fue financiada en parte por la productora de Takeshi Kitano, mientras que su Still Life fue filmada en video HD. Still Life fue una adición sorpresa y ganadora del León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia de 2006. Still Life, que trata sobre los trabajadores provinciales de la región de las Tres Gargantas, contrasta marcadamente con las obras de directores chinos de quinta generación como Zhang Yimou y Chen Kaige, que en ese momento estaban produciendo House of Flying Daggers (2004) y La Promesa (2005). No contó con ninguna estrella de renombre internacional y fue interpretada principalmente por no profesionales.

Muchas películas de Sexta Generación han resaltado los atributos negativos de la entrada de China en el mercado capitalista moderno. Li Yang's Blind Shaft (2003), por ejemplo, es un relato de dos estafadores asesinos en la industria minera no regulada y notoriamente peligrosa del norte de China. (Li rechazó la etiqueta de Sexta Generación, aunque admitió que no era Quinta Generación). Mientras que The World (2004) de Jia Zhangke enfatiza el vacío de la globalización en el contexto de un parque de diversiones de temática internacional.

Algunos de los directores de Sexta Generación más prolíficos que han surgido son Wang Xiaoshuai (The Days, Beijing Bicycle, So Long, My Son), Zhang Yuan (Beijing Bastards, East Palace West Palace), Jia Zhangke (Xiao Wu, Placeres desconocidos, Plataforma, El mundo, Un toque de pecado, Las montañas pueden partir, La ceniza es el blanco más puro ), He Jianjun (Cartero) y Lou Ye (Río Suzhou, Palacio de Verano). Un director de su generación que no comparte la mayoría de las preocupaciones de la Sexta Generación es Lu Chuan (Kekexili: Mountain Patrol, 2004; City of Life and Death, 2010).

Directores destacados de la Sexta Generación

En el Festival de Cine de Cannes de 2018, dos de los cineastas de sexta generación de China, Jia Zhangke y Zhang Meng, cuyas sombrías obras transformaron el cine chino en la década de 1990, se presentaron en la Riviera francesa. Si bien ambos directores representan el cine chino, sus perfiles son bastante diferentes. Jia, de 49 años, creó el Festival Internacional de Cine de Pingyao en 2017 y, por otro lado, está Zhang, un profesor de la escuela de cine de 56 años que pasó años trabajando en comisiones gubernamentales y programas de televisión nacionales después de luchar con sus propios proyectos.. A pesar de sus diferentes perfiles, marcan una piedra angular importante en el cine chino y a ambos se les atribuye haber llevado las películas chinas a la pantalla grande internacional. La última película del director chino Jia Zhangke, Ash Is Purest White, ha sido seleccionada para competir en la competición oficial de la Palma de Oro del 71º Festival de Cine de Cannes, el máximo galardón que se otorga en el festival de cine Es la quinta película de Jia, un drama de venganza de gánsteres que es su película más cara y comercial hasta la fecha. En 2013, Jia ganó el Premio al Mejor Guión por A Touch of Sin, luego de las nominaciones por Unknown Pleasures en 2002 y 24 City en 2008. En 2014, fue miembro del jurado oficial y al año siguiente su película Mountains May Depart fue nominada. Según el sitio web de entretenimiento Variety, este año se presentó un número récord de películas chinas, pero solo el drama romántico de Jia fue seleccionado para competir por la Palma de Oro. Mientras tanto, Zhang hará su debut en Cannes con The Pluto Moment, un drama de relación de movimiento lento sobre un equipo de cineastas que busca locaciones y talento musical en el interior rural de China. La película es la producción de más alto perfil de Zhang hasta el momento, ya que está protagonizada por el actor Wang Xuebing en el papel principal. La película fue financiada en parte por iQiyi, la compañía detrás de uno de los sitios para compartir videos en línea más populares de China. Diao Yinan también es un miembro notable de la sexta generación cuyos trabajos incluyen Black Coal Thin Ice, Wild Goose Lake, Night Train y Uniform, que se estrenaron en festivales como Cannes y recibieron elogios en el extranjero.

Otros directores

He Ping es un director de películas en su mayoría de estilo occidental ambientadas en un escenario chino. Sus Swordsmen in Double Flag Town (1991) y Sun Valley (1995) exploran narraciones ambientadas en el terreno disperso del oeste de China, cerca del desierto de Gobi. Su drama histórico Red Firecracker, Green Firecracker (1994) ganó una miríada de premios en el país y en el extranjero.

El cine reciente ha visto a directores de fotografía chinos dirigir algunas películas aclamadas. Aparte de Zhang Yimou, Lü Yue hizo Sr. Zhao (1998), película de comedia negra con gran acogida en el extranjero. La epopeya minimalista de Gu Changwei Peacock (2005), sobre una familia china normal y tranquila con tres hermanos muy diferentes en la era posterior a la Revolución Cultural, se llevó a casa el premio Oso de Plata en el Festival Internacional de Berlín 2005 Festival de Cine. Hou Yong es otro director de fotografía que hizo películas (Jasmine Women, 2004) y series de televisión. Hay actores que se encuentran en el doble papel de actuar y dirigir. Xu Jinglei, una popular actriz china, ha realizado seis películas hasta la fecha. Su segunda película Carta de una mujer desconocida (2004) le valió el premio al Mejor Director del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Otra actriz y directora popular es Zhao Wei, cuyo debut como directora So Young (2013) fue un gran éxito de taquilla y crítica.

El actor y director chino más respetado es, sin duda, Jiang Wen, quien ha dirigido varias películas aclamadas por la crítica mientras continuaba su carrera como actor. Su debut como director, In the Heat of the Sun (1994) fue la primera película de la República Popular China en ganar el premio a la Mejor Película en los Golden Horse Film Awards celebrados en Taiwán. Sus otras películas, como Devils on the Doorstep (2000, Gran Premio de Cannes) y Let the Bullets Fly (2010), fueron igualmente bien recibidas. A principios de 2011, Let the Bullets Fly se había convertido en la película nacional más taquillera en la historia de China.

Movimiento independiente de la generación

Hay un número creciente de cineastas independientes de séptima o posterior a la sexta generación que hacen películas con presupuestos extremadamente bajos y utilizan equipos digitales. Son los llamados dGeneration (por digital). Estas películas, al igual que las de los cineastas de la sexta generación, se realizan en su mayoría fuera del sistema cinematográfico chino y se exhiben principalmente en el circuito internacional de festivales de cine. Ying Liang y Jian Yi son dos de los cineastas de esta generación. Taking Father Home (2005) y The Other Half (2006) de Ying son representativos de las tendencias generacionales del largometraje. Liu Jiayin realizó dos largometrajes de dGeneration, Oxhide (2004) y Oxhide II (2010), desdibujando la línea entre el documental y el cine narrativo. Oxhide, realizada por Liu cuando era estudiante de cine, la enmarca a ella y a sus padres en su claustrofóbico apartamento de Pekín en una narración elogiada por la crítica. An Elephant Sitting Still, considerado uno de los mejores debuts cinematográficos del cine chino, es también la única película del difunto Hu Bo.

Nuevo movimiento documental

Dos décadas de reforma y comercialización han traído cambios sociales dramáticos en China continental, reflejados no solo en películas de ficción sino en un creciente movimiento documental. Bumming in Beijing: The Last Dreamers (1990) de Wu Wenguang, de 70 minutos, se considera ahora como una de las primeras obras de este "Nuevo Movimiento Documental" (NDM) en China. Bumming, realizado entre 1988 y 1990, contiene entrevistas con cinco jóvenes artistas que se ganan la vida a duras penas en Beijing, sujetos a tareas autorizadas por el estado. Filmado con una videocámara, el documental termina con cuatro de los artistas mudándose al extranjero después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989. Dance with the Farm Workers (2001) es otro documental de Wu.

Otro documental aclamado internacionalmente es la historia de nueve horas de Wang Bing sobre la desindustrialización Tie Xi Qu: West of the Tracks (2003). Los documentales posteriores de Wang, He Fengming (2007), Petróleo crudo (2008), Hombre sin nombre (2009), Three Sisters (2012) y Feng ai (2013), cimentaron su reputación como destacado documentalista del movimiento.

Li Hong, la primera mujer en el NDM, en Out of Phoenix Bridge (1997) relata la historia de cuatro mujeres jóvenes, que se mudan de las zonas rurales a las grandes ciudades como millones de otros hombres. y mujeres, han venido a Beijing para ganarse la vida.

El movimiento del Nuevo Documental en los últimos tiempos se ha superpuesto con el cine de la dGeneration, y la mayoría de los documentales se filman de forma económica e independiente en formato digital. Karamay de Xu Xin (2010), Behemoth de Zhao Liang, Disorder de Huang Weikai (2009), Zhao Dayong Ghost Town (2009), 1428 de Du Haibing (2009), Fortune Teller de Xu Tong (2009) y Tape (2010) de Li Ning se rodaron en formato digital. Todos habían tenido su impacto en la escena documental internacional y el uso del formato digital permite obras de mayor extensión.

Animación

Antes de la década de 1950

Inspirados por el éxito de la animación de Disney, los pioneros autodidactas de los hermanos Wan, Wan Laiming y Wan Guchan, realizaron el primer corto animado chino en la década de 1920, inaugurando así la historia de la animación china. (Chen Yuanyuan 175) Muchas películas de acción en vivo de la era republicana también incluían secuencias animadas.

En 1937, los hermanos Wan decidieron producir 《铁扇公主》 Princess Iron Fan, que fue el primer largometraje de animación chino y el cuarto, después de los largometrajes estadounidenses Blancanieves , Los viajes de Gulliver y La aventura de Pinocho. Fue en este momento que la animación china como forma de arte había cobrado prominencia en el escenario mundial. Completada en 1941, la película se estrenó bajo la dirección de China United Pictures y despertó una gran respuesta en Asia. El animador japonés Shigeru Tezuka dijo una vez que dejó la medicina después de ver la caricatura y decidió dedicarse a la animación.

Décadas de 1950 a 1980

Durante esta era dorada, la animación china había desarrollado una variedad de estilos, incluida la animación con tinta, la animación con juegos de sombras, la animación con títeres, etc. Algunas de las obras más representativas son 《大闹天宫》 Alboroto en el cielo, 《哪吒闹海》 La rebelión de Nezha en el mar y 《天书奇谈》 Heavenly Book, que también han ganado grandes elogios y numerosos premios en el mundo.

Décadas de 1980 y 1990

Después del período de reformas de Deng Xiaoping y la "apertura" de China, las películas《葫芦兄弟》 Calabash Brothers, 《黑猫警长》Black Cat Sheriff, 《阿凡提》Avanti Story y se estrenaron otras impresionantes películas animadas. Sin embargo, en este momento, China todavía favorecía las obras animadas más singulares, estadounidenses y europeas de los japoneses sobre las domésticas menos avanzadas.

De 1990 a 2010

En la década de 1990, los métodos de producción digital reemplazaron los métodos manuales de dibujo a mano; sin embargo, incluso con el uso de tecnología avanzada, ninguna de las obras animadas se consideró una película revolucionaria. Las películas animadas que intentaron atender a todos los grupos de edad, como Lotus Lantern y Storm Resolution, no llamaron mucho la atención. Las únicas obras animadas que parecieron alcanzar popularidad fueron las destinadas a niños, como Pleasant Goat y Big Big Wolf《喜羊羊与灰太狼》.

2010-presente

Durante este período, el nivel técnico de la producción de animación nacional china se ha establecido de manera integral y las películas de animación en 3D se han convertido en la corriente principal. Sin embargo, a medida que más y más películas extranjeras (como las de Japón, Europa y los Estados Unidos) se importan a China, las obras animadas chinas quedan en la sombra de estas películas extranjeras animadas.

Fue solo con el lanzamiento de 《西游记之大圣归来》Monkey King: Hero is Back en 2015, una película animada por computadora, que las obras animadas chinas recuperaron el control. La película fue un gran éxito y rompió el récord de películas animadas nacionales chinas con CN¥956 millones en la taquilla de China. Después del éxito de Journey to the West, se estrenaron varias otras películas animadas de alta calidad, como 《大鱼海棠》 Big Fish and Begonia y 《白蛇缘起》 White Serpiente. Aunque ninguna de estas películas avanzó en lo que respecta a la taquilla, hicieron que los cineastas se interesaran cada vez más en las obras animadas.

Todo esto cambió con la revolucionaria película animada 《哪吒之魔童降世》Ne Zha. Estrenada en 2019, se convirtió en la segunda película más taquillera de todos los tiempos en China, la película animada no inglesa más taquillera y la película animada más taquillera en un solo territorio. Fue con esta película que las películas animadas chinas, como medio, finalmente rompieron la noción en China de que las películas animadas nacionales son solo para niños. Con Nezha y un spin-off, Jiang Ziya, la animación china se ha convertido en una verdadera fuente de entretenimiento para todas las edades.

Nuevos modelos y el nuevo cine chino

Éxitos comerciales

Con la liberalización de China a fines de la década de 1970 y su apertura a los mercados extranjeros, las consideraciones comerciales han tenido su impacto en el cine posterior a la década de 1980. Tradicionalmente, las películas de arte y ensayo que se proyectan rara vez generan lo suficiente para cubrir los gastos. Un ejemplo es The Horse Thief (1986), del director de Fifth Generation, Tian Zhuangzhuang, una película narrativa con un diálogo mínimo sobre un ladrón de caballos tibetano. La película, que muestra paisajes exóticos, fue bien recibida por el público chino y algunos cineastas occidentales, pero le fue mal en la taquilla. El último El guerrero y el lobo de Tian (2010) fue un fracaso comercial similar. Antes de estos, hubo ejemplos de películas comerciales exitosas en el período posterior a la liberalización. Una fue la película romántica Romance on the Lu Mountain (1980), que fue un éxito entre los chinos mayores. La película rompió el Libro Guinness de los Récords como la película de mayor duración en una primera ejecución. El debut cinematográfico de Jet Li, Shaolin Temple (1982), fue un éxito instantáneo en el país y en el extranjero (en Japón y el sudeste asiático, por ejemplo). Otra película comercial de éxito fue Murder in 405 (405谋杀案, 1980), un thriller de asesinatos.

La fábrica de sueños (1997) de Feng Xiaogang fue anunciada como un punto de inflexión en la industria cinematográfica china, una hesui pian (película proyectada por el Año Nuevo chino) que demostró la viabilidad del modelo comercial en la economía de mercado socialista de China. Feng se ha convertido en uno de los directores comerciales más exitosos en la era posterior a 1997. Casi todas sus películas obtuvieron altos rendimientos a nivel nacional, mientras que utilizó coprotagonistas de etnia china como Rosamund Kwan, Jacqueline Wu, Rene Liu y Shu Qi para impulsar sus películas. apelación.

En la década posterior a 2010, debido a la afluencia de películas de Hollywood (aunque el número proyectado cada año se reduce), el cine nacional chino se enfrenta a desafíos cada vez mayores. La industria está creciendo y las películas nacionales están comenzando a lograr el impacto de taquilla de los grandes éxitos de taquilla de Hollywood. Sin embargo, no todas las películas nacionales tienen éxito financiero. En enero de 2010, Avatar de James Cameron fue retirado de los cines que no eran en 3D para la película biográfica Confucio de Hu Mei, pero esta medida provocó una reacción violenta en La película de Hu. Sunflower de 2005 de Zhang Yang también ganó poco dinero, pero su anterior Spicy Love Soup (1997), de bajo presupuesto, recaudó diez veces su presupuesto de 3 millones de yenes. Del mismo modo, Crazy Stone de 2006, un éxito inesperado, se hizo por solo 3 millones de HKD/US$400.000. En 2009-11, Aftershock (2009) de Feng y Let the Bullets Fly (2010) de Jiang Wen se convirtieron en las películas más taquilleras de China. películas nacionales, con Aftershock ganando ¥670 millones (US$105 millones) y Let the Bullets Fly ¥674 millones (US$110 millones). Lost in Thailand (2012) se convirtió en la primera película china en alcanzar los mil millones de yenes en la taquilla china y Monster Hunt (2015) se convirtió en la primera en alcanzar ¥2 mil millones RMB. A partir de 2021, 9 de las 10 películas más taquilleras de China son producciones nacionales. El 8 de febrero de 2016, la taquilla china estableció un nuevo récord bruto en un solo día, con ¥660 millones RMB, superando el récord anterior de ¥425 millones RMB el 18 de julio de 2015. También en febrero de 2016, The Mermaid, dirigida por Stephen Chow, se convirtió en la película más taquillera de China, superando Caza de monstruos. También es la primera película en alcanzar los ¥3 mil millones RMB.

Bajo la influencia de películas de ciencia ficción de Hollywood como Prometheus, publicada el 8 de junio de 2012, estos géneros, especialmente las películas de ciencia espacial, han aumentado rápidamente en el mercado cinematográfico chino en los últimos años. El 5 de febrero de 2019, la película The Wandering Earth dirigida por Frant Kwo alcanzó los 699,8 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en la tercera película más taquillera de la historia del cine chino.

Cine internacional chino y éxitos en el extranjero

Director Jia Zhangke en el Festival Internacional de D-Cinema de Skip City en Kawaguchi, Saitama (Japón), 22 de julio de 2005

Huang Xiaoming, un actor chino, cantante y modelo.

Desde finales de la década de 1980 y progresivamente en la década de 2000, las películas chinas han disfrutado de un considerable éxito de taquilla en el extranjero. Anteriormente visto solo por cineastas, su atractivo mundial aumentó después de la taquilla internacional y el éxito de la crítica de la película wuxia de época de Ang Lee Crouching Tiger, Hidden Dragon, que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 2000. Esta producción multinacional aumentó su atractivo al presentar estrellas de todas partes del mundo de habla china. Proporcionó una introducción al cine chino (y especialmente al género wuxia) para muchos y aumentó la popularidad de muchas películas chinas anteriores. Hasta la fecha, Crouching Tiger sigue siendo la película en lengua extranjera de mayor éxito comercial en la historia de Estados Unidos.

Del mismo modo, en 2002, Hero de Zhang Yimou fue otro éxito de taquilla internacional. Su elenco contó con actores famosos de China continental y Hong Kong que también eran conocidos hasta cierto punto en Occidente, incluidos Jet Li, Zhang Ziyi, Maggie Cheung y Tony Leung Chiu-Wai. A pesar de las críticas de algunos de que estas dos películas complacen un poco los gustos occidentales, Hero fue un éxito fenomenal en la mayor parte de Asia y encabezó la taquilla de EE. UU. durante dos semanas, ganando lo suficiente solo en EE. UU. para cubrir la producción. costos

Otras películas como Farewell My Concubine, 2046, Suzhou River, The Road Home y House of Flying Daggers fueron aclamados por la crítica en todo el mundo. Los Hengdian World Studios pueden verse como el 'Hollywood chino', con una superficie total de hasta 330 ha. y 13 bases de tiro, incluyendo una copia 1:1 de la Ciudad Prohibida.

Jiang Qinqin en la ceremonia de apertura del Festival Internacional de Cine de Tokio 2016.

Los éxitos de Crouching Tiger, Hidden Dragon y Hero dificultan la delimitación de la frontera entre "China continental" cine y un "cine en idioma chino" más internacional. Crouching Tiger, por ejemplo, fue dirigida por un director estadounidense nacido en Taiwán (Ang Lee) que trabaja a menudo en Hollywood. Sus protagonistas panchinos incluyen actores y actrices de China continental (Zhang Ziyi), Hong Kong (Chow Yun-Fat), Taiwán (Chang Chen) y Malasia (Michelle Yeoh); la película fue coproducida por una serie de compañías cinematográficas chinas, estadounidenses, de Hong Kong y de Taiwán. Del mismo modo, Lust, Caution (2007) en chino de Lee atrajo a un equipo y elenco de China continental, Hong Kong y Taiwán, e incluye una partitura orquestal del compositor francés Alexandre Desplat. Esta fusión de personas, recursos y experiencia de las tres regiones y el Este de Asia más amplio y el mundo, marca el movimiento del cine en idioma chino hacia un dominio de influencia internacional a gran escala. Otros ejemplos de películas en este molde incluyen The Promise (2005), The Banquet (2006), Fearless (2006), The Warlords (2007), Bodyguards and Assassins (2009) y Red Cliff (2008-09). La facilidad con la que las actrices y actores de etnia china se mueven a caballo entre el continente y Hong Kong ha aumentado significativamente el número de coproducciones en el cine en idioma chino. Muchas de estas películas también cuentan con actores surcoreanos o japoneses para atraer a sus vecinos de Asia oriental. Algunos artistas originarios del continente, como Hu Jun, Zhang Ziyi, Tang Wei y Zhou Xun, obtuvieron la residencia en Hong Kong bajo el Programa de Admisión de Migrantes de Calidad y han actuado en muchas producciones de Hong Kong.

Industria

Taquilla y pantallas

En 2010, el cine chino era la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos anualmente. En 2013, la taquilla bruta de China fue de 21.800 millones de yenes (3.600 millones de dólares estadounidenses), el segundo mercado cinematográfico más grande del mundo por ingresos de taquilla. En enero de 2013, Perdidos en Tailandia (2012) se convirtió en la primera película china en alcanzar los mil millones de yenes en taquilla. En mayo de 2013, 7 de las 10 películas más taquilleras de China eran producciones nacionales. A partir de 2014, alrededor de la mitad de todas las entradas se venden en línea, y los sitios de venta de entradas más grandes son Maoyan.com (82 millones), Gewara.com (45 millones) y Wepiao.com (28 millones). En 2014, las películas chinas recaudaron 1.870 millones de yenes fuera de China. Para diciembre de 2013 había 17.000 pantallas en el país. El 6 de enero de 2014 había 18.195 pantallas en el país. La Gran China tiene alrededor de 251 salas IMAX. Había 299 cadenas de cines (252 rurales, 47 urbanos), 5.813 salas de cine y 24.317 pantallas en el país en 2014.

El país agregó alrededor de 8035 pantallas en 2015 (con un promedio de 22 pantallas nuevas por día, aumentando su total en aproximadamente un 40 % a alrededor de 31 627 pantallas, que es unas 7373 menos que la cantidad de pantallas en los Estados Unidos). Las películas representaron el 61,48 % de la venta de entradas en 2015 (frente al 54 % del año pasado) y más del 60 % de las ventas de entradas se realizaron en línea. de entradas, con 1260 millones de personas que compraron entradas para el cine en 2015. Las películas chinas recaudaron 427 millones de dólares en el extranjero en 2015. Durante la semana del Año Nuevo chino de 2016, el país estableció un nuevo récord de taquilla bruta más alta durante una semana en un territorio con US$548 millones, superando el récord anterior de US$529,6 millones del 26 de diciembre de 2015 al 1 de enero de 2016 en los Estados Unidos y Canadá. Chino las películas recaudaron ¥3830 millones RMB (550 millones de dólares estadounidenses) en los mercados extranjeros en 2016.

Compañías cinematográficas

En abril de 2015, la mayor empresa cinematográfica china por valor era Alibaba Pictures (8770 millones de dólares estadounidenses). Otras grandes empresas incluyen Huayi Brothers Media (7900 millones de dólares estadounidenses), Enlight Media (5980 millones de dólares estadounidenses) y Bona Film Group (542 millones de dólares estadounidenses). Los mayores distribuidores por cuota de mercado en 2014 fueron: China Film Group (32,8 %), Huaxia Film (22,89 %), Enlight Pictures (7,75 %), Bona Film Group (5,99 %), Wanda Media (5,2 %), Le Vision Pictures (4,1 %), Huayi Brothers (2,26 %), United Exhibitor Partners (2 %), Heng Ye Film Distribution (1,77 %) y Beijing Anshi Yingna Entertainment (1,52 %). Las mayores cadenas de cine en 2014 por taquilla fueron: Wanda Cinema Line (676,96 millones de dólares), China Film Stellar (393,35 millones), Dadi Theatre Circuit (378,17 millones), Shanghai United Circuit (355,07 millones), Guangzhou Jinyi Zhujiang (335,39 millones), China Film South Cinema Circuit (318,71 millones), Zhejiang Time Cinema (190,53 millones), China Film Group Digital Cinema Line (177,42 millones), Hengdian Cinema Line (170,15 millones) y Beijing New Film Association (163,09 millones).

Compañías cinematográficas independientes (no estatales) destacadas

Huayi Brothers es la compañía de entretenimiento independiente (es decir, no estatal) más poderosa de China. Huayi Brothers, con sede en Beijing, es una compañía diversificada dedicada a la producción, distribución, exhibición teatral y gestión de talentos de películas y televisión. Películas notables incluyen Kung Fu Hustle de 2004; y Aftershock de 2010, que obtuvo una calificación del 91 % en Rotten Tomatoes.

Beijing Enlight Media se centra en los géneros de acción y romance. Enlight generalmente coloca varias películas entre las 20 más taquilleras de China. Enlight también es un actor importante en los negocios de producción y distribución de series de televisión de China. Bajo el liderazgo de su CEO Wang Changtian, la empresa con sede en Beijing que cotiza en bolsa ha logrado una capitalización de mercado de casi mil millones de dólares.