Bridget Riley

Shadow Play, 1990, aceite sobre lienzo

Bridget Louise Riley CH CBE (nacida el 24 de abril de 1931) es una pintora inglesa conocida por sus pinturas op art. Vive y trabaja en Londres, Cornualles y Vaucluse en Francia.

Vida temprana y educación

Riley nació el 24 de abril de 1931 en Norwood, Londres. Su padre, John Fisher Riley, originario de Yorkshire, había sido oficial del ejército. Era impresor de oficio y dueño de su propio negocio. En 1938, trasladó la imprenta, junto con su familia, a Lincolnshire.

Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, su padre, miembro del Ejército Territorial, fue movilizado y Riley, junto con su madre y su hermana Sally, se mudaron a una cabaña en Cornualles. La cabaña, no lejos del mar cerca de Padstow, se compartía con una tía que era una ex alumna de Goldsmiths' Colegio, Londres. La educación primaria llegó en forma de charlas y conferencias irregulares a cargo de maestros no calificados o jubilados. Asistió a Cheltenham Ladies' College (1946–1948) y luego estudió arte en Goldsmiths' College (1949-1952), y más tarde en el Royal College of Art (1952-1955).

Entre 1956 y 1958, cuidó a su padre, quien había estado involucrado en un grave accidente automovilístico. Sufrió una crisis nerviosa por el deterioro de la salud de su padre. Después de esto, trabajó en una tienda de cristalería. Eventualmente se unió a la agencia de publicidad J. Walter Thompson, como ilustradora, donde trabajó a tiempo parcial hasta 1962. La exposición de Jackson Pollock en la Galería Whitechapel en el invierno de 1958 tuvo un impacto en ella.

Su trabajo inicial fue figurativo y semiimpresionista. Entre 1958 y 1959, su trabajo en la agencia de publicidad mostró su adopción de un estilo de pintura basado en la técnica puntillista. Alrededor de 1960, comenzó a desarrollar su estilo característico Op Art que consiste en patrones geométricos en blanco y negro que exploran el dinamismo de la vista y producen un efecto de desorientación en el ojo y producen movimiento y color. En el verano de 1960, realizó una gira por Italia con su mentor Maurice de Sausmarez, y los dos amigos visitaron la Bienal de Venecia con su gran exposición de obras futuristas.

Al principio de su carrera, Riley trabajó como profesora de arte para niños de 1957 a 1958 en el Convento del Sagrado Corazón, Harrow (ahora conocido como Sacred Heart Language College). En el Convento del Sagrado Corazón inició un curso básico de diseño. Más tarde trabajó en la Loughborough School of Art (1959), Hornsey College of Art y Croydon College of Art (1962–64).

En 1961, ella y su socio Peter Sedgley visitaron la meseta de Vaucluse en el sur de Francia y adquirieron una granja abandonada que eventualmente transformaron en un estudio. De vuelta en Londres, en la primavera de 1962, Victor Musgrave de Gallery One realizó su primera exposición individual.

En 1968, Riley, con Sedgley y el periodista Peter Townsend, crearon los artistas' organización SPACE (Provisión de Espacio Artístico, Cultural y Educativo), con el objetivo de proporcionar a los artistas un espacio de estudio amplio y asequible.

La forma de ver de Seurat

Georges Seurat 1886-1887 El puente en Courbevoie, copiado y ampliado por Riley, tuvo una influencia poderosa en su acercamiento a la pintura.

Exposición de la Galería Courtauld 2015–2016 "Bridget Riley: Learning from Seurat", incluyendo su pintura de 1960 Paisaje rosa El estilo de Riley fue influenciado por el puntillismo de Georges Seurat y el placer de ver.

El estilo maduro de Riley, desarrollado durante la década de 1960, fue influenciado por fuentes como el artista neoimpresionista francés Georges Seurat. En 2015-6, la Galería Courtauld, en su exposición Bridget Riley: Aprendiendo de Seurat, defendió cómo el puntillismo de Seurat influyó en ella hacia la pintura abstracta. Cuando era un joven artista en 1959, Riley vio El puente en Courbevoie, propiedad de Courtauld, y decidió pintar una copia. La obra resultante ha estado colgada en el estudio de Riley desde entonces, salvo su préstamo a la galería para la exposición, lo que demuestra, en opinión del crítico de arte Jonathan Jones, "cuán crucial" Seurat fue a su acercamiento al arte. Riley describió su copia de la pintura de Seurat como una "herramienta", interpretada por Jones en el sentido de que ella, como Seurat, practicaba el arte "como una ciencia óptica"; en su opinión, Riley "realmente forjó su estilo óptico estudiando a Seurat", haciendo de la exposición un verdadero encuentro entre lo viejo y lo nuevo. Jones comenta que Riley investigó el puntillismo de Seurat pintando a partir de una ilustración de un libro del Puente de Seurat a una escala ampliada para determinar cómo su técnica utilizaba colores complementarios, y continuó para crear sus propios paisajes puntillistas, como Paisaje rosa (1960), pintado poco después de su estudio de Seurat y que retrata las "colinas llenas de sol de la Toscana" (y que se muestra en el cartel de la exposición) que Jones escribe podría tomarse fácilmente como un original posimpresionista. En su opinión, Riley comparte la 'alegría de vivir' de Seurat, un deleite simple pero radical en el color y la vista.

Trabajo

Fue durante este período que Riley comenzó a pintar las obras en blanco y negro por las que se hizo conocida por primera vez. Presentan una gran variedad de formas geométricas que producen sensaciones de movimiento o color. A principios de la década de 1960, se decía que sus obras inducían una variedad de sensaciones en los espectadores, desde el mareo hasta la sensación de paracaidismo. De 1961 a 1964 trabajó con el contraste de blanco y negro, introduciendo ocasionalmente escalas tonales de gris. Las obras de este estilo comprendieron su primera exposición individual de 1962 en la Galería Uno de Musgrave, así como numerosas exposiciones posteriores. Por ejemplo, en Otoño, una única curva perpendicular se repite para crear un campo de frecuencias ópticas variables. Visualmente, estas obras se relacionan con muchas preocupaciones de la época: una necesidad percibida de participación del público (esto las relaciona con los Happenings, que eran comunes en esta época), desafíos a la noción de la dualidad mente-cuerpo que llevó a Aldous Huxley a experimentar con drogas alucinógenas; preocupaciones con una tensión entre un futuro científico que podría ser muy beneficioso o podría conducir a una guerra nuclear; y temores acerca de la pérdida de la experiencia individual genuina en un Brave New World. Sus pinturas desde 1961, han sido ejecutadas por asistentes. Planifica meticulosamente el diseño de su composición con dibujos preparatorios y técnicas de collage; sus asistentes pintan los lienzos finales con gran precisión bajo sus instrucciones.

Riley comenzó a investigar el color en 1967, año en el que realizó su primera pintura a rayas. Después de una gran retrospectiva a principios de la década de 1970, Riley comenzó a viajar mucho. Después de un viaje a Egipto a principios de la década de 1980, donde se inspiró en la colorida decoración jeroglífica, Riley comenzó a explorar el color y el contraste. En algunas obras, se utilizan líneas de color para crear un efecto brillante, mientras que en otras el lienzo está lleno de patrones de teselado. Típico de estos coloridos trabajos posteriores es Shadow Play.

Algunas obras se titulan según fechas particulares, otras según ubicaciones específicas (por ejemplo, Les Bassacs, el pueblo cerca de Saint-Saturnin-lès-Apt en el sur de Francia donde Riley tiene un estudio).

Tras una visita a Egipto en 1980-1981, Riley creó colores en lo que llamó su 'paleta egipcia' y produjo obras como las series Ka y Ra, que capturan el espíritu del país, antiguo y moderno, y reflejan los colores del paisaje egipcio. Invocando la memoria sensorial de sus viajes, las pinturas realizadas entre 1980 y 1985 exhiben la reconstrucción libre de Riley de la restringida paleta cromática descubierta en el exterior. En 1983, por primera vez en quince años, Riley regresó a Venecia para estudiar una vez más las pinturas que forman la base del colorismo europeo. Hacia fines de la década de 1980, el trabajo de Riley experimentó un cambio dramático con la reintroducción de la diagonal en forma de una secuencia de paralelogramos utilizados para interrumpir y animar las rayas verticales que habían caracterizado sus pinturas anteriores. En Delos (1983), por ejemplo, los tonos azul, turquesa y esmeralda se alternan con ricos amarillos, rojos y blancos.

Murales

Bolt of Color, 2017–2019. Vista de la instalación, Fundación Chinati, Marfa, Texas

Riley ha pintado murales temporales para la Tate, el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y la National Gallery. En 2014, la colección de arte benéfica del Imperial College Healthcare le encargó la realización de un mural permanente de 56 metros para el Hospital St Mary's de Londres; la obra se instaló en el décimo piso del Queen Elizabeth Queen Mother Wing del hospital, uniéndose a otras dos que había pintado más de 20 años antes. En 2017, instaló un mural a rayas que rodeaba un antiguo cuartel del ejército en forma de U en la Fundación Chinati en Marfa, Texas, que amplió un trabajo ejecutado para el Royal Liverpool Hospital en 1983.

Entre 2017 y 2019, la pintura mural de Riley para la Fundación Chinati, Marfa, Texas, fue la obra más grande del artista hasta la fecha y abarcó seis de las ocho paredes del edificio. El mural hacía referencia a la pintura mural Bolt of Colour (1983) del Royal Liverpool University Hospital y revisó la paleta egipcia del artista.

Sobre la naturaleza y el papel del artista

Riley hizo los siguientes comentarios sobre el trabajo artístico en su conferencia Painting Now, 23rd William Townsend Memorial Lecture, Slade School of Fine Art, Londres, 26 de noviembre de 1996:

Beckett interpreta Proust as being convinced that such a text cannot be created or invented but can only be discovered within the artist himself, and that it is, as it were, almost a law of his own nature. Es su posesión más preciosa, y, como explica Proust, la fuente de su felicidad más interior. Sin embargo, como se puede ver en la práctica de los grandes artistas, aunque el texto puede ser fuerte y duradero y capaz de apoyar la obra de una vida, no se puede dar por sentado y no hay garantía de posesión permanente. Puede ser erróneo o incluso perdido, y la recuperación es muy difícil. Puede estar adormecido, y ser descubierto tarde en la vida después de una larga lucha, como con Mondrian o Proust mismo. Por qué debe ser que algunas personas tienen este tipo de texto mientras que otros no lo hacen, y lo que significa que tiene, no es algo que se presta a la discusión. Tampoco corresponde al artista decidir lo importante que es, o qué valor tiene para otras personas. Para determinar esto es quizás más allá de las capacidades del propio tiempo de un artista.

Escritora y curadora

Riley ha escrito sobre artistas desde Nicolas Poussin hasta Bruce Nauman. Fue co-comisaria de Piet Mondrian: From Nature to Abstraction (con Sean Rainbird) en la Tate Gallery en 1996. Junto con el historiador de arte Robert Kudielka, Riley también fue curadora de la exposición de 2002 "Paul Klee: The Nature of Creation", una exposición en la Hayward Gallery de Londres en 2002. En 2010, curó una muestra de artistas seleccionados en la National Gallery de Londres, eligiendo pinturas de figuras grandes de Tiziano, Veronese, El Greco, Rubens, Poussin y Paul Cézanne.

Exposiciones

En 1965, Riley exhibió en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York la muestra The Responsive Eye (creada por el curador William C. Seitz); la exposición que atrajo por primera vez la atención mundial sobre su trabajo y el movimiento Op Art. Su pintura Current, 1964, fue reproducida en la portada del catálogo de la muestra. Sin embargo, Riley se desilusionó cada vez más con la explotación de su arte con fines comerciales y descubrió que en los EE. UU. no había protección de derechos de autor para los artistas. La primera legislación de derechos de autor de EE. UU. finalmente se aprobó, siguiendo una iniciativa independiente de artistas de Nueva York, en 1967.

Participó en las documentas IV (1968) y VI (1977). En 1968, Riley representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia, donde fue la primera pintora contemporánea británica y la primera mujer en recibir el Premio Internacional de pintura. Su trabajo disciplinado perdió terreno frente a los gestos asertivos de los neoexpresionistas en la década de 1980, pero una exhibición de sus primeras pinturas en la Serpentine Gallery en 1999 provocó un resurgimiento del interés en sus experimentos ópticos. "Bridget Riley: Reconnaissance", una exposición de pinturas de las décadas de 1960 y 1970, se presentó en Dia:Chelsea en 2000. En 2001 participó en Site Santa Fe, y en 2003 la Tate Britain organizó una importante Retrospectiva Riley. En 2005, su trabajo se presentó en Gallery Oldham. Entre noviembre de 2010 y mayo de 2011, su exposición "Pinturas y obras afines" fue presentado en la National Gallery de Londres.

En junio y julio de 2014, la muestra retrospectiva "Bridget Riley: The Stripe Paintings 1961–2014" fue presentado en la David Zwirner Gallery de Londres. En julio y agosto de 2015, la exposición retrospectiva "Bridget Riley: The Curve Paintings 1961–2014" fue presentado en el Pabellón De La Warr en Bexhill-on-Sea.

En noviembre de 2015, se inauguró la exposición Bridget Riley en David Zwirner en Nueva York. La muestra presenta pinturas y obras sobre papel del artista desde 1981 hasta el presente; el catálogo completamente ilustrado presenta un ensayo del historiador de arte Richard Shiff y notas biográficas compiladas por Robert Kudielka.

Una exposición retrospectiva en la Scottish National Gallery, en colaboración con la Hayward Gallery, se llevó a cabo de junio a septiembre de 2019. Mostró pinturas y dibujos tempranos, obras en blanco y negro de la década de 1960 y estudios que revelan sus métodos de trabajo.. Esta importante exhibición de su trabajo, que abarca sus 70 años de carrera, también se exhibió en Hayward Gallery desde octubre de 2019 hasta enero de 2020.

Colecciones públicas

Influencia

Movimiento en Plazas, 1961, fue tema de un debate de plagio 2013 entre Riley y Tobias Rehberger.

Los artistas Ross Bleckner y Philip Taaffe realizaron pinturas en homenaje a la obra de Riley en los años 80. En 2013, Riley afirmó que una obra de tablero de ajedrez en blanco y negro del tamaño de una pared de Tobias Rehberger plagió su pintura Movimiento en cuadrados y pidió que se retirara de la exhibición en la Biblioteca Estatal de Berlín.;s sala de lectura.

Reconocimiento

En 1963, Riley recibió el Premio de la Crítica AICA y el Premio John Moores de la Sección Abierta de Liverpool. Un año después, recibió una beca de viaje de la Fundación Peter Stuyvesant. En 1968 recibió un Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia. En 1974, fue nombrada Comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico. Riley ha recibido doctorados honorarios de Oxford (1993) y Cambridge (1995). En 2003, recibió el Praemium Imperiale y, en 1998, se convirtió en una de los 65 Compañeros de Honor en Gran Bretaña. Como miembro de la junta de la Galería Nacional en la década de 1980, bloqueó el plan de Margaret Thatcher de dar una propiedad contigua a los desarrolladores y, por lo tanto, ayudó a asegurar la construcción final del ala Sainsbury del museo. Riley también recibió el Goslarer Kaiserring de la ciudad de Goslar en 2009 y el 12º Premio Rubens de Siegen en 2012. También en 2012, se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Sikkens [nl], el premio de arte holandés que reconoce el uso del color.

Filantropía

Riley es Patrona de Pinturas en Hospitales, una organización benéfica establecida en 1959 para brindar arte para la atención médica y social en Inglaterra, Gales e Irlanda del Norte.

Entre 1987 y 2014, creó tres murales en los pisos octavo, noveno y décimo del Queen Elizabeth Queen Mother Wing, St Mary's Hospital, Londres.

En 2017, junto con Yoko Ono y Tracey Emin, Riley donó obras de arte a una subasta para recaudar fondos para Modern Art Oxford.

Mercado del arte

En 2006, Jeffrey Deitch compró en Sotheby's su obra Untitled (Diagonal Curve) (1966), un lienzo en blanco y negro de curvas vertiginosas, por 2,1 millones de dólares, casi tres veces su estimación máxima de $ 730,000 y también un récord para el artista. En febrero de 2008, el lienzo punteado Static 2 (1966) del artista recaudó 1.476.500 libras esterlinas (2,9 millones de dólares), superando con creces su estimación máxima de 900.000 libras esterlinas (1,8 millones de dólares), en Christie's en Londres. Chant 2 (1967), parte del trío que se mostró en la Bienal de Venecia, fue a parar a un coleccionista estadounidense privado por 2.561.250 libras esterlinas (5,1 millones de dólares), en julio de 2008, en Sotheby's.