Caracortada (película de 1932)

Scarface (también conocido como Scarface: La vergüenza de la nación y La vergüenza de una nación) es una película estadounidense de gánsteres anterior al Código de 1932 dirigida por Howard Hawks y producida por Hawks y Howard Hughes. El guión, de Ben Hecht, se basa libremente en la novela de 1929 de Armitage Trail, que se inspiró en Al Capone. La película está protagonizada por Paul Muni como el gángster inmigrante italiano Antonio 'Tony'. Camonte, un gángster que emerge violentamente del hampa de Chicago, con un elenco de apoyo que incluye a George Raft y Boris Karloff. El ascenso al poder de Camonte encaja con la búsqueda incesante de la amante de su jefe, mientras que su propia hermana persigue a su mejor asesino a sueldo. En un vínculo manifiesto con la vida de Capone, una escena representa una versión de la Masacre del Día de San Valentín.

Después de que Hughes comprara los derechos de la novela de Trail, Hughes seleccionó rápidamente a Hawks para dirigir y a Hecht para escribir el guión de la película. A partir de enero de 1931, Hecht escribió el guión durante un período de once días. Scarface se produjo antes de la introducción del Código de Producción en 1934, que hacía cumplir las normas sobre el contenido de las películas. Sin embargo, el Código Hays, un precursor más indulgente, requería modificaciones importantes, incluido un prólogo que condenaba a los gánsteres, un final alternativo para Camonte más claramente reprendido y el título alternativo La vergüenza de una nación . Los censores creían que la película glorificaba la violencia y el crimen. Estos cambios retrasaron la película un año, aunque algunas proyecciones mantuvieron el final original. Las proyecciones modernas de la película tienen el final original, aunque algunos lanzamientos de DVD también incluyen el final alternativo como característica; estas versiones mantienen los cambios que Hughes y Hawks debían realizar para su aprobación por parte de la oficina de Hays. No se sabía que existiera una versión completamente inalterada hasta que se lanzó el conjunto de edición limitada de Scarface (1983) el 15 de octubre de 2019.

La recepción del público fue positiva, pero los censores prohibieron la película en varias ciudades y estados, lo que obligó a Hughes a sacarla de circulación y guardarla en su bóveda. Los derechos de la película se recuperaron tras la muerte de Hughes en la década de 1970. Junto con Little Caesar y The Public Enemy (ambas de 1931), Scarface se considera una de las películas de gángsters más importantes e influyó mucho en el género.

Scarface fue agregado al Registro Nacional de Películas en 1994 por la Biblioteca del Congreso. En 2008, el American Film Institute incluyó a Scarface como la sexta mejor película de gánsteres. Fue rehecha como la película de 1983 del mismo título protagonizada por Al Pacino.

Trama

Osgood Perkins como John "Johnny" Lovo y Paul Muni como Antonio "Tony" Camonte en una escena del trailer de la película.

En la década de 1920 en Chicago, el inmigrante italiano y notorio matón Antonio "Tony" Camonte trabaja como guardaespaldas del señor del crimen "Big" Luis Costillo. Ponerse del lado del lugarteniente descontento de Costillo, John 'Johnny' Lovo, Tony dispara a su jefe. Lovo se hace cargo del territorio de Costillo en el South Side y tiene a Tony y sus socios, Angelo y Guino 'Little Boy' Rinaldo, montó una lucrativa operación de contrabando vendiendo cerveza ilegal a todos los bares de allí.

Tony insta a Lovo a que comience a mudarse al North Side, donde el contrabando está controlado por las bandas irlandesas del gángster O'Hara; Lovo se niega y le ordena a Tony que deje el North Side en paz. Tony ignora estas órdenes y comienza a atacar los negocios de O'Hara's mientras expande sus raquetas hacia el norte. En poco tiempo, Lovo se ve obligado a dejar su puesto cuando Tony se gana a su pandilla con su éxito.

Mientras tanto, Tony persigue a Poppy, la novia de Johnny. Al principio, ella lo desprecia, pero le presta más atención a medida que aumenta su reputación y él comienza a alardear de su riqueza. Ella visita su "llamativa" apartamento donde él le muestra su vista de una valla publicitaria eléctrica que anuncia Cook's Tours, que presenta el eslogan que lo inspira: "The World Is Yours".

Tony finalmente se deshace de O'Hara haciendo que Guino lo asesine. El sucesor de O'Hara, Tom Gaffney, declara la guerra en el South Side e intenta matar a Tony en un restaurante con metralletas, con las que un emocionado Tony rápidamente arma a sus propios hombres. La guerra da como resultado que la pandilla de Gaffney sea asesinada uno por uno hasta que él se vea obligado a esconderse. Un grupo de ciudadanos prominentes, incluido el jefe de policía, juran derribar a Tony por toda la carnicería y el derramamiento de sangre que ha infligido en la ciudad.

Durante una noche en el teatro, Tony se entera de que Gaffney y su séquito están en una bolera cercana. Dejando a Angelo atrás para ver el resto del programa, Tony mata personalmente a Gaffney. La ira de Lovo hacia Tony finalmente estalla cuando Tony coquetea abiertamente y baila con Poppy frente a él en la cena. Tony ve a su amada hermana Francesca "Cesca" bailando con un extraño y la lleva a la casa de su madre a la fuerza antes de golpearla y gritarle. Más tarde, un grupo de hombres armados intenta asesinarlo, pero él los saca de la carretera con su automóvil a prueba de balas.

Sospechando de la participación de Lovo, Tony va a su oficina después de sobornar a uno de los hombres de Lovo para que lo llame y pretenda ser parte del grupo de asesinos. Cuando Lovo cuelga después de afirmar que debe haberse equivocado de número, Tony lo obliga a confesar el golpe y luego hace que Guino lo mate. Tony, ahora el gobernante indiscutible de los bajos fondos de la ciudad, lleva a Poppy a unas costosas vacaciones en Florida para escapar de la atención de la policía y los medios, mientras que Cesca visita en secreto a Guino en la oficina de Tony.

Paul Muni en el remolque Característica

Al volver a casa, Tony se entera por su madre de que Cesca se ha mudado con otro hombre y corre a buscarla con Guino. Mata a su amigo en un ataque de celos y Cesca huye llorando después de revelar que se acababan de casar y planeaban sorprenderlo. La policía emite una orden de arresto contra Tony, y él se atrinchera en su casa mientras Angelo muere tratando de protegerlo.

Cesca se desliza adentro, planeando matar a su hermano, pero luego se rinde y admite su amor por él. Tony y Cesca se arman y Tony dispara a la policía desde la ventana, riendo como un maníaco. Momentos después, sin embargo, Cesca muere por una bala perdida. Gritando el nombre de Cesca mientras el apartamento se llena de gases lacrimógenos, Tony baja las escaleras a trompicones justo cuando la policía derriba su puerta. Tony suplica por su vida, pero hace una pausa, lo que hace que los oficiales afuera le disparen varias veces. Tropieza por un momento, cae en la alcantarilla y muere. Por encima de los vítores, la cartelera eléctrica resplandece 'The World Is Yours'.

Reparto

Producción

Desarrollo

El magnate de los negocios Howard Hughes, entonces involucrado en la realización de películas, quería un éxito de taquilla después del éxito de su película de 1931 The Front Page. Las películas de gánsteres estaban de moda a principios de la década de 1930 en la era de la Prohibición, y Hughes quería hacer una película basada en la vida del gángster Al Capone superior a todas las demás películas del género. Se le aconsejó que no hiciera la película, ya que el género estaba abarrotado; Little Caesar protagonizada por Edward G. Robinson y The Public Enemy protagonizada por James Cagney ya eran éxitos de taquilla, y Warner Bros. afirmaba que no se podía hacer nada nuevo con el género de gángsters. Además, los censores de la industria, como la Oficina Hays, comenzaron a preocuparse por la glamorización del crimen en los medios.

Hughes compró los derechos de la novela Scarface de Armitage Trail, inspirada en la vida de Capone. Trail escribió para varias revistas de historias de detectives a principios de la década de 1920, pero murió de un ataque al corazón a la edad de 28 años, poco antes del lanzamiento de Scarface. Hughes contrató a Fred Pasley, un reportero de Nueva York y autoridad en Capone, como escritor. Hughes le pidió a Ben Hecht, quien en 1929 había ganado el primer Premio de la Academia al Mejor Guión Original por su película policíaca muda Underworld, que fuera el escritor principal. Sospechando de Hughes como empleador, Hecht solicitó un salario diario de $ 1,000, que se pagaría todos los días a las seis en punto. Hecht afirmó que solo desperdiciaría un día de trabajo si Hughes resultaba ser un fraude.

Hughes quería que el director de cine Howard Hawks dirigiera y coprodujera. Esto sorprendió a Hawks, ya que los dos nunca habían sido amistosos; Hughes había presentado una demanda contra Howard Hawks en julio de 1930, alegando que la película de Hawks The Dawn Patrol había plagiado su película Hell's Angels. Durante un juego de golf, Hughes prometió retirar la demanda (irrelevante ya que el juez ya la había desestimado), y para el hoyo 18, Hawks se había interesado en dirigir la película. Se convenció más cuando descubrió que Hecht sería el escritor principal. Hecht y Hawks trabajaron bien juntos, con la intención de retratar al personaje de Capone como parte de la familia Borgia, incluida la sugerencia de incesto entre el personaje principal y su hermana, presente en la novela de Trail.

Escribir

Hecht escribió el guión durante once días en enero de 1931, adaptado de la novela de Trail. Fred Pasley y W.R. Burnett, autor de la novela Little Caesar, en la que se basó la película Little Caesar, proporcionaron escritura adicional. Las contribuciones de Pasley incluyeron elementos del libro Al Capone: Biography of a Self-Made Man; el libro contiene una escena de barbería con Capone similar a la introducción de Tony Camonte en la película. Pasley no recibió crédito por su trabajo en el guión. John Lee Mahin y Seton I. Miller reescribieron el guión para darle continuidad y diálogo.

Debido a que hubo cinco escritores, es difícil distinguir qué componentes fueron aportados por qué escritor; sin embargo, el final de Scarface es similar a la primera película de gángsters de Hecht, Underworld, en la que el gángster Bull Weed se atrapa en su apartamento con su amante y dispara contra el hordas de policías afuera, y por lo tanto probablemente fue una contribución de Hecht.

La versión cinematográfica de Scarface se parece poco a la novela. Aunque la película contiene los mismos personajes principales, tramas y trasfondos incestuales, se hicieron cambios para reducir la duración y el número de personajes, y para satisfacer las solicitudes de las oficinas de censura. Para que los gánsteres parecieran menos admirables, el personaje de Tony se hizo parecer menos inteligente y más brutal que en la novela. De manera similar, se eliminó la relación de hermanos entre Tony y el oficial de policía para evitar representar la corrupción policial.

Vínculos con Capone

Tanto la película como la novela se basan libremente en la vida del gángster Al Capone, cuyo apodo era "Scarface". Los nombres de los personajes y las ubicaciones se cambiaron mínimamente. Capone se convirtió en Camonte, Torrio se convirtió en Lovo y Moran se convirtió en Doran. En algunos de los primeros guiones, Colosimo era Colisimo y O'Bannion era Bannon, pero los nombres se cambiaron a Costillo y O'Hara respectivamente. Esto, incluidas otras alteraciones realizadas a los personajes y otros lugares de identificación para mantener el anonimato, se debió a la censura y a la preocupación de Hawks por el uso excesivo de detalles históricos.

Ben Hecht había conocido a Capone y 'sabía mucho sobre Chicago', por lo que no investigó para el guión. Según Hecht, mientras trabajaba en el guión, Capone envió a dos hombres a visitarlo a Hollywood para asegurarse de que la película no se basara en la vida de Capone. Les dijo que el personaje de Scarface era una parodia de muchas personas y que el título fue elegido porque era intrigante. Los dos dejaron a Hecht solo.

Las referencias a Capone y los hechos reales de las guerras de pandillas de Chicago eran obvias para el público en ese momento. El personaje de Muni tenía una cicatriz similar a la de Capone, recibida en peleas similares. La policía en la película menciona que Camonte es miembro de Five Points Gang en Brooklyn, de la cual Capone era un miembro conocido. Tony mata a su jefe 'Big Louis' Costillo en el lobby de su club; Capone estuvo involucrado en el asesinato de su primer jefe "Big Jim" Colosimo en 1920. El jefe rival O'Hara es asesinado en su floristería; Los hombres de Capone asesinaron a Dean O'Bannion en su floristería en 1924. El asesinato de siete hombres en un garaje, con dos de los hombres armados disfrazados de policías, refleja la Masacre del Día de San Valentín. de 1929. El líder de esta pandilla rival escapa por poco del tiroteo, al igual que el líder de la pandilla Bugs Moran. La película comienza en la intersección de 22nd Street y Wabash Avenue en medio del South Side de Capone, el sitio de muchos de los crímenes de Capone.

A pesar de las claras referencias a Capone, se rumoreaba que a Capone le había gustado tanto la película que tenía una copia. Sin embargo, esta fue probablemente una afirmación exagerada de Hawks, ya que Capone fue encarcelado en Atlanta por evasión de impuestos durante el estreno de la película.

Reparto

Paul Muni y Ann Dvorak en Característica

A Hawks y Hughes les resultó difícil hacer el casting, ya que la mayoría de los actores tenían contrato y los estudios se negaban a permitir que sus artistas trabajaran por cuenta propia para productores independientes. El productor Irving Thalberg sugirió a Clark Gable, pero Hawks creía que Gable era una personalidad, no un actor. Después de ver a Paul Muni en Broadway, el agente de talentos Al Rosen lo sugirió para el papel principal. Muni inicialmente se negó, sintiendo que no estaba físicamente capacitado para el papel, pero después de leer el guión, su esposa Bella lo convenció de que lo aceptara. Después de una prueba en Nueva York, Hughes, Hawks y Hecht aprobaron a Muni para el papel.

Boris Karloff interpretó al gángster irlandés Gaffney, que aparece en un póster de estreno en cines como "Boris 'Frankenstein' Karloff'. Jack La Rue fue elegido como el compinche de Tony Camonte, Guino Rinaldo (inspirado en el guardaespaldas de Al Capone, Frank Rio), pero como era más alto que Muni, a Hawks le preocupaba que eclipsara la dura personalidad de Scarface de Muni. Fue reemplazado por George Raft, un actor en apuros en ese momento, después de que Hawks lo encontrara en una pelea de premios. Raft había desempeñado un papel casi idéntico el año anterior en su debut cinematográfico en Quick Millions, una película de gánsteres protagonizada por Spencer Tracy, pero el papel de Scarface catapultaría a Raft al estrellato.

Aunque Karen Morley estaba bajo contrato en MGM, Hawks era cercano al ejecutivo de estudio de MGM, Eddie Mannix, quien prestó a Morley para la película. Según los informes, se le dio a elegir entre el papel de Poppy o Cesca. Aunque Cesca era el papel más fuerte, eligió a Poppy porque sintió que Cesca encajaría mejor con su amiga Ann Dvorak. Ella consideró que esto era "probablemente lo mejor que [ella] había hecho en [su] vida". Morley invitó a Dvorak, de 20 años, a una fiesta en Hawks' casa para presentarlos. Según Hawks, en la fiesta, Dvorak se concentró en George Raft, quien interpretó a su interés amoroso. Inicialmente rechazó su invitación a bailar. Ella trató de bailar frente a él para atraerlo; finalmente, se rindió y su baile juntos detuvo la fiesta. Después de este evento, Hawks estaba interesado en elegirla, pero tenía reservas sobre su falta de experiencia. Después de una prueba de pantalla, le dio el papel y MGM estaba dispuesto a liberarla de su contrato como corista. Dvorak tuvo que recibir el permiso de su madre Anna Lehr y ganar una petición presentada ante el Tribunal Superior para poder firmar con Howard Hawks como menor de edad.

Filmación

El rodaje duró seis meses, mucho tiempo para las películas realizadas a principios de la década de 1930. Howard Hughes permaneció fuera del set para evitar interferir con la filmación de la película. Hughes instó a Hawks a hacer que la película fuera lo más visualmente emocionante posible agregando persecuciones de autos, choques y disparos de ametralladoras. Hawks filmó la película en tres lugares diferentes: Metropolitan Studios, Harold Lloyd Studios y Mayan Theatre en Los Ángeles. La filmación tomó tres meses con el elenco y el equipo trabajando los siete días de la semana. Para la escena más violenta de la película en el restaurante, Hawks despejó el plató para evitar dañar a los extras y disparó contra el plató con ametralladoras. Los actores representaron la escena frente a una pantalla con el tiroteo proyectado en la parte de atrás, así que mientras todos se apiñaban debajo de las mesas en el restaurante, la sala parecía estar bajo fuego al mismo tiempo.

Durante el rodaje, Hawks y Hughes se reunieron con la oficina de Hays para hablar sobre las revisiones. A pesar de eso, Scarface fue filmado y ensamblado rápidamente. En septiembre de 1931, se proyectó una versión preliminar de la película para la Comisión del Crimen de California y los oficiales de policía, ninguno de los cuales pensó que la película fuera una influencia peligrosa para el público o que provocaría una respuesta criminal. A Irving Thalberg se le dio una proyección avanzada y quedó impresionado con la película. A pesar de los comentarios positivos que recibió la película, la oficina de Hays insistió en los cambios antes de la aprobación final.

Censura

Scarface fue producido y filmado durante la era Pre-Code de Hollywood, que abarcó desde 1930 hasta 1934. La era Pre-Code se caracteriza por su proyección y regulación informal y desordenada del contenido de la película, antes el establecimiento de la Administración del Código de Producción (PCA) el 1 de julio de 1934. Antes de la influencia de la PCA, la censura fue supervisada por Motion Pictures Producers and Distributors of America (MPPDA). En 1930, Will Hays, presidente de la MPPDA, intentó regular el contenido de las películas; la MPPDA pasó a ser conocida como la Oficina Hays. El objetivo de la Oficina Hays era censurar la desnudez, la sexualidad, el consumo de drogas y la delincuencia. Más específicamente para Scarface, la oficina de Hays quería evitar la representación comprensiva del crimen mostrando a los criminales reconociendo el error de sus formas o mostrando a los criminales siendo castigados. Sin embargo, la Oficina Hays no tenía autoridad para eliminar material de una película hasta que la MPPDA se comprometió oficialmente a adherirse al Código de producción en 1934, por lo que se basó en retrasar el estreno de la película y presionar para eliminar escenas o evitar que se produjeran películas. Las películas evadieron la Oficina Hays agregando escenas extremadamente sugerentes para que pudieran eliminarlas y satisfacer a la Oficina Hays lo suficiente como para que no notaran las inmoralidades menores que permanecían en la película.

J.E. Smyth describió a Scarface como "una de las películas más censuradas en la historia de Hollywood". Howard Hawks creía que la Oficina Hays tenía venganzas personales contra la película, mientras que Hughes creía que la censura se debía a "motivos políticos y ocultos". de políticos corruptos. Sin embargo, James Wingate, de las juntas de censura de Nueva York, refutó que Hughes estaba preocupado por la "publicidad de taquilla" en la producción de la película. Después de repetidas demandas de una reescritura del guión por parte de Hays Office, Hughes ordenó a Hawks que filmara la película: 'Al diablo con Hays Office, que sea lo más realista y espeluznante posible'. La Oficina Hays se indignó con Scarface cuando lo proyectaron. Según la Oficina Hays, Scarface violó el Código, porque la película suscitó simpatía por el personaje de Muni y reveló a los jóvenes un exitoso método delictivo. La oficina de Hays pidió que se eliminaran escenas, que se agregaran escenas para condenar el gangsterismo y un final diferente. Creían que la muerte de Tony al final de la película era demasiado gloriosa. Además de la violencia, el MPPDA sintió que una relación inapropiada entre el personaje principal y su hermana era demasiado manifiesta, especialmente cuando él la toma en sus brazos después de abofetearla y rasgarle el vestido; ordenaron que se borrara esta escena. Hughes, para recibir la aprobación de la MPPDA, eliminó las escenas más violentas, agregó un prólogo para condenar el gangsterismo y escribió un nuevo final.

Además, se agregaron un par de escenas para condenar abiertamente el gangsterismo, como una escena en la que el editor de un periódico mira la pantalla y advierte directamente al gobierno y al público por su falta de acción en la lucha contra la violencia de las turbas y una escena en la que el detective jefe denuncia la glorificación de los mafiosos. Hawks se negó a filmar las escenas adicionales y el final alternativo. Fueron dirigidas por Richard Rossen, lo que le valió a Rossen el título de "codirector". Hughes recibió instrucciones de cambiar el título a The Menace, Shame of the Nation o Yellow para aclarar el tema de la película; después de meses de regateo, se comprometió con el título Scarface, Shame of the Nation y al agregar un prólogo condenando al "gangster" en un sentido general. Hughes intentó estrenar la película bajo el título "The Scar" cuando el título original fue rechazado por la oficina de Hays. Además del título, el término "Scarface" fue eliminado de la película. En la escena en la que Tony mata a Rinaldo, Cesca dice la palabra 'asesino', pero se la puede ver pronunciando la palabra 'Scarface'.

El guión original mostraba a la madre de Tony amando incondicionalmente a su hijo, elogiando su estilo de vida e incluso aceptando dinero y regalos de él. Además, hubo un político que, a pesar de hacer campaña contra los mafiosos en el podio, se muestra de fiesta con ellos fuera de horario. El guión termina con Tony quedándose en el edificio, sin verse afectado por los gases lacrimógenos y una multitud de balas disparadas contra él. Después de que el edificio se incendia, Tony se ve obligado a salir con las armas encendidas. Es rociado con disparos de la policía, pero parece imperturbable. Al notar al oficial de policía que lo había estado arrestando a lo largo de la película, le dispara, solo para escuchar un solo 'clic'; ruido que implica que su arma está vacía. Lo matan después de que el oficial de policía le dispare varias veces. Se escucha un chasquido repetido en la banda sonora, lo que implica que estaba intentando disparar mientras se estaba muriendo.

Final alternativo

La primera versión de la película (Versión A) se completó el 8 de septiembre de 1931, pero los censores exigieron que se modificara el final o se negarían a otorgarle una licencia a Scarface. Paul Muni no pudo volver a filmar el final en 1931 debido a su trabajo en Broadway. En consecuencia, Hawks se vio obligado a usar un doble de cuerpo. El doble de cuerpo fue filmado principalmente a modo de sombras y planos generales para enmascarar la ausencia de Muni en estas escenas. El final alternativo (Versión B) difiere del final original en la forma en que Tony es atrapado y muere. A diferencia del final original, donde Tony intenta escapar de la policía y muere después de recibir varios disparos, en el final alternativo, Tony se entrega a regañadientes a la policía. Tras el encuentro, no se muestra el rostro de Tony. Sigue una escena en la que un juez se dirige a Tony durante la sentencia. La siguiente escena es el final, en el que Tony (visto a vista de pájaro) es llevado a la horca y ahorcado.

Sin embargo, la Versión B no pasó los censores de Nueva York y Chicago. Howard Hughes sintió que la oficina de Hays tenía intenciones sospechosas al rechazar la película porque Hays era amigo de Louis B. Mayer y Hughes creía que la censura era para evitar que los competidores independientes ricos produjeran películas. Confiado en que su película podría sobresalir entre el público más que las películas de Mayer, Hughes organizó una proyección de la película para la prensa en Hollywood y Nueva York. El New York Herald Tribune elogió a Hughes por su valentía al oponerse a los censores. Hughes repudió la película censurada y finalmente, en 1932, lanzó la Versión A con la introducción de texto agregado en estados que carecían de censores estrictos (Hughes intentó llevar a los censores de Nueva York a los tribunales). Esta versión de lanzamiento de 1932 condujo a un estado de taquilla de buena fe y críticas críticas positivas. Hughes tuvo éxito en juicios posteriores contra las juntas que censuraron la película. Debido a las críticas de la prensa, Hays afirmó que la versión que se mostró en los cines era la película censurada que había aprobado previamente.

Música

Debido al entorno urbano de la película, no se usó música no diegética (no visible en la pantalla ni implícita en la historia) en la película. La única música que aparece en la película es durante los créditos de apertura y cierre y durante las escenas de la película donde la música aparece naturalmente en la acción de la película, como en el club nocturno. Adolf Tandler se desempeñó como director musical de la película, mientras que Gus Arnheim se desempeñó como director de orquesta. Gus Arnheim y su Cocoanut Grove Orchestra interpretan "Saint Louis Blues" por W.C. Práctico y "Algunos de estos días" por Shelton Brooks en la discoteca. La melodía que Tony silba en la película es el sexteto de la ópera de Gaetano Donizetti Lucia di Lammermoor. Esta melodía va acompañada de palabras que se traducen como "Lo que me restringe en un momento así". ?", y esta melodía sigue apareciendo durante las escenas violentas de la película. La canción que canta Cesca mientras toca el piano es "Wreck of the Old 97".

Referencias culturales

La obra seria a la que Tony y sus amigos van a ver, saliendo al final del Acto 2, es Rain de John Colton y Clemence Randolph, basada en la obra de W. Somerset Maugham; s historia "Miss Sadie Thompson". La obra se estrenó en Broadway en 1922 y se presentó durante la década de 1920. (Una versión cinematográfica de la obra, también titulada Rain y protagonizada por Joan Crawford, fue estrenada por United Artists el mismo año que Scarface.) Aunque bastante discreta en la película, y desapercibida para la mayoría de los espectadores, la familia Camonte estaba destinada a seguir parcialmente el modelo de la familia italo-española Borgia. Esto fue más prominente a través de la relación sutil y posiblemente incestuosa que comparten Tony Camonte y su hermana. Los excesivos celos de Camonte por los amoríos de su hermana con otros hombres insinúan esta relación. Coincidentemente, Donizetti escribió la ópera para Lucrezia Borgia, sobre la familia Borgia, y Lucia di Lammermoor de donde proviene el silbido de Tony Camonte.

Tarjeta promocional para la película

Liberar

Después de luchar con las oficinas de censura, la película se estrenó alrededor de un año más tarde que The Public Enemy y Little Caesar. Scarface se estrenó en los cines el 9 de abril de 1932. Hughes planeó un gran estreno en Nueva York, pero las juntas de censura de Nueva York rechazaron la proyección de la película. Las juntas de censura estatales en Ohio, Virginia, Maryland y Kansas y las juntas de censura de las ciudades de Detroit, Seattle, Portland y Chicago también prohibieron la película. Hughes amenazó con demandar a las juntas de censura por impedir el estreno de su película con la aprobación del New York Herald Tribune. Cada estado tenía una junta de censores diferente que permitió a Hughes estrenar la película en áreas sin censura estricta. A pedido de Will Hays, Jason Joy convenció a las estrictas juntas de censura para permitir el lanzamiento de Scarface, porque la Oficina Hays reconoció y agradeció los cambios que Hughes hizo en Scarface. Joy visitó las juntas de censura estatales individualmente y afirmó que, si bien la Oficina Hays estaba en contra de la representación positiva del crimen, las películas de pandillas eran en realidad documentos contra la vida de los gánsteres. Joy tuvo éxito y finalmente todas las juntas de censura estatales y municipales permitieron que se lanzara Scarface, aceptando solo la versión cortada y censurada de Scarface.

Recepción

En el momento del lanzamiento, el público en general era positivo. Según George Raft, quien conoció a Al Capone varias veces en los casinos, incluso al propio Capone le gustó la película y agregó: "Diles que si alguno de mis muchachos está jugando". monedas, serán piezas de oro de veinte dólares." Variety citó a Scarface por tener "ese suspenso poderoso y apasionante que está en todas las películas de gángsters está en esta en dosis doble y lo convierte en un entretenimiento cautivador&#34.; y que los actores interpretan, 'como si no hubieran hecho otra cosa en toda su vida'. La National Board of Review nombró a Scarface como una de las mejores películas de 1932. Sin embargo, en el momento de su estreno en 1932, hubo una protesta pública general sobre esta película y el género de gánsteres en general que afectó negativamente los ingresos de taquilla de la película. Jack Alicoate le dio a Scarface una crítica mordaz en The Film Daily que la violencia y el tema de la película lo dejaron, "la clara sensación de náusea". Continúa diciendo que la película "nunca debería haberse hecho" y mostrar la película "haría más daño a la industria cinematográfica, y a todos los que están relacionados con ella, que cualquier película que se haya mostrado". Aunque Ben Hecht a menudo criticaba su trabajo para Hollywood, admitió que Scarface era "la película mejor dirigida que [ha] visto". Sin embargo, Hecht criticó la actuación de Muni. Habiendo conocido a Al Capone, Hecht afirmó que Muni retrató a Capone como demasiado "silencioso" y 'moody', más parecida a 'Hitler'. Algunos críticos no estuvieron de acuerdo con la elección del actor británico Boris Karloff, creyendo que su acento estaba fuera de lugar en una película de gánsteres; un artículo del New York Times afirmaba que "su acento británico no es adecuado para el papel". Sin embargo, otros críticos lo consideraron un punto culminante. La película recaudó $600,000 en taquilla y aunque Scarface fue un éxito financiero mayor que las otras películas de Hughes en ese momento, debido al alto costo de producción, es poco probable que la película lo hiciera. mejor que romper incluso.

La película generó indignación entre las organizaciones italianas y las personas de ascendencia italiana, al señalar una tendencia de los cineastas a retratar a gánsteres y contrabandistas en sus películas como italianos. En la película, un italoamericano pronuncia un discurso condenando las actividades de los gánsteres; esto se agregó más tarde en la producción para apaciguar a los censores. Esto, sin embargo, no impidió que la embajada italiana desaprobara Scarface. Creyendo que la película era ofensiva para la comunidad italiana, los Hijos de la Orden de Italia en América denunciaron formalmente la película y otros grupos instaron a los miembros de la comunidad a boicotear la película y otras películas despectivas hacia los italianos o los italoamericanos. Will Hays escribió al embajador en Italia, excusándose del escrutinio afirmando que la película era un anacronismo porque se había retrasado en la producción durante dos años y no era representativa de la práctica actual de censura en ese momento. La Alemania nazi prohibió permanentemente las proyecciones de la película. Algunas ciudades de Inglaterra también prohibieron la película, creyendo que la política de la Junta Británica de Censura Cinematográfica sobre las películas de gánsteres era demasiado laxa. La película había sido prohibida en Irlanda el 19 de agosto de 1932 y el 29 de agosto de 1941 (bajo el título alternativo de 'Gang War'). Las decisiones fueron confirmadas por la Junta de Apelación de Películas en cada ocasión. Fue prohibido el 24 de abril de 1953 (bajo su título original). No se interpuso recurso alguno. Varias razones incluyen complacer el sensacionalismo, exaltar el estilo de vida de los gánsteres e insinuar una relación incestuosa entre el protagonista y su hermana.

Varias ciudades de Estados Unidos, incluida Chicago, y algunos estados se negaron a proyectar la película. La revista Movie Classics publicó un número instando a la gente a exigir ver la película en los cines a pesar de las prohibiciones de la censura. La película rompió récords de taquilla en el Woods Theatre de Chicago después de su estreno el Día de Acción de Gracias, el 20 de noviembre de 1941, después de que los censores prohibieron su exhibición en Chicago durante nueve años. A pesar de la recepción favorable de la película entre el público, las batallas contra la censura y las críticas poco halagadoras de algunos medios contribuyeron a la pobre actuación de la película en la taquilla. Molesto por la incapacidad de ganar dinero con Scarface, Howard Hughes retiró la película de circulación. La película no estuvo disponible hasta 1979, excepto por copias impresas ocasionales de calidad sospechosa de fuentes cuestionables. Hughes tenía planes en 1933 para dirigir y producir una secuela de Scarface, pero debido a reglas de censura más estrictas, la película nunca se hizo.

Según una muestra de 46 reseñas en Rotten Tomatoes, Scarface tiene una calificación del 98%, con una calificación promedio de 8.8/10. Los críticos' el consenso dice: "Este Scarface renuncia a su "pequeño amigo" y contiene un tipo diferente de calor, combinando imágenes elegantes, violencia emocionante y un elenco increíble." Tiene una calificación de 87 en Metacritic basada en 12 reseñas, lo que indica "aclamación universal".

Recepción de la industria

En 1994, Scarface fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". El personaje de Tony Camonte ocupó el puesto 47 en la lista AFI's 100 Years... 100 Heroes and Villains. La película fue nombrada la mejor película sonora estadounidense por el crítico y director Jean-Luc Godard en Cahiers du Cinéma. En junio de 2008, el American Film Institute reveló su "Ten Top Ten": las diez mejores películas de diez películas "clásicas" Géneros cinematográficos estadounidenses: después de encuestar a más de 1500 personas de la comunidad creativa. Scarface fue reconocida como la sexta mejor en el género cinematográfico de gánsteres. La versión de 1983 ocupó el décimo lugar, convirtiendo a Scarface en la única película que hizo el mismo "10 Top 10" lista como su nueva versión.

Análisis

Los académicos debaten si Scarface se clasifica como una película con significado histórico o simplemente como una película de la era de los gánsteres de Hollywood. Su importancia histórica se vio aumentada por los créditos de escritura de la película: W.R. Burnett, autor de la novela de gángsters Little Caesar en la que se basó la película del mismo nombre, Fred D. Pasley, un destacado Historiador de pandillas de Chicago y ex reportero de Chicago Ben Hecht. Eventos similares al asesinato de Jim Colismo y la Masacre del Día de San Valentín contribuyen al realismo y la autenticidad de la película. El crítico de cine Robert E. Sherwood afirmó que la película "merece... como documento sociológico o histórico" y "se ha hecho un intento completamente imperdonable de suprimirlo, no porque sea obsceno... sino porque... se acerca demasiado a decir la verdad".

Exceso

Según el profesor de estudios cinematográficos Fran Mason, un tema destacado en la película es el exceso. La apertura de la película prepara el escenario cuando Big Louie Costillo se sienta en los restos de una fiesta salvaje, convenciendo a sus amigos de que su próxima fiesta será más grande, mejor y tendrá 'mucho más de todo'. Esto indica la vida excesiva de un gángster, ya sea en el placer o en la violencia. La escena de la muerte de Costillo marca el siguiente tono de exceso. En esta escena, el público solo ve la sombra de Tony Camonte con una pistola, escucha los disparos y el sonido del cuerpo golpeando el piso. Las escenas violentas se vuelven más severas a medida que avanza la película. La mayor parte de la violencia en la película se muestra a través del montaje, ya que las escenas transcurren en secuencia, mostrando los brutales asesinatos que cometen Tony y su pandilla, como maltratar a los dueños de los bares, un atentado con bomba y la masacre de siete hombres contra un pared. Una escena muestra un calendario desprendible que cambia rápidamente las fechas mientras es disparado por una ametralladora, lo que deja en claro el exceso de violencia. La violencia no es sólo perpetrada por los mafiosos. La policía en la escena final con Tony y Cesca no escatima esfuerzos para atrapar a los notorios hermanos Camonte, visibles a través de la cantidad desproporcionada de policías y autos que rodean el complejo de apartamentos para detener a un hombre. El uso excesivo de la violencia de Tony y la policía a lo largo de la película lo normaliza. Un elemento de parodia subyace en la alegría anormal de Tony al usar pistolas Tommy. En la escena del restaurante en la que los hombres de la pandilla North Side intentan dispararle a Tony con un Tommy, él obtiene placer del poder. En lugar de esconderse debajo de las mesas, trata de asomarse para ver las armas en acción, riendo como un maníaco por su emoción. Reacciona jovialmente al recibir su primera pistola Tommy y se marcha con entusiasmo para "escribir [su] nombre en toda la ciudad con letras grandes".

El consumo excesivo del gángster se representa de forma cómica a través de la búsqueda de Tony para obtener bienes caros y presumirlos. En el primer encuentro de Tony con Poppy a solas en las escaleras, se jacta de su nuevo traje, joyas y auto a prueba de balas. Poppy descarta en gran medida sus avances llamando a su aspecto, "un poco afeminado". Su consumo femenino y su obsesión por la apariencia y la ropa se yuxtaponen con su consumo masculino representado por su nuevo auto. Más tarde, Tony le muestra a Poppy una pila de camisas nuevas y afirma que usará cada camisa solo una vez. Su torpeza y el desconocimiento de su propia exorbitancia hacen que esta escena estilo Gatsby sea más cómica que seria. Su consumo sirve para simbolizar la desintegración de los valores de la modernidad, específicamente representados por su mal gusto y obsesión por el dinero y el estatus social. El exceso de Tony trasciende la parodia y se vuelve peligroso porque representa una total falta de control que finalmente lo lleva a su ruina.

El exceso de Tony se manifiesta en las guerras de pandillas en la ciudad. Recibe instrucciones expresas de dejar en paz a O'Hara, Gaffney y al resto de la pandilla del North Side. Desobedece debido a su ansia de más poder, violencia y territorio. No solo amenaza la estructura de poder externa de las pandillas en relación con el territorio físico, sino que también altera la estructura de poder interna de su propia pandilla al desobedecer descaradamente a su jefe Johnny Lovo. La posición física de Gaffney yuxtapone la posición de Tony. A lo largo de la película, el movimiento de Gaffney está restringido tanto por el escenario como por la implicación, debido a los espacios abarrotados en los que se le muestra en la pantalla y a su grupo de secuaces que lo rodean constantemente. Tony puede moverse libremente al comienzo de la película, y cada vez se llena más de gente hasta que está tan confinado como Gaffney. Está rodeado de secuaces y no puede moverse con tanta libertad por la ciudad. Esto, sin embargo, es autoimpuesto por su propio deseo excesivo de territorio y poder.

El tema del exceso se ejemplifica aún más con los deseos incestuosos de Tony por su hermana, Cesca, a quien intenta controlar y restringir. Su madre actúa como la voz de la razón, pero Tony no la escucha, sometiendo a su familia al exceso y la violencia que él mismo provoca. Su lujuria por la violencia refleja la lujuria de Cesca por la libertad sexual, simbolizada por su baile seductor para Rinaldo en el club. Rinaldo se divide entre su lealtad por Tony y su pasión por Cesca, que sirve como símbolo de la lucha por el poder entre los hermanos Camonte. Rinaldo es un símbolo del poder y la prominencia de Tony; su asesinato significa la falta de control y la caída de Tony, que termina en la propia muerte de Tony.

Sueño Americano

El ascenso de Camonte a la prominencia y el éxito sigue el modelo del sueño americano, pero es más abiertamente violento. A medida que la película sigue el ascenso y la caída de un gángster italiano, Tony se vuelve cada vez más americanizado. Cuando Tony aparece debajo de la toalla en la barbería, esta es la primera vez que el público lo ve a la cara. Parece extranjero con un notable acento italiano, cabello engominado y una apariencia casi neandertal evidente por las cicatrices en su mejilla. A medida que avanza la película, se vuelve más americanizado a medida que pierde su acento y sus trajes cambian de llamativos a elegantes. Al final de la película, su acento apenas se nota. En el momento de su muerte, había acumulado muchos "objetos" que retratan el éxito sugerido por el Sueño Americano: su propia secretaria, una novia de importante estatus social (más importante aún es que era la amante de su antiguo jefe), así como un apartamento elegante, autos grandes y ropa bonita. Camonte ejemplifica la idea del Sueño Americano de que uno puede obtener el éxito en Estados Unidos siguiendo el lema de Camonte: "Hazlo primero, hazlo tú mismo y sigue haciéndolo". eso." Por otro lado, Camonte representa el impulso estadounidense de rechazar la vida y la sociedad modernas, rechazando a su vez el propio americanismo. El gángster lucha por el mismo Sueño Americano que cualquier otra persona, pero a través de la violencia y la actividad ilícita, lo aborda de una manera en desacuerdo con los valores de la sociedad moderna.

Territorio de gánsteres

El control del territorio es un tema en el género cinematográfico de gánsteres en un sentido físico y en la pantalla de cine. Tony trabaja para controlar la ciudad al deshacerse de las pandillas competidoras y obtener el control físico de la ciudad, y también obtiene el control de la pantalla de cine en su ascenso al poder. Esto es más evidente en las escenas e interacciones que involucran a Tony, Johnny y Poppy. En una de las primeras escenas de la película, Tony llega al apartamento de Johnny para recibir su pago después de matar a Louie Costillo. En la toma se ven dos habitaciones: la habitación principal, donde se sienta Tony, y la habitación del fondo, donde se sienta Poppy y donde Johnny guarda su dinero. Lovo va a la trastienda pero Tony no, así que esta habitación representa el poder y el territorio de Johnny. Los hombres están sentados uno frente al otro en la escena con Poppy sentada en medio de ellos en el fondo, representando el trofeo por el que ambos luchan. Sin embargo, ambos aparecen por igual en la toma, lo que representa su igualdad de poder. Más tarde, en la escena del club nocturno, Tony se sienta entre Poppy y Johnny mostrando que tiene el control a través de su centralidad en la toma. Ha ganado la mayor cantidad de poder y territorio, como lo indica "ganando" Amapola.

Miedo a la tecnología

Scarface representa los temores y la confusión estadounidenses que surgieron del avance tecnológico de la época: si el avance tecnológico y la producción en masa deben ser temidos o celebrados. Una ansiedad general posterior a la Primera Guerra Mundial era si la nueva tecnología causaría la destrucción final o si ayudaría a hacer la vida más fácil y traer felicidad. En la película, Tony se deleita con entusiasmo en las posibilidades que pueden brindar las ametralladoras al matar a más personas, más rápido y desde más lejos. Esto representa la cuestión de si la producción en masa equivale o no a la destrucción en masa oa la eficiencia en masa.

Objetos y gestos

El uso de motivos lúdicos a lo largo de la película mostró la comedia negra de Howard Hawks que expresó a través de su dirección. En la escena de la bolera, donde el líder de la pandilla rival Tom Gaffney fue asesinado, cuando Gaffney lanza la pelota, el disparo permanece en el último bolo en pie, que cae para representar la muerte del capo Tom Gaffney. En la misma escena, antes de la muerte de Gaffney, un plano muestra una "X" en el marcador, presagiando la muerte de Gaffney. Los halcones usaron la "X" técnica de presagio a lo largo de la película (visto por primera vez en los créditos iniciales) que se asociaron principalmente con la aparición de la muerte muchas veces (pero no en todas las escenas) cuando se retrata una muerte; el motivo aparece en numerosos lugares, más prominentemente como "X" cicatriz en su mejilla izquierda. Los motivos se burlan de la vida del mafioso. El sombrero de gángster es un tema común en las películas de gánsteres, específicamente Scarface, como representante del consumo ostentoso. Hawks incluyó gestos con las manos, un motivo común en sus películas. En Scarface, a George Raft se le indicó que lanzara una moneda repetidamente, lo que hace a lo largo de la película.

"El mundo es tuyo"

El apartamento de Camonte mira hacia un letrero de neón que dice "El mundo es tuyo". Este letrero representa la ciudad estadounidense moderna como un lugar de oportunidad e individualismo. Tan atractivo como es el eslogan, el mensaje es imposible, pero Tony no lo entiende. La vista desde su apartamento representa el ascenso del gángster. Cuando Camonte es asesinado en la calle frente a su edificio, la cámara se desplaza para mostrar la valla publicitaria, representativa de la paradoja social de la existencia de oportunidades pero la incapacidad de lograrlas. Según Robert Warshow, la escena final representa cómo el mundo no es nuestro, pero tampoco suyo. La muerte del mafioso nos libera momentáneamente de la idea del concepto de éxito y de la necesidad de triunfar. En cuanto al tema del exceso, el letrero es una metáfora de los deseos divisorios creados por la modernidad vistos a través de la lente de los deseos excesivos de la persona gángster.

Estilo

"Nítido" y "duros", Scarface establecieron el estilo visual de las películas de gánsteres de la década de 1930. Hawks creó una película apasionante y violenta mediante el uso de un fuerte contraste de blanco y negro en su cinematografía, por ejemplo, habitaciones oscuras, siluetas de cuerpos contra sombras dibujadas y charcos de luz cuidadosamente colocados. Se muestra que gran parte de la película tiene lugar de noche. La estrecha agrupación de sujetos dentro de la toma y el movimiento acechante de la cámara siguieron el curso de la acción en la película. La cinematografía es dinámica y se caracteriza por una ubicación de cámara muy variada y un encuadre móvil.

Versiones en italiano

En octubre de 1946, después de la Segunda Guerra Mundial y el debilitamiento de las relaciones entre Italia y Estados Unidos, Titanus, una productora cinematográfica italiana, se interesó en traducir Scarface al italiano. Inicialmente, al solicitar la aprobación de la oficina cinematográfica italiana, la solicitud fue rechazada debido a preocupaciones de censura por la representación de la violencia y el crimen a lo largo de la película. No hubo preocupación inicial sobre la representación de los italianos en la película. Titanus apeló a la oficina cinematográfica italiana llamando Scarface, "una de las películas más sólidas y constructivas jamás producidas en el extranjero". Presionaron para traer una película en idioma extranjero para ayudar a los productores de cine nacionales a ahorrar dinero en la economía italiana dañada por la guerra reciente. Después de recibir la aprobación a fines de 1946, Titanus tradujo un guión para doblar la película. Una diferencia en el guión italiano es que los nombres de los personajes se cambiaron de un sonido italiano a un sonido más estadounidense. Por ejemplo, Tony Camonte se cambió a Tony Kermont y Guino Rinaldo se cambió a Guido Reynold. Este y varios otros cambios se realizaron para eliminar de manera notoria las referencias a los italianos. Otro ejemplo es la diferencia en la escena del restaurante con Tony y Johnny. En la versión estadounidense, Tony hace una declaración cómica sobre el ajo en la pasta, mientras que, en la traducción italiana, la comida en cuestión es un paté de hígado de pato, una referencia menos abiertamente italiana a la comida. Además, en la versión estadounidense, la comunidad indignada se refiere a los mafiosos como inmigrantes ilegales; sin embargo, en la versión doblada al italiano, no se menciona el estatus de ciudadano de los delincuentes, sino simplemente la preocupación de los delincuentes reincidentes.

La película fue doblada al italiano en 1976 por la emisora Radio Televisione Italiana (RAI). Franco Dal Cer tradujo el guión y el doblaje fue dirigido por Giulio Panicali. Pino Locchi dobló la voz de Tony Camonte para Paul Muni y Pino Colizzi dobló la voz de Gunio Rinaldo para George Raft. Una diferencia entre la versión de 1947 y la versión de 1976 es que todos los nombres italianos y las referencias culturales italianas no se tocaron en el guión estadounidense original. La versión de 1976 celebra los antecedentes italianos de los personajes, agregando dialectos italianos notablemente diferentes a personajes específicos. Esta versión de la película doblada traduce al italiano las escenas de crédito iniciales y finales, así como los recortes de periódicos que se muestran; sin embargo, la traducción de los recortes de periódicos no se hizo con especial cuidado estético.

La película fue doblada en la década de 1990 y lanzada en la edición digital de Universal. Según el consenso académico, el doblaje de 1990 es una combinación de cambio de voz y reutilización del audio del doblaje de 1976.

Legado

1932 Tarjeta de vestíbulo

A pesar de su falta de éxito en taquilla, Scarface fue una de las películas más discutidas de 1932 debido a su temática, y su lucha y triunfo sobre las juntas de censura. Scarface se cita (a menudo con Little Caesar y The Public Enemy) como el arquetipo del género cinematográfico de gángsters, porque estableció el estándar inicial para el género que continúa apareciendo en Hollywood. Sin embargo, Scarface fue la última de las tres grandes películas de gánsteres de principios de la década de 1930, ya que la indignación por la violencia Pre-Code causada por las tres películas, particularmente Scarface, desató la creación de la Administración del Código de Producción en 1934. Howard Hawks citó Scarface como una de sus obras favoritas y la película fue motivo de orgullo para Howard Hughes. Hughes encerró la película en sus bóvedas unos años después de su estreno, rechazando muchas ofertas lucrativas para distribuir la película o comprar sus derechos. En 1979, tres años después de su muerte, Summa Corporation, que controlaba su patrimonio, vendió los derechos de Scarface junto con otras siete películas a Universal Pictures, lo que provocó la nueva versión de 1983 protagonizada por Al Pacino. Aunque rara para una nueva versión, la versión de 1983 también fue aclamada por la crítica.

1940 Release newspaper ad

La actuación de Paul Muni en Scarface como "el antihéroe mafioso por excelencia" contribuyó en gran medida a su rápido ascenso a su aclamada carrera cinematográfica. Paul Muni recibió importantes elogios por su interpretación de Tony Camonte. Los críticos elogiaron a Muni por su actuación robusta y feroz. Al Pacino dijo que Paul Muni lo inspiró mucho y Muni influyó en su propia actuación en la nueva versión de Scarface de 1983. Sin embargo, a pesar de la impresionante representación de un gángster en ascenso, los críticos afirman que el personaje se parecía mínimamente a Al Capone. A diferencia de Camonte, Capone evitó el trabajo duro y, por lo general, empleó a otros para que hicieran el trabajo sucio por él. Además, Scarface de Muni al final reveló que el personaje de Capone era un cobarde mientras suplicaba piedad y trataba de escapar antes de que le dispararan en la calle. Capone no era conocido por su cobardía y no murió en batalla.

Scarface fue la película más conocida de Ann Dvorak. La película lanzó la larga carrera de Raft como protagonista. Raft, en el segundo protagonista de la película, había aprendido a lanzar una moneda al aire sin mirarla, un rasgo de su carácter, y causó una fuerte impresión en el papel comparativamente simpático pero colorido. Howard Hawks le dijo a Raft que usara esto en la película para camuflar su falta de experiencia actoral. Se hace una referencia en el papel posterior de Raft como el gángster Spats Columbo en Some Like it Hot (1959), en el que le pregunta a un compañero gángster (que está lanzando una moneda al aire) "¿Dónde ¿aprendiste ese truco barato?"

La película Scarface puede haber influido en la vida real de los gánsteres cuatro años después del estreno de la película. En 1936, Jack McGurn, quien se pensaba que era el responsable de la Masacre de San Valentín representada en la película, fue asesinado por sus rivales en una bolera.

Medios domésticos

La película fue una de las primeras películas lanzadas en video por MCA Videocassette en mayo de 1980. La película fue lanzada en DVD el 22 de mayo de 2007 y fue lanzada nuevamente el 28 de agosto de 2012, en celebración del centenario de Universal Studios, de Universal Pictures Home Entertainment. Ambas versiones del DVD incluyen una introducción del presentador e historiador de cine de Turner Classic Movies Robert Osborne y el final alternativo de la película. En video y televisión, la película mantiene el final original de Hawks, pero aún contiene las otras alteraciones que se le pidió que hiciera durante la filmación. No se supo que existiera una versión completamente inalterada y sin censura de la película hasta que se lanzó la edición limitada de Scarface (1983) el 15 de octubre de 2019.

Películas relacionadas

Después de que se obtuvieron los derechos de Scarface tras la muerte de Howard Hughes, Brian de Palma lanzó una nueva versión de la película en 1983 con Al Pacino como Scarface. La película está ambientada en el Miami contemporáneo y es conocida por su inclusión de violencia gráfica y lenguaje obsceno, considerado "como violento y obsceno para la década de 1980" ya que la película original fue considerada para el cine de la década de 1930. El DVD de 2003 "Edición de aniversario" La caja de edición limitada de la película de 1983 incluye su contraparte de 1932. Al final de la película de 1983, un título que decía "Esta película está dedicada a Howard Hawks y Ben Hecht" aparece sobre el plano final.

Universal anunció en 2011 que el estudio está desarrollando una nueva versión de Scarface. El estudio afirma que la nueva película no es una secuela ni una nueva versión, sino que tomará elementos tanto de la versión de 1932 como de la de 1983, incluida la premisa básica de un hombre que se convierte en un capo en su búsqueda del Sueño Americano. En 2016, Antoine Fuqua estaba en conversaciones para dirigir el remake, pero abandonó el proyecto al año siguiente en febrero, con los hermanos Coen reescribiendo el guión. Universal luego contrató a David Ayer para dirigir y contrató a Diego Luna para protagonizar, pero despidió a Ayer porque su guión era demasiado violento. En 2018, Fuqua volvió al proyecto, pero se fue de nuevo en mayo de 2020. En cambio, Luca Guadagnino ha firmado para dirigir la película, con el guión de los hermanos Coen.

Scarface a menudo se asocia con otras películas policiacas precodificadas estrenadas a principios de la década de 1930, como The Doorway to Hell (1930), Little Caesar (1931) y El enemigo público (1931). Según Fran Mason, de la Universidad de Winchester, Scarface se parece más a la película The Roaring Twenties que a sus películas de gánsteres contemporáneas de principios de la década de 1930 debido a sus excesos.