Bucle de cinta

En música, los bucles de cinta son bucles de cinta magnética que se utilizan para crear patrones musicales rítmicos y repetitivos o capas densas de sonido cuando se reproducen en una grabadora. Con su origen en la década de 1940 con el trabajo de Pierre Schaeffer, fueron utilizados por compositores contemporáneos de las décadas de 1950 y 1960, como Éliane Radigue, Steve Reich, Terry Riley y Karlheinz Stockhausen, quienes los utilizaron para crear patrones de fase, ritmos, texturas y timbres. Los autores de música popular de las décadas de 1960 y 1970, particularmente en los géneros psicodélico, progresivo y ambiental, utilizaron bucles de cinta para acompañar su música con efectos de sonido innovadores. En la década de 1980, el audio analógico y los bucles de cinta dieron paso al audio digital y la aplicación de computadoras para generar y procesar sonido.

Descripción

En un bucle de cinta, una sección de cinta magnética se corta y se empalma de un extremo a otro, creando un círculo o bucle que se puede reproducir de forma continua, normalmente en una grabadora de cinta de carrete a carrete, haciendo que el sonido se repita sin fin..

La reproducción simultánea de bucles de cinta para crear patrones y ritmos fue desarrollada y utilizada inicialmente por compositores de música concreta y cinta, y fue utilizada más ampliamente por Steve Reich para su "fase" piezas como "Come Out" (1966) y 'Va a llover' (1965), y por Karlheinz Stockhausen en Gesang der Jünglinge (1955–56) y Kontakte (1958–60). Stockhausen también utilizó la técnica para presentaciones en vivo en Solo (1965-1966).

Si, en lugar de simplemente reproducir un bucle grabado, se hace algo para alterar progresivamente el material grabado entre ciclos, como volver a grabar el sonido antes de que pase por el cabezal de reproducción o agregar material nuevo al bucle, entonces un proceso de cambio se producirá en el contenido, la calidad y la complejidad del material.

En una grabadora de cinta de carrete a carrete estándar, un bucle no puede durar más de unos pocos segundos. Algunos compositores quedaron satisfechos con este enfoque, pero había otros métodos para permitir bucles más largos. Por ejemplo, colocar dos máquinas de carrete a carrete una al lado de la otra con la ruta de la cinta corriendo de una a la otra. Al utilizar este método, algunos compositores podían crear bucles muy largos que permitían sonidos de mayor duración. Al grabar su histórico álbum ambiental de 1978 Music for Airports, Brian Eno informó que para una canción en particular, "uno de los bucles de la cinta tenía setenta y nueve pies de largo y el otro ochenta y tres pies" 34;. El bucle de cinta abierto más largo jamás creado fue creado por Barry Anderson para las interpretaciones de Solo de Stockhausen, pero los cartuchos cerrados suelen ofrecer longitudes mucho más largas.

Al acelerar la velocidad de un bucle en un grado suficiente (p. ej., 1280 veces más rápido), una secuencia de eventos originalmente percibida como un ritmo se escucha como un tono, y la variación del ritmo en la sucesión original de eventos produce diferentes timbres en el sonido acelerado. La aceleración máxima disponible de la mayoría de las grabadoras de cinta de tres velocidades es cuatro veces.

Historia

A finales de la década de 1940, Pierre Schaeffer usó discos de fonógrafo especiales con un sillon fermé (surco cerrado) para repetir segmentos de sonidos en su estudio de musique concrète en París. Cuando la tecnología de cinta magnética estuvo disponible, reemplazó esta técnica con bucles de cinta, donde dichos segmentos podían simplemente repetirse o podían sufrir una transformación electrónica durante la repetición.

En 1955, Éliane Radigue, aprendiz de Pierre Schaeffer en Studio d'Essai, aprendió a cortar, empalmar y editar cinta utilizando sus técnicas. Sin embargo, a finales de los 60 se interesó más en la retroalimentación de cinta. Compuso varias piezas (Jouet Electronique [1967], Elemental I [1968], Stress-Osaka [1969], Usral [1969], Ohmnht [1970] Vice Versa, etc [1970]) mediante el procesamiento de la retroalimentación entre dos grabadoras y un micrófono.

Halim El-Dabh, que experimentó con cintas musicales desde principios de la década de 1940 hasta la década de 1950, también utilizó bucles de cinta. A fines de la década de 1950, el Taller Radiofónico de la BBC comenzó a usar bucles de cinta para agregar efectos especiales a algunos programas de la BBC. Se emplearon varias configuraciones diferentes de bucles de cinta en los primeros años del WDR Studio en Colonia. Uno de esos arreglos se utilizó para crear texturas de varias capas mediante la grabación secuencial de sonidos con el cabezal de borrado desconectado o con una disposición personalizada de los cabezales. Gottfried Michael Koenig aplicó este método en 1954, en su Klangfiguren I.

En Canadá, Hugh Le Caine produjo "un ejemplo particularmente claro y memorable de musique concrète" en 1955 titulado Dripsody. Fue construido a partir del sonido de una sola gota de agua, utilizando una grabadora de cinta de velocidad variable, bucles de cinta y solo 25 empalmes. Al mismo tiempo, en Colonia, Karlheinz Stockhausen produjo una obra más ambiciosa, Gesang der Jünglinge (1955-1956), que hizo un uso extensivo de bucles de cinta, particularmente para sus grupos de impulso estratificados y enjambres corales.

El compositor minimalista Terry Riley comenzó a utilizar bucles de cinta a finales de la década de 1950. Usando simples grabadoras de cinta Wollensak, grabó música de piano, discursos y otras muestras de sonido, que reproduciría en los altavoces que rodeaban a la audiencia junto con la actuación en vivo, creando "texturas orquestales", como lo expresa Edward Strickland. Con la ayuda de Richard Maxfield y Ramon Sender, Riley combinó bucles de cinta con dispositivos echoplex, produciendo un 'viaje ácido'. pieza Mescalin Mix (1961), realizada a partir de muestras sonoras de sus trabajos anteriores. Más tarde, experimentó con la combinación de diferentes cintas, produciendo piezas como Music for the Gift (1963) y culminando con el uso de un sistema de retardo/retroalimentación de cinta que empleaba dos grabadoras (descritas colectivamente por Riley como el "acumulador de lag de tiempo") en presentaciones en vivo en solitario.

El uso de bucles de cinta en la música popular se remonta a la música dub jamaicana de la década de 1960. El productor de doblaje King Tubby usó bucles de cinta en sus producciones, mientras improvisaba con unidades de retardo caseras. Otro productor de dub, Sylvan Morris, desarrolló un efecto de eco de slapback mediante el uso de bucles de cinta tanto mecánicos como hechos a mano. Estas técnicas fueron adoptadas posteriormente por músicos de hip hop en la década de 1970.

Steve Reich también usó bucles de cinta para componer, usando una técnica que él llamó "fases". Ponía dos bucles de cinta juntos a velocidades ligeramente diferentes, para que comenzaran a reproducirse simultáneamente y luego se separaran. Las piezas creadas con este método son It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966). En Violin Phase (1967) combinó el bucle de cinta con una partitura instrumental. Posteriormente, Gavin Bryars exploró un concepto similar en la composición 1, 2, 1-2-3-4 (1971), interpretada por un pequeño conjunto en el que cada músico intentaba reproducir la grabación de forma independiente.

En las décadas de 1960 y 1970, el uso de bucles de cinta supuso un gran avance en la música popular. A medida que avanzaban hacia su estilo "psicodélico" En esta fase, los Beatles experimentaron cada vez más con nuevas tecnologías y grabadoras, un proceso que culminó con Revolver (1966) y su último tema 'Tomorrow Never Knows', basado en cinco bucles de cinta que se ejecutan simultáneamente. "Revolución 9" (1968) fue una empresa aún más experimental, que consistía casi en su totalidad en bucles de cinta que iban y venían.

La introducción de nuevas tecnologías, como secuenciadores de música analógicos y sintetizadores en la década de 1970, seguida de secuenciadores digitales en 1977, marcó el final de la era de los bucles de cinta en la industria de la música. Con la llegada de MIDI en 1983, las computadoras y los dispositivos digitales se hicieron cargo de la producción de efectos de sonido a partir de dispositivos analógicos. Las composiciones de bucles de cinta solo han tenido resurgimientos esporádicos desde entonces, como la serie The Disintegration Loops de William Basinski (2002-2003), que evidencia la muerte lenta de sus cintas grabadas originalmente en la década de 1980.

Grabaciones