Bill T.Jones

William Tass Jones, conocido como Bill T. Jones (nacido el 15 de febrero de 1952), es un coreógrafo, director, autor y bailarín estadounidense. Es cofundador de Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company. La sede de la empresa en Manhattan. Jones es director artístico de New York Live Arts, cuyas actividades abarcan una temporada de presentación anual junto con programación educativa aliada y servicios para artistas. Independientemente de New York Live Arts y su compañía de danza, Jones ha coreografiado para importantes conjuntos de artes escénicas, ha contribuido a Broadway y otras producciones teatrales, y ha colaborado en proyectos con una variedad de compañeros artistas. Jones ha sido llamado "uno de los coreógrafos y directores de danza moderna más notables y reconocidos de nuestro tiempo".

Vida temprana y educación

Bill T. Jones nació en Bunnell, Florida, el décimo de 12 hijos de Estella (de soltera Edwards) y Augustus Jones. Sus padres eran trabajadores agrícolas inmigrantes y luego trabajaron en fábricas. En 1955, cuando Jones tenía tres años, la familia se mudó a Wayland, Nueva York. Jones fue una estrella de atletismo en la escuela secundaria y también participó en teatro y debate. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1970, comenzó a asistir a la Universidad de Binghamton a través de un programa de admisión especial para estudiantes desfavorecidos. En Binghamton, cambió su enfoque hacia la danza. En una entrevista, Jones señaló: “[Binghamton] fue donde tomé por primera vez clases de danza de África occidental y del Caribe africano. Pronto comencé a saltarme las prácticas en la pista para ir a esas clases. Inmediatamente me atrajo. Era un entorno en el que no se trataba de competencia”. Los estudios de danza de Jones en Binghamton también abarcaron ballet y danza moderna.

Carrera

Primeros años

Durante su primer año en Binghamton en 1971, Jones conoció y se enamoró de Arnie Zane, un graduado de la universidad en 1970 que vivía en el área perfeccionando sus habilidades como fotógrafo. La conexión personal que forjaron evolucionó hasta convertirse en una relación personal y profesional que duró hasta la muerte de Zane por SIDA en 1988. Aproximadamente un año después de conocerse, la pareja pasó un año en Ámsterdam, Países Bajos. Al regresar, Jones y Zane se conectaron con la bailarina Lois Welk, quien les presentó la improvisación de contacto, una técnica de danza emergente popularizada por Steve Paxton que enfatiza el entrelazamiento de parejas y los cambios de peso y equilibrio entre parejas. Con Welk y otra bailarina, Jill Becker, formaron American Dance Asylum (ADA) en 1974. ADA se organizó como un colectivo y actuó a nivel nacional e internacional al mismo tiempo que ofrecía clases y presentaba actuaciones en su espacio en Binghamton. Si bien los miembros de ADA generalmente coreografiaban sus propios trabajos, utilizaron un proceso de desarrollo colaborativo en el que cada miembro informaba las actividades de los demás. Jones creó varias piezas en solitario durante este período y fue invitado a presentar en la ciudad de Nueva York a partir de 1976, actuando en The Kitchen, Dance Theatre Workshop y el Clark Center, entre otros lugares.

Las obras de Jones durante este período, como Floating the Tongue (1979) y Everybody Works/All Beasts Count (1975), combinaron su estilo elegante de movimiento con pasajes hablados que exploraban e improvisaban sobre sus reacciones y recuerdos evocados por el baile, abarcando desde episodios de su vida hasta digresiones sobre temas sociales. La historiadora de la danza Susan Foster ha caracterizado estas obras por utilizar "las resonancias entre el movimiento y el habla para mostrar la mecánica misma de la creación de significado y profundizar en la experiencia de los espectadores". percepciones de la cantidad de formas en que un movimiento puede significar."

En 1979, Jones y Zane sintieron que su colaboración con Welk y Becker había llegado a su fin. También estaban interesados en vivir en un área que apoyara tanto el arte que estaban haciendo como su identidad como pareja gay interracial. Se mudaron al área de Nueva York a finales de 1979 y se establecieron en el condado de Rockland, donde pronto compraron una casa.

El contraste físico entre Jones (alto, negro, elegantemente atlético) y Zane (bajo, blanco, de movimientos bruscos), junto con técnicas de improvisación de contacto de entrelazamiento y levantamiento formaron la base de muchos de los bailes de la pareja durante este periodo. Las obras que crearon juntos fusionaron el interés de Jones por el movimiento y el habla con la sensibilidad visual de Zane arraigada en su trabajo como fotógrafo. Sus dúos incluyeron proyecciones de películas, movimientos de parada y marcha y encuadres extraídos de fotografías, cantos y diálogos hablados. Al frente de sus obras estaba su enfoque político y social, y la inusual (para la época) pareja de dos bailarines y un franco reconocimiento de su relación personal. Una trilogía de duetos que la pareja creó durante este tiempo, compuesta por Blauvelt Mountain (1980), Monkey Run Road (1979) y Valley Cottage ( 1981), establecieron firmemente su reputación como nuevos coreógrafos importantes.

Bill T. Jones/Compañía de Danza Arnie Zane

Desde mediados de la década de 1970 hasta 1981, Jones y su compañero, Arnie Zane, recorrieron el mundo bailando dúos sexualmente provocativos. Jones también había bailado solos. En 1982, la pareja formó la Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company, reclutando un grupo de artistas individualistas y no tradicionales que representaban diferentes tamaños, formas y colores del cuerpo. “Jones, un provocador coreográfico, presenta sus ideas sobre la identidad, el arte, la raza, la sexualidad, la desnudez, el poder, la censura, la homofobia y el SIDA como guerra química con una visión callejera, in-your- Actitud facial”. Obras como Última cena en la cabaña del tío Tom/La tierra prometida (1990) y Still/Here son algunas de sus obras más sugerentes.

Última cena en la cabaña del tío Tom

La obra La última cena en la cabaña del tío Tom/La tierra prometida trata sobre cómo las personas son diferentes racial, sexualmente y de otras maneras. Se trata de trabajar a través de estas diferencias para llegar a un lugar mejor. Se trata de ser fuerte pero aun así anhelar la aceptación y la tolerancia. La empresa de Jones está formada por un grupo diverso de personas, cada una con su propia contribución única. El artículo también trata sobre el conflicto de Jones con la fe. Jones creció en un hogar religioso con una madre devota, pero se pregunta cómo Jesús permitió que sucedieran las crueldades de la esclavitud. Jones también cuestiona la crueldad y la muerte causadas por el SIDA y cómo eso se relaciona con la fe. Jones analiza cómo las mujeres esclavas eran fuertes y tenían músculos tan fuertes como los hombres. Dice que su madre es una mujer muy fuerte. Jones cree que la gente debe ser fuerte pero también tolerante. En el acto "Eliza on the Ice", cuatro mujeres muy diferentes interpretan el papel de Eliza. Pero la quinta Eliza aborda el tema de la sexualidad. Esta Eliza es un hombre con minifalda y tacones blancos. Algunos hombres homosexuales se ven atrapados en una especie de esclavitud ya que no son claramente masculinos o femeninos. No saben a dónde pertenecen. Esta pieza trata sobre las personas que la interpretan. Jones anhela un estado donde las personas se acepten totalmente unas a otras. La desnudez es un aspecto importante de esta aceptación. Los bailarines son todos muy diferentes físicamente entre sí. El primer desnudo que se ve es cuando abusan sexualmente de Eliza. Aquí la desnudez se utiliza para degradar a las mujeres y ejercer poder sobre ellas. Pero la danza transforma la desnudez de algo terrible a algo hermoso al final, donde todos los diferentes cuerpos encuentran aceptación.

Controversia todavía/aquí

Aunque La última cena en la cabaña del tío Tom/La tierra prometida fue una de las producciones más importantes y políticas de Jones, el estreno en Nueva York en 1995 de Still/ Aquí generó mucha controversia y discusión. Still/Here trata sobre la muerte, basándose en declaraciones grabadas en vídeo de personas que padecen enfermedades mortales como el SIDA y el cáncer. Incluye una partitura en vídeo de la artista Gretchen Bender basada en extractos de entrevistas con personas que habían recibido tales diagnósticos, junto con una partitura musical encargada, texto hablado y movimiento. Este trabajo plantea la cuestión de si el arte debería ser político. La mayoría de los comentarios críticos fueron favorables a la producción, sobre todo porque muchos bailarines estaban afectados por el SIDA. Still/Here fue bien recibido en su gira internacional de 1994. Newsweek la llamó "una obra tan original y profunda que su lugar entre los hitos de la danza del siglo XX parece asegurado". Sin embargo, Arlene Croce, crítica de danza de The New Yorker, escribió en su artículo "Discussing the Undiscussable" una dura crítica negativa a los artistas que se presentan como víctimas. Croce estaba tan disgustado por el "arte víctima" que ella se negó a ver la producción. Croce culpó a la política por la sensación de arte víctima. "La burocracia artística en este país, que incluye agencias gubernamentales y de financiación privada, ha demostrado en los últimos años un sesgo flagrante hacia el arte utilitario, un arte que justifica la existencia de la burocracia por ser socialmente útil". ;

El ensayo de Croce generó una discusión considerable, a favor y en contra. El siguiente número del New Yorker (30 de enero de 1995) incluía cuatro páginas de cartas sobre el artículo de destacadas figuras culturales como Robert Brustein, Bell Hooks, Hilton Kramer, Camille Paglia y Tony Kushner. En desacuerdo, el crítico Bell Hooks observó: “Escribir con tanto desdén sobre una obra que uno no ha visto es una asombrosa ostentación de privilegios: un testimonio de la realidad de que no existe ningún grupo o individuo marginado lo suficientemente poderoso como para silenciar o reprimir a los reaccionarios”. voces. El artículo de la señora Croce no es valiente ni atrevido, precisamente porque simplemente refleja el estado de ánimo político imperante en nuestro tiempo." Muchos otros liberales, como Richard Goldstein del Village Voice, también criticaron duramente a Croce. Deborah Jowitt, crítica de danza del Village Voice, escribió: "Es irónico... que Croce, tan firmemente opuesta a la politización del arte, decidiera convertir su propio ensayo crítico en una declaración política al negarse a ver el trabajo que tenemos entre manos”. Sin embargo, otros críticos optaron por no ver este trabajo porque no quedaron impresionados con la coreografía de Jones en sus producciones anteriores o porque las obras basadas en el racismo, el sexismo y el SIDA se han vuelto predecibles. De cualquier manera, el artículo de Croce logra llamar la atención sobre la politización de las artes estadounidenses. Croce defiende "la autonomía del arte" o "arte por el arte". Sin embargo, “oponerse a la politización del arte ahora se considera un acto político”. .. El debate se amplió a la prensa nacional. La autora Joyce Carol Oates señaló en The New York Times: "Al igual que en el juicio por obscenidad de Mapplethorpe de hace varios años, el artículo ha planteado cuestiones cruciales sobre la estética y la moralidad, sobre el papel de la política en arte y sobre el papel del crítico profesional en la evaluación del arte que integra el arte 'real' personas y eventos en un marco estético." La cobertura atrajo una mayor atención sobre Jones. En 2016, Newsweek escribió: "Jones es probablemente más conocido fuera de los círculos de danza por su trabajo de 1994 Still/Here".

Otros colaboradores

Creando más de 100 obras para su propia compañía, Jones también ha coreografiado para Alvin Ailey American Dance Theatre, AXIS Dance Company, Boston Ballet, Lyon Opera Ballet, Berlin Opera Ballet y Diversions Dance Company, entre otros. En 1995, Jones dirigió y actuó en una obra colaborativa con Toni Morrison y Max Roach, Degga, en el Alice Tully Hall, por encargo de "Serious Fun" Festival. Su colaboración con Jessye Norman, ¡Cómo! ¡Hacer! ¡Nosotros! Do!, estrenada en el centro de la ciudad de Nueva York en 1999.

En 1989, Bill T. Jones coreografió D-Man in the Waters. La epidemia de SIDA estaba en su punto más alto y la comunidad artística se estaba viendo muy afectada por ella. Tras la muerte del miembro de la compañía, Demian Acquavella, Bill T. Jones decidió coreografiar esta pieza en su honor. Creó conciencia sobre los horrores de la enfermedad al resaltar la ausencia de Acquavella en la pieza. La pieza presenta muchos levantamientos para simbolizar la unidad que Bill T. Jones quería lograr como sociedad. Hombres levantando hombres, mujeres levantando mujeres y mujeres levantando hombres. D-Man in the Waters es una obra de arte hermosa y conmovedora que utiliza el movimiento y la falta del mismo para retratar los horrores de la epidemia del SIDA, la pérdida de los afectados por ella y la desesperación por unirnos. y encontrar una solución.

En 1990, Jones coreografió Año Nuevo de Sir Michael Tippett bajo la dirección de Sir Peter Hall para la Gran Ópera de Houston y el Festival de Ópera de Glyndebourne. Concibió, codirigió y coreografió Mother of Three Sons, que se presentó en la Bienal de Múnich, la Ópera de Nueva York y la Gran Ópera de Houston. También dirigió Lost in the Stars para la Ópera Lírica de Boston. La participación de Jones en teatro incluye la codirección de Perfect Courage con su hermana y prolífica artista de performance, Rhodessa Jones, para el Festival 2000, en 1990. En 1994, dirigió Dream on Monkey, de Derek Walcott. Mountain para el Teatro Guthrie en Minneapolis, MN.

Jones también colaboró con el artista Keith Haring en 1982 para crear juntos una serie de artes escénicas y visuales.

Broadway y fuera de Broadway

En 2005, Jones coreografió la producción del New York Theatre Workshop de The Seven, un musical de Will Power basado en Siete contra Tebas del dramaturgo clásico griego Esquilo. The Seven transpuso la obra original a un entorno urbano moderno y empleó una variedad de estilos musicales para crear lo que un crítico llamó "un nuevo y extraño híbrido: una comedia-tragedia musical de hip-hop". " La obra fue reconocida con tres premios Off-Broadway Lucille Lortel, incluida la mejor coreografía, otorgado a Jones.

Jones fue coreógrafo para el estreno en Broadway del musical de rock de 2006 Spring Awakening, desarrollado por el compositor Duncan Sheik y el letrista Steven Sater, y dirigido por Michael Mayer. La obra está basada en una obra alemana de 1891 que explora el tumulto de la sexualidad adolescente. Spring Awakening fue ampliamente aclamado en su estreno y posteriormente ganó ocho premios Tony en 2007, además de una serie de otros reconocimientos. Jones recibió el premio Tony en 2007 a la mejor coreografía.

Jones es cocreador, director y coreógrafo del musical Fela!, que se presentó fuera de Broadway en 2008 y se estrenó en Broadway en 2009. Los colaboradores de Jones en el proyecto fueron Jim Lewis y Stephen Hendel. La obra se basa en acontecimientos de la vida del músico y activista nigeriano Fela Kuti y está inspirada en Fela: This Bitch of a Life, una biografía autorizada de Kuti de 1982 escrita por Carlos Moore. La presentación de Broadway ganó tres premios Tony, incluido el de Mejor Coreografía.

En 2010, fue homenajeado por el Centro Kennedy. Presentada por el homenajeado del Centro Kennedy en 1996, Edward Albee, y con un discurso de Claire Danes, la actuación fue "I Sing The Body Electric", y fue presentada por el homenajeado del Centro Kennedy en 1996, Edward Albee. un poema escrito por Walt Whitman en 1856. También fueron honrados ese año la presentadora y actriz de programas de entrevistas Oprah Winfrey, el letrista y compositor Jerry Herman, la cantante y compositora de country Merle Haggard y el cantante, compositor y músico Paul McCartney.

En junio de 2019, para conmemorar el 50.º aniversario de los disturbios de Stonewall, un evento ampliamente considerado un momento decisivo en el movimiento moderno por los derechos LGBTQ, Queerty lo nombró uno de los Pride50 "individuos pioneros que garantizan activamente que la sociedad siga avanzando hacia la igualdad, la aceptación y la dignidad de todas las personas queer".

Ópera

En 2017, Jones se desempeñó como director, coreógrafo y dramaturgo para el estreno mundial de We Shall Not Be Moved, escrita por el compositor Daniel Bernard Roumain y el libretista Marc Bamuthi Joseph. La obra fue encargada por la Ópera de Filadelfia y fue catalogada por el New York Times como una de las mejores representaciones clásicas de 2017.

Vida personal

Jones está casada con Bjorn Amelan, un ciudadano francés que se crió en Haifa, Israel y varios países de Europa. Los dos han estado juntos desde 1993. Amelan fue el socio romántico y comercial del destacado diseñador de moda Patrick Kelly desde 1983 hasta la muerte de Kelly por complicaciones del SIDA en 1990. Además de dedicarse a su propio trabajo como artista visual, Amelan es Director creativo de Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company y ha diseñado muchos de los decorados de la compañía desde mediados de los años 1990. Las experiencias de la madre de Amelan, Dora Amelan, en la Segunda Guerra Mundial, son el foco del trabajo de Jones Analogy/Dora: Tramontane (2015).

Jones y Amelan viven en el condado de Rockland, Nueva York, justo al norte de la ciudad de Nueva York, en una casa comprada en 1980 por Jones y Arnie Zane. A pesar de la larga asociación de Jones con las artes escénicas y la vida cultural de Nueva York, nunca ha residido en la ciudad.

Una de las hermanas de Jones, Rhodessa Jones, es una destacada artista de performance de San Francisco, educadora de artes carcelarias y codirectora artística del conjunto de performance Cultural Odyssey. El sobrino de Jones, Lance Briggs, es el tema de dos obras interpretadas por Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company, Analogy/Lance (2016) y Carta a mi sobrino. (2017). Ambos exploran la trayectoria de la vida de Briggs, que descendió desde una promesa como bailarina, modelo y compositora hasta involucrarse en las drogas y la prostitución, un diagnóstico de SIDA y quedar parapléjico.

Obras seleccionadas

Jones ha coreografiado más de 120 obras documentadas. La siguiente es una selección representativa que destaca colaboraciones o encargos de compañías o artistas notables.

Bill T. Jones y Arnie Zane

• Pas de Deux for Two (1973)
• Al otro lado de la calle (1975)
• Monkey Run Road (1979)
• Blauvelt Mountain (1980)
• Valley Cottage (1981)
• Rotary Action (2020)
• Momento intuitivo (1983) [Música, Max Roach; decoración, Robert Longo]
• Pasturas secretas (1984) [Decoración, Keith Haring; vestuario, Willi Smith]
• La Trilogía Animal (1986)
• La historia del Collage (1988)

Bill T. Jones

• Todo el mundo trabaja / todas las bestias cuentan (1975)
• Holzer Duet... Truisms (1985) [Texto por Jenny Holzer]
• Virgil Thompson Etudes (1986) [Costumes, Bill Katz ' Louise Nevelson]
• D-Man en las Aguas (1989)
• Se necesita Dos. (1989)
• Última cena en la cabaña del tío Tom/La tierra prometida (1990)
• Absencia (1990)
• Boda rota (1992)
• Still/Here (1994)
• Salimos temprano... la visibilidad era pobre (1997)
• Suzanne negro (2002)
• Capilla/Capítulo (2006)
• Un par de cuarrezos (2006)
• Serenata/La Proposición (2008)
• Fondly Do We Hope...Fervently Do We Pray (2009)
• Historia/tiempo (2014)

Comisiones y colaboraciones

• Coño de fiebre (1983) [Comisión de Alvin Ailey American Dance Theater]
• Madre de Tres Hijos [Commission from New York City Opera (1991)]
• Boda rota (1992) [Comité de Boston Ballet]
• Degga (1995) [Colaboración con Max Roach y Toni Morrison]
• 24 Imágenes por segundo (1995) [Comité de Lyon Opera Ballet]
• ¡Cómo! ¡Hazlo! ¡Nosotros! ¡Hazlo! (1999) [Colaboración con Jessye Norman]li
• Bill and Laurie: About Five Rounds (1996) [Colaboración con Laurie Anderson]
• A Rite (2013) [Colaboración con Anne Bogart/SITI Company]

Principales premios y honores

• 1986, Premio de danza y performance de Nueva York "Besie", Libertad de información (Choreography/Creator; w/ Arnie Zane)
• 1989, Premio de danza y performance de Nueva York "Besie", D-Man en las Aguas (Choreografía/Creador)
• 1991, Premio Dorothy B. Chandler de Artes Escénicas
• 2001, Premio New York Dance y Performance "Besie", The Breathing Show " The Table Project (Choreografía/Creador; w/ Bjorn Amelan)
• 2003, Premio Dorothy y Lillian Gish
• 2005, Samuel H. Scripps American Dance Festival Award for Lifetime Achievement in Choreography
• 2005, Premio Wexner
• 2006, Premio Lucille Lortell, Los Siete (Coreografía destacada)
• 2007 Premio New York Dance y Performance "Besie", Capítulo/ Capilla (Choreografía/Creador)
• 2007 Premio Off-Broadway Theater "Obie", Primavera Awakening (Música: coreografía)
• 2007, Tony Award, Primavera Awakening (Mejor coreografía)
• 2007, United States Artists Fellowship
• 2008, The MacArthur Fellowship
• 2009, Premio Lucille Lortell, ¡Fela! (Excelente musical)
• 2010, Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres, République française
• 2010, Tony Award, ¡Fela! (Mejor coreografía)
• 2010, Kennedy Center Honors
• 2011, Premio YoungArts Arison
• Premio New York Dance y Performance "Besie" D-Man en las Aguas (Revival pendiente)
• 2013, La Medalla Nacional de las Artes
• 2014, el Premio Doris Duke Performing Artist
• Premio Internacional de Humanidades de la Universidad de Washington
• 2018, Premio conmemorativo James Robert Brudner en la Universidad de Yale

Filmografía

Apariciones en películas

• 1986: La cocina presenta dos lunas julio
• 1994: Negro es... negro no
• 2001: Gratis para Bailar
• 2004: Bill T. Jones: Bailando en la Tierra Prometida
• 2008: La lista negra: Volumen Uno
• 2008: El Universo de Keith Haring
• 2008: Bill T Jones – Solos
• 2021: Puedes traerte It: Bill T. Jones y D-Man en las aguas