Cine americano

El cine de los Estados Unidos o cine americano, que consiste principalmente en los principales estudios de cine (también conocidos como Hollywood) junto con algunas películas independientes, ha tenido un gran efecto en la industria cinematográfica mundial desde principios del siglo XX. El estilo dominante del cine estadounidense es el cine clásico de Hollywood, que se desarrolló entre 1913 y 1969 y sigue siendo típico de la mayoría de las películas realizadas allí hasta el día de hoy. Si bien a los franceses Auguste y Louis Lumière generalmente se les atribuye el nacimiento del cine moderno, el cine estadounidense pronto se convirtió en una fuerza dominante en la industria emergente. A partir de 2017, produjo la tercera mayor cantidad de películas de cualquier cine nacional, después de India y China, con más de 600 películas en inglés estrenadas en promedio cada año.Si bien los cines nacionales del Reino Unido, Canadá, Australia y Nueva Zelanda también producen películas en el mismo idioma, no forman parte del sistema de Hollywood. Dicho esto, Hollywood también ha sido considerado un cine transnacional y ha producido versiones en varios idiomas de algunos títulos, a menudo en español o francés. Hollywood contemporáneo a menudo subcontrata la producción a Canadá, Australia y Nueva Zelanda.

Hollywood se considera la industria cinematográfica más antigua, en el sentido de ser el lugar donde surgieron los primeros estudios cinematográficos y productoras. Es la cuna de varios géneros cinematográficos —entre ellos la comedia, el drama, la acción, el musical, el romance, el terror, la ciencia ficción y la épica bélica— y ha servido de ejemplo para otras industrias cinematográficas nacionales.

En 1878, Eadweard Muybridge demostró el poder de la fotografía para capturar el movimiento. En 1894, se realizó la primera exhibición cinematográfica comercial del mundo en la ciudad de Nueva York, utilizando el kinetoscopio de Thomas Edison. En las décadas siguientes, la producción de cine mudo se expandió enormemente, se formaron estudios y emigraron a California, y las películas y las historias que contaban se hicieron mucho más largas. Estados Unidos produjo la primera película musical con sonido sincronizado del mundo, The Jazz Singer, en 1927, y estuvo a la vanguardia del desarrollo del cine sonoro en las décadas siguientes. Desde principios del siglo XX, la industria cinematográfica de EE. UU. se ha basado en gran medida en la zona de treinta millas en Hollywood, Los Ángeles, California, y sus alrededores. El director DW Griffith fue fundamental para el desarrollo de una gramática cinematográfica. de orson wellesCitizen Kane (1941) se cita con frecuencia en las encuestas de los críticos como la mejor película de todos los tiempos.

Los principales estudios cinematográficos de Hollywood son la fuente principal de las películas de mayor éxito comercial y de mayor venta de entradas del mundo. Muchas de las películas más taquilleras de Hollywood han generado más ingresos de taquilla y venta de entradas fuera de los Estados Unidos que las películas realizadas en otros lugares. Estados Unidos es un pionero líder en ingeniería y tecnología cinematográfica.

Historia

Orígenes y Fort Lee

La primera instancia registrada de fotografías que capturan y reproducen movimiento fue una serie de fotografías de un caballo corriendo por Eadweard Muybridge, que tomó en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en fila. El logro de Muybridge llevó a los inventores de todo el mundo a intentar fabricar dispositivos similares. En los Estados Unidos, Thomas Edison fue uno de los primeros en producir un dispositivo de este tipo, el kinetoscopio.

La historia del cine en los Estados Unidos tiene sus raíces en la costa este, donde, en un momento, Fort Lee, Nueva Jersey, fue la capital cinematográfica de Estados Unidos. La industria comenzó a fines del siglo XIX con la construcción de "Black Maria" de Thomas Edison, el primer estudio cinematográfico en West Orange, Nueva Jersey. Las ciudades y pueblos en el río Hudson y Hudson Palisades ofrecieron terrenos a costos considerablemente menores que la ciudad de Nueva York al otro lado del río y se beneficiaron enormemente como resultado del fenomenal crecimiento de la industria cinematográfica a principios del siglo XX.

La industria comenzó a atraer capital y mano de obra innovadora. En 1907, cuando Kalem Company comenzó a usar Fort Lee como lugar para filmar en el área, otros cineastas la siguieron rápidamente. En 1909, un precursor de Universal Studios, Champion Film Company, construyó el primer estudio.Otros siguieron rápidamente y construyeron nuevos estudios o alquilaron instalaciones en Fort Lee. En las décadas de 1910 y 1920, compañías cinematográficas como Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios, The Solax Company, Éclair Studios, Goldwyn Picture Corporation, American Méliès (Star Films), World Film Company, Biograph Studios, Fox Film Corporation, Pathé Frères, Metro Pictures Corporation, Victor Film Company y Selznick Pictures Corporation estaban haciendo películas en Fort Lee. Notables como Mary Pickford comenzaron en Biograph Studios.

En Nueva York, los estudios Kaufman Astoria en Queens, que se construyeron durante la era del cine mudo, fueron utilizados por los hermanos Marx y WC Fields. Los Estudios Edison estaban ubicados en el Bronx. Chelsea, Manhattan, también se utilizó con frecuencia. Otras ciudades del este, sobre todo Chicago y Cleveland, también sirvieron como primeros centros de producción cinematográfica.En el oeste, California ya estaba emergiendo rápidamente como un importante centro de producción cinematográfica. En Colorado, Denver fue el hogar de la compañía cinematográfica Art-O-Graf, y el primer estudio de animación Laugh-O-Gram de Walt Disney tenía su sede en Kansas City, Missouri. Picture City, Florida, era un sitio planificado para un centro de producción de películas en la década de 1920, pero debido al huracán Okeechobee de 1928, la idea colapsó y Picture City volvió a su nombre original de Hobe Sound. Un intento de establecer un centro de producción cinematográfica en Detroit tampoco tuvo éxito.

Las guerras de patentes de películas de principios del siglo XX ayudaron a facilitar la expansión de las compañías cinematográficas a otras partes de los EE. UU., fuera de Nueva York. Muchos cineastas trabajaron con equipos para los cuales no poseían los derechos de uso. Por lo tanto, filmar en Nueva York podría ser peligroso ya que estaba cerca de la sede de la empresa de Edison y cerca de los agentes que la empresa se dispuso a confiscar las cámaras. Para 1912, la mayoría de las principales compañías cinematográficas habían establecido instalaciones de producción en el sur de California, cerca o en Los Ángeles, debido al clima favorable de la región durante todo el año.

Ascenso de hollywood

La producción de 1908 de Selig Polyscope Company de El conde de Montecristo, dirigida por Francis Boggs y protagonizada por Hobart Bosworth, fue reclamada como la primera filmada en Los Ángeles, en 1907, y la ciudad inauguró una placa en 1957 en la tienda insignia de Dearden. en la esquina de Main Street y 7th Street, para marcar la filmación en el sitio cuando había sido una lavandería china. La viuda de Bosworth sugirió que la ciudad se había equivocado en la fecha y el lugar, y que la película en realidad se rodó en la cercana Venecia, que en ese momento era una ciudad independiente. In the Sultan's Power for Selig Polyscope de Boggs, también protagonizada por Bosworth, se considera la primera película filmada íntegramente en Los Ángeles, y se filmó en las calles 7th y Olive en 1909.

A principios de 1910, el director DW Griffith fue enviado por Biograph Company a la costa oeste con su compañía de actores, compuesta por los actores Blanche Sweet, Lillian Gish, Mary Pickford, Lionel Barrymore y otros. Comenzaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street en el centro de Los Ángeles. Mientras estuvo allí, la compañía decidió explorar nuevos territorios, viajando varias millas al norte hasta Hollywood, un pequeño pueblo que era amigable y disfrutaba de la filmación de la compañía cinematográfica allí. Griffith luego filmó la primera película filmada en Hollywood, en Old California., un melodrama biográfico sobre la California del siglo XIX, cuando pertenecía a México. Griffith permaneció allí durante meses e hizo varias películas antes de regresar a Nueva York. También en 1910, Selig Polyscope de Chicago estableció el primer estudio de cine en el área de Los Ángeles en Edendale y el primer estudio en Hollywood abrió en 1912. Después de enterarse del éxito de Griffith en Hollywood, en 1913, muchos cineastas se dirigieron al oeste para evitar el tasas impuestas por Thomas Edison, propietario de patentes sobre el proceso de creación de películas. Nestor Studios de Bayonne, Nueva Jersey, construyó el primer estudio en el barrio de Hollywood en 1911.Nestor Studios, propiedad de David y William Horsley, luego se fusionó con Universal Studios; y la otra compañía de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, es ahora la compañía existente más antigua de Hollywood, ahora llamada Hollywood Digital Laboratory. El clima más hospitalario y rentable de California condujo al eventual cambio de prácticamente todo el cine a la costa oeste en la década de 1930. En ese momento, Thomas Edison poseía casi todas las patentes relevantes para la producción de películas y los productores de películas en la Costa Este que actuaban independientemente de la Motion Picture Patents Company de Edison a menudo eran demandados o prohibidos por Edison y sus agentes, mientras que los cineastas que trabajaban en la Costa Oeste podían trabajar independientemente del control de Edison.

En Los Ángeles crecieron los estudios y Hollywood. Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas se hacían en varias ciudades estadounidenses, pero los cineastas tendían a gravitar hacia el sur de California a medida que se desarrollaba la industria. Se sintieron atraídos por el clima cálido y la luz solar confiable, que hizo posible filmar sus películas al aire libre durante todo el año y por la variedad de escenarios disponibles. El daño de la guerra contribuyó al declive de la industria cinematográfica europea entonces dominante, a favor de los Estados Unidos, donde la infraestructura aún estaba intacta. La respuesta temprana de salud pública más fuerte a la epidemia de gripe de 1918 por parte de Los Ángeles en comparación con otras ciudades estadounidenses redujo la cantidad de casos allí y resultó en una recuperación más rápida, lo que contribuyó al creciente dominio de Hollywood sobre la ciudad de Nueva York.Durante la pandemia, los funcionarios de salud pública cerraron temporalmente las salas de cine en algunas jurisdicciones, los grandes estudios suspendieron la producción durante semanas y algunos actores contrajeron gripe. Esto causó grandes pérdidas financieras y graves dificultades para los estudios pequeños, pero la industria en su conjunto se recuperó con creces durante los locos años veinte.

Hay varios puntos de partida para el cine (particularmente el cine estadounidense), pero fue la controvertida epopeya de Griffith de 1915 El nacimiento de una nación la que fue pionera en el vocabulario cinematográfico mundial que aún domina el celuloide hasta el día de hoy.

A principios del siglo XX, cuando el medio era nuevo, muchos inmigrantes judíos encontraron empleo en la industria cinematográfica estadounidense. Pudieron dejar su huella en un negocio completamente nuevo: la exhibición de cortometrajes en cines comerciales llamados nickelodeons, por su precio de entrada de cinco centavos (cinco centavos). En unos pocos años, hombres ambiciosos como Samuel Goldwyn, William Fox, Carl Laemmle, Adolph Zukor, Louis B. Mayer y los hermanos Warner (Harry, Albert, Samuel y Jack) se cambiaron al lado de la producción del negocio. Pronto fueron los jefes de un nuevo tipo de empresa: el estudio de cine. Estados Unidos tenía al menos dos directoras, productoras y jefas de estudio en estos primeros años: Lois Weber y Alice Guy-Blaché, nacida en Francia. También sentaron las bases para el internacionalismo de la industria; a menudo se acusa a la industria de provincianismo amerocéntrico.

Otros cineastas llegaron de Europa después de la Primera Guerra Mundial: directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang y Jean Renoir; y actores como Rodolfo Valentino, Marlene Dietrich, Ronald Colman y Charles Boyer. Se unieron a un suministro local de actores, atraídos hacia el oeste desde el escenario de la ciudad de Nueva York después de la introducción de películas sonoras, para formar una de las industrias de crecimiento más notables del siglo XX. En el apogeo de la popularidad de las películas a mediados de la década de 1940, los estudios producían un total de unas 400 películas al año, vistas por una audiencia de 90 millones de estadounidenses por semana.

El sonido también se volvió ampliamente utilizado en Hollywood a fines de la década de 1920. Después de The Jazz Singer, la primera película con voces sincronizadas se estrenó con éxito como un cine sonoro Vitaphone en 1927, las compañías cinematográficas de Hollywood responderían a Warner Bros. y comenzarían a utilizar el sonido Vitaphone, que Warner Bros. poseyó hasta 1928, en películas futuras. En mayo de 1928, Electrical Research Product Incorporated (ERPI), una subsidiaria de la compañía Western Electric, obtuvo el monopolio de la distribución de sonido de películas.

Un efecto secundario de las "sonoras" fue que muchos actores que habían hecho su carrera en películas mudas de repente se quedaron sin trabajo, ya que a menudo tenían malas voces o no podían recordar sus líneas. Mientras tanto, en 1922, el político estadounidense Will H. Hays dejó la política y formó la organización de jefes de estudios cinematográficos conocida como Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). La organización se convirtió en la Motion Picture Association of America después de que Hays se retirara en 1945.

En los primeros tiempos del cine sonoro, los estudios estadounidenses descubrieron que sus producciones sonoras eran rechazadas en los mercados de idiomas extranjeros e incluso entre los hablantes de otros dialectos del inglés. La tecnología de sincronización todavía era demasiado primitiva para el doblaje. Una de las soluciones fue crear versiones paralelas en idiomas extranjeros de las películas de Hollywood. Alrededor de 1930, las compañías estadounidenses abrieron un estudio en Joinville-le-Pont, Francia, donde se utilizaron los mismos escenarios y vestuario e incluso escenas masivas para diferentes equipos de tiempo compartido.

Además, se eligieron y llevaron a Hollywood actores, dramaturgos y ganadores de concursos de fotogenia extranjeros desempleados, donde filmaron versiones paralelas de las películas en inglés. Estas versiones paralelas tenían un presupuesto más bajo, se rodaban de noche y estaban dirigidas por directores estadounidenses de segunda línea que no hablaban el idioma extranjero. Los equipos de habla hispana incluían a personas como Luis Buñuel, Enrique Jardiel Poncela, Xavier Cugat y Edgar Neville. Las producciones no tuvieron mucho éxito en sus mercados previstos, debido a las siguientes razones:

• Los presupuestos más bajos eran evidentes.
• Muchos actores de teatro no tenían experiencia previa en el cine.
• Las películas originales a menudo eran de segunda categoría, ya que los estudios esperaban que las mejores producciones se vendieran solas.
• La mezcla de acentos extranjeros (castellano, mexicano y chileno por ejemplo en el caso español) resultó extraña para el público.
• Algunos mercados carecían de teatros equipados con sonido.

A pesar de ello, algunas producciones como la versión española de Drácula se comparan favorablemente con la original. A mediados de la década de 1930, la sincronización había avanzado lo suficiente como para que el doblaje se volviera habitual.

Cine clásico de Hollywood y la Edad de Oro de Hollywood (1913-1969)

El cine clásico de Hollywood, o la Edad de Oro de Hollywood, se define como un estilo técnico y narrativo característico del cine estadounidense de 1913 a 1969, durante el cual se emitieron miles de películas desde los estudios de Hollywood. El estilo clásico comenzó a emerger en 1913, se aceleró en 1917 después de que EE. UU. entró en la Primera Guerra Mundial y finalmente se solidificó cuando se estrenó la película The Jazz Singer en 1927, poniendo fin a la era del cine mudo y aumentando las ganancias de taquilla para la industria cinematográfica. Introducir el sonido en los largometrajes.

La mayoría de las películas de Hollywood se adhirieron estrechamente a una fórmula: western, comedia bufonesca, musical, dibujos animados, película biográfica (imagen biográfica), y los mismos equipos creativos a menudo trabajaban en películas realizadas por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM, Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años, las películas de Cecil B. De Mille se hicieron casi todas en Paramount y las películas del director Henry King se hicieron principalmente para 20th Century Fox..

Al mismo tiempo, normalmente se podía adivinar qué estudio hizo qué película, en gran parte debido a los actores que aparecían en ella; MGM, por ejemplo, afirmó que había contratado "más estrellas de las que hay en el cielo". Cada estudio tenía su propio estilo y toques característicos que permitían saber esto, un rasgo que rara vez existe en la actualidad.

Por ejemplo, Tener y no tener (1944) se destaca no solo por la primera pareja de actores Humphrey Bogart (1899–1957) y Lauren Bacall (1924–2014), sino porque fue escrita por dos futuros ganadores del Premio Nobel. en Literatura: Ernest Hemingway (1899–1961), el autor de la novela en la que se basó nominalmente el guión, y William Faulkner (1897–1962), quien trabajó en la adaptación cinematográfica.

Después de que se estrenó The Jazz Singer en 1927, Warner Bros. obtuvo un gran éxito y pudo adquirir su propia serie de salas de cine, luego de comprar Stanley Theatres y First National Productions en 1928. En contraste, los teatros Loews eran propietarios de MGM desde su formación en 1924, mientras que Fox Film Corporation era propietaria del Fox Theatre. RKO (una fusión de 1928 entre Keith-Orpheum Theatres y Radio Corporation of America) también respondió al monopolio de Western Electric/ERPI sobre el sonido en las películas y desarrolló su propio método, conocido como Photophone, para poner sonido en las películas.

Paramount, que adquirió Balaban y Katz en 1926, respondería al éxito de Warner Bros. y RKO, compraría varios cines a fines de la década de 1920 y tendría el monopolio de los cines en Detroit, Michigan. En la década de 1930, casi todos los teatros metropolitanos de estreno en los Estados Unidos eran propiedad de los estudios Big Five: MGM, Paramount Pictures, RKO, Warner Bros. y 20th Century Fox.

El sistema de estudio

Las compañías cinematográficas operaban bajo el sistema de estudio. Los principales estudios mantuvieron a miles de personas a sueldo: actores, productores, directores, escritores, especialistas, artesanos y técnicos. Eran dueños o arrendaban Movie Ranches en la zona rural del sur de California para filmar en locaciones westerns y otras películas de género a gran escala, y los principales estudios eran dueños de cientos de cines en ciudades y pueblos de todo el país en salas de cine de 1920 que mostraban sus películas y que siempre estaban necesita material fresco.

En 1930, el presidente de la MPPDA, Will Hays, creó el Código Hays (Producción), que siguió las pautas de censura y entró en vigor después de que las amenazas gubernamentales de censura se expandieran en 1930. Sin embargo, el código nunca se aplicó hasta 1934, después de que la organización católica de vigilancia The Legion of Decencia, horrorizada por algunas de las películas provocativas y la publicidad espeluznante de la era que luego se clasificó como Pre-Code Hollywood, amenazó con boicotear las películas si no entraba en vigencia. Las películas que no obtuvieron el sello de aprobación de la Administración del Código de Producción tuvieron que pagar una multa de $ 25,000 y no pudieron obtener ganancias en los cines, ya que la MPPDA controlaba todos los cines del país a través de los estudios Big Five.

A lo largo de la década de 1930, así como durante la mayor parte de la edad de oro, MGM dominó la pantalla de cine y tuvo las mejores estrellas de Hollywood, y también se les atribuyó la creación del sistema de estrellas de Hollywood por completo. Algunas estrellas de MGM incluyeron al "Rey de Hollywood" Clark Gable, Lionel Barrymore, Jean Harlow, Norma Shearer, Greta Garbo, Joan Crawford, Jeanette MacDonald, Gene Raymond, Spencer Tracy, Judy Garland y Gene Kelly. Pero MGM no estuvo solo.

Otro gran logro del cine estadounidense durante esta época llegó a través de la compañía de animación de Walt Disney. En 1937, Disney creó la película más exitosa de su época, Blancanieves y los siete enanitos. Esta distinción se superó rápidamente en 1939 cuando Selznick International creó lo que sigue siendo, cuando se ajusta a la inflación, la película más exitosa de todos los tiempos en Lo que el viento se llevó.

Muchos historiadores del cine han comentado sobre las muchas grandes obras cinematográficas que surgieron de este período de cine altamente reglamentado. Una de las razones por las que esto fue posible es que, con tantas películas en producción, no todas tenían que ser un gran éxito. Un estudio podría apostar por una película de presupuesto medio con un buen guión y actores relativamente desconocidos: Citizen Kane, dirigida por Orson Welles (1915-1985) y a menudo considerada como la mejor película de todos los tiempos, encaja en esta descripción. En otros casos, directores de voluntad fuerte como Howard Hawks (1896–1977), Alfred Hitchcock (1899–1980) y Frank Capra (1897–1991) lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas.

El apogeo del sistema de estudio puede haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de clásicos como El mago de Oz, Lo que el viento se llevó, La diligencia, El señor Smith va a Washington, Cumbres borrascosas, Sólo los ángeles tienen alas, Ninotchka y medianoche _ Entre las otras películas del período de la Edad de Oro que ahora se consideran clásicos: Casablanca, Qué bello es vivir, Sucedió una noche, el King Kong original, Mutiny on the Bounty, Sombrero de copa, Luces de la ciudad, Red River, La dama de Shanghai, La ventana indiscreta, En el paseo marítimo, Rebelde sin causa, A algunos les gusta lo caliente y El candidato de Manchuria.

Decadencia del sistema de estudio (finales de la década de 1940)

El sistema de estudios y la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas que se desarrollaron a fines de la década de 1940:

• una acción federal antimonopolio que separó la producción de películas de su exhibición; y
• la llegada de la televisión.

En 1938, Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney se estrenó durante una serie de películas mediocres de los principales estudios, y rápidamente se convirtió en la película más taquillera estrenada hasta ese momento. Vergonzosamente para los estudios, fue una película animada producida de forma independiente que no contó con ninguna estrella empleada en el estudio. Esto avivó la frustración ya generalizada por la práctica de la reserva en bloque, en la que los estudios solo vendían el calendario de películas de un año completo a los cines y usaban el bloqueo para cubrir estrenos de calidad mediocre.

El fiscal general adjunto Thurman Arnold, un destacado "destructor de confianza" de la administración Roosevelt, aprovechó esta oportunidad para iniciar procedimientos contra los ocho estudios más grandes de Hollywood en julio de 1938 por violaciones de la Ley Sherman Antimonopolio. La demanda federal dio como resultado que cinco de los ocho estudios (los "Cinco Grandes": Warner Bros., MGM, Fox, RKO y Paramount) llegaran a un compromiso con Arnold en octubre de 1940 y firmaran un decreto de consentimiento acordando, dentro de tres años:

• Eliminar la reserva en bloque de temas de cortometrajes, en un arreglo conocido como reserva en bloque de "una sola toma" o "fuerza completa".
• Elimine la reserva en bloque de más de cinco funciones en sus salas.
• Ya no participe en la compra a ciegas (o la compra de películas por parte de los distritos teatrales sin ver las películas de antemano) y, en su lugar, tenga una exhibición comercial, en la que los 31 distritos teatrales de EE. UU. verían películas cada dos semanas antes de mostrarlas en los cines.
• Establezca una junta de administración en cada distrito teatral para hacer cumplir estos requisitos.

Los "Tres Pequeños" (Universal Studios, United Artists y Columbia Pictures), que no poseían ningún teatro, se negaron a participar en el decreto de consentimiento.Varios productores de cine independientes tampoco estaban contentos con el compromiso y formaron un sindicato conocido como la Sociedad de Productores de Cine Independientes y demandaron a Paramount por el monopolio que aún tenían sobre los teatros de Detroit, ya que Paramount también estaba ganando dominio a través de actores como Bob Hope., Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, el cantante Bing Crosby, Alan Ladd y también el actor de mucho tiempo del estudio Gary Cooper, en 1942. Los estudios Big Five no cumplieron con los requisitos del Consentimiento de Decreto durante la Segunda Guerra Mundial, sin mayores consecuencias, pero después de que terminó la guerra se unieron a Paramount como acusados ​​en el caso antimonopolio de Hollywood, al igual que los estudios Little Three.

La Corte Suprema finalmente dictaminó que la propiedad de los principales estudios de los teatros y la distribución de películas era una violación de la Ley Sherman Antimonopolio. Como resultado, los estudios comenzaron a liberar a los actores y al personal técnico de sus contratos con los estudios. Esto cambió el paradigma de la realización de películas por parte de los principales estudios de Hollywood, ya que cada uno podía tener un elenco y un equipo creativo completamente diferente.

La decisión resultó en la pérdida gradual de las características que hacían que las películas de Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures y 20th Century Fox fueran inmediatamente identificables. Ciertas personas del cine, como Cecil B. DeMille, siguieron siendo artistas contratados hasta el final de sus carreras o utilizaron los mismos equipos creativos en sus películas para que una película de DeMille todavía pareciera una, ya sea que se hiciera en 1932 o 1956.

Nuevo Hollywood y cine posclásico (décadas de 1960 a 1990)

El cine posclásico son los métodos cambiantes de narración en el Nuevo Hollywood. Se ha argumentado que los nuevos enfoques del drama y la caracterización jugaron con las expectativas de la audiencia adquiridas en el período clásico: la cronología puede estar revuelta, las historias pueden presentar "finales retorcidos" y las líneas entre el antagonista y el protagonista pueden ser borrosas. Las raíces de la narración posclásica se pueden ver en el cine negro, en Rebelde sin causa (1955) y en la historia de Hitchcock, Psycho.

El Nuevo Hollywood es el surgimiento de una nueva generación de directores formados en escuelas de cine que habían absorbido las técnicas desarrolladas en Europa en la década de 1960 como resultado de la Nueva Ola francesa después de la Revolución Americana; la película de 1967 Bonnie and Clyde también marcó el comienzo del repunte del cine estadounidense, ya que una nueva generación de películas también tendría éxito en las taquillas. Cineastas como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, Brian De Palma, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Roman Polanski y William Friedkin llegaron a producir películas que rendían homenaje a la historia del cine y se basaban en géneros y técnicas existentes. Inaugurado por el lanzamiento de 1969 de Blue Movie de Andy Warhol, el fenómeno de las películas eróticas para adultos discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope), y tomadas en serio por los críticos (como Roger Ebert), un desarrollo al que Ralph Blumenthal de The New York Times se refiere como "porno chic". ", y más tarde conocida como la Edad de Oro de la pornografía, comenzó, por primera vez, en la cultura estadounidense moderna. Según el galardonado autor Toni Bentley, la película de Radley Metzger de 1976 The Opening of Misty Beethoven, basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw (y su derivada, My Fair Lady), y debido a que alcanzó un nivel general en la trama y conjuntos, es considerada la "joya de la corona" de esta 'Edad de Oro'.

En el apogeo de su fama a principios de la década de 1970, Charles Bronson era la atracción de taquilla número 1 del mundo, con un millón de dólares por película. En la década de 1970, las películas de los cineastas de New Hollywood solían ser aclamadas por la crítica y comercialmente exitosas. Mientras que las primeras películas de New Hollywood como Bonnie and Clyde y Easy Rider habían sido aventuras de bajo presupuesto con héroes amorales y mayor sexualidad y violencia, el enorme éxito que disfrutó Friedkin con The Exorcist, Spielberg con Jaws, Coppola con The Godfather y Apocalypse Now, Scorsese con Taxi Driver, Kubrick con 2001: Odisea del espacio, Polanski con Chinatown, y Lucas con American Graffiti y Star Wars, respectivamente, ayudaron a dar lugar al "éxito de taquilla" moderno e indujeron a los estudios a centrarse cada vez más en tratar de producir grandes éxitos.

La creciente indulgencia de estos jóvenes directores no ayudó. A menudo, se excedían en los horarios y en el presupuesto, lo que les llevaba a la bancarrota a ellos mismos o al estudio. Los tres ejemplos más notables de esto son Apocalypse Now y One From The Heart de Coppola y, en particular, Heaven's Gate de Michael Cimino, que por sí solo llevó a la bancarrota a United Artists. Sin embargo, Apocalypse Now finalmente recuperó su dinero y obtuvo un reconocimiento generalizado como una obra maestra, ganando la Palma de Oro en Cannes.

Los cineastas de la década de 1990 tuvieron acceso a innovaciones tecnológicas, políticas y económicas que no habían estado disponibles en décadas anteriores. Dick Tracy (1990) se convirtió en el primer largometraje de 35 mm con banda sonora digital. Batman Returns (1992) fue la primera película en utilizar el sonido estéreo Dolby Digital de seis canales que desde entonces se ha convertido en el estándar de la industria. Las imágenes generadas por computadora se facilitaron enormemente cuando se hizo posible transferir imágenes de películas a una computadora y manipularlas digitalmente. Las posibilidades se hicieron evidentes en Terminator 2: El juicio final (1991) del director James Cameron, en imágenes del personaje T-1000 que cambia de forma. Los gráficos por computadora o CG avanzaron hasta un punto en el que Jurassic Park(1993) pudo usar las técnicas para crear animales de aspecto realista. Jackpot (2001) se convirtió en la primera película rodada íntegramente en digital. En la película Titanic, Cameron quería traspasar los límites de los efectos especiales con su película y contrató a Digital Domain y Pacific Data Images para continuar con los desarrollos en tecnología digital que el director inició mientras trabajaba en The Abyss y Terminator 2: Judgement Day. Muchas películas anteriores sobre el RMS Titanic dispararon agua en cámara lenta, lo que no parecía del todo convincente. Cameron animó a su tripulación a filmar su miniatura del barco de 45 pies de largo (14 m) como si "estáramos haciendo un comercial para White Star Line".

Incluso The Blair Witch Project (1999), una película de terror independiente de bajo presupuesto de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick, fue un gran éxito financiero. Filmada con un presupuesto de solo $ 35,000, sin grandes estrellas ni efectos especiales, la película recaudó $ 248 millones con el uso de técnicas modernas de marketing y promoción en línea. Aunque no en la escala de la precuela de la trilogía de Star Wars de George Lucas, que costó mil millones de dólares, El proyecto de la bruja de Blair se ganó la distinción de ser la película más rentable de todos los tiempos, en términos de porcentaje bruto.

Sin embargo, el éxito de Blair Witch como proyecto independiente sigue siendo una de las pocas excepciones, y el control de los estudios The Big Five sobre la realización de películas siguió aumentando durante la década de 1990. Todas las empresas Big Six disfrutaron de un período de expansión en la década de 1990. Cada uno de ellos desarrolló diferentes formas de adaptarse a los crecientes costos de la industria cinematográfica, especialmente a los crecientes salarios de las estrellas de cine, impulsados ​​por poderosos agentes. Las estrellas más grandes como Sylvester Stallone, Russell Crowe, Tom Cruise, Nicole Kidman, Sandra Bullock, Arnold Schwarzenegger, Mel Gibson y Julia Roberts recibieron entre $15 y $20 millones por película y, en algunos casos, incluso recibieron una parte de las ganancias de la película.

A los guionistas, por otro lado, generalmente se les pagaba menos que a los mejores actores o directores, generalmente menos de $ 1 millón por película. Sin embargo, el factor más importante que impulsó el aumento de los costos fueron los efectos especiales. Para 1999, el costo promedio de una película taquillera era de $60 millones antes de la comercialización y promoción, que costaba otros $80 millones.

Principios del siglo XXI

Año	Entradas	Ingresos
1995	1.22	$5.31
1996	1.31	$5.79
1997	1.39	$6.36
1998	1.44	$6.77
1999	1.44	$7.34
2000	1.40	$7.54
2001	1.48	$8.36
2002	1.58	$9.16
2003	1.52	$9.20
2004	1.50	$9.29
2005	1.37	$8.80
2006	1.40	$9.16
2007	1.42	$9.77
2008	1.36	$9.75
2009	1.42	$10.64
2010	1.33	$10.48
2011	1.28	$10.17
2012	1.40	$11.16
2013	1.34	$10.89
2014	1.26	$10.27
2015	1.32	$11.16
2016	1.30	$11.26
2017	1.23	$10.99
Según compilado por The Numbers

Desde principios del siglo XXI, el mercado teatral ha estado dominado por el género de los superhéroes. A partir de 2022, son las producciones mejor pagadas para los actores, porque los cheques de pago en otros géneros se han reducido incluso para los mejores actores. La década de los involucró muchos desarrollos significativos en las industrias cinematográficas de todo el mundo, especialmente en la tecnología utilizada. Sobre la base de los desarrollos en la década de 1990, las computadoras se usaron para crear efectos que antes habrían sido más costosos, desde el borrado sutil de las islas circundantes en Náufrago (dejando al personaje de Tom Hanks varado sin otra tierra a la vista) hasta las vastas escenas de batalla. como los de las secuelas de The Matrix y 300.

La década de 2000 vio el resurgimiento de varios géneros. Las franquicias de películas de fantasía dominaron la taquilla con El Señor de los Anillos, Harry Potter, Piratas del Caribe, la trilogía de precuelas de Star Wars (a partir de 1999), Las Crónicas de Narnia, etc. los lanzamientos de X-Men, Unbreakable y Spider-Man. Gladiator de manera similar provocó el renacimiento de las películas épicas, mientras que el Moulin Rouge, inspirado en Bollywood.hizo lo mismo con las películas musicales. La animación por computadora reemplazó a la animación tradicional como el medio dominante para los largometrajes animados en el cine estadounidense. Aunque Hollywood todavía produce algunas películas para el público familiar, en particular animaciones, la gran mayoría de las películas están diseñadas principalmente para el público adulto joven.

Cine contemporáneo

A partir de 2020, se planeó originalmente que la película de fantasía de 2019 Frozen II se estrenara en Disney+ el 26 de junio de 2020, antes de que se trasladara al 15 de marzo. El director ejecutivo de Disney, Bob Chapek, explicó que esto se debió a los "poderosos temas de perseverancia" de la película. y la importancia de la familia, mensajes que son increíblemente relevantes". El 16 de marzo de 2020, Universal anunció que The Invisible Man, The Hunt y Emma, ​​todas las películas en cines en ese momento, estarían disponibles a través de video premium a pedido a partir del 20 de marzo a un precio sugerido de US $ 19.99 cada uno. Tras sufrir una mala taquilla desde su estreno a principios de marzo, Onwardestuvo disponible para su compra digital el 21 de marzo y se agregó a Disney+ el 3 de abril. Paramount anunció el 20 de marzo que Sonic the Hedgehog también planea tener un lanzamiento anticipado en video a pedido el 31 de marzo. El 16 de marzo, Warner Bros. anunció que Birds of Prey se estrenaría anticipadamente en video a pedido el 24 de marzo. El 3 de abril, Disney anunció que Artemis Fowl, una adaptación cinematográfica del libro del mismo nombre de 2001, pasaría directamente a Disney+ el 12 de junio. saltándose un estreno teatral por completo.

A medida que el virus seguía manteniendo los cines cerrados, los estudios que han producido varias películas como Black Widow, F9, Death on the Nile y West Side Story se vieron obligados a posponer o retrasar sus estrenos hasta después de 2020.

Varios estudios han respondido a la crisis con decisiones controvertidas de renunciar a la ventana de cine y dar a sus películas estrenos de día y fecha. NBCUniversal lanzó Trolls World Tour directamente para alquiler de video a pedido el 10 de abril, mientras recibía simultáneamente proyecciones teatrales nacionales limitadas a través de autocines; El director ejecutivo Jeff Shell afirma que la película había alcanzado casi $ 100 millones en ingresos en las primeras tres semanas. AMC Theatres se opuso a la decisión, que luego anunció que sus proyecciones de películas de Universal Pictures cesarían de inmediato, aunque las dos compañías eventualmente acordarían una ventana teatral de 2 semanas.Para diciembre de 2020, Warner Bros. Pictures anunció su decisión de lanzar simultáneamente su lista de películas de 2021 en ambos cines y su sitio de transmisión HBO Max durante un período de un mes para maximizar la audiencia. La medida fue criticada con vehemencia por varias figuras de la industria, muchas de las cuales supuestamente no estaban informadas de la decisión antes del anuncio y se sintieron engañadas por el estudio.

Los comentaristas de la industria han notado el creciente tratamiento de las películas como "contenido" por parte de las corporaciones que se correlaciona con el auge de las plataformas de transmisión como Netflix, Disney+, Paramount+ y Apple TV+. Esto implica el desdibujamiento de los límites entre las películas, la televisión y otras formas de medios a medida que más personas los consumen juntos en una variedad de formas, con películas individuales definidas más por su identidad de marca y potencial comercial que por su medio, historias y arte. El crítico Matt Zoller Seitz describió el lanzamiento de Avengers: Endgame en 2019 como "representar la derrota decisiva del 'cine' por el 'contenido'" debido a su gran éxito como "pieza de entretenimiento".Las películas Space Jam: A New Legacy y Red Notice se han citado como ejemplos de este tratamiento, y muchos críticos describen la primera como "un extenso infomercial para HBO Max", que presenta escenas y personajes que recuerdan varias propiedades de Warner Bros. como Casablanca, The Matrix y Austin Powers, mientras que la última es una película de robo de $ 200 millones de Netflix que los críticos describieron como "una película que se siente más procesada por una máquina [...] en lugar de cualquier intención artística o incluso un deseo honesto de entretener." Algunos han expresado que Space Jamdemuestra el tratamiento cada vez más cínico de la industria de las películas como mera propiedad intelectual (IP) para ser explotada, un enfoque que el crítico Scott Mendelson llamó "IP por el bien de la IP".

Hollywood y la política

En la década de 1930, los demócratas y los republicanos vieron dinero en Hollywood. El presidente Franklin Roosevelt vio una gran asociación con Hollywood. Usó el primer potencial real de las estrellas de Hollywood en una campaña nacional. Melvyn Douglas realizó una gira por Washington en 1939 y conoció a los New Dealers clave.

Respaldos políticos

Se firmaron cartas de patrocinio de los principales actores, se realizaron apariciones en radio y publicidad impresa. Se utilizaron estrellas de cine para atraer a una gran audiencia a la visión política del partido. En la década de 1960, John F. Kennedy era un rostro nuevo y joven para Washington, y su fuerte amistad con Frank Sinatra ejemplificaba esta nueva era de glamour. Los últimos magnates de Hollywood se habían ido y los ejecutivos y productores más jóvenes y nuevos comenzaron a impulsar ideas más liberales.

Las celebridades y el dinero atrajeron a los políticos al brillante estilo de vida de clase alta de Hollywood. Como escribió Ron Brownstein en su libro The Power and the Glitter, la televisión en las décadas de 1970 y 1980 fue un nuevo medio enormemente importante en la política y Hollywood ayudó en ese medio con actores que pronunciaban discursos sobre sus creencias políticas, como Jane Fonda contra la Guerra de Vietnam. A pesar de que la mayoría de las celebridades y productores son de izquierda y tienden a apoyar al Partido Demócrata, esta era produjo algunos actores y productores republicanos. El ex actor Ronald Reagan se convirtió en gobernador de California y posteriormente se convirtió en el 40º presidente de los Estados Unidos. Continuó con Arnold Schwarzenegger como gobernador de California en 2003.

Donaciones políticas

Hoy, las donaciones de Hollywood ayudan a financiar la política federal. El 20 de febrero de 2007, por ejemplo, el entonces candidato presidencial demócrata Barack Obama celebró una gala de Hollywood de 2.300 dólares el plato, organizada por los fundadores de DreamWorks David Geffen, Jeffrey Katzenberg y Steven Spielberg en el Beverly Hilton.

Censura

Los productores de Hollywood generalmente buscan cumplir con los requisitos de censura del gobierno chino en un intento por acceder al lucrativo y restringido mercado cinematográfico del país, con la segunda taquilla más grande del mundo a partir de 2016. Esto incluye priorizar las representaciones simpáticas de los personajes chinos en las películas, como cambiar a los villanos en Red Dawn de chinos a norcoreanos. Debido a muchos temas prohibidos en China, como la participación del Dalai Lama y Winnie-the-Pooh en el episodio "Banda en China" de South Park, South Park fue prohibido por completo en China después de la transmisión del episodio. A la película de 2018 Christopher Robin, la nueva película de Winnie-the-Pooh, se le negó su estreno en China.

Aunque el Tíbet fue anteriormente una causa célebre en Hollywood, apareciendo en películas como Kundun y Siete años en el Tíbet, en el siglo XXI este ya no es el caso. En 2016, Marvel Entertainment atrajo críticas por su decisión de elegir a Tilda Swinton como "The Ancient One" en la adaptación cinematográfica Doctor Strange, utilizando a una mujer blanca para interpretar a un personaje tradicionalmente tibetano. El actor y destacado partidario del Tíbet, Richard Gere, declaró que ya no era bienvenido a participar en las principales películas de Hollywood después de criticar al gobierno chino y pedir un boicot a los Juegos Olímpicos de Verano de 2008 en Beijing.

Hollywood mundial

Los investigadores de la economía política de la comunicación se han centrado durante mucho tiempo en la presencia internacional o global, el poder, la rentabilidad y la popularidad de las películas de Hollywood. Los libros sobre Hollywood global de Toby Miller y Richard Maxwell, Janet Wasko y Mary Erickson, Kerry Segrave, John Trumpbour y Tanner Mirrlees examinan la economía política internacional del poder de Hollywood.

Según Tanner Mirrlees, Hollywood se basa en cuatro estrategias capitalistas "para atraer e integrar a productores, exhibidores y audiencias de películas no estadounidenses en su ámbito: propiedad, producciones transfronterizas con proveedores de servicios subordinados, acuerdos de licencia de contenido con exhibidores y éxitos de taquilla diseñados para viajar por el mundo".

En 1912, las compañías cinematográficas estadounidenses estaban en gran medida inmersas en la competencia por el mercado interno. Fue difícil satisfacer la enorme demanda de películas creada por el auge de Nickelodeon. Los miembros de Motion Picture Patents Company, como Edison Studios, también intentaron limitar la competencia de películas francesas, italianas y otras películas importadas. La exportación de películas, entonces, se volvió lucrativa para estas empresas. Vitagraph Studios fue la primera empresa estadounidense en abrir sus propias oficinas de distribución en Europa, estableciendo una sucursal en Londres en 1906 y una segunda sucursal en París poco después.

Otras compañías estadounidenses también se estaban mudando a mercados extranjeros, y la distribución estadounidense en el extranjero continuó expandiéndose hasta mediados de la década de 1920. Originalmente, la mayoría de las empresas vendían sus películas de manera indirecta. Sin embargo, dado que no tenían experiencia en el comercio exterior, simplemente vendieron los derechos extranjeros de sus películas a empresas de distribución extranjeras o agentes de exportación. Poco a poco, Londres se convirtió en un centro de circulación internacional de películas estadounidenses.

Muchas empresas británicas obtuvieron beneficios actuando como agentes de este negocio y, al hacerlo, debilitaron la producción británica al entregar una gran parte del mercado del Reino Unido a las películas estadounidenses. Para 1911, aproximadamente del 60 al 70 por ciento de las películas importadas a Gran Bretaña eran estadounidenses. A Estados Unidos también le estaba yendo bien en Alemania, Australia y Nueva Zelanda.

Más recientemente, a medida que la globalización ha comenzado a intensificarse y el gobierno de los Estados Unidos ha estado promoviendo activamente las agendas de libre comercio y el comercio de productos culturales, Hollywood se ha convertido en una fuente cultural mundial. El éxito en los mercados de exportación de Hollywood se puede conocer no solo por el auge de las corporaciones de medios multinacionales estadounidenses en todo el mundo, sino también por la capacidad única de hacer películas de gran presupuesto que atraen poderosamente los gustos populares en muchas culturas diferentes.

Hollywood se ha movido más profundamente en los mercados chinos, aunque influenciado por la censura de China. Las películas hechas en China están censuradas, evitando estrictamente temas como "fantasmas, violencia, asesinato, horror y demonios". Dichos elementos de la trama corren el riesgo de ser cortados. Hollywood ha tenido que hacer películas "aprobadas", correspondientes a los estándares oficiales chinos, pero sacrificando los estándares estéticos a las ganancias de taquilla. Incluso al público chino le resultó aburrido esperar el estreno de grandes películas estadounidenses dobladas en su idioma nativo.

Papel de la mujer

La representación de las mujeres en el cine se ha considerado un problema casi desde que el cine ha sido una industria. Las representaciones de las mujeres han sido criticadas por depender de otros personajes, figuras maternas y domésticas que se quedan en casa, demasiado emocionales y confinadas a trabajos de bajo nivel en comparación con personajes masculinos emprendedores y ambiciosos. Con esto, las mujeres están subrepresentadas y continuamente atrapadas en estereotipos de género.

Las mujeres están subrepresentadas estadísticamente en puestos creativos en el centro de la industria cinematográfica estadounidense, Hollywood. Esta infrarrepresentación se ha denominado "techo de celuloide", una variante del término de discriminación laboral "techo de cristal". En 2013, los "actores mejor pagados... hicieron 2+¹ ⁄ ₂ veces más dinero que las actrices mejor pagadas". "Losactores [masculinos] mayores ganan más que sus iguales femeninas" en edad, y las "estrellas de cine femeninas ganan la mayor cantidad de dinero en promedio por película". a los 34 años, mientras que las estrellas masculinas ganan más a los 51".

El Informe del techo de celuloide de 2013 realizado por el Centro para el estudio de la mujer en la televisión y el cine de la Universidad Estatal de San Diego recopiló una lista de estadísticas recopiladas de "2813 personas empleadas por las 250 películas más taquilleras de 2012".

Las mujeres representaron solo el 36 por ciento de los personajes principales en el cine en 2018, una disminución del uno por ciento del 37 por ciento registrado en 2017. En 2019, ese porcentaje aumentó al 40 por ciento. Las mujeres representan el 51 por ciento de los cinéfilos. Sin embargo, cuando se trata de trabajos clave como director y director de fotografía, los hombres continúan dominando. Para las nominaciones al Premio de la Academia, solo cinco mujeres han sido nominadas a Mejor Director, pero ninguna ha ganado en esa categoría en los últimos 92 años. Si bien la representación femenina ha mejorado, aún queda trabajo por hacer con respecto a la diversidad entre esas mujeres. El porcentaje de personajes negros femeninos pasó del 16 por ciento en 2017 al 21 por ciento en 2018. La representación de actrices latinas, sin embargo, disminuyó a cuatro por ciento en el último año, tres puntos porcentuales menos que el siete por ciento alcanzado en 2017.

Las mujeres representaron:

• "El 18 % de todos los directores, productores ejecutivos, productores, escritores, directores de fotografía y editores. Esto no reflejó ningún cambio desde 2011 y solo un aumento del 1 % desde 1998".
• "9% de todos los directores".
• "15% de los escritores".
• "25% de todos los productores".
• "20% de todos los editores".
• "2% de todos los directores de fotografía".
• "El 38% de las películas empleó a 0 o 1 mujer en los roles considerados, el 23% empleó a 2 mujeres, el 28% empleó a 3 a 5 mujeres y el 10% empleó a 6 a 9 mujeres".

Un artículo del New York Times indicó que solo el 15% de las mejores películas en 2013 tenían mujeres para un papel principal. El autor del estudio señaló que "el porcentaje de roles femeninos de habla no ha aumentado mucho desde la década de 1940, cuando oscilaba entre el 25 y el 28 por ciento". "Desde 1998, la representación de mujeres en roles detrás de escena que no sean la dirección ha aumentado solo un 1 por ciento". Las mujeres "dirigieron el mismo porcentaje de las 250 películas más taquilleras en 2012 (9 por ciento) que en 1998".

Raza y etnia

El 10 de mayo de 2021, NBC anunció que no televisaría la 79.ª entrega de los Globos de Oro en 2022, en apoyo de un boicot a la HFPA por parte de varias empresas de medios por los esfuerzos inadecuados para abordar la falta de representación de la diversidad entre los miembros de la asociación con persona de color, pero que estaría abierto a televisar la ceremonia en 2023 si la HFPA tuviera éxito en sus esfuerzos de reforma.

Desde los últimos días de la industria cinematográfica, las representaciones en celuloide de los irlandeses estadounidenses han sido abundantes. Las películas con temas irlandeses-estadounidenses incluyen dramas sociales como Little Nellie Kelly y The Cardinal, epopeyas laborales como On the Waterfront y películas de gánsteres como Angels with Dirty Faces, The Friends of Eddie Coyle y The Departed. Aunque la era clásica del cine estadounidense está dominada predominantemente por personas caucásicas delante y detrás de la cámara, las minorías y las personas de color han logrado forjar sus propios caminos para llevar sus películas a la pantalla.

El cine estadounidense a menudo ha reflejado y propagado estereotipos negativos hacia los ciudadanos extranjeros y las minorías étnicas. Por ejemplo, los rusos y los ruso-estadounidenses suelen ser retratados como mafiosos brutales, agentes despiadados y villanos. Según la profesora ruso-estadounidense Nina L. Khrushcheva, "ni siquiera puedes encender la televisión e ir al cine sin mencionar a los rusos como horribles". Los italianos y los italoamericanos suelen estar asociados con el crimen organizado y la mafia. Los hispanos y latinoamericanos se representan en gran medida como figuras sexualizadas, como el macho latino o la zorra latina, pandilleros, inmigrantes (ilegales) o artistas.Sin embargo, la representación en Hollywood ha mejorado en los últimos tiempos, de los cuales ganó un impulso notable en la década de 1990 y no enfatiza la opresión, la explotación o la resistencia como temas centrales. Según Ramírez Berg, las películas de la tercera ola "no acentúan la opresión o la resistencia chicana; la etnicidad en estas películas existe como un hecho entre varios que dan forma a la vida de los personajes y marcan sus personalidades".Cineastas como Edward James Olmos y Robert Rodríguez pudieron representar la experiencia de los hispanos y latinoamericanos como nunca antes en la pantalla, y actores como Hilary Swank, Jordana Brewster, Jessica Alba, Camilla Belle, Al Madrigal, Alexis Bledel, Alexa PenaVega, Ana de Armas y Rachel Zegler han tenido éxito. En la última década, a cineastas minoritarios como Chris Weitz, Alfonso Gómez-Rejón y Patricia Riggen se les han dado narrativas aplicadoras. Las primeras representaciones en películas de ellos incluyen La Bamba (1987), Selena (1997), La máscara del Zorro (1998), Goal II (2007), Overboard (2018), Father of the Bride (2022) y Real Women Have de Josefina López. Curvas, originalmente una obra de teatro que se estrenó en 1990 y luego se estrenó como película en 2002.

La representación afroamericana en Hollywood mejoró drásticamente a finales del siglo XX tras la caída del sistema de estudios, ya que cineastas como Spike Lee y John Singleton pudieron representar la experiencia afroamericana como nadie lo había hecho antes en la pantalla, mientras que actores como Halle Berry y Will Smith se convirtieron en sorteos de taquilla de gran éxito. En las últimas décadas, cineastas de minorías como Ryan Coogler, Ava DuVernay y F. Gary Gray han recibido las riendas creativas de grandes producciones taquilleras. En el viejo Hollywood, cuando los prejuicios raciales eran socialmente aceptables, no era raro que los actores blancos usaran rostro negro. En Moonlight, la masculinidad se presenta como rígida y agresiva, entre el comportamiento de los jóvenes varones negros en el grupo de compañeros adolescentes de Chiron.La expresión de hipermasculinidad entre los hombres negros se ha asociado con la aceptación de los compañeros y la comunidad.Ser homosexual dentro de la comunidad negra, por otro lado, se ha asociado con la alienación social y el juicio homofóbico de los compañeros porque los hombres homosexuales negros son vistos como débiles o afeminados. En la película, Chiron se ubica en esta división como un hombre gay negro y altera su presentación de la masculinidad como una estrategia para evitar el ridículo porque la homosexualidad se considera incompatible con las expectativas masculinas negras. Como niños pequeños, Kevin oculta su sexualidad para evitar ser señalado como lo es Chiron. A medida que Chiron crece, reconoce la necesidad de ajustarse a un ideal heteronormativo de masculinidad negra para evitar el abuso y la homofobia. Como adulto, Chiron elige adoptar el estereotipo de género masculino negro al volverse musculoso y traficante de drogas.

Según el actor coreano-estadounidense Daniel Dae Kim, los hombres asiáticos y asiático-estadounidenses "han sido retratados como villanos inescrutables y eunucos asexualizados". Visto como extremadamente educado y sumiso. Media Action Network for Asian Americans acusó al director y al estudio de blanquear al elenco de la película Aloha, y Crowe se disculpó porque Emma Stone fue interpretada erróneamente como un personaje que supuestamente tiene una cuarta parte de ascendencia china y una cuarta parte hawaiana. A lo largo del siglo XX, los papeles de actuación en películas eran relativamente pocos y muchos papeles disponibles eran personajes limitados. Más recientemente, los jóvenes comediantes y cineastas asiático-estadounidenses han encontrado una salida en YouTube que les permite ganar una base de seguidores fuerte y leal entre sus compatriotas asiático-estadounidenses.Aunque más recientemente la película Crazy Rich Asians ha sido elogiada en los Estados Unidos por presentar un elenco predominantemente asiático, fue criticada en otros lugares por presentar a actores birraciales y no chinos como personajes étnicamente chinos. Otra película, Always Be My Maybe, que ha sido alabada recientemente, toma ritmos familiares de comedias románticas y las combina inteligentemente con comentarios sociales inteligentes para encontrar su propio ritmo dulce”, según Rotten Tomatoes.

Antes del 11 de septiembre, los árabes y los árabes estadounidenses a menudo eran retratados como terroristas. La decisión de contratar a Naomi Scott, en la película Aladdin, hija de padre inglés y madre ugandesa-india gujarati, para interpretar el papel principal de la princesa Jasmine, también suscitó críticas, así como acusaciones de colorismo, ya que algunos comentaristas esperaban que la papel para ir a una actriz de origen árabe o de Oriente Medio.En enero de 2018, se informó que a los extras blancos se les estaba aplicando maquillaje marrón durante la filmación para "mezclarse", lo que provocó protestas y condenas entre fanáticos y críticos, calificando la práctica como "un insulto a toda la industria". al tiempo que acusa a los productores de no reclutar personas con herencia del Medio Oriente o África del Norte. Disney respondió a la controversia diciendo: "La diversidad de nuestro elenco y de los actores secundarios era un requisito y solo en unos pocos casos en los que se trataba de habilidades especiales, seguridad y control (plataformas de efectos especiales, especialistas y manejo de animales). tripulación hecha para mezclarse".El campo de la comedia estadounidense incluye muchos judíos. El legado también incluye compositores y autores, por ejemplo, el autor de la canción "Viva Las Vegas" Doc Pomus, o el compositor de Billy the Kid, Aaron Copland. Muchos judíos han estado al frente de los asuntos de la mujer.

En el siglo XX, las primeras representaciones de nativos americanos en películas y papeles de televisión fueron interpretadas por primera vez por americanos europeos vestidos con atuendos tradicionales simulados. Los ejemplos incluyeron The Last of the Mohicans (1920), Hawkeye and the Last of the Mohicans (1957) y F Troop (1965–67). En décadas posteriores, los actores nativos americanos como Jay Silverheels en la serie de televisión The Lone Ranger (1949-1957) cobraron prominencia. Los roles de los nativos americanos eran limitados y no reflejaban la cultura nativa americana. En la década de 1970, algunos papeles cinematográficos de nativos americanos comenzaron a mostrar más complejidad, como los de Little Big Man (1970), Billy Jack (1971) y The Outlaw Josey Wales.(1976), que representaba a los nativos americanos en papeles secundarios menores.

Las condiciones de trabajo

El flujo de trabajo de Hollywood es único en el sentido de que gran parte de su fuerza laboral no se reporta a la misma fábrica todos los días, ni sigue la misma rutina día a día, sino que filma en lugares distantes alrededor del mundo, con un horario dictado por las escenas que se presentan. filmado en lugar de lo que tiene más sentido para la productividad. Por ejemplo, una película urbana rodada íntegramente en exteriores por la noche requeriría que la mayor parte de sus equipos trabajaran en un turno de noche, mientras que una serie de comedia situacional que se rueda principalmente en el escenario con solo uno o dos días a la semana en exteriores seguiría un estilo más tradicional. horario de trabajo Los westerns a menudo se filman en lugares desérticos lejos de las casas de la tripulación en áreas con hoteles limitados que requieren viajes largos antes y después de un día de rodaje, que aprovechan la mayor cantidad de horas de luz solar disponibles.

Si bien el papel de la mano de obra en Estados Unidos ha disminuido en muchas partes del país, los sindicatos han mantenido un control firme en Hollywood desde su inicio durante la Gran Depresión, cuando los trabajadores hacían fila frente a los prósperos estudios de cine en busca del único trabajo en la ciudad. Terribles condiciones esperaban a esos trabajadores mientras los estudios explotaban a la mano de obra ansiosa con una paga escasa y la amenaza siempre presente de los cientos de personas que esperaban justo afuera de las puertas para tomar su lugar si expresaban alguna queja.

Debido a la naturaleza informal del empleo en Hollywood, solo a través de la negociación colectiva pueden los trabajadores individuales expresar sus derechos a garantías de salario mínimo y acceso a planes de pensión y salud que se trasladan de una película a otra o de una serie de televisión a otra, y ofrecen a los estudios acceso a una fuerza laboral capacitada capaz de subirse a un set desde el primer día con el conocimiento y la experiencia para manejar el equipo altamente técnico que se les pide que operen.

La mayoría de los trabajadores de Hollywood están representados por varios sindicatos y gremios. La Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE) de 150.000 miembros representa a la mayoría de los oficios, como manipuladores, electricistas y camarógrafos, así como editores, ingenieros de sonido y peluqueros y maquilladores. El Screen Actors Guild (SAG) es el siguiente grupo más grande que representa a unos 130 000 actores e intérpretes, el Directors Guild of America (DGA) representa a los directores y gerentes de producción, el Writers Guild of America (WGA) representa a los escritores y la International Brotherhood of Teamsters (IBT) representa a los conductores.

Los sindicatos y gremios sirven como unidad de negociación colectiva para sus miembros, negociando en intervalos regulares (actualmente en contratos de 3 años) con la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP), una alianza comercial que representa a los estudios de cine y cadenas de televisión que contratar a los equipos para crear su contenido.

Si bien la relación entre los trabajadores y la gerencia en general ha sido amistosa a lo largo de los años, trabajando junto con el estado para desarrollar protocolos seguros para continuar trabajando durante el Covid-19 y cabildeando juntos a favor de los incentivos fiscales, se sabe que las negociaciones de contratos se vuelven polémicas por los cambios. en la industria y como respuesta a la creciente desigualdad de ingresos. La relación incluso se volvió sangrienta en 1945 cuando una huelga de seis meses de los decoradores se convirtió en un tumulto sangriento en un sofocante día de octubre entre huelguistas, esquiroles, rompehuelgas y la seguridad del estudio.