Cantante y compositora
Un cantautor es un músico que escribe, compone e interpreta su propio material musical, incluidas letras y melodías. En los Estados Unidos, la categoría se construye sobre la tradición folk-acústica, aunque este papel se ha transmutado a lo largo de diferentes épocas de la música popular. Los cantautores a menudo brindan el único acompañamiento a una composición o canción completa, generalmente usando una guitarra o un piano. A principios del siglo XXI, los cantautores comenzaron a utilizar herramientas de producción digital como GarageBand para componer su música.
Definición y uso
La etiqueta "cantautor" (o "compositor/cantante") es utilizado por los sellos discográficos y los críticos para definir a los artistas de música popular que escriben e interpretan su propio material, que a menudo es acompañado por ellos mismos, generalmente con una guitarra acústica o un piano. Dicho artista desempeña los roles de compositor, letrista, vocalista, a veces instrumentista y, a menudo, autogestor. Según AllMusic, los cantautores' las letras son a menudo personales pero están veladas por metáforas elaboradas e imágenes vagas, y su preocupación creativa es poner énfasis en la canción más que en su interpretación. La mayoría de los discos de estos artistas tienen un sonido sencillo y sobrio similar que pone énfasis en la canción misma.
El término también puede caracterizar a los compositores de los géneros rock, folk, country y pop, incluidos Henry Russell (1812–1900), Aristide Bruant (1851–1925), Hank Williams (1923–1953) y Buddy. Acebo (1936-1959). La frase "cantante y compositor", registrada en 1949, entró en uso popular a partir de la década de 1960 en adelante para describir a los compositores que siguieron convenciones estilísticas y temáticas particulares, particularmente la introspección lírica, la composición confesional, los arreglos musicales moderados y un estilo de interpretación discreto. Según el escritor Larry David Smith, debido a que fusionó los roles de compositor, escritor y cantante, la popularidad del fenómeno de los cantautores reintrodujo la tradición trovadoresca medieval de "canciones con personalidades públicas" después de la era Tin Pan Alley en la música popular estadounidense. Los temas de las canciones de los cantautores del renacimiento de la música folclórica estadounidense incluyen la protesta política, como en el caso de Woody Guthrie (1912–1967) y Pete Seeger (1919–2014). Según el Journal of Popular Music Studies, desde el resurgimiento del folk y su permanencia en la música pop, el papel de un cantautor ha involucrado varias dimensiones de identidad creativa:
La primera capa estética anima a los compositores a cantar y realizar sus propias obras e inculcar sus propios sabores estilísticos en los textos de canciones. Los compositores no son independientes de las obras una vez terminadas; más bien, entran, activan y autentican los textos de canciones a través de sus interpretaciones vocales y musicales. Mientras que la primera capa no siempre requiere que el cantante sea el compositor, la segunda capa sociológica no sólo se fija en la relación entre cantante y compositor (en este caso, el cantante-songwriter es a menudo hipnotizado en lugar de usar un enfrentamiento entre cantante y compositor), sino que también solicita más agencia sociológica además de cantar y escribir canciones, tales como la organización, mezclar, producir, colaborar, y gestionar los medios. En otras palabras, un cantautor se somete a un proceso de engrosamiento que implica voces de dos capas, incluyendo el desempeño de la persona estilística, amasar otras voces, y coordinar otras habilidades sociológicas. Este proceso de engrosamiento demuestra las voces fluidas, múltiples y heterogéneas debajo de la singular imagen autorial, complicando así la noción de autoría para los compositores.
Historia
El concepto de cantautor se remonta a la antigua tradición oral de los bardos, que ha existido de diversas formas en todo el mundo. Los poemas se interpretaban como cánticos o canciones, a veces acompañados de un arpa u otro instrumento similar. Después de la invención de la imprenta, las canciones serían escritas e interpretadas por vendedores de baladas. Por lo general, estas serían versiones de melodías y letras existentes, que evolucionaban constantemente. Esto se convirtió en las tradiciones de cantautor de la cultura popular.
Los artistas itinerantes existían en toda Europa. Así, el folclorista Anatole Le Braz da cuenta detallada de un cantante de baladas, Yann Ar Minouz, que escribió e interpretó canciones viajando por Bretaña a finales del siglo XIX y vendiendo versiones impresas.
En las grandes ciudades era posible ganarse la vida actuando en lugares públicos y, con la invención de la grabación fonográfica, los primeros cantautores como Théodore Botrel, George M. Cohan y Hank Williams se convirtieron en celebridades; la radio aumentó aún más su reconocimiento y atractivo público.
Durante el período de 1940 a 1960, provocado por el renacimiento de la música folclórica estadounidense, los jóvenes intérpretes inspirados en la música folclórica tradicional y grupos como Almanac Singers y Weavers comenzaron a escribir e interpretar su propio material original y a crear su propio musical. preparativos.
A principios del siglo XXI, muchos aspirantes a cantautores utilizaron la estación de trabajo de audio digital GarageBand para componer y grabar música. Los cantautores que han compuesto música profesionalmente con GarageBand incluyen a Erykah Badu (para su álbum de 2008 New Amerykah Part One) y Bilal (para su álbum de 2010 Airtight's Revenge).
Tradiciones en diferentes países
América del Norte, Reino Unido e Irlanda
.jpg)
El término "cantautor" en América del Norte se remonta a cantantes que desarrollaron obras en el estilo de música blues y folk. Los cantautores estadounidenses de principios a mediados del siglo XX incluyen Lead Belly, Jimmie Rodgers, Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker, Blind Willie McTell, Lightnin' Hopkins, Son House y Robert Johnson. En las décadas de 1940 y 1950, cantautores de country como Hank Williams se hicieron muy conocidos, así como Woody Guthrie y Pete Seeger, junto con Ronnie Gilbert y Lee Hays y otros miembros de los Weavers que interpretaron sus obras, en su mayoría de actualidad, a un número cada vez mayor. público más amplio. Estos proto-cantautores estaban menos preocupados que los cantautores de hoy en día por la originalidad sin adulterar de su música y letras, y tomaban partes de otras canciones y tocaban covers sin dudarlo. La tradición de escribir canciones de actualidad (canciones sobre temas específicos del momento, como 'Jim Crow Blues' de Lead Belly o 'Deportee' de Guthrie (Plane Wreck at Los Gatos)") fue establecida por este grupo de músicos. Cantantes como Seeger y Guthrie asistían a mítines de sindicatos, por lo que escribieron muchas canciones sobre la vida de las clases trabajadoras y la protesta social; al igual que otros cantantes de folk como Josh White, Cisco Houston, Malvina Reynolds, Earl Robinson, Ewan MacColl, John Jacob Niles y Doc Watson, mientras que cantantes de blues como Johnson y Hopkins escribieron canciones sobre sus experiencias de vida personales. Este enfoque en los temas sociales ha influido mucho en el género de cantautores. Además, en la década de 1930 a 1950 surgieron varios cantautores de jazz y blues como Hoagy Carmichael, Billie Holiday, Ray Charles, Harry Gibson, Peggy Lee y Nina Simone, así como en el rock n' género rodante del que surgieron los influyentes cantautores Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Chuck Berry, Roy Orbison, Sam Cooke, Ritchie Valens y Paul Anka. En el campo de la música country, los cantautores como Hank Williams, Patsy Cline, Tammy Wynette, Loretta Lynn, George Jones, Merle Haggard, Roger Miller, Billy Edd Wheeler y otros surgieron desde la década de 1940 hasta la década de 1960, a menudo escribiendo canciones convincentes sobre relaciones amorosas y otros temas.
El primer reconocimiento popular del cantautor en la Norteamérica de habla inglesa y el Reino Unido se produjo en la década de 1960 y principios de la de 1970, cuando una serie de músicos influenciados por el blues, el folk y el country alcanzaron prominencia y popularidad. Estos cantautores incluyeron a Bob Dylan, Neil Young, John Lennon, Van Morrison, Willie Nelson, Paul Simon, Leonard Cohen y Joni Mitchell. Artistas que habían sido principalmente compositores, en particular Carole King, Townes Van Zandt y Neil Diamond, también comenzaron a publicar trabajos como intérpretes. En contraste con el enfoque narrativo de la mayoría de la música country y folclórica anterior, estos intérpretes generalmente escribieron canciones desde un punto de vista introspectivo muy personal (a menudo en primera persona). Los adjetivos "confesional" y "sensible" se usaban a menudo (a veces burlonamente) para describir el estilo de un cantautor.
En la era de las bandas de rock, los miembros no eran técnicamente cantautores como solistas. Sin embargo, muchos eran cantautores que crearon canciones con otros miembros de la banda. Los ejemplos incluyen a Paul McCartney, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr, Brian Wilson, Mick Jagger, Keith Richards, Jerry Garcia y Bob Weir, Elton John (con Bernie Taupin), Justin Hayward, John Lodge, Robbie Robertson, Ian Anderson, Phil Collins, Peter Gabriel y Peter Frampton; Don Henley, Glenn Frey, Country Joe McDonald, Barry Melton. Muchos otros, como Eric Clapton, encontraron el éxito como cantautores en sus carreras posteriores.
La escena que se había desarrollado a partir del renacimiento de la música folclórica estadounidense, iniciada por Woody Guthrie y Pete Seeger, había crecido hasta convertirse en un movimiento importante a principios de la década de 1960, popularizado por Joan Baez y su protegido, Bob Dylan, que había comenzado a alcanzar un público mayoritario con su éxito, Blowin' en el viento" (1963) trayendo "canciones de protesta" a un público más amplio. Hubo indicios de polinización cruzada, pero el rock y la música folclórica se habían mantenido en gran medida como géneros separados, a menudo con diferentes audiencias. Un intento temprano de fusionar elementos de folk y rock se destacó en Animals "House of the Rising Sun" (1964), una canción popular, grabada con instrumentación de rock and roll.
A mediados de la década de 1960, Bob Dylan tomó la delantera en la fusión del folk y el rock, y en julio de 1965 lanzó 'Like a Rolling Stone', con un sonido de rock revolucionario, impregnado de imágenes urbanas de mal gusto, seguido por una actuación eléctrica más tarde ese mes en el Newport Folk Festival. Dylan conectó a toda una generación al medio del cantautor. A menudo escribiendo desde un punto de vista urbano, con poesía puntuada por ritmos de rock y energía eléctrica, la fusión de folk y rock de Dylan liberó a los cantautores emergentes para usar elementos de ambas tradiciones para contar sus historias. A mediados y finales de la década de 1960, las bandas y los cantautores comenzaron a proliferar en la escena artística y musical clandestina de Nueva York. El lanzamiento de The Velvet Underground & Nico en 1967, con el cantautor Lou Reed y el cantante y colaborador alemán Nico, fue descrito como "el álbum de rock más profético jamás realizado". por Rolling Stone en 2003.
A finales de la década de 1960, una nueva ola de cantautoras salió de los confines del pop y utilizó el paisaje urbano como lienzo para letras en el estilo confesional de poetas como Anne Sexton y Sylvia Plath. Estas mujeres pioneras, aparecieron en un artículo en Newsweek, julio de 1969, "The Girls: Letting Go: 'What is common to they – to Joni Mitchell and Lotti Golden, to Laura Nyro, Melanie y Elyse Weinberg son las canciones personalizadas que escriben, como viajes de autodescubrimiento, rebosantes de aguda observación y sorprendentes en el impacto de su poesía." En The Guardian, la autora Laura Barton describe el cambio radical en el tema: cantaban sobre política, aventuras amorosas, el paisaje urbano, las drogas, la decepción y la vida y la soledad del artista itinerante. Lotti Golden, en su álbum debut en Atlantic Motor-Cycle, relata su vida en el East Village de Nueva York a fines de la contracultura de los años 60, abordando temas como la identidad de género (The Space Queens-Silky is Sad) y consumo excesivo de drogas (Gonna Fay's). Las mujeres del artículo de Newsweek de 1969 dieron paso a una nueva era de la cantautora contemporánea que ha informado a generaciones de cantautoras en el siglo XXI, con la poeta Warsan Shire como musa del álbum Lemonade de 2016 de Beyoncé.
A mediados de la década de 1970 y principios de la de 1980, la ola original de cantautores había sido absorbida en gran medida por un formato más general de pop o rock suave, pero algunos artistas nuevos en la tradición de cantautores (incluidos Billy Joel, Stevie Wonder, Bruce Springsteen, Tom Petty, Jackson Browne, Chris Isaak, Victoria Williams, John Mellencamp y Warren Zevon) continuaron emergiendo y, en otros casos, artistas de rock e incluso punk rock como Peter Case, Paul Collins y Paul Westerberg hicieron la transición a carreras como cantautores solistas. Kate Bush se mantuvo distintiva en todo momento con su estilo idiosincrásico.
A fines de la década de 1980, el término se aplicó a un grupo de artistas estadounidenses predominantemente femeninas, comenzando con Suzanne Vega, cuyo primer álbum se vendió inesperadamente bien, seguido por artistas como Tracy Chapman, Melissa Etheridge, Nanci Griffith, k.d. lang, Shania Twain, Sarah McLachlan, Shawn Colvin, Sheryl Crow, Lisa Loeb, Joan Osborne, Indigo Girls y Tori Amos, que encontró el éxito primero en el Reino Unido y luego en su mercado local. A principios de la década de 1990, las artistas femeninas también comenzaron a surgir en nuevos estilos, incluidos Courtney Love y PJ Harvey. Más tarde, a mediados de la década de 1990, el término volvió a revivir con el éxito de la canadiense Alanis Morissette y su exitoso álbum Jagged Little Pill.
También en las décadas de 1980 y 1990, artistas como Bono, The Edge, Dave Matthews, Jeff Buckley, Richard Barone, Duncan Sheik y Elliott Smith tomaron prestada la tradición de los cantautores para crear nuevos estilos de rock acústico. En la década de 2000, surgió un estilo más tranquilo, con letras en gran parte impresionistas, de artistas como Norah Jones, Conor Oberst, Sufjan Stevens, David Bazan, South San Gabriel, Iron & Wine, David Gray, Ray LaMontagne, Meg Hutchinson, Darden Smith, Josh Rouse, Steve Millar, Jolie Holland, Patrick Duff, Richard Buckner, Jewel, Jack Savoretti, Richard Shindell, John Gorka y Antje Duvekot. Algunos comenzaron a diversificarse en nuevos géneros como Kurt Cobain, Noel Gallagher, T Bone Burnett, Eddie Vedder y Pete Yorn. Otros usaron drogas como una forma de alterar la mente para impulsar la creatividad; por ejemplo, Emil Amos de Holy Sons se drogó a diario desde los dieciséis años, escribió más de 1000 canciones y consiguió un contrato discográfico con un sello independiente.
La grabación en sistemas de nivel profesional se volvió asequible para las personas a fines de la década de 1990. Esto creó oportunidades para que las personas grabaran y vendieran su música de forma independiente. Estos artistas son conocidos como "indies" porque publican sus discos en sellos discográficos independientes, a menudo de su propiedad, o en ningún sello. Además, Internet ha proporcionado un medio para que los indies hagan que su música sea escuchada por un público más amplio.
 David Crosby, (de los Byrds y Crosby, Stills & Nash) es uno de los escritores cantantes que cruzaron hacia la roca principal, visto aquí en 1976 detrás del Frost Amphitheater, Universidad de Stanford. |  Tracy Chapman comenzó a cantar sobre temas sociales en la sociedad americana en los años 80 |  Norah Jones interpreta en un piano eléctrico en 2010. Jones es la hija de Ravi Shankar. | .jpg) Taylor Swift, un cantante contemporáneo ganador de 11 veces Grammy (foto en 2015) |
Chanson, la tradición francesa
Francés "chanson" proviene de una antigua tradición, desde la Edad Media. Está impulsado por los ritmos del idioma francés y tiene un estándar de letras generalmente más alto que en el mundo de habla inglesa. Se puede distinguir del resto del "pop" francés. música o formato de rock suave que comenzó a extenderse en Francia durante la década de 1960 hasta nuestros días, bajo la influencia cultural de la música rock angloamericana y la era de las bandas de rock.
El primer cantautor francés moderno fue Charles Trenet, quien comenzó su carrera como solista en 1938. Fue el primero en utilizar ritmos de jazz en la chanson. Seguiría siendo un acto aislado hasta el florecimiento creativo de una nueva generación durante la era posterior a la Segunda Guerra Mundial (mediados de los años 40 y 50), donde artistas como Léo Ferré, Georges Brassens, Félix Leclerc (de Quebec), Serge Gainsbourg, Aparecieron Jacques Brel (de Bélgica), Henri Salvador (de Guayana Francesa), Charles Aznavour y Barbara, con una imaginación rica y contrastada. La mayoría de ellos son reconocidos como grandes maestros por las generaciones más jóvenes de artistas franceses, especialmente Ferré (por la riqueza de sus letras, su genio melódico, su densidad crítica sobre cuestiones sociales y la profundidad de su obra) y Gainsbourg (por la adaptación brillante y de buen gusto de la música pop o rock con ritmos impulsados por el idioma francés).
Durante las décadas de 1960 y 1970, los cantautores más destacados incluyeron a Claude Nougaro, Jean Ferrat, Boby Lapointe, Françoise Hardy, Michel Polnareff, Nino Ferrer, Christophe, Bernard Lavilliers, Véronique Sanson y Jacques Higelin, entre otros.
Cantautori, la tradición italiana
Cantautori (plural italiano; el singular es cantautore) es la expresión italiana correspondiente a cantautores en inglés. La palabra es un acrónimo de cantante (cantante) y autore (escritor).
El primer cantautore de renombre internacional fue Domenico Modugno con su canción "Volare (Nel blu dipinto di blu)", un gran éxito de ventas en 1958; Otros de los primeros cantautori, que comenzaron su carrera a finales de los años 50, son Gino Paoli, Luigi Tenco, Umberto Bindi, Giorgio Gaber y Enzo Jannacci.
Fabrizio De André, Lucio Battisti y Francesco Guccini comenzaron su carrera en los años 60, mientras que Edoardo Bennato, Lucio Dalla, Francesco De Gregori, Franco Battiato, Rino Gaetano, Ivano Fossati, Antonello Venditti, Claudio Baglioni, Pino Daniele, Roberto Vecchioni, Angelo Branduardi y Eugenio Finardi aparecieron en los años 70. Sus canciones siguen siendo populares hoy en día, a menudo contando historias de personas marginadas (De André, Guccini, Dalla) y rebeldes (Finardi, De Gregori, Venditti), o con antecedentes políticos (Venditti, Guccini).
Branduardi, en cambio, estuvo mucho más influenciado por los estilos musicales medievales y barrocos, mientras que sus letras suelen estar inspiradas en fábulas antiguas. Battiato comenzó como un artista de rock progresivo y música cultivada en la década de 1970, cambiando a una mezcla original de música pop, electrónica, new wave y world music en la década de 1980.
Aquellos canutautori vinculados a la ciudad de Génova (De André, Paoli, Bindi, Tenco, Baccini, etc.) también son referidos como miembros de la Escuela Genovesa.
El cantautore napolitano Pino Daniele ha fusionado a menudo géneros tan diversos como el R&B, la fusión, el blues, el pop, el jazz y la tarantela para producir un sonido único y propio, con letras variadas en italiano, napolitano o inglés. De manera similar, Paolo Conte a menudo fue etiquetado como un cantautore, pero estaba más en la tradición del jazz.
En la década de 1980, Vasco Rossi era conocido por su combinación de música rock con tintes de blues mezclada con melodías italianas. Fue apodado el "único rockstar italiano" (l'unica rockstar italiana) por sus fans.
Con una mezcla entre sonidos internacionales y letras italianas, en la década de 2000 Bugo se convirtió en el "fantautore", un neologismo acuñado para él. A pesar de no haber alcanzado gran fama, se le considera el pionero de la renovación de la canción italiana, lejos de la politización de los años 70.
En los últimos 25 años, el género ha sido representado principalmente por Samuele Bersani, Caparezza y la llamada 2ª escuela romana de cantautori (Max Gazzè, Niccolò Fabi, Daniele Silvestri, Simone Cristicchi).
La palabra ha sido prestada a otros idiomas, incluidos el español, portugués y catalán cantautor, francés chantauteur, maltés kantawtur, rumano < i>cantautor, y el esloveno kantavtor.
Tradiciones ibero-latinoamericanas
A partir de la década de 1960 y siguiendo el estilo cantautori italiano de la década de 1950 (como el de Domenico Modugno), muchos países latinoamericanos desarrollaron tradiciones de cantautores que adoptaron elementos de varios estilos populares. La primera tradición de este tipo fue la invención de la nueva canción a mediados de la década de 1960, que se afianzó en países andinos como Chile, Perú, Argentina y Bolivia.
Al mismo tiempo, el estilo popular brasileño bossa nova se estaba convirtiendo en una tradición de cantautores políticamente cargada llamada Tropicalismo. Dos intérpretes, Gilberto Gil y Caetano Veloso, se convirtieron en dos de las personas más famosas de todo Brasil a través de su trabajo en Tropicalismo.
Después de la Segunda Guerra Mundial se desarrolló en Italia una tradición de cantautores (en italiano cantautore) muy prolífica, inicialmente conectada con la escuela francesa de los chansonniers, y desarrollado últimamente de manera muy heterogénea. Aunque el término cantautore normalmente implica un contenido sociopolítico constante en las letras, los intérpretes notables en una categorización más inclusiva de cantautores son: Domenico Modugno, Luigi Tenco, Gino Paoli, Sergio Endrigo, Fabrizio De André, Francesco De Gregori., Antonello Venditti, Roberto Vecchioni, Ivano Fossati, Lucio Dalla, Francesco Guccini y Franco Battiato.
En la vecina Malta, los principales cantautores son Walter Micallef, Manwel Mifsud y Vince Fabri. Todos actúan en maltés.
España y Portugal también han tenido tradiciones de cantautores, que a veces se dice que se basaron en elementos latinos. Cataluña es conocida por la tradición de la Nova Cançó, ejemplificada por Joan Manuel Serrat y Lluís Llach; el cantante y compositor portugués de protesta y folclore José Afonso ayudó a liderar un renacimiento de la cultura folclórica portuguesa, incluida una forma de fado modernizada y con mayor conciencia social llamada nova canção. Después de la Revolución de los Claveles de Portugal de 1974, la nova canção se politizó más y se conoció como canto livre. Otros importantes cantautores españoles son Joaquín Sabina, José Luis Perales y Luis Eduardo Aute.
A fines de la década de 1960 y principios de la década de 1970, surgieron en Cuba cantautores social y políticamente conscientes como Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, que dieron origen a un género conocido como nueva trova. La trova como género ha tenido una amplia influencia en toda América Latina. En México, por ejemplo, la canción yucateca en la península de Yucatán y la trova serrana en la Sierra Juárez, Oaxaca, son adaptaciones regionales de la trova. Hoy, el guatemalteco Ricardo Arjona califica como el cantautor de mayor éxito comercial en América Latina. Aunque el compromiso sociopolítico es desigual en su obra, algunos consideran que las obras más comprometidas de Arjona lo sitúan en la tradición de los cantautori italianos.
A mediados de la década de 1970, surgió en Uruguay una tradición de cantautores llamada canto popular.
Con la influencia del tropicalismo, la samba tradicional y la bossa nova, la MPB (Música popular brasileira), o la música popular brasileña, se convirtió en una gran base de cantautores. Durante años, los solistas dominarían la música popular brasileña con cinismo romántico alla Jobim o mensajes subliminales antigubernamentales alla Chico Buarque. Después del final de la dictadura militar en Brasil, la música brasileña se volvió menos política y socialmente consciente. El censurado Raúl Seixas o el jocoso espiritualista Jorge Ben fueron oscurecidos poco a poco por el funk carioca, la música axé y la discoteca brasileña. En los últimos años, sin embargo, una nueva reserva de cantautores brasileños socialmente conscientes está comenzando a romper el ímpetu casi estrictamente de la música dance que ha reinado desde la década de 1980 (ver el subartículo 'Brazilian folk/folk-rock en Música brasileña).
Unión Soviética y Rusia
Desde la década de 1960, los cantantes que escribieron canciones fuera del establecimiento soviético se conocen como "bardos". Se cree que las primeras canciones a las que tradicionalmente se hace referencia como canciones de bardo se escribieron a fines de la década de 1930 y principios de la de 1940, y la existencia misma del género se originó tradicionalmente a partir de las actividades de aficionados de la intelectualidad soviética, a saber, el movimiento masivo de mochileros y los estudiantes.; movimiento musical de los años 50 y 60. Muchos bardos interpretaron sus canciones en pequeños grupos de personas usando una guitarra rusa, rara vez, si es que alguna, iban acompañados de otros músicos o cantantes. Aunque también se conocen bardos que usan piano o acordeón. Los que se hicieron populares realizaron modestos conciertos. Los primeros bardos de fama nacional (que comenzaron su carrera en la década de 1950) se conocen tradicionalmente como los Primeros Cinco: Mikhail Ancharov, Alexander Gorodnitsky, Novella Matveyeva, Bulat Okudzhava, Yuri Vizbor. En la década de 1960, se les unieron Vladimir Vysotsky, Victor Berkovsky, Yuliy Kim y muchos otros.
En el transcurso de la década de 1970, tuvo lugar el cambio a la guitarra clásica de 6 cuerdas, y ahora, una guitarra rusa es un pájaro raro entre los bardos. En el mismo período, surgió el movimiento de KSP (Kluby Samodeyatelnoy Pesni - clubes de fans de canciones amateur), que proporcionó a los bardos una audiencia altamente educada y hasta finales de la década de 1980 fue su principal motor de promoción. A los bardos rara vez se les permitía grabar su música, en parte dada la naturaleza política de muchas canciones, en parte debido a su vago estatus en el establecimiento del mundo del espectáculo estrictamente organizado y apoyado por el estado de la URSS. Como resultado, las melodías de bardo generalmente se abrieron paso como folklore, de boca en boca, o mediante la copia de grabaciones de aficionados (a veces denominadas magnitizdat) realizadas en conciertos, particularmente aquellas canciones que eran de naturaleza política. La poesía de bardo se diferencia de otras poesías principalmente en el hecho de que se canta junto con una simple melodía de guitarra en lugar de ser hablada. Otra diferencia es que esta forma de poesía se enfoca menos en el estilo y más en el significado. Esto significa que se utilizan menos recursos estilísticos y la poesía a menudo adopta la forma de narración. Lo que separa a la poesía de bardo de otras canciones es el hecho de que la música es mucho menos importante que la letra; Las progresiones de acordes suelen ser muy simples y tienden a repetirse de una canción de bardo a otra. Por otro lado, en la URSS, el principal defensor de los bardos era la Unión de Compositores del estado, y el principal enemigo de los bardos era la Unión de Escritores del estado. Una diferencia mucho más obvia fue la naturaleza libre de comercio del género: las canciones fueron escritas para ser cantadas y no para ser vendidas. El género similar dominado por cantautores se conoce como poesía cantada en otros países postsoviéticos.
Bulgaria
Los cantautores son populares en Bulgaria con el nombre de "bardos" o "poetas con guitarras". Su tradición es una mezcla de motivos folclóricos tradicionales, folclore de la ciudad de principios del siglo XX e influencias modernas. En las décadas de 1960, 1970 y 1980, el régimen comunista del país comenzó a tolerar a los 'bardos' búlgaros, promoviendo las llamadas 'canciones políticas', interpretadas generalmente por un solo hombre. bandas. Se estableció una tradición festiva nacional, bajo el título "Alen Mak" (amapola roja), un símbolo con un fuerte significado comunista en Bulgaria. Al mismo tiempo, había algunas figuras clandestinas prominentes que estaban en contra de la línea oficial del Partido Comunista, como Ángel "Jendema" Angelov, Yavor 'Yavkata' Rilov y Velizar "Valdés" Vankov.
Después del colapso del comunismo en 1989, los cantautores' se restableció la tradición. Actualmente, los "bardos" búlgaros disfrute de varios festivales (locales e internacionales) por año, a saber, el Festival PoKi (Poetas con guitarras, Cuerdas poéticas) en la ciudad de Harmanli, el Bardfest en Lovech, las Noches de cantautores de Sofía y otros. Las principales figuras de la tradición búlgara son Dimitar Taralezhkov, Angel "Jendema" Angelov, Yavor 'Yavkata' Rilov, Velizar "Valdés" Vankov, Dimitar Dobrev, Andro Stubel, Branimir 'Bunny' Stoykov, Dorothea Tabakova, Mihail Belchev, Assen Maslarski, Grisha Trifonov, Plamen Stavrev, Vladimir Levkov, Margarita Drumeva, Maria Batchvarova, Plamen Sivov y Krasimir Parvanov.
Rumanía
A pesar del aislamiento comunista, la tradición del cantautor en Rumania floreció a partir de finales de la década de 1960 y se puso en el contexto de la música folclórica, con sus tres estilos principales en Rumania: ethno folk, estilo americano folk y folk lírico (de culto). El marco de muchas de estas iniciativas tomó la forma de Cenaclul Flacăra, una serie de eventos culturales masivos con un inevitable toque ideológico. Aún así, con el mérito de apoyar grandes iniciativas de apertura: la apropiación de artistas occidentales como Bob Dylan, Joan Baez y otros de la generación Woodstock, la interpretación pública de música gospel, la apertura a grandes temas internacionales (cultura pop, rendición de cuentas de el liderazgo, la tensión que aumentó durante la Guerra Fría, con posiciones sorprendentemente neutrales, etc.). En general, el folk rumano, en general, podría marcarse como un movimiento cultural clandestino, en algún lugar entre la música no alineada y de protesta.
Liedermacher, la tradición alemana
Arraigado en las tradiciones europeas Bänkelsang ("cantar en el banco") y Moritat, al mismo tiempo que se inspiró inmediatamente en la escena de la chanson francesa y el renacimiento de la música folclórica estadounidense, las décadas de 1960 y 1970 vieron el surgimiento de todo un generación de cantautores de lengua alemana llamada Liedermacher ("songmakers"), entre ellos Hannes Wader, Franz Josef Degenhardt, Reinhard Mey y Konstantin Wecker de Alemania Occidental, Wolf Biermann de Alemania Oriental, así como Ludwig Hirsch y Georg Danzer de Austria. Con respecto al contenido y el estilo, el espectro de Liedermacher abarca desde baladas políticas hasta narraciones más bien observacionales y canciones de amor. Las letras a menudo tratan temas como la injusticia social, el militarismo, el consumismo, los problemas ambientales o las repercusiones del pasado nazi alemán, a menudo expresando tecnoescepticismo y puntos de vista antisistema.
Suecia
A mediados de la década de 1960, Suecia fue testigo del renacimiento del "trubadur", la versión sueca del cantautor. Cornelis Vreeswijk y Fred Åkerström fueron particularmente influyentes en sus esfuerzos por combinar la herencia de la "visa" (una forma específica de representar poemas o canciones en estrofa simples, distinguida por artistas como Carl Michael Bellman y Evert Taube) con enfoques modernos de baladas.
Países Bajos
Ede Staal (Warffum) (1941–1986) fue un cantautor holandés de la provincia norteña de Groningen que cantaba principalmente en el dialecto holandés de Groninger.
Contenido relacionado
Los comuneros
TRL
Juan Dolmayan