Campo de color

pintura de campos de color es un estilo de pintura abstracta que surgió en la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950. Se inspiró en el modernismo europeo y está estrechamente relacionado con el expresionismo abstracto, mientras que muchos de sus primeros defensores notables se encontraban entre los expresionistas abstractos pioneros. El campo de color se caracteriza principalmente por grandes campos de color plano y sólido esparcidos o manchados en el lienzo creando áreas de superficie continua y un plano de imagen plano. El movimiento pone menos énfasis en los gestos, las pinceladas y la acción a favor de una coherencia general de forma y proceso. En la pintura de campo de color, "el color se libera del contexto objetivo y se convierte en el sujeto en sí mismo".

A finales de los años 1950 y 1960, surgieron pintores de campos de color en partes del Reino Unido, Canadá, Australia y los Estados Unidos, particularmente en Nueva York, Washington, D.C. y otros lugares, utilizando formatos de rayas, dianas, formas geométricas simples. patrones y referencias a imágenes de paisajes y a la naturaleza.

Raíces históricas

El foco de atención en el mundo del arte contemporáneo comenzó a desplazarse de París a Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial y el desarrollo del expresionismo abstracto estadounidense. A finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, Clement Greenberg fue el primer crítico de arte en sugerir e identificar una dicotomía entre diferentes tendencias dentro del canon expresionista abstracto. En desacuerdo con Harold Rosenberg (otro importante defensor del expresionismo abstracto), quien escribió sobre las virtudes de la pintura de acción en su artículo "American Action Painters" Publicado en la edición de diciembre de 1952 de ARTnews, Greenberg observó otra tendencia hacia el color total o el campo de color en las obras de varios de los artistas de la llamada "primera generación" expresionistas abstractos.

Mark Rothko fue uno de los pintores a los que Greenberg se refirió como un pintor de campos de color ejemplificado por Magenta, negro, verde sobre naranja, aunque el propio Rothko se negó a adherirse a ninguna etiqueta. Para Rothko, el color era “simplemente un instrumento”. En cierto sentido, sus obras más conocidas –las "multiformas" y sus otras pinturas emblemáticas, son, en esencia, la misma expresión, aunque de medios más puros (o menos concretos o definibles, según la interpretación), que es la de las mismas "emociones humanas básicas", como sus anteriores pinturas mitológicas surrealistas. Lo que es común entre estas innovaciones estilísticas es la preocupación por la "tragedia, el éxtasis y la fatalidad". En 1958, cualquier expresión espiritual que Rothko pretendiera retratar en lienzo, se volvía cada vez más oscura. Sus rojos, amarillos y naranjas brillantes de principios de la década de 1950 se transformaron sutilmente en azules, verdes, grises y negros oscuros. Su última serie de pinturas de mediados de la década de 1960 eran grises y negras con bordes blancos, paisajes aparentemente abstractos de un país interminable, desolado, desconocido y parecido a una tundra.

Rothko, a mediados de la década de 1940, se encontraba en medio de un período crucial de transición y quedó impresionado por los campos abstractos de color de Clyfford Still, que fueron influenciados en parte por los paisajes de Still'. Dakota del Norte natal de 39; En 1947, durante un semestre posterior enseñando en la Escuela de Bellas Artes de California (conocida hoy como Instituto de Arte de San Francisco), Rothko y Still coquetearon con la idea de fundar su propio plan de estudios o escuela. Still fue considerado uno de los pintores de campos cromáticos más destacados: sus pinturas no figurativas se ocupan en gran medida de la yuxtaposición de diferentes colores y superficies. Sus destellos irregulares de color dan la impresión de que una capa de color ha sido "rasgada" de la pintura, revelando los colores debajo, que recuerdan a estalactitas y cavernas primordiales. Los arreglos del fotograma son irregulares, dentados y picados con una textura pesada y un fuerte contraste superficial, como se ve arriba en 1957D1.

Otro artista cuyas obras más conocidas se relacionan tanto con el expresionismo abstracto como con la pintura de campos de color es Robert Motherwell. El estilo de expresionismo abstracto de Motherwell, caracterizado por campos abiertos y sueltos de superficies pictóricas acompañadas de líneas y formas vagamente dibujadas y medidas, fue influenciado tanto por Joan Miró como por Henri Matisse. La Elegía a la República Española nº 110 (1971) de Motherwell es una obra pionera tanto del expresionismo abstracto como de la pintura de campos cromáticos. Si bien la serie Elegy encarna ambas tendencias, su Open Series de finales de los años 1960, 1970 y 1980 lo ubica firmemente dentro del campo del color. En 1970, Motherwell dijo: "A lo largo de mi vida, el pintor del siglo XX que más he admirado ha sido Matisse", en alusión a varias de sus propias series de pinturas que reflejan el estilo de Matisse. influencia, sobre todo su Serie Abierta que se acerca más a la pintura clásica de campos de color.

Barnett Newman es considerado una de las principales figuras del expresionismo abstracto y uno de los pintores más destacados del campo del color. El trabajo maduro de Newman se caracteriza por áreas de color puro y plano separadas por finas líneas verticales o "cremalleras" como los llamó Newman, ejemplificado por Vir Heroicus Sublimis en la colección del MoMA. El propio Newman pensó que había alcanzado su plena madurez con la serie Onement (de 1948) que se ve aquí. Las cremalleras definen la estructura espacial del cuadro y al mismo tiempo dividen y unen la composición. Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstractas, y muchas de ellas originalmente no tenían título, los nombres que más tarde les dio insinuaban temas específicos que abordaba, a menudo con un tema judío. Dos cuadros de principios de los años 50, por ejemplo, se llaman Adán y Eva (ver Adán y Eva), y también hay Uriel (1954) y Abraham (1949), un cuadro muy oscuro, que, además de ser el nombre de un patriarca bíblico, también era el nombre del padre de Newman, fallecido en 1947. Las últimas obras de Newman, como la serie Quién teme al rojo, el amarillo y el azul, utilizan colores vibrantes y puros, a menudo en lienzos muy grandes.

Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt y Arshile Gorky (en sus últimos trabajos) estuvieron entre los destacados pintores expresionistas abstractos que Greenberg identificó como relacionados con el color. pintura de campo en las décadas de 1950 y 1960.

Aunque Pollock está estrechamente asociado con la pintura de acción debido a su estilo, técnica y su "toque" pictórico; y su aplicación física de la pintura, los críticos de arte han comparado a Pollock tanto con la pintura de acción como con la pintura de campos de color. Otra visión crítica propuesta por Clement Greenberg conecta los lienzos integrales de Pollock con los Nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Greenberg, el crítico de arte Michael Fried y otros han observado que el sentimiento general en las obras más famosas de Pollock (sus pinturas goteo) se lee como vastos campos de elementos lineales construidos que a menudo se interpretan como vastos complejos de madejas de pintura de valor similar que se leen en todos los campos de color y dibujo, y están relacionados con los Monet tardíos del tamaño de un mural que están construidos con muchos pasajes de marcas de pincel y esparcidas de valor similar que también se leen como campos de color y de valor similar. Dibujo que Monet utilizó para construir las superficies de sus cuadros. El uso de Pollock de una composición integral brinda una conexión filosófica y física a la forma en que los pintores de campos de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies ininterrumpidas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas que Pollock pintó después de su período clásico de pintura goteo de 1947-1950, utilizó la técnica de teñir pintura al óleo fluida y pintura de casas en lienzos en bruto. Durante 1951 produjo una serie de tintes negros semifigurativos y en 1952 produjo tintes utilizando el color. En su exposición de noviembre de 1952 en la galería Sidney Janis de la ciudad de Nueva York, Pollock mostró Número 12, 1952, una pintura de manchas grande y magistral que se asemeja a un paisaje manchado de colores brillantes (con una superposición de pintura oscura ampliamente goteada).); la pintura fue adquirida de la exposición de Nelson Rockefeller para su colección personal. En 1960, la pintura sufrió graves daños por un incendio en la Mansión del Gobernador en Albany que también dañó gravemente una pintura de Arshile Gorky y varias otras obras de la colección Rockefeller. Sin embargo, en 1999 había sido restaurado y se instaló en Empire State Plaza.

Si bien Arshile Gorky es considerado uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y un surrealista, también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica de la "tinción". Gorky creó amplios campos de colores vivos, abiertos e ininterrumpidos que utilizó como base en muchas de sus pinturas. En las pinturas más efectivas y logradas de Gorky entre los años 1941 y 1948, utilizó consistentemente intensos campos de color, dejando a menudo que la pintura corriera y goteara, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otro expresionista abstracto cuyas obras de la década de 1940 recuerdan las pinturas sobre manchas de las décadas de 1960 y 1970 es James Brooks. Brooks utilizó con frecuencia la tinción como técnica en sus pinturas de finales de la década de 1940. Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con los que verter, gotear y teñir el lienzo en su mayoría crudo que usaba. Estas obras a menudo combinaban caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, Sam Francis' El estilo del expresionismo abstracto brillante a gran escala estaba estrechamente asociado con la pintura de campos de color. Sus pinturas abarcaron ambos campos dentro de la rúbrica expresionista abstracta, la pintura de acción y la pintura de campos de color.

Después de ver las pinturas de Pollock de 1951 con pintura al óleo negra diluida teñida sobre lienzo en bruto, Helen Frankenthaler comenzó a producir pinturas con tintes en diversos colores al óleo sobre lienzo en bruto en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y Mar (como se ve a continuación). Es una de las creadoras del movimiento del campo de color que surgió a finales de los años cincuenta. Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann. Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de color como se ve en La puerta, 1959-1960. Hofmann fue reconocido no sólo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en los Estados Unidos. Hofmann, que llegó a los Estados Unidos desde Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del modernismo. Hofmann era un joven artista que trabajaba en París y pintaba allí antes de la Primera Guerra Mundial. Hofmann trabajó en París con Robert Delaunay y conoció de primera mano la obra innovadora de Pablo Picasso y Henri Matisse. La obra de Matisse tuvo una enorme influencia en él y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y la potencialidad de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campos de color, y sus teorías influyeron en artistas y críticos, en particular en Clement Greenberg, así como en otros durante las décadas de 1930 y 1940. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland quedaron profundamente influenciados por las manchas de Frankenthaler después de visitar su estudio en la ciudad de Nueva York. Al regresar a Washington, DC, comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento del campo de color a finales de la década de 1950.

En 1972, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler, dijo:

Clement Greenberg incluyó el trabajo de Morris Louis y Kenneth Noland en un espectáculo que hizo en la Galería Kootz a principios de la década de 1950. Clem fue el primero en ver su potencial. Los invitó a Nueva York en 1953, creo que fue, al estudio de Helen ver una pintura que acababa de hacer llamada Montañas y Mar, una pintura muy, muy hermosa, que era en cierto sentido, de Pollock y de Gorky. También fue una de las primeras imágenes de manchas, una de las primeras grandes imágenes de campo en las que se utilizó la técnica de mancha, quizás la primera. Louis y Noland vieron la foto sin rodar en el piso de su estudio y regresaron a Washington, DC., y trabajaron juntos por un tiempo, trabajando en las implicaciones de este tipo de pintura.

La pintura de Morris Louis Donde (1960) fue una innovación importante que hizo avanzar la pintura expresionista abstracta en una nueva dirección hacia el campo de color y el minimalismo. Entre las principales obras de Louis se encuentran sus diversas series de pinturas de campos de color. Algunas de sus series más conocidas son los Unfurleds, los Velos, los Florales y las Rayas o Pilares. De 1929 a 1933, Louis estudió en el Instituto de Bellas Artes y Artes Aplicadas de Maryland (ahora Facultad de Arte del Instituto de Maryland). Trabajó en varios trabajos ocasionales para mantenerse mientras pintaba y en 1935 fue presidente de la Asociación de Artistas de Baltimore. Asociación. De 1936 a 1940 vivió en Nueva York y trabajó en la división de caballete del Works Progress Administration Federal Art Project. Durante este período, conoció a Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros y Jack Tworkov, y regresó a Baltimore en 1940. En 1948, comenzó a utilizar pinturas acrílicas a base de aceite Magna. En 1952, Louis se mudó a Washington, D.C., donde vivió algo apartado de la escena de Nueva York y trabajó casi de forma aislada. Él y un grupo de artistas que incluía a Kenneth Noland fueron fundamentales para el desarrollo de la pintura de campos de color. El punto básico sobre el trabajo de Louis y el de otros pintores de campos de color, a veces conocidos como la Escuela del Color de Washington en contraste con la mayoría de los otros nuevos enfoques de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, es que simplificaron enormemente la idea de lo que constituye el aspecto de una pintura terminada.

Noland, que trabaja en Washington, DC., también fue un pionero del movimiento del campo de color a finales de la década de 1950 y utilizó series como formatos importantes para sus pinturas. Algunas de las series principales de Noland se llamaron Targets, Chevrons y Stripes. Noland asistió al experimental Black Mountain College y estudió arte en su estado natal de Carolina del Norte. Noland estudió con el profesor Ilya Bolotowsky, quien lo introdujo en el neoplasticismo y la obra de Piet Mondrian. Allí también estudió teoría y color de la Bauhaus con Josef Albers y se interesó por Paul Klee, concretamente por su sensibilidad hacia el color. En 1948 y 1949 trabajó con Ossip Zadkine en París y, a principios de la década de 1950, conoció a Morris Louis en Washington, DC.

En 1970, el crítico de arte Clement Greenberg dijo:

Pondría a Pollock junto con Hofmann y Morris Louis en este país entre los mejores pintores de esta generación. En realidad no creo que haya alguien en la misma generación en Europa para que coincida con ellos. A Pollock no le gustaban las pinturas de Hofmann. No podía sacarlos. No tomó el problema. Y a Hofmann no le gustaban las pinturas de Pollock, ni la mayoría de los amigos del artista de Pollock podían hacer cabeza o cola de ellos, las cosas que hizo de 1947 a '50. Pero las pinturas de Pollock viven o mueren en el mismo contexto que las pinturas de Rembrandt o Titian, Velázquez o Goya o David o Manet o Ruben o Michelangelo. No hay interrupción, no hay mutación aquí. Pollock pidió ser probado por el mismo ojo que podía ver lo bueno que era Raphael cuando era bueno o Piero cuando era bueno.

Movimiento del campo de color

A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, los artistas jóvenes comenzaron a romper estilísticamente con el expresionismo abstracto; experimentar con nuevas formas de hacer fotografías; y nuevas formas de manejar la pintura y el color. A principios de la década de 1960, varios y diversos movimientos nuevos en la pintura abstracta estaban estrechamente relacionados entre sí y superficialmente se categorizaban juntos; aunque a la larga resultaron ser profundamente diferentes. Algunos de los nuevos estilos y movimientos que aparecieron a principios de la década de 1960 como respuestas al expresionismo abstracto se denominaron: Washington Color School, pintura de vanguardia, abstracción geométrica, minimalismo y campo de color.

Gene Davis también fue un pintor conocido especialmente por pinturas de franjas verticales de color, como Black Grey Beat, 1964, y también fue miembro del grupo de pintores abstractos en Washington, D.C. durante la década de 1960 conocida como la Escuela de Color de Washington. Los pintores de Washington se encontraban entre los pintores de campos de color más destacados de mediados de siglo.

Los artistas asociados con el movimiento del campo de color durante la década de 1960 se estaban alejando del gesto y la angustia en favor de superficies claras y gestalt. Desde principios hasta mediados de la década de 1960, pintura de campo de color era el término para designar el trabajo de artistas como Anne Truitt, John McLaughlin, Sam Francis, Sam Gilliam, Thomas Downing, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Friedel Dzubas, Jack Bush, Howard Mehring, Gene Davis, Mary Pinchot Meyer, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Robert Goodnough, Ray Parker, Al Held, Emerson Woelffer, David Simpson, Vasa Velizar Mihich y otros cuyas obras anteriormente estaban relacionadas con la segunda generación. expresionismo abstracto; y también a artistas más jóvenes como Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, John Hoyland, Walter Darby Bannard y Frank Stella. Todos avanzaban en una nueva dirección, alejándose de la violencia y la ansiedad de la pintura de acción, hacia un lenguaje de color nuevo y aparentemente más tranquilo.

Aunque el campo de color está asociado con Clement Greenberg, Greenberg en realidad prefirió utilizar el término abstracción pospictórica. En 1964, Clement Greenberg fue curador de una influyente exposición que recorrió el país llamada abstracción pospictórica. La exposición amplió la definición de pintura de campo de color. La pintura de campos de color apuntó claramente hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, alejándose del expresionismo abstracto. En 2007, la curadora Karen Wilkin fue curadora de una exposición llamada Color As Field: American Painting 1950–1975 que viajó a varios museos de los Estados Unidos. La exposición mostró a varios artistas que representan dos generaciones de pintores de campos de color.

En 1970 el pintor Jules Olitski dijo:

No sé qué significa la pintura Color Field. Creo que fue inventado por algún crítico, lo que está bien, pero no creo que la frase signifique nada. ¿Papel de campo de color? Quiero decir, ¿qué es el color? La pintura tiene que ver con muchas cosas. El color está entre las cosas que tiene que ver. Tiene que ver con la superficie. Tiene que ver con la forma, Tiene que ver con sentimientos que son más difíciles de conseguir.

Ronnie Landfield, Rito de primavera1985. El trabajo de Landfield surgió durante la década de 1960. Sus obras son reflejos tanto de la pintura paisaje china como del lenguaje de campo de color. Sus pinturas puente color campo pintura con abstracción lírica.

Jack Bush fue un pintor expresionista abstracto canadiense, nacido en Toronto, Ontario, en 1909. Fue miembro de Painters Eleven, el grupo fundado por William Ronald en 1954 para promover la pintura abstracta en Canadá, y pronto se animó en su arte. del crítico de arte estadounidense Clement Greenberg. Con el apoyo de Greenberg, Bush se vinculó estrechamente con dos movimientos que surgieron de los esfuerzos de los expresionistas abstractos: la pintura de campos de color y la abstracción lírica. Su pintura Big A es un ejemplo de sus pinturas de campos de color de finales de los años sesenta.

A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, Frank Stella fue una figura importante en el surgimiento del minimalismo, la abstracción pospictórica y la pintura de campos de color. Sus lienzos moldeados de los años 60 como Harran II, 1967, revolucionaron la pintura abstracta. Una de las características más importantes de las pinturas de Stella es su uso de la repetición. Sus pinturas Black Pin Stripe de 1959 sorprendieron y conmocionaron a un mundo del arte que no estaba acostumbrado a ver imágenes monocromáticas y repetitivas, pintadas de forma plana, casi sin inflexión. A principios de la década de 1960, Stella realizó varias series. de Pinturas de Aluminio con muescas y Pinturas de Cobre con formas antes de crear lienzos multicolores y de formas asimétricas de finales de los años 1960. El enfoque y la relación de Frank Stella con la pintura de campos de color no fueron permanentes ni centrales para su producción creativa; a medida que su trabajo se volvió cada vez más tridimensional después de 1980.

A finales de la década de 1960, Richard Diebenkorn comenzó su serie Ocean Park; creados durante los últimos 25 años de su carrera y son ejemplos importantes de pintura de campos de color. La serie Ocean Park, ejemplificada por Ocean Park No.129, conecta sus obras expresionistas abstractas anteriores con la pintura de campos de color. A principios de la década de 1950, Richard Diebenkorn era conocido como un expresionista abstracto, y sus abstracciones gestuales estaban cercanas a la Escuela de Nueva York en sensibilidad, pero firmemente basadas en la sensibilidad expresionista abstracta de San Francisco; un lugar donde Clyfford Still tiene una influencia considerable en los artistas más jóvenes en virtud de su enseñanza en el Instituto de Arte de San Francisco.

A mediados de la década de 1950, Richard Diebenkorn junto con David Park, Elmer Bischoff y varios otros formaron la Escuela Figurativa del Área de la Bahía con un regreso a la pintura figurativa. Durante el período comprendido entre el otoño de 1964 y la primavera de 1965, Diebenkorn viajó por toda Europa y se le concedió una visa cultural para visitar y ver pinturas de Henri Matisse en importantes museos soviéticos. Viajó a la entonces Unión Soviética para estudiar pinturas de Henri Matisse en museos rusos que rara vez se veían fuera de Rusia. Cuando volvió a pintar en el Área de la Bahía a mediados de 1965, sus obras resultantes resumieron todo lo que había aprendido durante más de una década como pintor figurativo destacado. Cuando en 1967 volvió a la abstracción, sus obras fueron paralelas a movimientos como el movimiento del campo de color y la abstracción lírica, pero se mantuvo independiente de ambos.

A finales de la década de 1960, Larry Poons, cuyas pinturas anteriores Dot estaban asociadas con el Op Art, comenzó a producir pinturas más sueltas y de formas más libres a las que se hizo referencia como sus pinturas Lozenge Ellipse. de 1967-1968. Junto con John Hoyland, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronald Davis, Ronnie Landfield, John Seery, Pat Lipsky, Dan Christensen y varios otros pintores jóvenes comenzó a formarse un nuevo movimiento relacionado con la pintura de campos de color; eventualmente llamado abstracción lírica. A finales de la década de 1960, los pintores recurrieron a la inflexión de superficies, la representación del espacio profundo y el tacto pictórico y el manejo de la pintura fusionándose con el lenguaje del color. Entre una nueva generación de pintores abstractos que surgió combinando la pintura de campos de color con el expresionismo, la generación anterior también comenzó a infundir nuevos elementos de espacio y superficie complejos en sus obras. En la década de 1970, Poons creó pinturas de piel gruesa, agrietadas y pesadas conocidas como pinturas de piel de elefante, mientras que Christensen rociaba bucles, redes de líneas coloreadas y caligrafía sobre campos multicolores de fondos delicados; Las pinturas de bandas manchadas de Ronnie Landfield son reflejos tanto de la pintura de paisajes china como del lenguaje del campo de color, y la pintura manchada de John Seery ejemplificada por East, 1973, de la Galería Nacional de Australia. Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox y varios otros crearon pinturas que unen la pintura de campos de color con la abstracción lírica y subrayan un nuevo énfasis en el paisaje, el gesto y el tacto.

Descripción general

La pintura de campo de color está relacionada con la abstracción pospictórica, el suprematismo, el expresionismo abstracto, la pintura de vanguardia y la abstracción lírica. Inicialmente se refería a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente a la obra de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y varias series de pinturas de Joan Miró. El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura de campos de color como relacionada pero diferente de la pintura de acción.

Una distinción importante que diferenciaba la pintura de campos de color de la expresión abstracta fue el manejo de la pintura. La técnica fundamental más básica que define la pintura es la aplicación de pintura y los pintores de campos de color revolucionaron la forma en que la pintura se puede aplicar de manera efectiva.

La pintura de campo de color buscaba librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas y Frank Stella, entre otros, utilizaron a menudo formatos muy reducidos, con el dibujo esencialmente simplificado a sistemas repetitivos y regulados, referencias básicas. a la naturaleza y un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron imágenes abiertamente reconocibles en favor de la abstracción. Ciertos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. Al seguir esta dirección del arte moderno, estos artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica, a menudo dentro de series. de tipos relacionados.

A diferencia de la energía emocional, las marcas superficiales gestuales y el manejo de la pintura de expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Willem de Kooning, la pintura de campo de color inicialmente parecía fría y austera. Los pintores de campos cromáticos borran la marca individual en favor de áreas de color grandes, planas, manchadas y empapadas, consideradas la naturaleza esencial de la abstracción visual junto con la forma real del lienzo, que Frank Stella en particular logró de manera inusual con combinaciones. de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura de campos de color ha demostrado ser a la vez sensual y profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual. Negando conexión con el expresionismo abstracto o cualquier otro movimiento artístico, Mark Rothko habló claramente sobre sus pinturas en 1956:

No soy abstraccionista... No me interesa la relación de color o forma ni nada más.... Sólo me interesa expresar emociones humanas básicas — tragedia, éxtasis, doom y demás— y el hecho de que mucha gente se descompone y llora cuando se enfrenta a mis fotos muestra que yo comunico esas emociones humanas básicas.... Las personas que lloran antes de mis fotos tienen la misma experiencia religiosa que tuve cuando las pinté. Y si usted, como usted dice, se mueve sólo por sus relaciones de color, entonces usted pierde el punto!

Pintura con tintes

Joan Miró fue uno de los primeros y más exitosos pintores de manchas. Aunque teñir al óleo se consideraba peligroso para los lienzos de algodón a largo plazo, el ejemplo de Miró durante las décadas de 1920, 1930 y 1940 fue una inspiración y una influencia para la generación más joven. Una de las razones del éxito del movimiento del campo de color fue la técnica de tinción. Los artistas mezclaban y diluían su pintura en cubos o latas de café, formando un líquido fluido y luego lo vertían en lienzos crudos sin imprimación, generalmente pato de algodón. La pintura también se podría aplicar con brocha, rodillo, arrojar, verter o rociar, y se extendería por la tela del lienzo. Generalmente los artistas dibujaban formas y áreas mientras teñían. Muchos artistas diferentes emplearon la tinción como técnica preferida para realizar sus pinturas. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins y docenas de otros pintores descubrieron que verter y teñir abría la puerta a innovaciones y métodos revolucionarios para dibujar y expresar significado de nuevas maneras. El número de artistas que teñían en la década de 1960 aumentó considerablemente con la disponibilidad de pintura acrílica. Teñir pintura acrílica en la tela del lienzo de pato de algodón fue más benigno y menos dañino para la tela del lienzo que el uso de pintura al óleo. En 1970, la artista Helen Frankenthaler comentó sobre su uso de la tinción:

Cuando empecé a hacer las pinturas de las manchas, dejé grandes áreas de tela sin pintar, creo, porque el lienzo en sí actuó con fuerza y positivamente como pintura o línea o color. En otras palabras, el terreno era parte del medio, de modo que en lugar de pensar en él como fondo o espacio negativo o un lugar vacío, esa zona no necesitaba pintura porque tenía pintura al lado. La cosa era decidir dónde dejarlo y dónde llenarlo y dónde decir que esto no necesita otra línea u otro pail de colores. Lo dice en el espacio.

Pintura con aerosol

Pocos artistas utilizaron la técnica de la pistola rociadora para crear grandes extensiones y campos de color rociados sobre sus lienzos durante las décadas de 1960 y 1970. Algunos pintores que utilizaron eficazmente técnicas de pintura con aerosol incluyen a Jules Olitski, quien fue un pionero en su técnica de pulverización que cubría sus grandes pinturas con capa tras capa de diferentes colores, a menudo cambiando gradualmente el tono y el valor en una progresión sutil. Otra innovación importante fue el uso por parte de Dan Christensen de una técnica de pulverización con gran efecto en bucles y cintas de colores brillantes; rociado con claras marcas caligráficas en sus pinturas a gran escala. William Pettet, Richard Saba y Albert Stadler utilizaron la técnica para crear campos multicolores a gran escala; mientras Kenneth Showell rociaba lienzos arrugados y creaba una ilusión de interiores abstractos de naturaleza muerta. La mayoría de los pintores con aerosol estuvieron activos, especialmente a finales de los años 1960 y 1970.

Rayas

Las rayas eran uno de los vehículos de color más populares utilizados por varios pintores de campos de colores diferentes en una variedad de formatos diferentes. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland y David Simpson hicieron importantes series. de pinturas de rayas. Aunque no las llamó rayas sino cremalleras, las rayas de Barnett Newman eran en su mayoría verticales, de diferentes anchos y poco utilizadas. En el caso de Simpson y Noland, sus pinturas de rayas eran en su mayoría horizontales, mientras que Gene Davis pintó pinturas de rayas verticales y Morris Louis pintó principalmente pinturas de rayas verticales, a veces llamadas Pilares. Jack Bush tendía a hacer pinturas de rayas tanto horizontales como verticales, además de angulares.

Pintura magna

Magna, una pintura acrílica de uso artístico especial, fue desarrollada por Leonard Bocour y Sam Golden en 1947 y reformulada en 1960, específicamente para Morris Louis y otros pintores de manchas del movimiento del campo de color. En Magna los pigmentos se muelen en una resina acrílica con disolventes a base de alcohol. A diferencia de los acrílicos modernos a base de agua, Magna es miscible con trementina o alcoholes minerales y se seca rápidamente hasta obtener un acabado mate o brillante. Fue utilizado ampliamente por Morris Louis y Friedel Dzubas y también por el artista pop Roy Lichtenstein. Los colores Magna son más vivos e intensos que las pinturas acrílicas normales a base de agua. Louis usó Magna con gran efecto en su Stripe Series, donde los colores se usan sin diluir y se vierten sin mezclar directamente de la lata.

Pintura acrílica

En 1972, el ex curador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler, dijo:

El campo de color, curiosamente o tal vez no, se convirtió en una forma viable de pintar exactamente en el momento en que la pintura acrílica, la nueva pintura plástica, llegó a ser. Era como si la nueva pintura exigiera una nueva posibilidad en la pintura, y los pintores llegaron a ella. La pintura al óleo, que tiene un medio que es bastante diferente, que no está basada en el agua, siempre deja un poco de aceite, o un charco de aceite, alrededor del borde del color. La pintura acrílica se detiene en su propio borde. La pintura de campo de color llegó al mismo tiempo que la invención de esta nueva pintura.

Los acrílicos estuvieron disponibles comercialmente por primera vez en la década de 1950 como pinturas a base de alcohol mineral llamadas Magna, ofrecidas por Leonard Bocour. Posteriormente, las pinturas acrílicas a base de agua se vendieron como pinturas de "látex" pinturas para el hogar, aunque la dispersión acrílica no utiliza látex derivado del árbol del caucho. Interior "látex" Las pinturas para el hogar tienden a ser una combinación de aglutinante (a veces acrílico, vinilo, pva y otros), masilla, pigmento y agua. Exterior "látex" Las pinturas para el hogar también pueden contener un "copolímero" mezcla, pero las mejores pinturas exteriores a base de agua son 100% acrílicas.

Poco después de que se introdujeran los aglutinantes acrílicos a base de agua como pinturas para el hogar, tanto los artistas (el primero de los cuales fueron muralistas mexicanos) como las empresas comenzaron a explorar el potencial de los nuevos aglutinantes. Las pinturas acrílicas de los artistas se pueden diluir con agua y usar como lavados a la manera de las pinturas de acuarela, aunque los lavados son rápidos y permanentes una vez secos. Las pinturas acrílicas solubles en agua con calidad de artista estuvieron disponibles comercialmente a principios de la década de 1960, ofrecidas por Liquitex y Bocour bajo el nombre comercial de Aquatec. Liquitex y Aquatec solubles en agua demostraron ser ideales para pintar tintes. La técnica de tinción con acrílicos solubles en agua hizo que los colores diluidos se hundieran y se adhirieran firmemente al lienzo en bruto. Pintores como Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Sherron Francis, Jules Olitski, Gene Davis, Ronald Davis, Sam Gilliam y otros utilizaron con éxito acrílicos a base de agua para su nuevo tinte., pinturas de campo de color.

Legado: influencias e influenciados

El pintoresca legado de la pintura del siglo XX es una larga e interrelacionada corriente de influencias y complejas interrelaciones. El uso de grandes campos abiertos de color expresivo aplicados en generosas porciones pintorescas, acompañados de un dibujo suelto (puntos lineales y/o contorno figurativo) se puede ver primero en las obras de principios del siglo XX de Henri Matisse y Joan Miró. Matisse y Miró, así como Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky y Piet Mondrian influenciaron directamente a los expresionistas abstractos, los pintores de campo de color de la abstracción post-painteral y los abstracionistas líricos. Los estadounidenses del siglo XIX, como Augustus Vincent Tack y Albert Pinkham Ryder, junto con los primeros modernistas americanos como Georgia O'Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove y los paisajes de Milton Avery también proporcionaron importantes precedentes y fueron influencias en los expresionistas abstractos, los pintores de campo de color y los abstrasionistas líricos. Matisse pinturas Ventana francesa en Collioure, y Vista de Notre-Dame ambos de 1914 ejercieron una enorme influencia en los pintores de campo de color americano en general, (incluyendo Robert Motherwell's Serie abierta), y en el de Richard Diebenkorn Ocean Park pinturas específicamente. Según el historiador del arte Jane Livingston, Diebenkorn vio ambas pinturas Matisse en una exposición en Los Ángeles en 1966, y tuvieron un enorme impacto en él y su obra. Jane Livingston dice sobre la exposición Matisse de enero de 1966 que Diebenkorn vio en Los Ángeles:

Es difícil no atribuir un enorme peso a esta experiencia por la dirección que su trabajo tomó de ese tiempo. Dos fotos que vio allí reverberan en casi todos Ocean Park lienzo. Vista de Notre Dame y Ventana Francesa en Collioure, ambos pintados en 1914, fueron vistas por primera vez en los Estados Unidos.

Livingston continúa diciendo: "Diebenkorn debe haber experimentado la Ventana Francesa en Collioure, como una epifanía".

Miró fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Fue pionero en la técnica de la tinción; crear fondos borrosos y multicolores con pintura al óleo diluida durante las décadas de 1920 y 1930; a lo cual añadió su caligrafía, personajes y abundante léxico de palabras e imágenes. Arshile Gorky admiraba abiertamente la obra de Miró y pintaba cuadros parecidos a Miró, antes de descubrir finalmente su propia originalidad a principios de los años cuarenta. Durante la década de 1960, Miró pintó grandes campos radiantes (escala expresionista abstracta) de pintura vigorosamente pincelada en azul, blanco y otros campos de colores monocromáticos; con orbes negros borrosos y formas caligráficas parecidas a piedras, flotando al azar. Estas obras se parecían a las pinturas de campo en color de la generación más joven. El biógrafo Jacques Dupin dijo esto sobre la obra de Miró de principios de los años 1960:

Estos lienzos revelan afinidades – Miró no en el menor intento de negar esto – con las investigaciones de una nueva generación de pintores. Muchos de estos, Jackson Pollock por uno, han reconocido su deuda con Miró. Miró a su vez muestra vivo interés en su trabajo y nunca pierde la oportunidad de animarlos y apoyarlos. Tampoco lo considera bajo su dignidad utilizar sus descubrimientos en algunas ocasiones.

Tomando su ejemplo de otros modernistas europeos como Miró, el movimiento de campo de color abarca varias décadas desde mediados del siglo XX hasta principios del siglo XXI. La pintura de campo de color en realidad abarca tres generaciones separadas pero relacionadas de pintores. Los términos comúnmente utilizados para referirse a los tres grupos separados pero relacionados son el expresionismo abstracto, la abstracción post-painterna y la abstracción lírica. Algunos de los artistas hicieron obras en las tres eras, que se relacionan con los tres estilos. Los pioneros del campo de color como Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, John Ferren, Adolph Gottlieb y Robert Motherwell se consideran principalmente como expresionistas abstractos. Artistas como Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski, y Kenneth Noland eran de una generación ligeramente más joven, o en el caso de Morris Louis alineado estéticamente con el punto de vista de esa generación; que comenzó como expresionistas abstractas pero rápidamente se movió a la abstracción post-painteral. Mientras artistas más jóvenes como Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, comenzaron con la abstracción post-painterna y finalmente avanzaron hacia un nuevo tipo de expresionismo, llamado abstracción lírica. Muchos de los artistas mencionados, así como muchos otros, han practicado los tres modos en una fase de sus carreras u otra. Durante las fases posteriores de la pintura de campo de color; como reflejos del zeitgeist de finales de la década de 1960 (en que todo comenzó a #) y la angustia de la edad (con todas las incertidumbres del tiempo) se fusionó con la gestalt de la abstracción post-painterna, produciendo abstracción lírica que combina la precisión del campo de color idioma con la malerische de los expresionistas abstractos. Durante el mismo período de finales de la década de 1960, y principios de la década de 1970 en Europa, Gerhard Richter, Anselm Kiefer y varios otros pintores también comenzaron a producir obras de intensa expresión, fusionando abstracción con imágenes, incorporando imágenes paisajísticas y figuración que a finales de la década de 1970 se denomina Neo-expresionismo.

Pintoras

Lo siguiente es una lista de pintores de campo de color, artistas estrechamente relacionados y algunas de sus influencias más importantes: