Bienal de Arte de São Paulo

La Bienal de Arte de São Paulo (portugués: Bienal de São Paulo) fue fundada en 1951 y desde entonces se celebra cada dos años. Es la segunda bienal de arte más antigua del mundo después de la Bienal de Venecia (existente desde 1895), que le sirve de modelo a seguir.

Historia

La Bienal fue fundada por el industrial italo-brasileño Ciccillo Matarazzo (1898–1977). Desde 1957, la Bienal de São Paulo se realiza en el pabellón Ciccillo Matarazzo del Parque do Ibirapuera. El pabellón de tres pisos fue diseñado por un equipo dirigido por los arquitectos Oscar Niemeyer y Hélio Uchôa, y ofrece un espacio de exposición de 30.000 m². La Bienal de São Paulo presenta arte contemporáneo brasileño e internacional y es una de las exposiciones de arte a gran escala más importantes de Sudamérica.

Después de la finalización de la 6ª Bienal, se creó la Fundación Bienal de São Paulo para adelantar la exposición, que hasta entonces había sido organizada por el Museo de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP). El pabellón que ocupa la institución -su sede hasta el día de hoy- comenzó a acoger las exposiciones de la Bienal recién a partir de su 4ª edición, en 1957. Desde 1951, se han producido 32 Bienales con la participación de 170 países, más de 16 mil artistas y casi 10 millones visitantes, posibilitando el contacto directo entre el público brasileño y las artes visuales, teatrales y gráficas, la música, el cine, la arquitectura y otras formas de expresión artística de todo el mundo. La edición de 1998 costó casi 12 millones de dólares y atrajo a casi 400.000 visitantes durante dos meses. La 25ª bienal estaba originalmente programada para 2000, pero se retrasó hasta 2002 después de que el ex presidente de la bienal, Edemar Cid Ferreira, organizara una exposición gigantesca que marcaba el 500 aniversario del descubrimiento de Brasil por los portugueses y se reservara en el pabellón Ciccillo Matarazzo. Ese año, por primera vez, el curador jefe de la bienal fue un extranjero, el alemán Alfons Hug.

El objetivo inicial de la bienal era dar a conocer el arte contemporáneo (principalmente de Europa Occidental y Estados Unidos) en Brasil, impulsar el acceso del país a la escena artística actual en otras metrópolis y establecer São Paulo mismo como centro de arte internacional. Naturalmente, la bienal siempre sirve para acercar el arte brasileño a los invitados extranjeros.

Artistas, obras y países

Aspectos destacados año tras año

1ra Bienal, 1951

La primera Bienal fue realizada por el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM-SP) en un pabellón temporal ubicado en el Belvedere Trianon, en el barrio de la Avenida Paulista. El primer Aparelho cinecromático (1949) de Abraham Palatnik fue inicialmente rechazado por el comité de selección por no encajar en ninguna de las categorías establecidas, aunque posteriormente la obra fue aceptada y galardonada con una mención de honor por parte del premio internacional. jurado.

2ª Bienal, 1953

Conocida como la “Bienal de Guernica”, en referencia a la obra maestra de Pablo Picasso de 1937, la 2ª Bienal es, con diferencia, una de las ediciones más memorables del evento. La 2ª Bienal, que exhibió el doble de obras que la primera edición, se realizó en dos pabellones diseñados para el recién inaugurado Parque Ibirapuera por Oscar Niemeyer (1917-2012): el Pabellón de los Estados (actualmente Pabellón de las Culturas Brasileñas) y el Pabellón de las Naciones (ahora sede del Museo Afro Brasil). La exposición continuó el año siguiente como parte de las celebraciones del 400 aniversario de São Paulo.

3ra Bienal, 1955

Habiéndose consolidado como un evento importante en el mundo del arte internacional, la tercera edición de la Bienal contó con la participación de los muralistas mexicanos Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

4a Bienal, 1957

En la IV Bienal, muchos artistas brasileños cuestionaron el proceso de selección y la influencia desmesurada de Ciccillo Matarazzo. Esta fue la primera vez que la Bienal se realizó en su actual sede, el Pabellón de la Industria del Parque de Ibirapuera. Esta edición estuvo rodeada de polémica cuando el jurado de selección rechazó obras de varios nombres destacados del panorama artístico brasileño, como Flávio de Carvalho. El expresionista abstracto Jackson Pollock, fallecido el año anterior, fue honrado con una sala especial organizada por la delegación estadounidense, que marcó el apogeo de su renombre internacional.

V Bienal, 1959

200.000 visitantes aseguraron el éxito de esta exposición, cuyos aspectos más destacados incluyeron una selección de treinta obras del ícono impresionista Vincent van Gogh y una fuerte muestra de tachismo y arte informal.

VI Bienal, 1961

Ciccillo Matarazzo deja de ser el principal mecenas de la Bienal y la exposición sufrió su primera crisis financiera. La sexta edición es recordada por su museología y el predominio del neoconcretismo, tipificado por la presencia revolucionaria de los Bichos de Lygia Clark. Además, parte del comité de selección fue elegido por artistas. La Bienal recibió por primera vez en la historia del evento una delegación de la URSS.

VII Bienal, 1963

La séptima edición estuvo marcada por un número excesivo de obras seleccionadas, lo que, a su vez, creó un escenario ecléctico difícil de entender. Esta fue la primera vez que la Fundação Bienal (fundada en 1962) organizó la exposición, en lugar del Museo de Arte Moderno de São Paulo. El catálogo estaba dedicado a Wanda Svevo, fallecida el año anterior.

Octava Bienal, 1965

La Bienal se encuentra bajo presión política del gobierno con el inicio de la dictadura militar en Brasil. En la ceremonia de premiación, los artistas Maria Bonomi y Sérgio Camargo entregaron al presidente Castelo Branco una moción para la derogación de las detenciones preventivas de Mário Schenberg, Fernando Henrique Cardoso, Florestan Fernandes y Cruz Costa. A pesar de las complicaciones, la exposición es recordada por una sala especial dedicada al Surrealismo y al Arte Fantástico. El famoso ready-made Roue de bikette (1913) de Marcel Duchamp se mostró junto a obras de Max Ernst, Marc Chagall, Joan Miró, Jean Arp, Man Ray, Paul Klee, Paul Delvaux, René Magritte y Francis Picabia..

9ª Bienal, 1967

La “Bienal de Arte Pop” abrió bajo un manto de polémica: incluso antes de la inauguración de la exposición, la Policía Federal retiró dos obras por considerarlas “ofensivas” a la Constitución brasileña: el cuadro de Cybèle Varela O presente fue considerada “antinacionalista” – la obra fue destruida y el artista casi arrestado por el DOPS – y la serie de Quissak Jr., Meditação sobre a Bandeira Nacional, que infringía leyes que Prohibió el libre uso de la bandera. La delegación estadounidense presentó una muestra de Pop Art que incluía a Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg. Muchas obras resultaron dañadas y la sala estadounidense fue destrozada a los pocos días de iniciada la exposición. A partir de esta exposición, el jurado del premio estuvo compuesto por críticos de arte en lugar de consultores.

X Bienal, 1969

Meses después del Acto Institucional n. 5 (AI-5), que anuló efectivamente las libertades personales, el ochenta por ciento de los artistas invitados a la exposición se negaron, en protesta, a participar. La décima edición recibió así el apodo de “Bienal del Boicot”

XI Bienal, 1971

La polémica rodeó la inauguración de la Bienal con el boicot de los artistas, nuevamente, y el exilio de Mario Pedrosa, quien había sido dirigente de la mayor parte de las ediciones de la primera década de la Bienal y director de la VI y séptima ediciones. La selección de artistas brasileños se realizó a partir de una pre-Bienal realizada el año anterior.

XII Bienal, 1973

Una boca gigante diseñada por Vera Figueiredo "tragada" visitantes de la XII Bienal, demostrando la fuerza de las derivaciones neoconcretas. En el segmento Arte y Comunicación se presentaron instalaciones y ambientes que apelaron a todos los sentidos. En sustitución del Comité Técnico de Arte, el Consejo de Arte y Cultura (CAC) desarrolló un nuevo marco de selección y negó la entrada al 90% de las obras brasileñas presentadas. La Representación Brasileña estuvo compuesta por 100 artistas seleccionados a través de jurados regionales (Fortaleza, Salvador, Belo Horizonte, Río de Janeiro, São Paulo, Curitiba). Las obras de Kandinsky, traídas por la Representación de Francia, se exhiben por primera vez en Sudamérica.

XIII Bienal, 1975

Con ganas de actualizarse, la llamada "Bienal de Videomakers" trajo a Brasil una precisa selección de videoarte producido por reconocidos artistas de todas partes del mundo, desde Andy Warhol hasta el surcoreano Nam June Paik, cuya instalación TV Garden (1974) sorprendió al público brasileño al disponer monitores entre jarrones de palmeras y plantas artificiales.

XIV Bienal, 1977

La primera Bienal sin Ciccillo se definió por cambios significativos: el nombramiento de un Consejo de Arte y Cultura con libertad para desarrollar el programa de exposiciones – entre las nuevas reglas está el requisito de que las Representaciones Nacionales sigan los temas propuestos por la Bienal para la Selección de artistas, un modelo inspirado en la Bienal de Venecia. El CAC define tres capítulos para la exposición: Exposiciones Antológicas (en sustitución de las Salas Especiales), Grandes Enfrentamientos y Proposiciones Contemporáneas –esta última compuesta por siete temas: Arqueología Urbana, Recuperación de la Naturaleza, Arte Catastrófico, Videoarte, Poesía Espacial, El Muro como Exhibición de Obras de Arte, Arte No Codificado. Por primera vez en su historia, el Gran Premio "Itamaraty" fue otorgado a un artista latinoamericano, el Grupo argentino CAYC del Centro de Arte y Comunicación de Buenos Aires.

XV Bienal, 1979

La "Bienal de las Bienales" fue una retrospectiva de las catorce ediciones anteriores y trajo al pabellón obras premiadas a nivel nacional e internacional desde 1951, así como artistas seleccionados por la Asociación Brasileña de Críticos de Arte (ABCA). Por otro lado, fue la primera Bienal que no otorgó ningún premio, estrategia que se mantendría definitivamente en las siguientes ediciones.

XVI Bienal, 1981

El surgimiento del rol de Curador General cambiaría el rumbo de la Bienal. El crítico y ex director del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo (MAC-USP), Walter Zanini, fue el primero en ocupar el cargo, en una edición que suprimió espacios separados para cada país y optó por agrupar las obras. según la "analogía del lenguaje" (técnicas y temas). Esta muestra también marca el fin de los boicots a la Bienal por parte de artistas y el comienzo de la apertura política en Brasil.

XVII Bienal, 1983

Los lenguajes cada vez más comunes en el arte global contemporáneo de la performance, el video, el videotexto, la instalación y el acontecimiento marcan el tono de la 17ª Bienal. Fluxus Street se instaló en la planta baja del pabellón y fue una de las instalaciones más memorables. Incluso incluía una sala con documentación sobre el grupo: registros de Ben Vautier durmiendo, Dick Higgins tocando el piano y Wolf Vostell durante una acción en Nueva York.

XVIII Bienal, 1985

Esta edición mostró la creciente tendencia del expresionismo en la pintura contemporánea y contó con una exposición inusual que marcó el debate a lo largo de toda la 18ª Bienal. La curadora, Sheila Leirner, dispuso la mayoría de las obras en tres salas de 100 metros de largo, instalando pinturas una al lado de otra: una exhibición llamada el Gran Lienzo.

XIX Bienal, 1987

Con el tema “Utopía versus realidad”, lo más destacado de la 19ª Bienal fueron las obras del artista alemán Anselm Kiefer. Marcado por una fuerte presencia de instalaciones y esculturas, el tercer piso del pabellón recibió la escultura monumental Palette mit Flügel (1985), de Kiefer, y la instalación Enquanto flora a borda... (1987), de Tunga, que se deslizaría desde el techo hasta el suelo en el gran vano central del pabellón.

XX Bienal, 1989

La 20ª Bienal fue concebida por un triunvirato: Carlos von Schmidt, Stella Teixeira de Barros y João Cândido Galvão. Interrumpiendo las propuestas de ediciones pasadas, el equipo retomó la entrega de premios y la organización de las representaciones nacionales en salas separadas. La Representación de Brasil fue considerada una de las más sólidas en mucho tiempo.

21ª Bienal, 1991

Sólo para esta edición la Bienal retomó el sistema de inscripción abierta para artistas de todo el mundo. Al frente de la curaduría, João Cândido Galvão repitió su papel de la edición anterior como curador de las secciones de danza, música y teatro, y tuvo éxito presentando dos espectáculos inolvidables: Suz/O/Suz, del catalán grupo Fura dels Baus, y O Trilogie Antica: Medeea, Troienele, Electra, de Henrik Ibsen, narrada en latín y griego por la Compañía Nacional de Teatro de Bucarest.

22ª Bienal, 1994

La Bienal cambia su calendario y pasa a realizarse en años pares. Mayor importancia adquiere en esta edición el segmento histórico, cuyo tema, “La ruptura como soporte”, permitió explorar plataformas y poéticas observadas en las obras de Hélio Oiticica, Lygia Clark y Mira Schendel.

23ª Bienal, 1996

Un nuevo récord en el número de representaciones nacionales con 75 países adheridos al tema propuesto por Nelson Aguilar: “La desmaterialización del arte al final del milenio”. En esta ocasión, un Núcleo Histórico con una amplia diversidad de países reunió más de 200 grabados de Francisco de Goya, ilustró la obra póstuma de Jean-Michael Basquiat y presentó 37 pinturas de Edvard Munch.

24ª Bienal, 1998

Conocida como una de las mejores ediciones jamás realizadas, la "Bienal de Antropofagia" estuvo dirigida por Paulo Herkenhoff como curador general y Adriano Pedrosa como curador asociado. El concepto, extraído de las raíces de la cultura brasileña, impregnó el trabajo de los 76 curadores involucrados en la exposición, así como también fue el resultado de poderosas exposiciones individuales dedicadas a cada una de las 53 Representaciones Nacionales. Los curadores trabajaron con la idea de contaminación y pusieron en diálogo obras brasileñas contemporáneas con obras del Núcleo Histórico.

La bienal de 1998 aclamó específicamente una nueva perspectiva de la historia del arte a través de una lente brasileña. Introdujo un enfoque curatorial novedoso relevante para la era de la globalización poscolonial. La exposición utilizó el concepto brasileño de antropofagia como marco teórico y metodología práctica. Este enfoque fomentó la "contaminación" y "canibalización" de narrativas históricas del arte establecidas, junto con una comprensión más amplia del papel educativo de la exposición en la integración del arte, la cultura y la historia política.

25ª Bienal, 2002

Centrada en el tema “Iconografías metropolitanas”, la 25ª Bienal se ha hecho famosa por la fuerte presencia de artistas brasileños del eje São Paulo/Río de Janeiro. El nombramiento del primer curador extranjero, el alemán Alfons Hug, generó polémica. Sin embargo, el salón obtuvo excelentes críticas y batió récords de asistencia, con 668.428 visitantes.

Controversia de Taiwán

Durante el evento, el título del pabellón nacional de Taiwán se cambió de la noche a la mañana y pasó a ser "Museo de Bellas Artes, Taipei". Se reveló que esto había sido causado por el gobierno chino, que había amenazado con retirar a sus propios artistas del evento. En protesta, Chien-Chi Chang, el artista elegido para representar a Taiwán en la Bienal, cerró su instalación. El grupo austriaco Monochrom, que dirigía el pabellón vecino, invitó a otros artistas a donar letras de los títulos de sus propios países para recrear la palabra "Taiwán". Aunque tuvieron éxito, esto también fue eliminado.

26ª Bienal, 2004

Este fue el primer año de la política de entrada gratuita, que se aplicaría a todas las ediciones posteriores. Con el tema “Territorio Libre”, la 26ª Bienal introdujo en el panorama artístico a una nueva generación, como Cabelo, Chelpa Ferro y Laura Vinci, entre otros. Una vez más, la exposición demostró su carácter altamente contemporáneo al presentar obras en su mayoría producidas entre 2002 y 2004. Al menos un tercio de las obras en la muestra eran proyectos site-specific, desarrollados específicamente para el Pabellón de la Bienal.

27ª Bienal, 2006

El tema “Cómo vivir juntos”, título de una serie de seminarios impartidos por Roland Barthes en la década de 1970, sirvió de guía a la curadora Lisette Lagnado. La edición estuvo marcada por la extinción de las Representaciones Nacionales –la selección de artistas dependía de la determinación de los curadores de las Bienales– y por la reivindicación de que el arte es un lenguaje transnacional. Constituyendo una innovación fundamental para la exposición, los proyectos curatoriales serían elegidos a partir de entonces mediante un proceso de selección realizado por un comité internacional de críticos y curadores.

28ª Bienal, 2008

Repensando el propósito y dirección de la exposición, la 28ª Bienal – “In Living Contact” llevó a cabo una propuesta radical al mantener el segundo piso del pabellón completamente vacío, a modo de Open Plan – metáfora de la crisis conceptual vivida por sistemas bienales tradicionales que enfrentan las instituciones que los organizan. El episodio destacable de esa edición fueron los graffitis en las barandillas del pabellón, que dieron lugar a una discusión en el medio artístico sobre el arte urbano.

29ª Bienal, 2010

Impulsada por un nuevo impulso impulsado por una nueva junta directiva comprometida con la renovación de la institución, la Bienal inauguró su 29ª edición con un proyecto educativo permanente y una amplia programación paralela. Privilegiando las obras de orientación política, la curaduría de Agnaldo Farias y Moacir dos Anjos realizó cerca de 400 actividades en los seis espacios conceptuales titulados Terreiros, y tuvo como tema un verso de Jorge de Lima: “Siempre hay un vaso de mar para navegar”. Bandeira branca (2010), de Nuno Ramos, generó polémica por sus buitres vivos volando en el tramo central del pabellón acompañados de un montaje de sonidos de la tradición popular nacional.

30ª Bienal, 2012

Titulada “La inminencia de la poética”, esta edición de la Bienal adoptó la constelación como metáfora y estableció interconexiones discursivas entre pasado y presente; centro y periferia; Objeto y lenguaje. Con una gran cantidad de obras de cada artista, la exposición se centró en artistas latinoamericanos y rindió homenaje a Arthur Bispo do Rosário y Waldemar Cordeiro. El proyecto Mobile Radio instaló una estación de radio en el entresuelo del pabellón que transmitió durante todo el período de la exposición. La Bienal contó con el mayor corpus de obras de Alair Gomes jamás expuesto, el portafolio completo People of the XXth Century de August Sander y por primera vez en América todo el Alphabet Bété de Frédéric Bruly-Bouabré, entre los 119 artistas representados en el Matarazzo. Pabellón y otras instituciones en toda la ciudad de São Paulo.

31ª Bienal, 2014

Los trabajos de esta edición –titulados “Cómo (…) cosas que no existen” – fueron diseñados dentro del concepto de "proyecto". muchos de ellos se llevaron a cabo en colaboración entre dos o más personas: artistas y profesionales de otras disciplinas, como profesores, sociólogos, arquitectos o escritores. Atrevida, la exposición se estableció como profundamente conectada con algunos temas centrales de la vida contemporánea: identidad, sexualidad y trascendencia.

32ª Bienal, 2016

La 32ª Bienal – “Vive la Incertidumbre” se propuso como objetivo observar las nociones de incertidumbre y las estrategias que ofrece el arte contemporáneo para abrazarla o habitarla. Artistas consagrados como Öyvind Fahlström, Sonia Andrade, Lourdes Castro y Víctor Grippo fueron vistos junto a artistas jóvenes, la mayoría de los cuales eran mujeres. Cabe destacar también que esta edición fue la que presentó mayor número de obras encargadas en la historia de la exposición. Los curadores viajaron a cuatro ciudades para realizar las Jornadas de Estudio (Accra, en Ghana, Lamas, en Perú, Santiago, en Chile, y Cuiabá, en Brasil), y también sostuvieron un último encuentro en São Paulo. Concebido como una obra de arte de Jorge Menna Barreto, el restaurante de la exposición desarrolla nociones sobre las relaciones entre los hábitos alimentarios humanos y el medio ambiente, el paisaje, el clima y la vida en la Tierra.

33ª Bienal, 2018

La 33 Bienal – “Afinidades Afectivas” se realizó del 7 de septiembre al 9 de diciembre.

34ª Bienal, 2020/2021

Debido a la pandemia de COVID-19, la mayoría de los eventos de este año se pospusieron del 4 de septiembre al 5 de diciembre de 2021, y las futuras Bienales se realizarán en años impares. El tema es "Aunque está oscuro, todavía canto".