Carrusel (musical)

Carousel es el segundo musical del equipo de Richard Rodgers (música) y Oscar Hammerstein II (libro y letra). La obra de 1945 fue adaptada de la obra Liliom de Ferenc Molnár de 1909, trasplantando su escenario de Budapest a la costa de Maine. La historia gira en torno al ladrón de carrusel Billy Bigelow, cuyo romance con la obrera Julie Jordan llega al precio de los trabajos de ambos. Participa en un robo para mantener a Julie y su hijo por nacer; después de que sale trágicamente mal, se le da la oportunidad de hacer las cosas bien. Una trama secundaria trata sobre la obrera Carrie Pipperidge y su romance con el ambicioso pescador Enoch Snow. El espectáculo incluye las conocidas canciones "If I Loved You", "June Is Bustin' Fuera por todas partes" y 'Nunca caminarás solo'. Richard Rodgers escribió más tarde que Carousel era su favorito de todos sus musicales.

Tras el éxito espectacular del primer musical de Rodgers y Hammerstein, Oklahoma! (1943), la pareja buscó colaborar en otra pieza, sabiendo que cualquier obra resultante sería comparada con Oklahoma !, muy probablemente desfavorablemente. Inicialmente se mostraron reacios a buscar los derechos de Liliom; Molnár había negado el permiso para adaptar la obra en el pasado, y el final original se consideró demasiado deprimente para el teatro musical. Tras adquirir los derechos, el equipo creó una obra con largas secuencias de música e hizo más esperanzador el final.

El musical requirió modificaciones considerables durante las pruebas fuera de la ciudad, pero una vez que se estrenó en Broadway el 19 de abril de 1945, fue un éxito inmediato tanto para la crítica como para el público. Carousel inicialmente tuvo 890 representaciones y duplicó su éxito en el West End en 1950. Aunque nunca ha logrado tanto éxito comercial como Oklahoma!, la pieza ha sido revivida repetidamente., grabado varias veces y filmado en 1956. Una producción de Nicholas Hytner tuvo éxito en 1992 en Londres, en 1994 en Nueva York y de gira. Otro renacimiento de Broadway se inauguró en 2018. En 1999, la revista Time nombró a Carousel como el mejor musical del siglo XX.

Antecedentes

Liliom

El drama en idioma húngaro de Ferenc Molnár, Liliom, se estrenó en Budapest en 1909. El público quedó desconcertado con la obra, y duró solo una treintena de representaciones antes de ser retirada, la primera sombra sobre la exitosa carrera de Molnár como dramaturgo. Liliom no se volvió a presentar hasta después de la Primera Guerra Mundial. Cuando reapareció en los escenarios de Budapest, fue un tremendo éxito.

"Una estrella —por favor, querida— debo hacer algo bueno." Liliom (Joseph Schildkraut) ofrece a Louise (Evelyn Chard) la estrella que robó; 1921 Teatro Culpa producción

Excepto por el final, las tramas de Liliom y Carousel son muy similares. Andreas Zavocky (apodado Liliom, la palabra húngara para "lily", un término del argot para "tipo duro"), un ladrador de carnaval, se enamora de Julie Zeller, una sirvienta, y comienzan a vivir juntos. Con ambos despedidos de sus trabajos, Liliom está descontenta y contempla dejar a Julie, pero decide no hacerlo al enterarse de que está embarazada. Una trama secundaria involucra a la amiga de Julie, Marie, quien se ha enamorado de Wolf Biefeld, un portero de hotel; después de que los dos se casan, él se convierte en el dueño del hotel. Desesperada por ganar dinero para que él, Julie y su hijo puedan escapar a Estados Unidos y tener una vida mejor, Liliom conspira con Ficsur para cometer un robo, pero sale mal y Liliom se apuñala. Muere, y su espíritu es llevado a la corte de policía del cielo. Como sugirió Ficsur mientras los dos esperaban para cometer el crimen, los posibles ladrones como ellos no se presentan ante Dios mismo. El magistrado le dice a Liliom que puede regresar a la Tierra por un día para intentar redimir los daños que le ha hecho a su familia, pero que primero debe pasar dieciséis años en un purgatorio ardiente.

En su regreso a la Tierra, Liliom se encuentra con su hija, Louise, quien, al igual que su madre, ahora es trabajadora de una fábrica. Diciendo que conocía a su padre, intenta darle una estrella que robó del cielo. Cuando Louise se niega a tomarlo, él la golpea. Sin darse cuenta de quién es, Julie lo confronta, pero no puede enojarse con él. Liliom es conducida a su destino, presumiblemente el Infierno, y Louise le pregunta a su madre si es posible sentir una bofetada fuerte como si fuera un beso. Julie recuerda a su hija que es muy posible que eso suceda.

Una traducción al inglés de Liliom se atribuyó a Benjamin "Barney" Glazer, aunque hay una historia de que el traductor real, sin acreditar, fue Rodgers'; primer socio importante Lorenz Hart. The Theatre Guild la presentó en la ciudad de Nueva York en 1921, con Joseph Schildkraut como Liliom, y la obra fue un éxito, con 300 representaciones. Hammerstein y Rodgers vieron un renacimiento de 1940 con Burgess Meredith e Ingrid Bergman. Glazer, al presentar la traducción al inglés de Liliom, escribió sobre el atractivo de la obra:

Y donde en la literatura dramática moderna se pueden combinar tales perlas: Julie incoherentemente confesando a su amante muerto el amor que siempre se había avergonzado de contar; Liliom gritando al carrusel distante la noticia feliz de que él es ser padre; los dos ladrones apuestan por el botín de su robo prospectivo; Marie y Wolf posando por su retrato mientras la estrella rota Julie está mirando el Liliom desaparecido, la canción de los ladrones que suena el cielo pagando a sus oídos... Es difícil resistir la tentación de contar toda la cuerda centelleante.

Inicio

En las décadas de 1920 y 1930, Rodgers y Hammerstein se hicieron famosos por crear éxitos de Broadway con otros socios. Rodgers, con Lorenz Hart, había producido una serie de más de dos docenas de musicales, incluidos éxitos populares como Babes in Arms (1937), The Boys from Syracuse (1938) y Amigo Joey (1940). Algo de Rodgers' El trabajo con Hart abrió nuevos caminos en el teatro musical: On Your Toes fue el primer uso del ballet para sustentar la trama (en la escena "Slaughter on Tenth Avenue"), mientras que Pal Joey se burló de la tradición de Broadway al presentar a un truhán como su héroe. Hammerstein había escrito o coescrito la letra de éxitos como Rose-Marie (1924), The Desert Song (1926), The New Moon (1927) y Show Boat (1927). Aunque menos productivo en la década de 1930, escribió material para musicales y películas, compartiendo un Oscar por su canción con Jerome Kern, 'La última vez que vi París', que se incluyó en la película de 1941 Lady Sé bueno.

A principios de la década de 1940, Hart se había hundido en el alcoholismo y la confusión emocional, lo que lo hizo poco confiable y provocó que Rodgers se acercara a Hammerstein para preguntarle si consideraría trabajar con él. Hammerstein estaba ansioso por hacerlo, y su primera colaboración fue Oklahoma! (1943). Thomas Hischak afirma, en su The Rodgers and Hammerstein Encyclopedia, que Oklahoma! es "la obra individual más influyente en el teatro musical estadounidense. De hecho, la historia del musical de Broadway se puede dividir con precisión en lo que vino antes de Oklahoma! y lo que vino después." Una innovación para su época en la integración de canciones, personajes, trama y danza, Oklahoma! serviría, según Hischak, como "el modelo para los espectáculos de Broadway durante décadas", y demostró ser un gran éxito popular y económico. Una vez que estuvo bien lanzado, qué hacer como bis fue un desafío abrumador para la pareja. El productor de cine Samuel Goldwyn vio ¡Oklahoma! y le aconsejó a Rodgers que se pegara un tiro, lo que, según Rodgers, "fue la forma franca pero divertida de Sam de decirme que nunca crearía otro espectáculo tan bueno como Oklahoma!" Mientras consideraban nuevos proyectos, Hammerstein escribió: "Somos tan tontos". No importa lo que hagamos, todos están obligados a decir: '¡Este no es otro Oklahoma!' "

¡Oklahoma! había sido una lucha para financiar y producir. Hammerstein y Rodgers se reunieron semanalmente en 1943 con Theresa Helburn y Lawrence Langner del Theatre Guild, productores del musical de gran éxito, quienes juntos formaron lo que llamaron 'el Gloat Club'. En uno de esos almuerzos, Helburn y Langner propusieron a Rodgers y Hammerstein que convirtieran Liliom de Molnár en un musical. Ambos hombres se negaron: no tenían ningún sentimiento por el escenario de Budapest y pensaron que el final infeliz no era adecuado para el teatro musical. Además, dada la inestable situación política en tiempos de guerra, es posible que deban cambiar el escenario de Hungría durante el ensayo. En el siguiente almuerzo, Helburn y Langner propusieron nuevamente a Liliom, sugiriendo que trasladaran el escenario a Luisiana y convirtieran a Liliom en un criollo. Rodgers y Hammerstein jugaron con la idea durante las próximas semanas, pero decidieron que el dialecto criollo, lleno de "zis" y "zose", sonarían cursis y harían difícil escribir letras efectivas.

Se produjo un gran avance cuando Rodgers, propietario de una casa en Connecticut, propuso un entorno de Nueva Inglaterra. Hammerstein escribió sobre esta sugerencia en 1945,

Comencé a ver un atractivo conjunto: marineros, ballenas, chicas que trabajaban en los molinos en el río, se aferran a las islas cercanas, un parque de diversiones en la costa, cosas que la gente podía hacer en multitudes, personas fuertes y vivas y lujuriosas, personas que siempre habían sido representadas en el escenario como puritanes de punta finas, una difamación que estaba ansioso por refutar... Liliom es, por supuesto, un carácter internacional, indígena a ninguna parte.

Rodgers y Hammerstein también estaban preocupados por lo que llamaron "el túnel" del segundo acto de Molnár, una serie de escenas sombrías que conducen al suicidio de Liliom, seguidas de un final oscuro. También sintieron que sería difícil poner música a la motivación de Liliom para el robo. La oposición de Molnár a que se adaptaran sus obras también fue un problema; él había rechazado a Giacomo Puccini cuando el gran compositor deseaba transformar Liliom en una ópera, afirmando que quería que la pieza fuera recordada como suya, no de Puccini. En 1937, Molnár, que había emigrado recientemente a los Estados Unidos, había rechazado otra oferta de Kurt Weill para adaptar la obra a un musical.

La pareja continuó trabajando en las ideas preliminares para una adaptación de Liliom mientras perseguían otros proyectos a fines de 1943 y principios de 1944: escribir la película musical State Fair y producir I Remember Mama en Broadway. Mientras tanto, el Theatre Guild llevó a Molnár a ver Oklahoma! Molnár declaró que si Rodgers y Hammerstein podían adaptar Liliom tan bien como habían modificado Green Grow the Lilacs a Oklahoma!, estaría encantado de que lo hicieran. El Gremio obtuvo los derechos de Molnár en octubre de 1943. El dramaturgo recibió el uno por ciento de los ingresos brutos y 2.500 dólares por "servicios personales". El dúo insistió, como parte del contrato, en que Molnár les permitiera hacer cambios en la trama. Al principio, el dramaturgo se negó, pero finalmente cedió. Hammerstein declaró más tarde que si no se hubiera ganado este punto, "nunca podríamos haber hecho Carrusel."

Al tratar de establecer a través de la canción la motivación de Liliom para el robo, Rodgers recordó que él y Hart tenían un problema similar en Pal Joey. Rodgers y Hart habían superado el problema con una canción que Joey se canta a sí mismo, 'I'm Talking to My Pal'. Esto inspiró "Soliloquio". Ambos socios luego contaron una historia que "Soliloquy" solo pretendía ser una canción sobre los sueños de un hijo de Liliom, pero Rodgers, que tenía dos hijas, insistió en que Liliom considerara que Julie podría tener una niña. Sin embargo, las notas tomadas en su reunión del 7 de diciembre de 1943 dicen: "Sr. Rodgers sugirió un buen número musical para el final de la escena en la que Liliom descubre que va a ser padre, en la que primero canta con orgullo sobre el crecimiento de un niño y luego, de repente, se da cuenta de que podría ser una niña y cambia por completo.& #34;

La escena inaugural del carnaval Liliom inspirado el pantomima que comienza Carousel; 1921

Hammerstein y Rodgers volvieron al proyecto Liliom a mediados de 1944. Hammerstein estaba inquieto mientras trabajaba, temiendo que sin importar lo que hicieran, Molnár desaprobaría los resultados. Green Grow the Lilacs había sido un trabajo poco conocido; Liliom era un estándar teatral. El texto de Molnár también contenía un comentario considerable sobre la política húngara de 1909 y la rigidez de esa sociedad. Un ladrador de carnaval despedido que golpea a su esposa, intenta un robo y se suicida parecía un personaje central improbable para una comedia musical. Hammerstein decidió usar las palabras y la historia para hacer que la audiencia simpatizara con los amantes. También construyó a la pareja secundaria, que es incidental a la trama en Liliom; se convirtieron en Enoch Snow y Carrie Pipperidge. "Esto fue un bizcocho de almejas realmente agradable" se reutilizó a partir de una canción, "A Real Nice Hayride", escrita para Oklahoma! pero no utilizada.

El final de Molnár no fue adecuado y, después de un par de comienzos en falso, Hammerstein concibió la escena de graduación que termina el musical. Según Frederick Nolan en su libro sobre los trabajos del equipo: "De esa escena, la canción "Nunca caminarás solo" surgió casi naturalmente." A pesar de la letra simple de Hammerstein para 'You'll Never Walk Alone', Rodgers tuvo grandes dificultades para ponerle música. Rodgers explicó su razón para cambiar el final,

Liliom fue una tragedia sobre un hombre que no puede aprender a vivir con otras personas. La forma en que lo escribió Molnár, el hombre termina golpeando a su hija y luego tiene que volver al purgatorio, dejando a su hija desamparada y sin esperanza. No podíamos aceptar eso. La forma en que terminamos Carousel puede que todavía sea una tragedia, pero es esperanzador porque en la escena final está claro que el niño ha aprendido por fin a expresarse y comunicarse con otros.

Cuando la pareja decidió hacer "This Was a Real Nice Clambake" en un número de conjunto, Hammerstein se dio cuenta de que no tenía idea de cómo era un clambake e investigó el asunto. Basándose en sus hallazgos iniciales, escribió la frase "Primero vino la sopa de bacalao". Sin embargo, investigaciones posteriores lo convencieron de que el término adecuado era "sopa de bacalao", un término desconocido para muchos asistentes al juego. Decidió mantenerlo como "bacalao". Cuando la canción procedió a hablar sobre las langostas que se consumieron en el festín, Hammerstein escribió la línea "Las cortamos por la espalda/Y las salpimentamos bien". Le entristeció saber de un amigo que las langostas siempre se cortan por el frente. El letrista envió a un investigador a un restaurante de mariscos y escuchó que las langostas siempre se cortan por la espalda. Hammerstein concluyó que hay desacuerdo sobre qué lado de la langosta es la espalda. Un error no detectado involucró la canción "June Is Bustin' Out All Over", en el que se representa a las ovejas buscando aparearse a fines de la primavera; en realidad, lo hacen en el invierno. Cada vez que se le informaba sobre esto a Hammerstein, le decía a su informante que 1873 era un año especial, en el que las ovejas se apareaban en la primavera.

Rodgers decidió desde el principio prescindir de una obertura, sintiendo que la música era difícil de escuchar por encima de los golpes de los asientos mientras los recién llegados se acomodaban. En su autobiografía, Rodgers se quejó de que solo se puede escuchar la sección de metales durante una obertura porque nunca hay suficientes cuerdas en la pequeña orquesta de un musical. Decidió obligar a la audiencia a concentrarse desde el principio abriendo con una escena de pantomima acompañada de lo que se conoció como "The Carousel Waltz". La pantomima era paralela a la de la obra de Molnár, que también se utilizó para presentar los personajes y la situación a la audiencia. El autor Ethan Mordden describió la efectividad de esta apertura:

Otros personajes captan nuestro aviso... Mr. Bascombe, the pompous mill owner, Mrs. Mullin, the viuda who run the carousel and, apparently, Billy; a dance bear; an acrobat. Pero lo que nos atrae es la intensidad con la que Julie mira Billy, la forma en que se mantiene congelada, mirándolo, mientras todos los demás en la feria se mueven hacia el ritmo del espíritu de Billy. Y mientras Julie y Billy cabalgan juntos en el carrusel giratorio, y la imagen del escenario se levanta con la emoción de la multitud, y la orquesta tormentas a un clímax, y la cortina cae, nos damos cuenta de que R & H no sólo ha saltado la onda y el número de apertura pero la exposición también. Se han sumido en la historia, justo en medio de ella, en la primera escena más intensa que haya tenido cualquier musical.

Casting y pruebas fuera de la ciudad

El casting para Carousel comenzó cuando el equipo de producción de Oklahoma!', que incluía a Rodgers y Hammerstein, estaba buscando un reemplazo para el papel de Curly (el actor masculino). plomo en Oklahoma!). Lawrence Langner había oído hablar, a través de un pariente, de un cantante de California llamado John Raitt, que podría ser adecuado para el papel. Langner fue a escuchar a Raitt y luego instó a los demás a llevar a Raitt a Nueva York para una audición. Raitt pidió cantar "Largo al factotum", el aria de Fígaro de El barbero de Sevilla, para calentar. El calentamiento fue suficiente para convencer a los productores de que no solo habían encontrado a Curly, sino también a Liliom (o Billy Bigelow, como se renombró el papel). Theresa Helburn hizo otro descubrimiento de California, Jan Clayton, una cantante/actriz que había hecho algunas películas menores para MGM. La trajeron al este y audicionó con éxito para el papel de Julie.

Los productores buscaron actores desconocidos. Aunque muchos habían actuado en obras anteriores de Hammerstein o Rodgers, solo una, Jean Casto (interpretada como la dueña del carrusel, la Sra. Mullin, y veterana de Pal Joey), había actuado en Broadway antes. Resultó más difícil elegir el elenco que los protagonistas debido a la guerra. Rodgers le dijo a su director de casting, John Fearnley, que la única calificación para un bailarín era que estuviera vivo. Rodgers y Hammerstein reunieron a gran parte del equipo creativo que había hecho de Oklahoma! un éxito, incluidos el director Rouben Mamoulian y la coreógrafa Agnes de Mille. Miles White fue el diseñador de vestuario, mientras que Jo Mielziner (que no había trabajado en Oklahoma!) fue el diseñador escénico y de iluminación. Aunque el orquestador de Oklahoma!, Russell Bennett, le había informado a Rodgers que no estaba disponible para trabajar en Carousel debido a un contrato de radio, Rodgers insistió en que hiciera el trabajo en su tiempo libre. Orquestó "The Carousel Waltz" y "(When I Marry) Mister Snow" antes de ser finalmente reemplazado por Don Walker. Un nuevo miembro del equipo creativo fue Trude Rittmann, quien arregló la música de baile. Rittmann inicialmente sintió que Rodgers desconfiaba de ella porque era una mujer, y encontró difícil trabajar con él, pero los dos trabajaron juntos en Rodgers & # 39; espectáculos hasta la década de 1970.

Oscar Hammerstein II

Los ensayos comenzaron en enero de 1945; Rodgers o Hammerstein siempre estaban presentes. Raitt recibió la letra de "Soliloquy" en una hoja de papel de cinco pies de largo, la pieza duró casi ocho minutos. La puesta en escena de un número en solitario tan largo presentó problemas, y Raitt declaró más tarde que sentía que nunca se abordaron por completo. En algún momento de los ensayos, Molnár vino a ver qué le habían hecho a su obra. Hay una serie de variaciones en la historia. Tal como lo contó Rodgers, mientras miraba los ensayos con Hammerstein, el compositor vio a Molnár en la parte trasera del teatro y le susurró la noticia a su compañero. Ambos sudaron durante una tarde de ensayo en la que nada parecía salir bien. Al final, los dos caminaron hacia la parte trasera del teatro, esperando una reacción de enojo por parte de Molnár. En cambio, el dramaturgo dijo con entusiasmo: 'Lo que has hecho es tan hermoso'. ¿Y sabes lo que más me gusta? ¡El final!" Hammerstein escribió que Molnár se convirtió en un asistente habitual a los ensayos después de eso.

Como la mayoría de las obras de la pareja, Carousel contiene un largo ballet, "Billy hace un viaje", en el segundo acto, mientras Billy mira hacia el Tierra de "Allí arriba" y observa a su hija. En la producción original, el ballet fue coreografiado por de Mille. Comenzó con Billy mirando desde el cielo a su esposa en labor de parto, con las mujeres del pueblo reunidas para un 'parto'. El ballet involucró a todos los personajes de la obra, algunos de los cuales hablaron líneas de diálogo y contenían una serie de tramas secundarias. La atención se centró en Louise, interpretada por Bambi Linn, quien al principio casi se eleva en su baile, expresando la inocencia de la infancia. Sus compañeros de escuela se burlan de ella y se burlan de ella, y Louise se siente atraída por la gente ruda del carnaval, que simboliza el mundo de Billy. Un joven del carnaval intenta seducir a Louise, ya que ella descubre su propia sexualidad, pero él decide que es más una niña que una mujer y la deja. Después de que Julie la consuela, Louise va a una fiesta infantil, donde la rechazan. La gente del carnaval reaparece y forma un círculo alrededor de la fiesta infantil, con Louise perdida entre los dos grupos. Al final, los intérpretes forman un gran carrusel con sus cuerpos.

La obra se abrió para pruebas en New Haven, Connecticut, el 22 de marzo de 1945. El primer acto fue bien recibido; el segundo acto no lo fue. Casto recordó que el segundo acto terminó alrededor de la 1:30 a. m. El personal se sentó de inmediato para una conferencia de dos horas. Como resultado, se eliminaron cinco escenas, la mitad del ballet y dos canciones del programa. John Fearnley comentó: "Ahora veo por qué esta gente tiene éxitos". Nunca presencié algo tan enérgico y valiente en mi vida." De Mille dijo de esta conferencia: “No se desperdiciaron ni tres minutos suplicando por algo preciado. Tampoco hubo bromas ociosas.... Cortamos y cortamos y cortamos y luego nos fuimos a la cama." Cuando la compañía se fue de New Haven, el ballet de De Mille se había reducido a cuarenta minutos.

Una preocupación importante con el segundo acto fue la efectividad de los personajes Él y Ella (más tarde llamados por Rodgers 'Sr. y Sra. Dios'), ante los cuales apareció Billy después de su muerte. El Sr. y la Sra. Dios fueron representados como un ministro de Nueva Inglaterra y su esposa, vistos en su salón. La pareja seguía siendo parte del espectáculo en la inauguración de Boston. Rodgers le dijo a Hammerstein: "Tenemos que sacar a Dios de ese salón". Cuando Hammerstein preguntó dónde debería poner a la deidad, Rodgers respondió: "No me importa dónde lo pongas". Ponlo en una escalera por lo que a mí respecta, ¡solo sácalo de esa sala!" Hammerstein colocó debidamente al Sr. Dios (rebautizado como Starkeeper) encima de una escalera, y la Sra. Dios fue eliminada del espectáculo. La biógrafa de Rodgers, Meryle Secrest, califica este cambio como un error, que conduce a una vida futura más fantástica, que luego fue criticada por The New Republic como "una atmósfera rotaria agradable para el público que no busca la realidad sino escapar de ella". realidad, no verdad sino huida de la verdad".

Hammerstein escribió que el consejo de Molnár, de combinar dos escenas en una, fue clave para unir el segundo acto y representó "una desviación más radical del original que cualquier cambio que hubiéramos hecho". Una repetición de 'If I Love You' se agregó en el segundo acto, que Rodgers sintió que necesitaba más música. Tres semanas de pruebas en Boston siguieron a la breve presentación en New Haven, y la audiencia le dio al musical una cálida recepción. Una versión aún más corta del ballet se presentó las últimas dos semanas en Boston, pero en la última noche allí, De Mille la amplió de nuevo a cuarenta minutos y derribó la casa, lo que provocó que tanto Rodgers como Hammerstein la abrazaran.

Sinopsis

Acto 1

Dos jóvenes obreras en 1873 Maine visitan el carrusel de la ciudad después del trabajo. Uno de ellos, Julie Jordan, atrae la atención del ladrador, Billy Bigelow ('The Carousel Waltz'). Cuando Julie deja que Billy la rodee con el brazo durante el viaje, la Sra. Mullin, la dueña viuda del carrusel, le dice a Julie que nunca regrese. Julie y su amiga, Carrie Pipperidge, discuten con la Sra. Mullin. Billy llega y, al ver que la señora Mullin está celosa, se burla de ella; es despedido de su trabajo. Billy, despreocupado, invita a Julie a unirse a él para tomar una copa. Mientras él va a buscar sus pertenencias, Carrie presiona a Julie sobre sus sentimientos hacia él, pero Julie es evasiva ("Eres un Queer One, Julie Jordan"). Carrie también tiene un novio, el pescador Enoch Snow ('(When I Marry) Mister Snow'), con quien se acaba de comprometer. Billy regresa por Julie cuando Carrie, que se va, advierte que quedarse despierto hasta tarde significa la pérdida del trabajo de Julie. El Sr. Bascombe, dueño del molino, pasa junto con un policía y se ofrece a acompañar a Julie a su casa, pero ella se niega y es despedida. Solos, ella y Billy hablan sobre cómo sería la vida si estuvieran enamorados, pero ninguno confiesa del todo la creciente atracción que sienten el uno por el otro ('If I Loved You').

Enoch (Eric Mattson) llega inesperadamente (reprise de "(Cuando me case) Mister Snow"). Iva Withers es Julie (en adelante), y Margot Moser es Carrie (encuesta) (1947).

Pasó más de un mes y comenzaron los preparativos para el clambake de verano ("June Is Bustin' Out All Over"). Julie y Billy, ahora casados, viven en el spa de la prima de Julie, Nettie. Julie le confía a Carrie que Billy, frustrado por estar desempleado, la golpeó. Carrie tiene noticias más felices: está comprometida con Enoch, quien entra mientras habla de él ("(When I Marry) Mister Snow (reprise))". Billy llega con Jigger, su amigo ballenero inútil. El ex ladrador es abiertamente grosero con Enoch y Julie, luego se va con Jigger, seguido por una angustiada Julie. Enoch le dice a Carrie que espera hacerse rico vendiendo arenques y tener una familia numerosa, quizás más grande de lo que Carrie se siente cómoda ('Cuando los niños están dormidos').

Jigger y sus compañeros de barco, junto con Billy, luego cantan sobre la vida en el mar ("Blow High, Blow Low"). El ballenero intenta reclutar a Billy para que lo ayude con un robo, pero Billy se niega, ya que la víctima, el exjefe de Julie, el Sr. Bascombe, podría tener que ser asesinado. La Sra. Mullin entra y trata de tentar a Billy de regreso al carrusel (y a ella). Tendría que abandonar a Julie; un ladrador casado no puede evocar la misma tensión sexual que uno soltero. Billy lo reflexiona a regañadientes cuando llega Julie y los demás se van. Ella le dice que está embarazada y Billy se siente abrumado por la felicidad, poniendo fin a todos los pensamientos de regresar al carrusel. Una vez solo, Billy imagina la diversión que tendrá con Bill Jr., hasta que se da cuenta de que su hijo podría ser una niña y reflexiona con seriedad que "tienes que ser un padre". > a una chica" ("Soliloquio"). Decidido a mantener económicamente a su futuro hijo, sea cual sea el medio, Billy decide ser cómplice de Jigger.

Todo el pueblo se va al bizcocho de almejas. Billy, que antes se había negado a ir, acepta unirse, para deleite de Julie, cuando se da cuenta de que ser visto en el clambake es parte integral de su coartada y la de Jigger ('Act I Finale'). #34;).

Acto 2

"¿Cuál es el uso de Wond'rin?"; Withers es Julie (1947)

Todos recuerdan la gran comida y la diversión ("This Was a Real Nice Clambake"). Jigger intenta seducir a Carrie; Enoch entra en el momento equivocado y declara que ha terminado con ella ('Geraniums In the Winder'), mientras Jigger se burla ('There's Nothin' So Bad for una mujer"). Las chicas intentan consolar a Carrie, pero para Julie todo lo que importa es que 'él es tu amigo y lo amas'. ("¿Cuál' es el uso de Wond'rin'?"). Julie ve a Billy tratando de escabullirse con Jigger y, tratando de detenerlo, siente el cuchillo escondido en su camisa. Ella le ruega que se lo dé, pero él se niega y se va a cometer el robo.

Mientras esperan, Jigger y Billy juegan a las cartas. Apuestan su parte del botín anticipado del robo. Billy pierde: su participación ya no tiene sentido. Desconocido para Billy y Jigger, el Sr. Bascombe, la víctima prevista, ya ha depositado el dinero del molino. El robo falla: Bascombe apunta con un arma a Billy mientras Jigger escapa. Billy se apuñala a sí mismo con su cuchillo; Julie llega justo a tiempo para que él le diga sus últimas palabras y muera. Julie acaricia su cabello, finalmente capaz de decirle que lo amaba. Carrie y Enoch, reunidos por la crisis, intentan consolar a Julie; Nettie llega y le da a Julie la determinación de seguir adelante a pesar de su desesperación ("Nunca caminarás sola").

El espíritu desafiante de Billy ('El juez supremo de todos') es llevado allá arriba para ver al Guardián de las estrellas, un funcionario celestial. El Starkeeper le dice a Billy que el bien que hizo en vida no fue suficiente para llegar al cielo, pero mientras haya una persona viva que lo recuerde, puede regresar por un día para tratar de hacer el bien para redimirse. Le informa a Billy que han pasado quince años en la Tierra desde su suicidio y sugiere que Billy puede ir al cielo si ayuda a su hija, Louise. Ayuda a Billy a mirar hacia abajo desde el cielo para verla (ballet instrumental: "Billy hace un viaje"). Louise ha crecido para ser solitaria y amargada. Los niños locales la condenan al ostracismo porque su padre era un ladrón y maltratador. En el baile, un joven rufián, muy parecido a su padre a esa edad, coquetea con ella y la abandona por ser demasiado joven. El baile concluye y Billy está ansioso por regresar a la Tierra y ayudar a su hija. Roba una estrella para llevársela, mientras Starkeeper finge no darse cuenta.

Afuera de la cabaña de Julie, Carrie describe su visita a Nueva York con el ahora rico Enoch. El esposo de Carrie y sus muchos hijos entran a buscarla; la familia debe prepararse para la graduación de la escuela secundaria ese mismo día. Enoch Jr., el hijo mayor, se queda atrás para hablar con Louise, mientras Billy y el Amigo celestial que lo escoltan entran, invisibles para los otros personajes. Louise le confía a Enoch Jr. que planea fugarse de casa con un grupo de actores. Él dice que la detendrá casándose con ella, pero que su padre la considerará una pareja inadecuada. Louise está indignada: cada uno insulta al padre del otro y Louise le ordena a Enoch Jr. que se vaya. Billy, capaz de hacerse visible a voluntad, se revela a la sollozante Louise, fingiendo ser un amigo de su padre. Él le ofrece un regalo: la estrella que robó del cielo. Ella lo rechaza y, frustrado, él le da una palmada en la mano. Él se vuelve invisible y Louise le cuenta a Julie lo que sucedió, afirmando que la bofetada se sintió milagrosamente como un beso, no como un golpe, y Julie la entiende perfectamente. Louise se retira a la casa, mientras Julie se da cuenta de la estrella que Billy dejó caer; ella lo recoge y parece sentir la presencia de Billy ('If I Loved You (Reprise)').

Billy asiste de forma invisible a la graduación de Louise, con la esperanza de tener una última oportunidad de ayudar a su hija y redimirse. El amado médico de la ciudad, el Dr. Seldon (que se parece al Starkeeper) aconseja a la clase que se gradúa que no confíe en sus padres & # 39; éxito o ser frenado por su fracaso (palabras dirigidas a Louise). Seldon pide a todos que canten una vieja canción, 'Nunca caminarás solo'. Billy, aún invisible, le susurra a Louise, diciéndole que crea en las palabras de Seldon, y cuando tentativamente se acerca a otra chica, aprende que no tiene que ser una marginada. Billy va a Julie, diciéndole por fin que la amaba. Mientras su viuda y su hija se unen al canto, Billy es llevado a su recompensa celestial.

Papeles principales y artistas destacados

° denota el elenco original de Broadway

Números musicales

Producciones

Primeras producciones

La producción original de Broadway se estrenó en el Teatro Majestic el 19 de abril de 1945. El ensayo general del día anterior había ido mal y la pareja temía que la nueva obra no fuera bien recibida. Un cambio exitoso de último minuto fue que De Mille coreografiara la pantomima. El movimiento de la multitud de carnaval en la pantomima había sido encomendado a Mamoulian, y su versión no funcionaba. Rodgers se había lesionado la espalda la semana anterior y vio la apertura desde una camilla apoyada en una caja detrás de la cortina. Sedado con morfina, solo podía ver una parte del escenario. Como no podía escuchar los aplausos y las risas del público, supuso que el espectáculo había sido un fracaso. No fue hasta que sus amigos lo felicitaron más tarde esa noche que se dio cuenta de que el telón había sido recibido por un gran aplauso. Bambi Linn, que interpretó a Louise, fue recibida con tanto entusiasmo por el público durante su ballet que se vio obligada a cambiar de personaje, la próxima vez que apareció, y hacer una reverencia. Rogers' su hija Mary vio a su amigo, Stephen Sondheim, entonces ambos adolescentes, al otro lado de varias filas; ambos tenían los ojos húmedos por las lágrimas.

La producción original tuvo 890 funciones y cerró el 24 de mayo de 1947. El elenco original incluía a John Raitt (Billy), Jan Clayton (Julie), Jean Darling (Carrie), Eric Mattson (Enoch Snow), Christine Johnson (Nettie Fowler), Murvyn Vye (Jigger), Bambi Linn (Louise) y Russell Collins (Guardián de las estrellas). En diciembre de 1945, Clayton se fue para protagonizar la reposición de Broadway de Show Boat y fue reemplazada por Iva Withers; Raitt fue reemplazado por Henry Michel en enero de 1947; Darling fue reemplazada por Margot Moser.

Después de cerrar en Broadway, el espectáculo realizó una gira nacional durante dos años. Tocó durante cinco meses solo en Chicago, visitó veinte estados y dos ciudades canadienses, cubrió 15,000 millas (24,000 km) y tocó para casi dos millones de personas. La compañía de gira tuvo una presentación de cuatro semanas en el centro de la ciudad de Nueva York en enero de 1949. Después de la presentación en el centro de la ciudad, el espectáculo se trasladó de nuevo al Teatro Majestic con la esperanza de llenar el teatro hasta Pacífico Sur. abrió a principios de abril. Sin embargo, la venta de entradas fue mediocre y el espectáculo cerró casi un mes antes.

El musical se estrenó en el West End, Londres, en el Theatre Royal, Drury Lane el 7 de junio de 1950. Jerome Whyte volvió a montar la producción, con un elenco que incluía a Stephen Douglass (Billy), Iva Withers (Julie) y Margot Moser (Carrie). Carousel se presentó en Londres durante 566 funciones y permaneció allí durante más de un año y medio.

Producciones posteriores

Carousel fue revivido en 1954 y 1957 en el City Center, presentado por New York City Center Light Opera Company. En ambas ocasiones, la producción contó con Barbara Cook, aunque interpretó a Carrie en 1954 y a Julie en 1957 (junto a Howard Keel como Billy). Luego, la producción se llevó a Bélgica para presentarse en la Feria Mundial de Bruselas de 1958, con David Atkinson como Billy, Ruth Kobart como Nettie y Clayton retomando el papel de Julie, que ella había creado.

En agosto de 1965, Rodgers y el Music Theatre del Lincoln Center produjeron Carousel para 47 representaciones. John Raitt repitió el papel de Billy, con Jerry Orbach como Jigger y Reid Shelton como Enoch Snow. Los papeles de Starkeeper y Dr. Seldon fueron interpretados por Edward Everett Horton en su última aparición en el escenario. Al año siguiente, la Compañía de Ópera Ligera del Centro de la Ciudad de Nueva York trajo Carousel de regreso al Centro de la Ciudad para 22 funciones, con Bruce Yarnell como Billy y Constance Towers como Julie.

Nicholas Hytner dirigió una nueva producción de Carousel en 1992, en el Royal National Theatre de Londres, con coreografía de Sir Kenneth MacMillan y diseños de Bob Crowley. En esta puesta en escena, la historia comienza en el molino, donde trabajan Julie y Carrie, con la música más lenta para enfatizar la monotonía. Después de que termina el trabajo, se trasladan a los astilleros y luego al carnaval. A medida que avanzan en un escenario giratorio, aparecen personajes de carnaval y, por último, el carrusel se monta en el escenario para que las niñas lo monten. Louise es seducida por el chico rufián durante su ballet del Acto 2, ambientado alrededor de las ruinas de un carrusel. Michael Hayden interpretó a Billy no como un hombre grande y brusco, sino como uno más pequeño y frustrado, una bomba de relojería a punto de explotar. Joanna Riding (Julie) y Janie Dee (Carrie) ganaron los Premios Olivier por sus actuaciones, la producción ganó el premio a Mejor Reposición Musical y Hytner ganó como director. Patricia Routledge interpretó a Nettie. Clive Rowe, como Enoch, fue nominado a un premio Olivier. Enoch y Carrie fueron elegidos como una pareja interracial cuyos ocho hijos, según la reseña de The New York Times, parecían 'un anuncio ambulante de United Colors of Benetton'. La tirada limitada de la producción desde diciembre de 1992 hasta marzo de 1993 se agotó. Se reabrió en el Shaftesbury Theatre de Londres en septiembre de 1993, presentado por Cameron Mackintosh, donde continuó hasta mayo de 1994.

La producción de Hytner se mudó al Teatro Vivian Beaumont de Nueva York, donde se estrenó el 24 de marzo de 1994 y tuvo 322 funciones. Esto ganó cinco premios Tony, incluido el de mejor reposición musical, así como premios para Hytner, MacMillan, Crowley y Audra McDonald (como Carrie). El elenco también incluyó a Sally Murphy como Julie, Shirley Verrett como Nettie, Fisher Stevens como Jigger y Eddie Korbich como Enoch. Un cambio realizado de la producción de Londres a la de Nueva York fue que Billy golpeara a Louise en la cara, en lugar de en la mano. Según Hayden, "Él hace la única cosa imperdonable, la cosa que no podemos perdonar". Después de eso, es un desafío para la audiencia gustarle. El carrusel de Hytner se presentó en Japón en mayo de 1995. En febrero de 1996 comenzó en Houston una gira nacional estadounidense con una producción reducida y se cerró en mayo de 1997 en Providence, Rhode Island. Los productores buscaron presentar jóvenes talentos en la gira, con Patrick Wilson como Billy y Sarah Uriarte Berry, y más tarde Jennifer Laura Thompson, como Julie.

El 2 de diciembre de 2008 se inauguró una reposición en el Savoy Theatre de Londres, después de una semana de presentaciones, protagonizada por Jeremiah James (Billy), Alexandra Silber (Julie) y Lesley Garrett (Nettie). La producción recibió críticas cálidas a mixtas. Cerró en junio de 2009, un mes antes. Michael Coveney, escribiendo en The Independent, admiraba a Rodgers' música, pero declaró: 'La eficiente reposición de Lindsay Posner no se compara con la versión de 1992 del National Theatre'. Una producción en Theatre Basel, Suiza, en 2016 a 2017, con diálogo alemán, fue dirigida por Alexander Charim y coreografiada por Teresa Rotemberg. Bryony Dwyer, Christian Miedl y Cheryl Studer interpretaron, respectivamente, a Julie Jordan, Billy Bigelow y Nettie Fowler. Una reposición semiescenificada de la Ópera Nacional Inglesa se inauguró en el London Coliseum en 2017. La producción fue dirigida por Lonny Price, dirigida por David Charles Abell y protagonizada por Alfie Boe como Billy, Katherine Jenkins como Julie y Nicholas Lyndhurst como Starkeeper. La producción recibió críticas mixtas a positivas.

El tercer renacimiento de Broadway comenzó con los avances en febrero de 2018 en el Teatro Imperial y se inauguró oficialmente el 12 de abril. Cerró el 16 de septiembre de 2018. La producción estuvo protagonizada por Jessie Mueller, Joshua Henry, Renée Fleming, Lindsay Mendez y Alexander Gemignani. La producción fue dirigida por Jack O'Brien y coreografiada por Justin Peck. Las canciones "Geraniums in the Winder" y 'No hay nada' Tan malo para una mujer" fueron cortados de este avivamiento. Ben Brantley escribió en The New York Times, "La trágica inevitabilidad de Carousel rara vez ha sido tan cálida o escalofriante como en este renacimiento vívidamente reimaginado.... [C]on actuaciones reflexivas y poderosas del Sr. Henry y la Sra. Mueller, la historia de amor en el centro del espectáculo nunca ha parecido tan mal protagonizada o, al mismo tiempo, tan sexy... [E]l Starkeeper... asume una nueva visibilidad en todo momento, asumiendo el papel del supervisor angelical de Billy." Brantley elogió mucho la coreografía, todas las actuaciones y los diseñadores. Sin embargo, no le convenció el 'diálogo madre-hija que cae tan abrasivamente en los oídos contemporáneos', donde Julie intenta justificar amar a un hombre abusivo, y otras escenas en el Acto 2, particularmente aquellas ambientadas en el cielo. y el optimismo de la escena final. La mayoría de los críticos estuvieron de acuerdo en que, si bien la coreografía y las actuaciones (especialmente el canto) fueron excelentes y caracterizaron la producción como sexy y suntuosa, la dirección de O'Brien hizo poco para ayudar al espectáculo a lidiar con las sensibilidades modernas sobre los hombres. 39;s tratamiento de la mujer, en lugar de caer en la nostalgia.

De julio a septiembre de 2021 el Regent's Park Open Air Theatre de Londres presenta una puesta en escena de su director artístico Timothy Sheader, con coreografía de Drew McOnie. El elenco incluye a Carly Bawden como Julie, Declan Bennett como Billy y Joanna Riding como Nettie.

Versiones de cine, televisión y conciertos

Boothbay Harbor, Maine, donde la ubicación dispara para Carousel 's película versión fueron filmadas

En 1956 se hizo una versión cinematográfica del musical, protagonizada por Gordon MacRae y Shirley Jones. Sigue la historia del musical bastante de cerca, aunque se agregó un prólogo, ambientado en el cielo de Starkeeper. ¡La película se estrenó solo unos meses después del lanzamiento de la versión cinematográfica de Oklahoma! Obtuvo algunas buenas críticas y la grabación de la banda sonora fue un éxito de ventas. Sin embargo, como las mismas estrellas aparecían en ambas imágenes, las dos películas se comparaban a menudo, generalmente en desventaja de Carousel. Thomas Hischak, en The Rodgers and Hammerstein Encyclopedia, más tarde se preguntó "si el menor número de renacimientos teatrales de Carousel es el producto de este musical [de película] a menudo pesado& #34;.

También hubo una versión abreviada (100 minutos) de la cadena de televisión de 1967 protagonizada por Robert Goulet, con coreografía de Edward Villella.

La Filarmónica de Nueva York presentó una versión de concierto del musical del 28 de febrero al 2 de marzo de 2013 en Avery Fisher Hall. Kelli O'Hara interpretó a Julie, con Nathan Gunn como Billy, Stephanie Blythe como Nettie, Jessie Mueller como Carrie, Jason Danieley como Enoch, Shuler Hensley como Jigger, John Cullum como Starkeeper y Kate Burton como la Sra. Mullin. Tiler Peck bailó el papel de Louise con coreografía de Warren Carlyle. La producción fue dirigida por John Rando y dirigida por Rob Fisher. Charles Isherwood de The New York Times escribió: "Esta es una producción tan magníficamente cantada de este sublime musical de Broadway de 1945 como jamás hayas escuchado". Se transmitió como parte de la serie PBS Live from Lincoln Center y se estrenó el 26 de abril de 2013.

Música y grabaciones

Tratamiento musical

Rodgers diseñó Carrusel para que fuera un flujo de música casi continuo, especialmente en el Acto 1. En años posteriores, se le preguntó a Rodgers si había considerado escribir una ópera. Dijo que había estado muy tentado de hacerlo, pero vio a Carousel en términos operísticos. Recordó: "Estuvimos muy cerca de la ópera en el Teatro Majestic.... Hay mucho de operístico en la música."

Richard Rodgers

Rodgers usa la música en Carousel de formas sutiles para diferenciar a los personajes y decirle a la audiencia su estado emocional. En 'You're a Queer One, Julie Jordan', la música de la plácida Carrie se caracteriza incluso por ritmos de corcheas, mientras que la música de la emocionalmente inquieta Julie se caracteriza por corcheas punteadas. y dieciseisavos; este ritmo la caracterizará durante todo el espectáculo. Cuando Billy silba un fragmento de la canción, elige las notas punteadas de Julie en lugar de las de Carrie. Reflejando la estrecha asociación en la música entre Julie y Louise, que aún no ha nacido, cuando Billy canta en "Soliloquy" de su hija, que "tiene hambre todas las noches", usa los ritmos punteados de Julie. Tales ritmos también caracterizan la canción del Acto 2 de Julie, 'What's the Use of Wond'rin'. El amor estable entre Enoch y Carrie se fortalece por la voluntad de ella de dejar que Enoch no solo planee toda su vida, sino también la de ella. Esto se refleja en 'When the Children Are Asleep', donde los dos cantan en estrecha armonía, pero Enoch interrumpe musicalmente su turno previsto en el coro con las palabras 'Dreams that won'. 39;no ser interrumpido". El biógrafo de Rodgers, Geoffrey Block, en su libro sobre el musical de Broadway, señala que aunque Billy puede golpear a su esposa, permite que los temas musicales de ella se conviertan en parte de él y nunca interrumpe su música. Block sugiere que, por reprobable que sea Billy por sus acciones, Enoch le pide a Carrie que actúe como 'la mujercita' y tiene nueve hijos con ella (más de los que ella había considerado aceptables en ' Cuando los niños están dormidos") puede considerarse aún más abusivo.

La "escena del banco" de doce minutos, en la que Billy y Julie se conocen y culmina con "If I Loved You", según Hischak, "se considera la pieza musical-drama más completamente integrada en el teatro musical estadounidense". La escena está extraída casi en su totalidad de Molnár y es una pieza musical extendida; Stephen Sondheim lo describió como "probablemente el momento más importante en la revolución de los musicales contemporáneos". 'Si te amara' ha sido grabado muchas veces por artistas tan diversos como Frank Sinatra, Barbra Streisand, Sammy Davis Jr., Mario Lanza y Chad and Jeremy. El tema en re bemol mayor que domina la música del ballet del segundo acto parece una nueva melodía para muchos miembros de la audiencia. Sin embargo, es un desarrollo muy ampliado de un tema escuchado durante "Soliloquio" en la línea "Supongo que me llamará 'El viejo' ".

Cuando la pareja discutió la canción que se convertiría en "Soliloquy", Rodgers improvisó al piano para darle a Hammerstein una idea de cómo imaginó la canción. Cuando Hammerstein le presentó a su colaborador la letra después de dos semanas de trabajo (Hammerstein siempre escribía primero las palabras, luego Rodgers escribía las melodías), Rodgers escribió la música de la canción de ocho minutos en dos horas. "¿Cuál es el uso de Wond'rin' ", una de las canciones de Julie, funcionó bien en el programa pero nunca fue tan popular en la radio o para grabar, y Hammerstein creía que la falta de popularidad se debía a que había concluido la línea final, " 34;Y todo lo demás es palabrería" con una consonante dura, que no le permite al cantante un clímax vocal.

Puertas de Shankly en Anfield, estadio de Liverpool F.C.

Irving Berlin declaró más tarde que "Nunca caminarás solo" tuvo el mismo tipo de efecto en él que el Salmo 23. Cuando el cantante Mel Tormé le dijo a Rodgers que 'Nunca caminarás solo' lo había hecho llorar, Rodgers asintió con impaciencia. "Se supone que debes." La canción grabada con frecuencia se ha convertido en un himno ampliamente aceptado. La grabación del elenco de Carousel resultó popular en Liverpool, como muchos álbumes de Broadway, y en 1963, la banda dirigida por Brian Epstein, Gerry and the Pacemakers, obtuvo un éxito número uno con la canción. En ese momento, los diez mejores éxitos se jugaron ante el Liverpool F.C. partidos en casa; incluso después de 'You'll Never Walk Alone' abandonó el top ten, los fanáticos continuaron cantándolo y se ha asociado estrechamente con el equipo de fútbol y la ciudad de Liverpool. Un programa de la BBC, Soul Music, lo clasificó junto a "Silent Night" y "Permanece conmigo" en términos de su impacto emocional y estatus icónico.

Grabaciones

El álbum del elenco de la producción de Broadway de 1945 se publicó en 78 y la partitura se redujo significativamente, al igual que la grabación del elenco de Londres de 1950. El historiador de teatro John Kenrick señala de la grabación de 1945 que hubo que resumir varias canciones para ajustarlas al formato 78, pero que hay una pequeña parte de "Soliloquy" encontrado en ninguna otra grabación, ya que Rodgers lo cortó de la partitura inmediatamente después de que se realizó la grabación de estudio.

Se cortaron varias canciones para la película de 1956, pero dos de las canciones eliminadas se grabaron y finalmente se conservaron en el álbum de la banda sonora. La versión ampliada en CD de la banda sonora, publicada en 2001, contiene todas las canciones grabadas para la película, incluidas las partes cortadas, y casi toda la música de baile. La grabación del renacimiento del Lincoln Center de 1965 presentó a Raitt retomando el papel de Billy. Las grabaciones de estudio de las canciones de Carousel se lanzaron en 1956 (con Robert Merrill como Billy, Patrice Munsel como Julie y Florence Henderson como Carrie), 1962 y 1987. La versión de 1987 incluía una mezcla de estrellas musicales y de la ópera, incluidos Samuel Ramey, Barbara Cook y Sarah Brightman. Kenrick recomienda la grabación de estudio de 1962 por su destacado elenco, que incluye a Alfred Drake, Roberta Peters, Claramae Turner, Lee Venora y Norman Treigle.

Tanto el álbum del elenco de Londres (1993) como el de Nueva York (1994) de la producción de Hytner contienen fragmentos de diálogo que, según Hischak, hablan del poder de la interpretación de Michael Hayden de Billy. Kenrick juzga la grabación de 1994 como la mejor interpretación completa de Carousel en el disco, a pesar del canto desigual de Hayden, debido a Julie de Sally Murphy y al fuerte elenco de apoyo (llamando a Audra McDonald la mejor Carrie ha oído). El Festival de Stratford emitió una grabación en 2015.

Recepción crítica y legado

Rodgers (izquierda) y Hammerstein

El musical recibió críticas entusiastas casi unánimes después de su estreno en 1945. Según Hischak, las críticas no fueron tan exuberantes como para Oklahoma! ya que esta vez los críticos no se sorprendieron. John Chapman del Daily News la calificó como "una de las mejores obras musicales que he visto y la recordaré siempre". El crítico de The New York Times, Lewis Nichols, afirmó que "Richard Rodgers y Oscar Hammerstein 2d, que no pueden equivocarse, han continuado sin equivocarse al adaptar Liliom en una obra musical. Su carrusel es en general una delicia." Wilella Waldorf del New York Post, sin embargo, se quejó, "Carousel nos pareció una velada bastante larga. La fórmula Oklahoma! se está volviendo un poco monótona y también lo son los ballets de Miss de Mille. ¡Muy bien, adelante y dispara!" Dance Magazine aplaudió a Linn por su papel de Louise y dijo: "Bambi no aparece hasta veinte minutos antes de las once, y durante los siguientes cuarenta minutos, prácticamente retiene a la audiencia". en su mano". Howard Barnes en el New York Herald Tribune también aplaudió el baile: "Ha esperado a que Miss de Mille presente patrones de baile peculiarmente estadounidenses para que un espectáculo musical se convierta tanto en un baile como un espectáculo de canciones."

Cuando el musical regresó a Nueva York en 1949, el crítico de The New York Times Brooks Atkinson describió Carousel como "una obra musical conspicuamente superior... Carousel, que fue muy apreciado cuando se inauguró, ahora parece nada menos que una obra maestra." En 1954, cuando Carousel fue revivido en City Center, Atkinson habló sobre el musical en su reseña:

Carousel no tiene ningún comentario que hacer sobre nada de importancia tópica. El tema es atemporal y universal: la devoción de dos personas que se aman entre sí a través de la gruesa y delgada, complicada en este caso por la personalidad del hombre, que no puede cumplir las responsabilidades que ha asumido.... Billy es un vagabundo, pero Carousel reconoce la decencia de sus motivos y admira su independencia. No hay soluciones slick en Carousel.

Stephen Sondheim destacó la capacidad del dúo para tomar las innovaciones de Oklahoma! y aplicarlas a un entorno serio: "Oklahoma! se trata de un picnic, Carousel trata sobre la vida y la muerte." El crítico Eric Bentley, por su parte, escribió que "la última escena de Carousel es una impertinencia: me niego a ser sermoneado por un guionista de comedia musical sobre la educación de los niños, la naturaleza de la buena vida, y la contribución del pueblito americano a la salvación de las almas."