Blues

Blues es un género musical y una forma musical que se originó en el sur profundo de los Estados Unidos alrededor de la década de 1860. El blues incorporó espirituales, canciones de trabajo, gritos de campo, gritos, cánticos y baladas narrativas simples rimadas de la cultura afroamericana. La forma de blues es omnipresente en el jazz, el rythm and blues y el rock and roll, y se caracteriza por el patrón de llamada y respuesta (la escala de blues y las progresiones de acordes específicas) de las cuales el blues de doce compases es el más común. Las notas azules (o "notas preocupantes"), generalmente terceras, quintas o séptimas aplanadas en el tono, también son una parte esencial del sonido. Los blues shuffle o walking bass refuerzan el ritmo de trance y forman un efecto repetitivo conocido como groove.

El blues como género también se caracteriza por sus letras, líneas de bajo e instrumentación. Los primeros versos tradicionales de blues consistían en una sola línea repetida cuatro veces. Fue solo en las primeras décadas del siglo XX que la estructura actual más común se convirtió en estándar: el patrón AAB, que consiste en una línea cantada sobre los cuatro primeros compases, su repetición en los cuatro siguientes y luego una línea final más larga sobre el últimos compases. Los primeros blues con frecuencia tomaban la forma de una narración suelta, a menudo relacionada con la discriminación racial y otros desafíos experimentados por los afroamericanos.

Muchos elementos, como el formato de llamada y respuesta y el uso de notas azules, se remontan a la música de África. Los orígenes del blues también están muy relacionados con la música religiosa de la comunidad afroamericana, los espirituales. La primera aparición del blues a menudo se remonta al final de la esclavitud y, más tarde, al desarrollo de los juke joints. Está asociado con la libertad recién adquirida de los antiguos esclavos. Los cronistas comenzaron a informar sobre la música blues en los albores del siglo XX. La primera publicación de partituras de blues fue en 1908. Desde entonces, el blues ha evolucionado desde la música vocal sin acompañamiento y las tradiciones orales de los esclavos hacia una amplia variedad de estilos y subgéneros. Los subgéneros de blues incluyen blues country, como Delta blues y Piedmont blues, así como estilos de blues urbano como Chicago blues y West Coast blues. La Segunda Guerra Mundial marcó la transición del blues acústico al eléctrico y la apertura progresiva de la música blues a un público más amplio, especialmente a los oyentes blancos. En las décadas de 1960 y 1970, se desarrolló una forma híbrida llamada blues rock, que combinaba los estilos de blues con la música rock.

Etimología

El término Blues puede provenir de "diablos azules", que significa melancolía y tristeza; un uso temprano del término en este sentido se encuentra en la farsa de un acto de George Colman Blue Devils (1798). La frase diablos azules también puede haberse derivado de un uso británico del siglo XVII que se refiere a las "intensas alucinaciones visuales que pueden acompañar a la abstinencia severa de alcohol". Con el paso del tiempo, la frase perdió la referencia a los demonios y pasó a significar un estado de agitación o depresión. Hacia 1800 en los Estados Unidos, el término blues se asociaba con el consumo de alcohol, un significado que sobrevive en la frase blue law, que prohíbe la venta de alcohol los domingos. Aunque el uso de la frase en la música afroamericana puede ser más antiguo, se ha atestiguado en forma impresa desde 1912, cuando Hart Wand's "Dallas Blues" se convirtió en la primera composición de blues con derechos de autor.

En las letras, la frase se usa a menudo para describir un estado de ánimo depresivo.

En 1827, fue en el sentido de un estado de ánimo triste que John James Audubon le escribió a su esposa que "tenía el blues".

La frase "el blues" fue escrito por Charlotte Forten, entonces de 25 años, en su diario el 14 de diciembre de 1862. Era una mujer negra nacida libre de Pensilvania que trabajaba como maestra de escuela en Carolina del Sur, instruyendo tanto a esclavos como a libertos, y escribió que ella & #34;regresé a casa con el blues" porque se sentía sola y se compadecía de sí misma. Superó su depresión y más tarde notó una serie de canciones, como 'Pobre Rosy', que eran populares entre los esclavos. Aunque admitió no poder describir la forma de cantar que escuchó, Forten escribió que las canciones "no se pueden cantar sin un corazón lleno y un espíritu atribulado", condiciones que han inspirado innumerables canciones de blues.

Letras

La cantante americana Ma Rainey (1886-1939), la "Madre de los azules"

La letra de los primeros versos tradicionales de blues a menudo consistía en una sola línea repetida cuatro veces. Fue solo en las primeras décadas del siglo XX que la estructura actual más común se convirtió en estándar: el llamado "AAB" patrón, que consiste en una línea cantada sobre los cuatro primeros compases, su repetición sobre los siguientes cuatro, y luego una línea final más larga sobre los últimos compases. Dos de las primeras canciones de blues publicadas, "Dallas Blues" (1912) y "Saint Louis Blues" (1914), eran blues de 12 compases con la estructura lírica de AAB. BAÑO. Handy escribió que adoptó esta convención para evitar la monotonía de las líneas repetidas tres veces. Las líneas a menudo se cantan siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.

El blues temprano a menudo tomaba la forma de una narrativa suelta. Los cantantes afroamericanos expresaron sus "problemas personales en un mundo de dura realidad: un amor perdido, la crueldad de los policías, la opresión a manos de los blancos, [y] tiempos difíciles". Esta melancolía ha llevado a sugerir un origen igbo para el blues debido a la reputación que tenían los igbo en las plantaciones de las Américas por su música melancólica y su visión de la vida cuando estaban esclavizados.

La letra a menudo relata problemas experimentados dentro de la sociedad afroamericana. Por ejemplo, 'Rising High Water Blues' de Blind Lemon Jefferson; (1927) habla de la Gran Inundación de Mississippi de 1927:

Los pueblos del Sur no pueden hacer tiempo
Dije, subiendo el agua, los pueblos del Sur no pueden hacer tiempo
Y no puedo oír nada de esa chica Memphis mía

Aunque el blues ganó una asociación con la miseria y la opresión, la letra también podría ser humorística y obscena:

Rebecca, Rebecca, saca tus piernas de encima,
Rebecca, Rebecca, saca tus piernas de encima,
Puede que te envíe bebé, pero me preocupa mucho.

Hokum blues celebró tanto el contenido lírico cómico como un estilo de actuación bullicioso y ridículo. Tampa Red y Georgia Tom's 'It's Tight Like That' (1928) es un juego de palabras astuto con el doble significado de ser "apretado" con alguien, junto con una familiaridad física más lasciva. Las canciones de blues con letras sexualmente explícitas se conocían como blues sucio. El contenido de las letras se volvió un poco más simple en el blues de la posguerra, que tendía a centrarse en problemas de relación o preocupaciones sexuales. Los temas líricos que aparecían con frecuencia en el blues de antes de la guerra, como la depresión económica, la agricultura, los demonios, los juegos de azar, la magia, las inundaciones y la sequía, eran menos comunes en el blues de la posguerra.

El escritor Ed Morales afirmó que la mitología yoruba desempeñó un papel en los comienzos del blues, citando "Cross Road Blues&#34 de Robert Johnson; como una "referencia tenuemente velada a Elegguá, el orisha a cargo de la encrucijada". Sin embargo, la influencia cristiana fue mucho más evidente. Los repertorios de muchos artistas seminales del blues, como Charley Patton y Skip James, incluían canciones religiosas o espirituales. El reverendo Gary Davis y Blind Willie Johnson son ejemplos de artistas a menudo categorizados como músicos de blues por su música, aunque sus letras pertenecen claramente a lo espiritual.

Formulario

La forma de blues es una forma musical cíclica en la que una progresión repetitiva de acordes refleja el esquema de llamada y respuesta que se encuentra comúnmente en la música africana y afroamericana. Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de una progresión de acordes particular. Con la popularidad de los primeros artistas, como Bessie Smith, el uso del blues de doce compases se extendió por la industria de la música durante las décadas de 1920 y 1930. Otras progresiones de acordes, como las formas de 8 compases, todavía se consideran blues; los ejemplos incluyen 'How Long Blues', 'Trouble in Mind' y 'Key to the Highway' de Big Bill Broonzy. También hay blues de 16 compases, como el instrumental de Ray Charles "Sweet 16 Bars" y 'El hombre sandía' de Herbie Hancock. Ocasionalmente se utilizan números de compases idiosincrásicos, como la progresión de 9 compases en 'Sitting on Top of the World', de Walter Vinson.

El marco lírico básico de 12 compases de una composición de blues se refleja en una progresión armónica estándar de 12 compases en un compás de 4/4. Los acordes de blues asociados a un blues de doce compases suelen ser un conjunto de tres acordes diferentes tocados en un esquema de 12 compases. Están etiquetados con números romanos que hacen referencia a los grados de la progresión. Por ejemplo, para un blues en la clave de C, C es el acorde de tónica (I) y F es el subdominante (IV).

El último acorde es el giro de la dominante (V), que marca la transición al comienzo de la siguiente progresión. La letra generalmente termina en el último tiempo del décimo compás o en el primer tiempo del undécimo compás, y los dos últimos compases se le dan al instrumentista como un descanso; la armonía de esta ruptura de dos compases, la inversión, puede ser extremadamente compleja, ya que a veces consta de notas individuales que desafían el análisis en términos de acordes.

La mayor parte del tiempo, algunos o todos estos acordes se tocan en la séptima (7ma) forma armónica. El uso del intervalo de séptima armónica es característico del blues y se denomina popularmente 'blues seven'. Los siete acordes de blues añaden al acorde armónico una nota con una frecuencia en una proporción de 7:4 a la nota fundamental. Con una proporción de 7:4, no está cerca de ningún intervalo en la escala diatónica occidental convencional. Por conveniencia o por necesidad, a menudo se aproxima mediante un intervalo de séptima menor o un acorde de séptima dominante.

Una escala pentatónica menor; Jugar(help·info)

En melodía, el blues se distingue por el uso de la tercera, quinta y séptima aplanada de la escala mayor asociada.

Los blues shuffle o el walking bass refuerzan el ritmo de trance y la llamada y respuesta, y forman un efecto repetitivo llamado groove. Característico del blues desde sus orígenes afroamericanos, los shuffles jugaron un papel central en la música swing. Los shuffles más simples, que fueron la firma más clara de la ola de R&B que comenzó a mediados de la década de 1940, eran un riff de tres notas en las cuerdas del bajo de la guitarra. Cuando este riff se tocó sobre el bajo y la batería, el ritmo "se siente" fue creado. El ritmo aleatorio a menudo se vocaliza como "dow, da dow, da dow, da" o "dump, da dump, da dump, da": consta de desnivel, o "columpio& #34;, corcheas. En una guitarra, esto se puede tocar como un bajo constante simple o se puede agregar a ese movimiento de nota negra paso a paso desde la quinta a la sexta del acorde y viceversa.

Historia

Orígenes

La primera publicación de partituras de blues puede haber sido "I Got the Blues", publicada por el músico de Nueva Orleans Antonio Maggio en 1908 y descrita como "la composición publicada más antigua que vincula la condición de llevar el blues a la forma musical que se conocería popularmente como 'the blues'" 'Dallas Blues' de Hart Wand fue publicado en 1912; BAÑO. Handy's 'The Memphis Blues' seguido en el mismo año. La primera grabación de un cantante afroamericano fue la interpretación de 1920 de Mamie Smith de 'Crazy Blues' de Perry Bradford. Pero los orígenes del blues fueron algunas décadas antes, probablemente alrededor de 1890. Esta música está mal documentada, en parte debido a la discriminación racial en la sociedad estadounidense, incluidos los círculos académicos, y en parte debido a la baja tasa de alfabetización entre los afroamericanos rurales en ese momento..

Los informes sobre la música blues en el sur de Texas y el sur profundo se escribieron a principios del siglo XX. Charles Peabody mencionó la aparición de la música blues en Clarksdale, Mississippi, y Gate Thomas informó canciones similares en el sur de Texas alrededor de 1901-1902. Estas observaciones coinciden más o menos con los recuerdos de Jelly Roll Morton, quien dijo que escuchó música blues por primera vez en Nueva Orleans en 1902; Ma Rainey, quien recordó haber escuchado blues por primera vez ese mismo año en Missouri; y W. C. Handy, quien escuchó blues por primera vez en Tutwiler, Mississippi, en 1903. La primera investigación extensa en el campo fue realizada por Howard W. Odum, quien publicó una antología de canciones populares del condado de Lafayette, Mississippi, y el condado de Newton, Georgia, entre 1905 y 1908. Las primeras grabaciones no comerciales de música blues, denominadas proto-blues por Paul Oliver, fueron realizadas por Odum con fines de investigación a principios del siglo XX. Ahora están perdidos.

Musicólogo John Lomax (izquierda) temblando manos con el músico "Uncle" Rich Brown en Sumterville, Alabama

Otras grabaciones que aún están disponibles fueron realizadas en 1924 por Lawrence Gellert. Posteriormente, Robert W. Gordon, quien se convirtió en director del Archivo de Canciones Populares Estadounidenses de la Biblioteca del Congreso, realizó varias grabaciones. El sucesor de Gordon en la biblioteca fue John Lomax. En la década de 1930, Lomax y su hijo Alan realizaron una gran cantidad de grabaciones de blues no comerciales que atestiguan la gran variedad de estilos de proto-blues, como gritos de campo y gritos de llamada. También se puede encontrar un registro de la música blues tal como existía antes de 1920 en las grabaciones de artistas como Lead Belly y Henry Thomas. Todas estas fuentes muestran la existencia de muchas estructuras diferentes distintas de las de doce, ocho o dieciséis compases. Las razones sociales y económicas de la aparición del blues no se conocen del todo. La primera aparición del blues se suele fechar después de la Ley de Emancipación de 1863, entre las décadas de 1860 y 1890, período que coincide con la post-emancipación y, posteriormente, la instauración de los juke joints como lugares donde los afroamericanos acudían a escuchar música, bailar, o apuesta después de un duro día de trabajo. Este período corresponde a la transición de la esclavitud a la aparcería, la producción agrícola en pequeña escala y la expansión de los ferrocarriles en el sur de los Estados Unidos. Varios académicos caracterizan el desarrollo de la música blues a principios del siglo XX como un paso de la interpretación grupal a la interpretación individualizada. Argumentan que el desarrollo del blues está asociado con la libertad recién adquirida de las personas esclavizadas.

Según Lawrence Levine, "había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el surgimiento del blues". Levine afirmó que "psicológica, social y económicamente, los afroamericanos estaban siendo aculturados de una manera que habría sido imposible durante la esclavitud, y no sorprende que su música secular reflejara esto tanto como lo hizo su música religiosa". "

Existen pocas características comunes a toda la música blues, porque el género tomó su forma a partir de la idiosincrasia de los intérpretes individuales. Sin embargo, hay algunas características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno. Los gritos de llamada y respuesta fueron una forma temprana de música similar al blues; eran una "expresión funcional... estilo sin acompañamiento ni armonía y sin límites por la formalidad de ninguna estructura musical en particular". Una forma de este pre-blues se escuchó en los gritos de los círculos de esclavos y los gritos de campo, expandidos en "canciones solistas simples cargadas de contenido emocional".

El blues ha evolucionado desde la música vocal sin acompañamiento y las tradiciones orales de los esclavos importados de África Occidental y los negros rurales a una amplia variedad de estilos y subgéneros, con variaciones regionales en los Estados Unidos. Aunque el blues (como se le conoce ahora) puede verse como un estilo musical basado tanto en la estructura armónica europea como en la tradición africana de llamada y respuesta que se transformó en una interacción de voz y guitarra, la forma del blues en sí misma no se parece a la estilos melódicos de los griots de África Occidental. Además, hay teorías de que la estructura de cuatro tiempos por compás del blues podría tener su origen en la tradición de los nativos americanos de tocar la batería pow wow. Algunos estudiosos identifican fuertes influencias en el blues de las estructuras melódicas de ciertos estilos musicales de África occidental de la sabana y el sahel. Lucy Durran encuentra similitudes con las melodías del pueblo bambara y, en menor medida, con el pueblo soninké y el pueblo wolof, pero no tanto con el pueblo mandinga. Gerard Kubik encuentra similitudes con los estilos melódicos tanto de la sabana de África occidental como de África central, los cuales fueron fuentes de esclavos.

Ninguna forma musical africana específica puede identificarse como el único antepasado directo del blues. Sin embargo, el formato de llamada y respuesta se remonta a la música de África. Que las notas azules son anteriores a su uso en el blues y tienen un origen africano está atestiguado por 'A Negro Love Song', del compositor inglés Samuel Coleridge-Taylor, de su Suite africana para piano, escrito en 1898, que contiene tercera y séptima notas azules.

El arco de Diddley (un instrumento casero de una sola cuerda que se encuentra en partes del sur de Estados Unidos, a veces denominado jitterbug o one-string a principios del siglo XX) y el banjo son instrumentos derivados de África que pueden haber ayudado en la transferencia de técnicas de interpretación africanas al vocabulario instrumental del blues temprano. El banjo parece haber sido importado directamente de la música de África Occidental. Es similar al instrumento musical que tocaban los griots y otros africanos como los igbo (llamado halam o akonting por pueblos africanos como los wolof, fula y mandinga). Sin embargo, en la década de 1920, cuando comenzó a grabarse el country blues, el uso del banjo en la música blues era bastante marginal y se limitaba a individuos como Papa Charlie Jackson y más tarde Gus Cannon.

La música blues también adoptó elementos de los "aires etíopes", espectáculos de juglares y espirituales negros, incluido el acompañamiento instrumental y armónico. El estilo también estaba estrechamente relacionado con el ragtime, que se desarrolló casi al mismo tiempo, aunque el blues conservó mejor "los patrones melódicos originales de la música africana".

Las formas y estilos musicales que ahora se consideran blues, así como la música country moderna, surgieron en las mismas regiones del sur de los Estados Unidos durante el siglo XIX. El blues y la música country grabados se pueden encontrar desde la década de 1920, cuando la industria discográfica creó las categorías de marketing "música de carreras" y "música hillbilly" vender música de negros para negros y de blancos para blancos, respectivamente. En ese momento, no había una división musical clara entre "blues" y "país", a excepción de la etnia del artista intérprete o ejecutante, e incluso eso a veces fue documentado incorrectamente por las compañías discográficas.

Aunque los musicólogos ahora pueden intentar definir el blues de manera restringida en términos de ciertas estructuras de acordes y formas líricas que se cree que se originaron en África Occidental, el público originalmente escuchaba la música de una manera mucho más general: era simplemente la música de las zonas rurales. al sur, en particular el delta del Mississippi. Músicos blancos y negros compartían el mismo repertorio y se consideraban "cantantes" en lugar de músicos de blues. La noción de blues como género separado surgió durante la migración negra del campo a las áreas urbanas en la década de 1920 y el desarrollo simultáneo de la industria discográfica. Blues se convirtió en una palabra clave para un disco diseñado para vender a los oyentes negros.

Los orígenes del blues están estrechamente relacionados con la música religiosa de la comunidad afroamericana, los espirituales. Los orígenes de los espirituales se remontan mucho más allá del blues, generalmente a mediados del siglo XVIII, cuando los esclavos se cristianizaron y comenzaron a cantar y tocar himnos cristianos, en particular los de Isaac Watts, que fueron muy populares. Antes de que el blues obtuviera su definición formal en términos de progresiones de acordes, se definía como la contraparte secular de los espirituales. Era la música baja tocada por los negros rurales.

Dependiendo de la comunidad religiosa a la que pertenecía un músico, se consideraba más o menos un pecado tocar esta música vulgar: el blues era la música del diablo. Por lo tanto, los músicos se segregaron en dos categorías: cantantes de gospel y cantantes de blues, predicadores de guitarra y cantantes. Sin embargo, cuando la música negra rural comenzó a grabarse en la década de 1920, ambas categorías de músicos utilizaron técnicas similares: patrones de llamada y respuesta, notas azules y guitarras deslizantes. Sin embargo, la música gospel utilizaba formas musicales compatibles con los himnos cristianos y, por lo tanto, menos marcadas por la forma del blues que su contraparte secular.

Melancolía de antes de la guerra

La industria editorial estadounidense de partituras produjo una gran cantidad de música ragtime. Para 1912, la industria de las partituras había publicado tres composiciones populares similares al blues, lo que precipitó la adopción de elementos de blues en Tin Pan Alley: "Baby Seals' Blues", de "Baby" Franklin Seals (arreglado por Artie Matthews); 'Dallas Blues', de Hart Wand; y 'The Memphis Blues', de W.C. Práctico.

Música de hoja de "Saint Louis Blues" (1914)

Handy fue un músico, compositor y arreglista con formación formal que ayudó a popularizar el blues transcribiendo y orquestando blues en un estilo casi sinfónico, con bandas y cantantes. Se convirtió en un compositor popular y prolífico, y se anunciaba a sí mismo como el "padre del blues"; sin embargo, sus composiciones pueden describirse como una fusión de blues con ragtime y jazz, fusión facilitada utilizando el ritmo de la habanera cubana que había sido parte del ragtime durante mucho tiempo; El trabajo característico de Handy fue el "Saint Louis Blues".

En la década de 1920, el blues se convirtió en un elemento importante de la música popular estadounidense y afroamericana, y también llegó al público blanco a través de los arreglos de Handy y las clásicas intérpretes femeninas de blues. Estas artistas femeninas se convirtieron quizás en las primeras 'superestrellas' afroamericanas, y las ventas de sus discos demostraron 'un gran apetito por los discos hechos por y para los negros'. El blues evolucionó desde presentaciones informales en bares hasta entretenimiento en teatros. Las actuaciones de blues fueron organizadas por Theatre Owners Bookers Association en clubes nocturnos como el Cotton Club y juke joints como los bares a lo largo de Beale Street en Memphis. Varias compañías discográficas, como American Record Corporation, Okeh Records y Paramount Records, comenzaron a grabar música afroamericana.

A medida que crecía la industria discográfica, artistas de country blues como Bo Carter, Jimmie Rodgers, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Tampa Red y Blind Blake se hicieron más populares en la comunidad afroamericana. Sylvester Weaver, nacido en Kentucky, fue en 1923 el primero en grabar el estilo de guitarra deslizante, en el que se trastea una guitarra con la hoja de un cuchillo o el cuello recortado de una botella. La guitarra slide se convirtió en una parte importante del Delta blues. Las primeras grabaciones de blues de la década de 1920 se clasifican como blues rural rural tradicional y blues urbano o urbano más pulido.

Los intérpretes de country blues a menudo improvisaban, ya sea sin acompañamiento o solo con un banjo o una guitarra. Los estilos regionales de country blues variaron ampliamente a principios del siglo XX. El (Mississippi) Delta blues era un estilo escaso de raíces con voces apasionadas acompañadas de guitarra slide. El poco grabado Robert Johnson combinó elementos de blues urbano y rural. Además de Robert Johnson, los artistas influyentes de este estilo incluyeron a sus predecesores Charley Patton y Son House. Cantantes como Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller actuaron en el sureste "delicado y lírico" Tradición del blues de Piedmont, que utilizó una elaborada técnica de guitarra fingerpicking basada en ragtime. Georgia también tuvo una tradición temprana de diapositivas, con Curley Weaver, Tampa Red, "Barbecue Bob" Hicks y James 'Kokomo' Arnold como representantes de este estilo.

El animado estilo de blues de Memphis, que se desarrolló en las décadas de 1920 y 1930 cerca de Memphis, Tennessee, estuvo influenciado por bandas de jarras como Memphis Jug Band o Gus Cannon's Jug Stompers. Intérpretes como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy, Casey Bill Weldon y Memphis Minnie utilizaron una variedad de instrumentos inusuales como la tabla de lavar, el violín, el mirlitón o la mandolina. Memphis Minnie era famosa por su virtuoso estilo de guitarra. El pianista Memphis Slim comenzó su carrera en Memphis, pero su estilo distintivo era más suave y tenía algunos elementos de swing. Muchos músicos de blues con sede en Memphis se mudaron a Chicago a fines de la década de 1930 o principios de la de 1940 y se convirtieron en parte del movimiento de blues urbano.

Bessie Smith, una cantante de blues temprano, conocida por su poderosa voz

Blues urbano

Los estilos de blues urbano o urbano estaban más codificados y elaborados, ya que el artista ya no estaba dentro de su comunidad local inmediata y tenía que adaptarse a la estética de una audiencia más amplia y variada. Las cantantes clásicas de blues urbano y de vodevil fueron populares en la década de 1920, entre ellas 'las tres grandes'—Gertrude 'Ma'; Rainey, Bessie Smith y Lucille Bogan. Mamie Smith, más intérprete de vodevil que de blues, fue la primera afroamericana en grabar una canción de blues en 1920; su segundo disco, 'Crazy Blues', vendió 75.000 copias en su primer mes. Ma Rainey, la 'Madre del blues', y Bessie Smith '[cantaron] cada una alrededor de los tonos centrales, quizás para proyectar su voz más fácilmente al fondo de una habitación'. Smith 'cantaba una canción en un tono inusual, y su habilidad para doblar y estirar notas con su hermoso y poderoso contralto para adaptarse a su propia interpretación era insuperable'.

En 1920, la cantante de vodevil Lucille Hegamin se convirtió en la segunda mujer negra en grabar blues cuando grabó "The Jazz Me Blues", y Victoria Spivey, a veces llamada Queen Victoria o Za Zu Girl, tuvo una carrera discográfica. que comenzó en 1926 y duró cuarenta años. Estas grabaciones normalmente se etiquetaban como "registros de carrera" para distinguirlos de los discos vendidos al público blanco. No obstante, las grabaciones de algunas de las cantantes clásicas de blues también fueron compradas por compradores blancos. Las contribuciones de estas blueswomen al género incluyeron una mayor improvisación en las líneas melódicas, frases inusuales que alteraron el énfasis y el impacto de las letras y dramatismo vocal con gritos, gemidos, gemidos y lamentos. Las mujeres del blues efectuaron así cambios en otros tipos de canto popular que tuvieron su origen en el jazz, los musicales de Broadway, las canciones más importantes de las décadas de 1930 y 1940, el gospel, el rhythm and blues y, finalmente, el rock and roll."

Entre los artistas masculinos urbanos se encontraban músicos negros populares de la época, como Tampa Red, Big Bill Broonzy y Leroy Carr. Un sello importante de esta época fue Bluebird Records, con sede en Chicago. Antes de la Segunda Guerra Mundial, a veces se hacía referencia a Tampa Red como "el mago de la guitarra". Carr se acompañó al piano con Scrapper Blackwell a la guitarra, un formato que continuó hasta bien entrada la década de 1950 con artistas como Charles Brown e incluso Nat 'King'. Col.

Una línea típica de bajos boogie-woogie Jugar(help·info)

El boogie-woogie fue otro estilo importante del blues urbano de los años 30 y principios de los 40. Si bien el estilo a menudo se asocia con el piano solo, el boogie-woogie también se usó para acompañar a los cantantes y, como parte solista, en bandas y pequeños combos. El estilo boogie-woogie se caracterizó por una figura de bajo regular, un ostinato o riff y cambios de nivel en la mano izquierda, elaborando cada acorde y trinos y decoraciones en la mano derecha. El boogie-woogie fue iniciado por Jimmy Yancey con sede en Chicago y el Boogie-Woogie Trio (Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis). Los artistas de boogie-woogie de Chicago incluyeron a Clarence "Pine Top" Smith y Earl Hines, quienes "vinculó los ritmos propulsores de la mano izquierda de los pianistas de ragtime con figuras melódicas similares a las de la trompeta de Armstrong en la mano derecha". El suave estilo de Luisiana del Profesor Longhair y, más recientemente, Dr. John combina el ritmo y el blues clásico con estilos de blues.

Otro desarrollo en este período fue el blues de big band. Las "bandas de territorio" operando desde Kansas City, la orquesta Bennie Moten, Jay McShann y la Orquesta Count Basie también se concentraron en el blues, con instrumentales de blues de 12 compases como 'One O'Clock Jump& de Basie's. #34; y 'Jumpin' en el Woodside" y bulliciosos "gritos de blues" de Jimmy Rushing en canciones como "Going to Chicago" y "Enviado por usted ayer". Una melodía de blues de big band muy conocida es 'In the Mood' de Glenn Miller. En la década de 1940, se desarrolló el estilo jump blues. El jump blues surgió de la ola del boogie woogie y estuvo fuertemente influenciado por la música de las grandes bandas. Utiliza el saxofón u otros instrumentos de metal y la guitarra en la sección rítmica para crear un sonido jazzístico y acelerado con voces declamatorias. Las melodías de jump blues de Louis Jordan y Big Joe Turner, con sede en Kansas City, Missouri, influyeron en el desarrollo de estilos posteriores como el rock and roll y el rhythm and blues. T-Bone Walker, nacido en Dallas, a menudo asociado con el estilo de blues de California, realizó una transición exitosa de los primeros blues urbanos a lo Lonnie Johnson y Leroy Carr al estilo jump blues y dominó la escena del blues-jazz en Los Ángeles durante la década de 1940

Década de 1950

La transición del blues rural al blues urbano que comenzó en la década de 1920 fue impulsada por las sucesivas oleadas de crisis económicas y auges que llevaron a muchos negros rurales a mudarse a áreas urbanas, en un movimiento conocido como la Gran Migración. El largo auge que siguió a la Segunda Guerra Mundial indujo otra migración masiva de la población afroamericana, la Segunda Gran Migración, que estuvo acompañada de un aumento significativo de los ingresos reales de los negros urbanos. Los nuevos inmigrantes constituyeron un nuevo mercado para la industria musical. El término race record, utilizado inicialmente por la industria de la música para la música afroamericana, fue reemplazado por el término rhythm and blues. Este mercado en rápida evolución se reflejó en Rhythm & de la revista Billboard. carta de blues. Esta estrategia de marketing reforzó tendencias en la música blues urbana como el uso de instrumentos eléctricos y amplificación y la generalización del blues beat, el blues shuffle, que se hizo omnipresente en el rhythm and blues (R&B). Esta corriente comercial tuvo importantes consecuencias para la música blues, que, junto con el jazz y la música gospel, se convirtió en un componente del R&B.

John Lee Hooker

Después de la Segunda Guerra Mundial, nuevos estilos de blues eléctrico se hicieron populares en ciudades como Chicago, Memphis, Detroit y St. Louis. El blues eléctrico usaba guitarras eléctricas, contrabajo (reemplazado gradualmente por el bajo), batería y armónica (o 'arpa de blues') tocadas a través de un micrófono y un sistema PA o un amplificador de guitarra saturado. Chicago se convirtió en el centro del blues eléctrico a partir de 1948, cuando Muddy Waters grabó su primer éxito, 'I Can't Be Satisfied'. El blues de Chicago está influenciado en gran medida por el blues de Delta, porque muchos artistas habían emigrado de la región de Mississippi.

Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed nacieron en Mississippi y se mudaron a Chicago durante la Gran Migración. Su estilo se caracteriza por el uso de guitarra eléctrica, a veces guitarra slide, armónica y una sección rítmica de bajo y batería. El saxofonista J. T. Brown tocaba en bandas dirigidas por Elmore James y por J. B. Lenoir, pero el saxofón se usaba como instrumento de acompañamiento para el apoyo rítmico más que como instrumento principal.

Little Walter, Sonny Boy Williamson (Rice Miller) y Sonny Terry son conocidos armonicistas (llamados "harp" por los músicos de blues) de la primera escena del blues de Chicago. Otros arpistas como Big Walter Horton también fueron influyentes. Muddy Waters y Elmore James eran conocidos por su uso innovador de la guitarra eléctrica slide. Howlin' Wolf y Muddy Waters eran conocidos por sus aguas profundas y "gravosas" voces

El bajista y prolífico compositor y compositor Willie Dixon desempeñó un papel importante en la escena del blues de Chicago. Compuso y escribió muchas canciones de blues estándar de la época, como 'Hoochie Coochie Man', 'I Just Want to Make Love to You'. (ambos escritos para Muddy Waters) y "Wang Dang Doodle" y 'El hombre de la puerta trasera' para Howlin' Lobo. La mayoría de los artistas del estilo de blues de Chicago grabaron para los sellos Chess Records y Checker Records con sede en Chicago. Los sellos de blues más pequeños de esta época incluían Vee-Jay Records y J.O.B. Registros. A principios de la década de 1950, los sellos discográficos dominantes de Chicago fueron desafiados por Sam Phillips' Sun Records Company en Memphis, que grabó B. B. King y Howlin' Wolf antes de mudarse a Chicago en 1960. Después de que Phillips descubriera a Elvis Presley en 1954, el sello Sun se dirigió a la audiencia blanca en rápida expansión y comenzó a grabar principalmente rock 'n'. rodar.

En la década de 1950, el blues tuvo una gran influencia en la música popular estadounidense convencional. Mientras que músicos populares como Bo Diddley y Chuck Berry, ambos grabando para Chess, fueron influenciados por el blues de Chicago, sus entusiastas estilos de tocar se apartaron de los aspectos melancólicos del blues. El blues de Chicago también influyó en la música zydeco de Luisiana, con Clifton Chenier utilizando acentos de blues. Los músicos de Zydeco utilizaron guitarra eléctrica solista y arreglos cajún de estándares de blues.

En Inglaterra, el blues eléctrico echó raíces allí durante una aclamada gira de Muddy Waters en 1958. Waters, sin sospechar la tendencia de su audiencia hacia el skiffle, una marca de blues acústica y más suave, subió el volumen de su amplificador y comenzó a tocar su estilo de Chicago de blues eléctrico. Aunque la audiencia se sobresaltó en gran medida por la actuación, la actuación influyó en músicos locales como Alexis Korner y Cyril Davies para emular este estilo más fuerte, inspirando la invasión británica de los Rolling Stones y los Yardbirds.

A fines de la década de 1950, surgió un nuevo estilo de blues en el West Side de Chicago, iniciado por Magic Sam, Buddy Guy y Otis Rush en Cobra Records. El "sonido del lado oeste" tenía un fuerte apoyo rítmico de guitarra rítmica, bajo y batería y, tal como lo perfeccionaron Guy, Freddie King, Magic Slim y Luther Allison, estaba dominado por la guitarra eléctrica amplificada. Los solos de guitarra expresivos fueron una característica clave de esta música.

Otros artistas de blues, como John Lee Hooker, tuvieron influencias que no estaban directamente relacionadas con el estilo de Chicago. El blues de John Lee Hooker es más 'personal', basado en la voz profunda y áspera de Hooker acompañada de una sola guitarra eléctrica. Aunque no está directamente influenciado por el boogie woogie, su estilo "groovy" El estilo a veces se llama "guitar boogie". Su primer éxito, 'Boogie Chillen', alcanzó el número 1 en las listas de R&B en 1949.

A fines de la década de 1950, el género swamp blues se desarrolló cerca de Baton Rouge, con artistas como Lightnin' Slim, Slim Harpo, Sam Myers y Jerry McCain en torno al productor J. D. "Jay" Miller y la etiqueta Excello. Fuertemente influenciado por Jimmy Reed, el swamp blues tiene un ritmo más lento y un uso más simple de la armónica que los artistas del estilo de blues de Chicago como Little Walter o Muddy Waters. Las canciones de este género incluyen "Scratch my Back", "She's Tough" y "Soy una abeja rey". Las grabaciones de Alan Lomax de Mississippi Fred McDowell eventualmente atraerían una mayor atención tanto en el circuito de blues como en el folk, con el estilo monótono de McDowell influyendo en los músicos de blues de las colinas del norte de Mississippi.

Décadas de 1960 y 1970

Blues legend B.B. King con su guitarra, "Lucille"

A principios de la década de 1960, los géneros influenciados por la música afroamericana, como el rock and roll y el soul, formaban parte de la música popular dominante. Intérpretes blancos como los Rolling Stones y los Beatles habían llevado la música afroamericana a nuevas audiencias, tanto dentro de los EE. UU. como en el extranjero. Sin embargo, la ola de blues que puso en primer plano a artistas como Muddy Waters se había detenido. Bluesmen como Big Bill Broonzy y Willie Dixon comenzaron a buscar nuevos mercados en Europa. Dick Waterman y los festivales de blues que organizó en Europa jugaron un papel importante en la propagación de la música blues en el extranjero. En el Reino Unido, las bandas emularon a las leyendas del blues de EE. UU., y las bandas basadas en el blues rock del Reino Unido tuvieron un papel influyente durante la década de 1960.

Intérpretes de blues como John Lee Hooker y Muddy Waters continuaron actuando ante audiencias entusiastas, inspirando a nuevos artistas inmersos en el blues tradicional, como Taj Mahal, nacido en Nueva York. John Lee Hooker combinó su estilo de blues con elementos de rock y tocando con músicos blancos más jóvenes, creando un estilo musical que se puede escuchar en el álbum de 1971 Endless Boogie. El canto y la técnica virtuosa de la guitarra de B. B. King le valieron el título homónimo de "rey del blues". King introdujo un estilo sofisticado de solos de guitarra basado en la flexión fluida de las cuerdas y el vibrato brillante que influyó en muchos guitarristas de blues eléctrico posteriores. En contraste con el estilo de Chicago, la banda de King usó un fuerte apoyo de metales de un saxofón, una trompeta y un trombón, en lugar de usar una guitarra deslizante o un arpa. Bobby "Blue" nacido en Tennessee Bland, como B. B. King, también atravesó los géneros blues y R&B. Durante este período, Freddie King y Albert King tocaron a menudo con músicos de rock y soul (Eric Clapton y Booker T & the MG) y tuvieron una gran influencia en esos estilos de música.

La música del movimiento por los derechos civiles y el Movimiento por la Libertad de Expresión en los EE. UU. provocó un resurgimiento del interés por la música de raíces estadounidenses y la música afroamericana antigua. Además, festivales como el Newport Folk Festival llevaron el blues tradicional a una nueva audiencia, lo que ayudó a revivir el interés por el blues acústico de antes de la guerra y por artistas como Son House, Mississippi John Hurt, Skip James y Reverend Gary Davis. Yazoo Records volvió a publicar muchas compilaciones de blues clásico de antes de la guerra. J. B. Lenoir del movimiento de blues de Chicago en la década de 1950 grabó varios LP con guitarra acústica, a veces acompañado por Willie Dixon en el bajo acústico o la batería. Sus canciones, distribuidas originalmente solo en Europa, comentaban temas políticos como el racismo o la guerra de Vietnam, lo cual era inusual para este período. Su álbum Alabama Blues contenía una canción con la siguiente letra:

Nunca volveré a Alabama, ese no es el lugar para mí,
Nunca volveré a Alabama, ese no es el lugar para mí.
Sabes que mataron a mi hermana y a mi hermano.
y todo el mundo les deja ir allí libre

Guitarra azul de Texas Stevie Ray Vaughan, 1983

Audiencia blanca' El interés por el blues durante la década de 1960 aumentó debido a la Paul Butterfield Blues Band con sede en Chicago, con el guitarrista Michael Bloomfield y el cantautor Nick Gravenites, y el movimiento de blues británico. El estilo de blues británico se desarrolló en el Reino Unido, cuando músicos como Cyril Davies, Alexis Korner's Blues Incorporated, Fleetwood Mac, John Mayall & los Bluesbreakers, los Rolling Stones, Animals, los Yardbirds, Aynsley Dunbar Retaliation, Chicken Shack, los primeros Jethro Tull, Cream y el músico irlandés Rory Gallagher interpretaron canciones de blues clásicas de las tradiciones del blues de Delta o Chicago.

En 1963, LeRoi Jones, más tarde conocido como Amiri Baraka, fue el primero en escribir un libro sobre la historia social del blues en Blues People: The Negro Music in White America. Los músicos británicos y de blues de principios de la década de 1960 inspiraron a varios artistas estadounidenses de blues rock, incluidos Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band, Ry Cooder y Allman Brothers Band. Un artista de blues rock, Jimi Hendrix, era una rareza en su campo en ese momento: un hombre negro que tocaba rock psicodélico. Hendrix fue un guitarrista habilidoso y pionero en el uso innovador de la distorsión y la retroalimentación de audio en su música. A través de estos artistas y otros, la música blues influyó en el desarrollo de la música rock. Más tarde, en la década de 1960, la cantante británica Jo Ann Kelly comenzó su carrera discográfica. En los EE. UU., desde la década de 1970, las cantantes Bonnie Raitt y Phoebe Snow interpretaron blues.

A principios de la década de 1970, surgió el estilo rock-blues de Texas, que usaba guitarras tanto en roles solistas como rítmicos. En contraste con el blues del West Side, el estilo de Texas está fuertemente influenciado por el movimiento rock-blues británico. Los principales artistas del estilo de Texas son Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, los Fabulous Thunderbirds (dirigidos por el armonicista y cantautor Kim Wilson) y ZZ Top. Todos estos artistas comenzaron sus carreras musicales en la década de 1970, pero no alcanzaron el éxito internacional hasta la década siguiente.

1980 hasta el presente

El cantante italiano Zucchero es acreditado como el "Padre de los azules italianos", y está entre los pocos artistas europeos de blues que todavía disfrutan del éxito internacional.

Desde la década de 1980, ha habido un resurgimiento del interés por el blues entre cierta parte de la población afroamericana, particularmente en Jackson, Mississippi y otras regiones del sur profundo. A menudo denominado "soul blues" o "Southern soul", la música en el corazón de este movimiento cobró nueva vida con el inesperado éxito de dos grabaciones particulares en el sello Malaco de Jackson: Z. Z. Hill's Down Home Blues (1982) y The Blues is Alright de Little Milton (1984). Los artistas afroamericanos contemporáneos que trabajan en este estilo de blues incluyen a Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Mel Waiters, Clarence Carter, Dr. "Feelgood" Potts, O.B. Buchana, la Sra. Jody, Shirley Brown y docenas más.

Eric Clapton interpreta en Hyde Park, Londres, en junio de 2008

Durante la década de 1980, el blues también continuó tanto en formas tradicionales como nuevas. En 1986, el álbum Strong Persuader anunció a Robert Cray como uno de los principales artistas de blues. La primera grabación de Stevie Ray Vaughan, Texas Flood, se lanzó en 1983 y el guitarrista de Texas saltó al escenario internacional. La popularidad de John Lee Hooker revivió con el álbum The Healer en 1989. Eric Clapton, conocido por sus actuaciones con los Blues Breakers y Cream, regresó en la década de 1990 con su álbum Unplugged, en el que tocó algunos números de blues estándar en guitarra acústica.

Sin embargo, a partir de la década de 1990, la grabación multipista digital y otros avances tecnológicos y nuevas estrategias de marketing, incluida la producción de videoclips, aumentaron los costos, desafiando la espontaneidad y la improvisación que son un componente importante de la música blues. En las décadas de 1980 y 1990, se lanzaron publicaciones de blues como Living Blues y Blues Revue, las principales ciudades comenzaron a formar sociedades de blues, los festivales de blues al aire libre se hicieron más comunes y más clubes nocturnos y surgieron lugares para el blues. La banda Tedeschi Trucks y Gov't Mule lanzaron álbumes de blues rock. Cantantes de blues femeninas como Bonnie Raitt, Susan Tedeschi, Sue Foley y Shannon Curfman también grabaron blues.

En la década de 1990, el blues de las colinas, en gran medida ignorado, obtuvo un reconocimiento menor tanto en los círculos de música blues como de rock alternativo con los artistas del norte de Mississippi R. L. Burnside y Junior Kimbrough. Los intérpretes de blues exploraron una variedad de géneros musicales, como se puede ver, por ejemplo, en la amplia gama de nominados de los Blues Music Awards anuales, anteriormente llamados W.C. Handy Awards o de los Premios Grammy al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo y Tradicional. La lista Billboard Blues Album ofrece una descripción general de los éxitos actuales del blues. La música blues contemporánea se nutre de varios sellos de blues como: Alligator Records, Ruf Records, Severn Records, Chess Records (MCA), Delmark Records, NorthernBlues Music, Fat Possum Records y Vanguard Records (Artemis Records). Algunos sellos son famosos por redescubrir y remasterizar las rarezas del blues, incluidos Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings (heredero de Folkways Records) y Yazoo Records (Shanachie Records).

Impacto musical

Los estilos musicales, las formas (blues de 12 compases), las melodías y la escala de blues han influido en muchos otros géneros musicales, como el rock and roll, el jazz y la música popular. Destacados intérpretes de jazz, folk o rock, como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis y Bob Dylan, han realizado importantes grabaciones de blues. La escala de blues se usa a menudo en canciones populares como 'Blues in the Night' de Harold Arlen, baladas de blues como 'Since I Fell for You'. y 'Por favor, envíame alguien a quien amar', e incluso en obras orquestales como 'Rhapsody in Blue' de George Gershwin. y "Concierto en F". El segundo 'Preludio' de Gershwin para piano solo es un interesante ejemplo de blues clásico, manteniendo la forma con rigor académico. La escala de blues es omnipresente en la música popular moderna e informa muchos marcos modales, especialmente la escala de tercios utilizada en la música rock (por ejemplo, en 'A Hard Day's Night'). Las formas de blues se utilizan en el tema de Batman televisado, el éxito del ídolo adolescente Fabian Forte, "Turn Me Loose", la estrella de la música country Jimmie Rodgers' música, y el éxito de la guitarrista/vocalista Tracy Chapman "Give Me One Reason".

Los primeros bluesman del country como Skip James, Charley Patton, Georgia Tom Dorsey tocaban blues country y urbano y tenían influencias del canto espiritual. Dorsey ayudó a popularizar la música gospel. La música gospel se desarrolló en la década de 1930, con el Cuarteto Golden Gate. En la década de 1950, la música soul de Sam Cooke, Ray Charles y James Brown utilizó elementos de la música gospel y blues. En las décadas de 1960 y 1970, el gospel y el blues se fusionaron en la música soul blues. La música funk de la década de 1970 estuvo influenciada por el soul; El funk puede verse como un antecedente del hip-hop y el R&B contemporáneo.

La música R&B se remonta a los espirituales y al blues. Musicalmente, los espirituales eran descendientes de las tradiciones corales de Nueva Inglaterra y, en particular, de los himnos de Isaac Watts, mezclados con ritmos africanos y formas de llamada y respuesta. Los cánticos espirituales o religiosos en la comunidad afroamericana están mucho mejor documentados que los "low-down" blues. El canto espiritual se desarrolló porque las comunidades afroamericanas podían reunirse para misas o reuniones de adoración, que se llamaban reuniones campestres.

Edward P. Comentale ha señalado cómo el blues a menudo se usaba como un medio para el arte o la autoexpresión, afirmando: "Tal como se escuchó desde las chozas de Delta hasta las viviendas de Chicago y los cabarets de Harlem, el blues demostró, a pesar de su dolorido orígenes: un medio extraordinariamente flexible y un nuevo escenario para dar forma a la identidad y la comunidad."

Duke Ellington atrajo los grandes géneros de banda y bebop. Ellington utilizó ampliamente la forma azul.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, los límites entre el blues y el jazz eran menos claros. Por lo general, el jazz tenía estructuras armónicas derivadas de bandas de música, mientras que el blues tenía formas de blues como el blues de 12 compases. Sin embargo, el jump blues de la década de 1940 mezcló ambos estilos. Después de la Segunda Guerra Mundial, el blues tuvo una influencia sustancial en el jazz. Los clásicos del bebop, como 'Now's the Time' de Charlie Parker, usaban la forma del blues con la escala pentatónica y las notas azules.

Bebop marcó un cambio importante en el papel del jazz, de un estilo popular de música para bailar a una 'música' cerebral de "elevado arte", menos accesible y cerebral. #34;. La audiencia tanto del blues como del jazz se dividió, y la frontera entre el blues y el jazz se volvió más definida.

El blues' La estructura de 12 compases y la escala de blues fue una gran influencia en la música rock and roll. El rock and roll ha sido llamado "blues con ritmo de fondo"; Carl Perkins llamó al rockabilly 'blues con ritmo country'. También se decía que los rockabilly eran blues de 12 compases tocados con un ritmo de bluegrass. 'Hound Dog', con su estructura de 12 compases sin modificar (tanto en armonía como en letra) y una melodía centrada en la tercera bemol de la tónica (y la séptima bemol de la subdominante), es una canción de blues transformada en una canción de rock and roll. El estilo de rock and roll de Jerry Lee Lewis estuvo fuertemente influenciado por el blues y su derivado boogie-woogie. Su estilo de música no era exactamente rockabilly, pero a menudo se le ha llamado rock and roll real (esta es una etiqueta que comparte con varios artistas afroamericanos de rock and roll).

Muchas de las primeras canciones del rock and roll se basan en el blues: "That's All Right Mama", "Johnny B. Goode", "Blue Suede Shoes" 34;, 'Whole Lotta Shakin' Goin On ", "Shake, Rattle, and Roll" y "Long Tall Sally". Los primeros músicos de rock afroamericanos conservaron los temas sexuales y las insinuaciones de la música blues: "Tengo una chica llamada Sue, sabe exactamente qué hacer" ("Tutti Frutti", Little Richard) o "Mira a la chica con el vestido rojo, ella puede hacer Birdland toda la noche" ("Qué" dije", Ray Charles). La estructura de blues de 12 compases se puede encontrar incluso en canciones pop novedosas, como 'Obviously Five Believers' de Bob Dylan. y 'Cinderella Rockefella' de Esther y Abi Ofarim.

La música country antigua se infundió con el blues. Jimmie Rodgers, Moon Mullican, Bob Wills, Bill Monroe y Hank Williams se han descrito a sí mismos como cantantes de blues y su música tiene una sensación de blues que es diferente, al menos a primera vista, del country-pop posterior de artistas como Eddy Arnold. Sin embargo, si uno mira hacia atrás, Arnold también comenzó cantando canciones de blues como 'I'll Hold You in My Heart'. Gran parte de la era de los 70 'fuera de la ley' la música country de Willie Nelson y Waylon Jennings también tomó prestada del blues. Cuando Jerry Lee Lewis volvió a la música country después del declive del rock and roll al estilo de los años 50, cantó con un sentimiento de blues y, a menudo, incluía estándares de blues en sus álbumes.

En la cultura popular

La música de Taj Mahal para la película de 1972 Sounder marcó un avivamiento de interés en el blues acústico.

Al igual que el jazz, el rock and roll, la música heavy metal, la música hip hop, el reggae, la música country, la música latina, el funk y la música pop, el blues ha sido acusado de ser la "música del diablo" 34; y de incitar a la violencia y otros malos comportamientos. A principios del siglo XX, el blues se consideraba de mala reputación, especialmente cuando el público blanco comenzó a escuchar blues durante la década de 1920. A principios del siglo XX, W.C. Handy fue el primero en popularizar la música influenciada por el blues entre los estadounidenses no negros.

Durante el renacimiento del blues de las décadas de 1960 y 1970, el artista de blues acústico Taj Mahal y el bluesman de Texas Lightnin' Hopkins escribió e interpretó música que ocupó un lugar destacado en la película aclamada por la crítica Sounder (1972). La película le valió a Mahal una nominación al Grammy por Mejor Banda Sonora Original Escrita para una Película y una nominación al BAFTA. Casi 30 años después, Mahal escribió blues e interpretó una composición de banjo, al estilo martillo, en el lanzamiento de la película Songcatcher de 2001, que se centró en la historia de la preservación de las raíces musicales de los Apalaches.

Quizás el ejemplo más visible del estilo de música blues de finales del siglo XX se produjo en 1980, cuando Dan Aykroyd y John Belushi estrenaron la película The Blues Brothers. La película reunió a muchos de los mayores influyentes vivos del género del rhythm and blues, como Ray Charles, James Brown, Cab Calloway, Aretha Franklin y John Lee Hooker. La banda formada también comenzó una exitosa gira bajo la marquesina de Blues Brothers. 1998 trajo una secuela, Blues Brothers 2000 que, aunque no tuvo un gran éxito financiero y de crítica, contó con un número mucho mayor de artistas de blues, como B.B. King, Bo Diddley, Erykah Badu, Eric Clapton., Steve Winwood, Charlie Musselwhite, Blues Traveler, Jimmie Vaughan y Jeff Baxter.

En 2003, Martin Scorsese realizó importantes esfuerzos para promover el blues a un público más amplio. Pidió a varios directores famosos como Clint Eastwood y Wim Wenders que participaran en una serie de documentales para PBS llamada The Blues. También participó en la interpretación de compilaciones de los principales artistas de blues en una serie de CD de alta calidad. El guitarrista y vocalista de blues Keb' Mo' realizó su versión de blues de 'America, the Beautiful' en 2006 para cerrar la última temporada de la serie de televisión The West Wing.

El blues se destacó en la temporada 2012, episodio 1 de In Performance at the White House, titulado "Red, White and Blues". Presentado por Barack y Michelle Obama, el espectáculo contó con las actuaciones de B.B. King, Buddy Guy, Gary Clark Jr., Jeff Beck, Derek Trucks, Keb Mo y otros.