Banjo

El banjo es un instrumento de cuerda con una membrana delgada estirada sobre un marco o cavidad para formar un resonador. La membrana es típicamente circular y generalmente está hecha de plástico u ocasionalmente piel de animal. Las primeras formas del instrumento fueron diseñadas por afroamericanos en los Estados Unidos. El banjo se asocia frecuentemente con la música folk, bluegrass y country, y también se ha utilizado en algunos temas de rock, pop y hip-hop. Varias bandas de rock, como Eagles, Led Zeppelin y Grateful Dead, han utilizado el banjo de cinco cuerdas en algunas de sus canciones. Históricamente, el banjo ocupó un lugar central en la música tradicional afroamericana y en la cultura popular de los blancos rurales antes de ingresar a la corriente principal a través de los espectáculos de trovadores del siglo XIX. Junto con el violín, el banjo es un pilar de los estilos musicales estadounidenses, como el bluegrass y la música antigua. También se usa con mucha frecuencia en el jazz Dixieland, así como en géneros caribeños como biguine, calypso y mento.

Historia

Primeros orígenes

La antigua plantación, c.1785–1795, la pintura americana más antigua para imaginar un instrumento como banjo; pensado para representar una plantación en el condado de Beaufort, Carolina del Sur

El más viejo conocido banjo, c.1770-1777, de la cultura criolla de Suriname.

El banjo moderno se deriva de instrumentos que se ha registrado que están en uso en América del Norte y el Caribe desde el siglo XVII por personas esclavizadas capturadas en África occidental y central. Sus instrumentos de estilo africano fueron elaborados a partir de calabazas partidas con pieles de animales estiradas sobre ellas. Cuerdas, de tripa o fibras vegetales, se unían a un cuello de madera. Las referencias escritas al banjo en América del Norte y el Caribe aparecen en los siglos XVII y XVIII.

La primera indicación escrita de un instrumento similar al banjo data del siglo XVII: Richard Jobson (1621) al describir Gambia, escribió sobre un instrumento como el banjo, al que llamó bandore..

El término banjo tiene varias afirmaciones etimológicas, una de las cuales proviene del idioma mandinga que le da a Gambia su nombre de capital, Banjul. Otra afirmación es una conexión con el Akonting de África Occidental: el akonting está hecho con un largo cuello de bambú llamado bangoe. El material del cuello, llamado ban julo en lengua mandinka, vuelve a dar su nombre a Banjul, la capital de Gambia. En esta interpretación, Banjul se convirtió en una especie de epónimo para el Akonting a medida que cruzaba el Atlántico. El nombre del instrumento también podría derivar de la palabra kimbundu mbanza, que es un préstamo del idioma portugués que da como resultado el término banza. Su primer uso registrado fue en 1678 en el Caribe (Martinica) por africanos esclavizados.

El OED afirma que el término banjo proviene de una pronunciación dialectal del portugués bandore o de una anglicización temprana del español bandurria. Sin embargo, la evidencia contraria respalda definitivamente que los términos bandore y bandurria fueron términos utilizados cuando los europeos encontraron el banjo o sus variedades afines en uso por personas de ascendencia africana, que utilizaron diferentes términos. para el instrumento como banza.

Varios instrumentos africanos, entre los que destaca la kora, presentan un parche de piel y un cuerpo de calabaza (o concha similar). Esos instrumentos africanos se diferencian de los primeros banjos afroamericanos en que los mástiles no poseen un diapasón de estilo occidental ni clavijas de afinación; en cambio, tienen cuellos de palo, con cuerdas unidas al cuello con bucles para afinar.

Otro posible pariente del banjo es el akonting, un laúd popular con púas tocado por la tribu Jola de Senegambia, y el ubaw-akwala de los igbo. Instrumentos similares incluyen el xalam de Senegal y el ngoni de la región de Wassoulou, incluidas partes de Malí, Guinea y Costa de Marfil, así como una variación mayor del ngoni conocido como el gimbri desarrollado en Marruecos por negros africanos subsaharianos (Gnawa o Haratin).

Los instrumentos similares al banjo parecen haber sido inventados de forma independiente en varios lugares diferentes, ya que se conocen instrumentos similares al banjo en una gran variedad de países distantes. Por ejemplo, el sanxian chino, el shamisen japonés, el tar persa y el sintir marroquí, además de los muchos instrumentos africanos mencionados anteriormente.

Los primeros banjos de influencia africana se construían alrededor de un cuerpo de calabaza y un mástil de palo de madera. Estos instrumentos tenían un número variable de cuerdas, aunque a menudo incluían algún tipo de zumbido. La imagen más antigua conocida, c. 1785–1795, de una persona esclavizada tocando un instrumento parecido al banjo (The Old Plantation) muestra un instrumento de cuatro cuerdas con su cuarta cuerda (pulgar) más corta que las demás.

Los banjos con diapasones y clavijas de afinación se conocen en el Caribe desde el siglo XVII. Algunos escritores del siglo XVIII y principios del XIX transcriben el nombre de estos instrumentos como bangie, banza, bonjaw, banjer y banjar.

El instrumento estuvo cada vez más disponible comercialmente alrededor del segundo cuarto del siglo XIX debido a las actuaciones de juglares.

Era del juglar, 1830-1870

El Briggs' Banjo Instructor fue el primer método para el banjo. Enseñó estilo trazo y había notado música.

En el sur anterior a la guerra, muchos africanos esclavizados tocaban el banjo y lo extendían al resto de la población. En sus memorias With Saber and Scalpel: The Autobiography of a Soldier and Surgeon, el veterano y cirujano confederado John Allan Wyeth recuerda haber aprendido a tocar el banjo cuando era niño de una persona esclavizada en la plantación de su familia. Otro hombre que aprendió a tocar de los afroamericanos, probablemente en la década de 1820, fue Joel Walker Sweeney, un trovador de Appomattox Court House, Virginia. A Sweeney se le atribuye haber agregado una cuerda al banjo afroamericano de cuatro cuerdas y popularizar el banjo de cinco cuerdas. Aunque Robert McAlpin Williamson es el primer banjoista blanco documentado, en la década de 1830 Sweeney se convirtió en el primer intérprete blanco en tocar el banjo en el escenario. Las actuaciones musicales de Sweeney ocurrieron al comienzo de la era de los juglares, cuando los banjos pasaron de ser instrumentos folclóricos exclusivamente caseros a instrumentos de un estilo más moderno. Sweeney participó en esta transición alentando al fabricante de tambores William Boucher de Baltimore a fabricar banjos comercialmente para que él los vendiera.

Según Arthur Woodward en 1949, Sweeney reemplazó la calabaza con una caja de resonancia hecha de madera y cubierta con piel, y agregó una quinta cuerda corta alrededor de 1831. Sin embargo, el erudito moderno Gene Bluestein señaló en 1964 que es posible que Sweeney no haya originó ya sea la quinta cuerda o la caja de resonancia. Este nuevo banjo se afinó al principio en d'Gdf♯a, aunque en la década de 1890 se transpuso a g'cgbd'. Los banjos fueron introducidos en Gran Bretaña por el grupo de Sweeney, los American Virginia Minstrels, en la década de 1840, y se hicieron muy populares en los teatros de variedades.

El instrumento creció en popularidad durante la década de 1840 después de que Sweeney comenzara su espectáculo itinerante de trovadores. A fines de la década de 1840, el instrumento se había expandido desde la posesión del Caribe para echar raíces en lugares de América y al otro lado del Atlántico en Inglaterra. En 1866 se estimó que probablemente había 10,000 banjos en la ciudad de Nueva York, en comparación con solo un puñado en 1844. Las personas estaban expuestas a los banjos no solo en los espectáculos de juglares, sino también en los espectáculos de medicina, espectáculos del Lejano Oeste, espectáculos de variedades y viajes. espectáculos de vodevil. La popularidad del banjo también recibió un impulso de la Guerra Civil, ya que los militares de ambos bandos en el ejército o la marina estaban expuestos al banjo tocado en espectáculos de juglares y por otros militares. Ya en 1861 comenzó un movimiento popular de aspirantes a músicos del banjo. El entusiasmo por el instrumento se denominó "locura del banjo" o "manía del banjo."

En la década de 1850, los aspirantes a tocar el banjo tenían opciones para ayudarlos a aprender su instrumento. Había más maestros enseñando los conceptos básicos del banjo en la década de 1850 que en la década de 1840. También había manuales de instrucciones y, para aquellos que sabían leerlo, música impresa en los manuales. El primer libro de música notada fue The Complete Preceptor de Elias Howe, publicado bajo el seudónimo Gumbo Chaff, que consiste principalmente en melodías de Christy's Minstrels. El primer método de banjo fue el Briggs' Instructor de banjo (1855) de Tom Briggs. Otros métodos incluyeron la Nueva Escuela Americana de Banjo de Howe (1857) y el Método para el banjo de Phil Rice, con o sin maestro (1858). Estos libros enseñaron el "estilo de trazo" o "estilo banjo", similar al moderno "frailing" o "martillo de garras" estilos.

En 1868, la música para el banjo estaba disponible impresa en una revista, cuando J. K. Buckley escribió y arregló música popular para Buckley's Monthly Banjoist. Frank B. Converse también publicó su colección completa de composiciones en The Complete Banjoist en 1868, que incluía "polkas, valses, marchas y clog hornpipes".

Las oportunidades de trabajo incluyeron las compañías de trovadores y los circos presentes en la década de 1840, pero también los teatros flotantes y los teatros de variedades, precursores del espectáculo de variedades y el vodevil.

Época clásica, 1880-1910

El término banjo clásico se usa hoy en día para hablar de un "estilo de guitarra" que fue ampliamente utilizado entre los jugadores de banjo de finales del siglo XIX y principios del XX. Todavía lo utilizan los banjoistas en la actualidad. El término también diferencia ese estilo de tocar de los estilos de banjo bluegrass de tocar con los dedos, como el estilo Scruggs y el estilo Keith.

El Método Briggs Banjo, considerado el primer método del banjo y que enseñó el estilo de golpe de tocar, también mencionaba la existencia de otra forma de tocar, el estilo de guitarra. También conocido como "estilo de dedo", la nueva forma de tocar el banjo desplazó el método de golpe, hasta que en 1870 fue el estilo dominante. Aunque Briggs lo mencionó, no se enseñó. El primer método de banjo para enseñar la técnica fue el Método nuevo y completo de Frank B. Converse para el banjo con o sin maestro, publicado en 1865.

Para tocar con estilo de guitarra, los músicos usan el pulgar y dos o tres dedos de la mano derecha para elegir las notas. Samuel Swaim Stewart resumió el estilo en 1888, diciendo:

En el estilo de guitarra de Banjo-playing...el pequeño dedo de la mano derecha se descansa sobre la cabeza cerca del puente...[y] sirve como un descanso a la mano y una resistencia al movimiento de recoger las cuerdas... Al principio es mejor adquirir un conocimiento de recoger las cuerdas con el uso de los dedos primero y segundo y el pulgar solamente, permitiendo que el tercer dedo permanezca ocioso hasta que los otros dedos se acostumbren a fondo a su trabajo...los tres dedos son casi invariablemente utilizados en el juego de acordes y acompañamientos a las canciones."

Banjo, de la serie Musical Instruments (N82) para cigarrillos de marca Duke, 1888

El banjo, aunque popular, tenía asociaciones de clase baja por su papel en los espectáculos de trovadores de cara negra, espectáculos de medicina, espectáculos de carpa y espectáculos de variedades o vodevil. Hubo un impulso en el banjo del siglo XIX para llevar el instrumento a la "respetabilidad". Músicos como William A. Huntley se esforzaron por "elevar" el instrumento o hacerlo más "artístico," "llevándolo a un nivel más sofisticado de técnica y repertorio basado en estándares europeos." Huntley pudo haber sido el primer actor blanco en hacer con éxito la transición de actuar con la cara pintada de negro a ser él mismo en el escenario, señaló el Boston Herald en noviembre de 1884. Fue apoyado por otro ex intérprete con la cara pintada de negro, Samuel Swaim Stewart, en su revista corporativa que popularizó profesionales de gran talento.

Como el "estridente" Las imitaciones de la vida de las plantaciones disminuyeron en la juglaría, el banjo se volvió más aceptable como instrumento de la sociedad de moda, incluso para ser aceptado en los salones de mujeres. Parte de ese cambio fue un cambio del estilo de golpe al estilo de tocar la guitarra. Un periódico de 1888 decía: "Todas las doncellas y muchas de las mujeres también tocan el instrumento, las clases de banjo abundan por todos lados y los recitales de banjo se encuentran entre las diversiones más nuevas de la moda... Los jóvenes y los hombres mayores también se han dado cuenta". la fiebre... los rasgueadores de estrellas entre los hombres están en demanda en las fiestas más elegantes y tienen la elección de la sociedad de las chicas más encantadoras."

Algunos de esos artistas, como Alfred A. Farland, se especializaron en música clásica. Sin embargo, los músicos que querían entretener a su público y ganarse la vida, lo mezclaron con la música popular que el público quería. El alumno de Farland, Frederick J. Bacon, fue uno de ellos. Anteriormente animador de programas de medicina, Bacon interpretó música clásica junto con canciones populares como Massa's in de cold, cold ground, un Medley of Scotch Airs, un Medley de Southern Airs, y su propia West Lawn Polka.

La innovación del banjo que comenzó en la era de los juglares continuó, con un mayor uso de piezas de metal, maderas exóticas, trastes de metal elevados y un anillo tonal que mejoró el sonido. Los instrumentos fueron diseñados en una variedad de tamaños y rangos de tonos, para tocar diferentes partes en orquestas de banjo. Los ejemplos que se exhiben en el museo incluyen banjorines y banjos piccolo.

Nuevos estilos de tocar, una nueva apariencia, instrumentos en una variedad de rangos de tonos para tomar el lugar de diferentes secciones en una orquesta: todo ayudó a separar el instrumento de la imagen tosca de juglar de los años 50-60 anteriores. El instrumento era ahora moderno, una cosa nueva y brillante, con lados de metal pulido.

Era del ragtime (1895–1919) y Era del jazz (décadas de 1910 a 1930)

El Buffalo Rag

Composición de Tom Turpin 1904 El Buffalo Rag, en un rendimiento de 1906 por Vess Ossman. Aunque esta es una pieza de ragtime, Ossman jugó con estilo clásico banjo. He fingerpicked gut strings using a technique similar to classic guitarists.

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A principios de la década de 1900, comenzaron a difundirse nuevos banjos, modelos de cuatro cuerdas, tocados con una púa en lugar de con el golpe de martillo de banjo juglar o el estilo clásico de punteo con los dedos del banjo. Los nuevos banjos fueron el resultado de cambios en los gustos musicales. La nueva música estimuló la creación de "variaciones evolutivas" del banjo, desde el modelo de cinco cuerdas vigente desde la década de 1830 hasta los nuevos banjos de púa y tenor de cuatro cuerdas.

Los instrumentos se decoraron de forma ornamentada en la década de 1920 para que resultaran visualmente dinámicos para el público del teatro. Los instrumentos se modificaron cada vez más o se fabricaron con un nuevo estilo: cuellos que se acortaron para manejar las cuatro cuerdas de acero (no de fibra como antes), cuerdas que sonaban con una púa en lugar de con los dedos, cuatro cuerdas en lugar de cinco y afinadas de manera diferente. Los cambios reflejaron la naturaleza de la música posterior a la Primera Guerra Mundial. El país se estaba alejando de los clásicos europeos, prefiriendo la "sensación alegre y despreocupada" del jazz, y los soldados estadounidenses que regresaban de la guerra ayudaron a impulsar este cambio.

El cambio en los gustos hacia la música dance y la necesidad de instrumentos más fuertes comenzó unos años antes de la guerra, sin embargo, con el ragtime. Esa música alentó a los músicos a cambiar sus banjos de 5 cuerdas a cuatro, agregar las cuerdas de acero más fuertes y usar una púa o púa, todo en un esfuerzo por ser escuchado sobre los instrumentos de metal y lengüeta que estaban de moda en los salones de baile. La púa de cuatro cuerdas y los banjos tenor no eliminaron la variedad de cinco cuerdas. Eran productos de su época y propósitos musicales: música de baile y música de teatro y ragtime y jazz.

La Gran Depresión es una línea visible que marca el final de la Era del Jazz. La recesión económica redujo las ventas de banjos de cuatro y cinco cuerdas, y para la Segunda Guerra Mundial, los banjos estaban en fuerte declive, el mercado para ellos estaba muerto.

Era moderna

Hubby Jenkins actuando en solitario banjo en el IBMA Bluegrass Live! festival en Raleigh, Carolina del Norte el 2 de octubre de 2021

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, el banjo experimentó un resurgimiento, tocado por estrellas de la música como Earl Scruggs (bluegrass), Bela Fleck (jazz, rock, world music), Gerry O'Connor (Celtic y música irlandesa), Perry Bechtel (jazz, big band), Pete Seeger (folk) y Otis Taylor (raíces afroamericanas, blues, jazz).

Pete Seeger "fue una fuerza importante detrás de un nuevo interés nacional en la música folclórica". Aprendiendo a tocar un fingerstyle en los Apalaches de músicos que nunca dejaban de tocar el banjo, escribió el libro Cómo tocar el banjo de cinco cuerdas, que fue el único método de banjo en el mercado durante años. Le siguió un movimiento de músicos folclóricos, como Dave Guard del Kingston Trio y Erik Darling de los Weavers and Tarriers.

Earl Scruggs fue visto tanto como una leyenda como un "innovador musical contemporáneo" quien dio nombre a su estilo de juego, el Estilo Scruggs. Scruggs tocaba el banjo "con una velocidad y destreza nunca antes vistas" usando una técnica de punteo para el banjo de 5 cuerdas que perfeccionó a partir de técnicas de punteo de 2 y 3 dedos en la zona rural de Carolina del Norte. Su forma de tocar llegó a los estadounidenses a través del Grand Ole Opry y a las salas de estar de los estadounidenses que no escuchaban música country o bluegrass, a través del tema musical de The Beverly Hillbillies.

Durante los últimos cien años, el banjo tenor se ha convertido en una parte intrínseca del mundo de la música tradicional irlandesa. Es relativamente nuevo en el género.

El banjo también se ha utilizado más recientemente en la escena del hardcore punk, sobre todo por Show Me the Body en su álbum debut, Body War.

Técnica

Rollo hacia adelante Jugar(help·info).

Melody to Yankee Doodle, en el banjo, sin y con notas de drones Juega sin(help·info) y con drone(help·info).

Dos técnicas estrechamente asociadas con el banjo de cinco cuerdas son los redobles y los drones. Los redobles son patrones de digitación de acompañamiento de la mano derecha que constan de ocho (corcheas) notas que subdividen cada compás. Las notas de zumbido son pequeñas notas rápidas [típicamente corcheas], generalmente tocadas en la quinta cuerda (corta) para completar las notas de la melodía [típicamente corcheas]. Estas técnicas son idiomáticas para el banjo en todos los estilos y su sonido es característico del bluegrass.

Históricamente, los africanos tocaban el banjo al estilo de un martillo de orejas y traían consigo su versión del banjo. Varios otros estilos de juego se desarrollaron a partir de esto. Clawhammer consiste en golpear hacia abajo una o más de las cuatro cuerdas principales con los dedos índice, medio o ambos mientras el zumbido o la quinta cuerda se toca con un 'lifting'. (a diferencia de tirar hacia abajo) movimiento del pulgar. Las notas que normalmente suenan con el pulgar de esta manera están, por lo general, fuera de tiempo. Las melodías pueden ser técnicas de adición bastante complejas, como el doble pulgar y el pulgar caído. En la música antigua de los Montes Apalaches, también se usa un estilo llamado "up-pick" de dos dedos, y una versión de tres dedos que Earl Scruggs desarrolló en el "Scruggs" La selección de estilo se transmitió a nivel nacional en 1945 en el Grand Ole Opry. En este estilo, el instrumento se toca punteando notas individuales. El estilo de dedos moderno generalmente se toca con púas, aunque los primeros jugadores y algunos jugadores modernos juegan con uñas o con una técnica conocida como en la carne. En este estilo, las cuerdas se tocan directamente con los dedos, en lugar de cualquier púa o intermediario.

Mientras que los banjos de cinco cuerdas se tocan tradicionalmente con púas o con los propios dedos, los banjos de tenor y los banjos de púa se tocan con púas, ya sea para rasguear acordes completos o, más comúnmente, en la música tradicional irlandesa, tocar melodías de una sola nota.

Formas modernas

El banjo moderno viene en una variedad de formas, incluidas versiones de cuatro y cinco cuerdas. Una versión de seis cuerdas, afinada y tocada de manera similar a una guitarra, ha ganado popularidad. En casi todas sus formas, tocar el banjo se caracteriza por un punteo rápido arpegiado, aunque existen muchos estilos diferentes de tocar.

El cuerpo, o "bote", de un banjo moderno generalmente consta de un borde circular (generalmente hecho de madera, aunque el metal también era común en los banjos más antiguos) y una cabeza tensada, similar a un tambor. cabeza. Tradicionalmente, la cabeza estaba hecha de piel de animal, pero hoy en día a menudo está hecha de varios materiales sintéticos. La mayoría de los banjos modernos también tienen un "anillo de tono" de metal. ensamblaje que ayuda a aclarar y proyectar aún más el sonido, pero muchos banjos más antiguos no incluyen un anillo de tono.

El banjo generalmente se afina con clavijas de afinación por fricción o afinadores de engranajes planetarios, en lugar de la cabeza de máquina de engranajes helicoidales que se usa en las guitarras. Los trastes se han convertido en estándar desde finales del siglo XIX, aunque los banjos sin trastes todavía son fabricados y tocados por aquellos que desean ejecutar glissando, tocar cuartos de tono o lograr el sonido y la sensación de los primeros estilos de interpretación.

Los banjos modernos normalmente se ensartan con cuerdas de metal. Por lo general, la cuarta cuerda se enrolla con acero o con una aleación de bronce y fósforo. Algunos músicos pueden encordar sus banjos con cuerdas de nailon o de tripa para lograr un tono más suave y antiguo.

Algunos banjos tienen una placa resonadora separada en la parte posterior de la olla para proyectar el sonido hacia adelante y darle más volumen al instrumento. Este tipo de banjo se usa generalmente en la música bluegrass, aunque los banjos resonadores los tocan músicos de todos los estilos, y también se usan en los viejos tiempos, a veces como sustituto de la amplificación eléctrica cuando se toca en lugares grandes.

Los banjos abiertos por lo general tienen un tono más suave y pesan menos que los banjos resonadores. Por lo general, tienen una configuración diferente a la de un banjo resonador, a menudo con una acción de cuerda más alta.

Banjo de cinco cuerdas

El banjo moderno de cinco cuerdas es una variación del diseño original de Sweeney. La quinta cuerda suele tener el mismo calibre que la primera, pero comienza en el quinto traste, tres cuartos de la longitud de las otras cuerdas. Esto permite que la cuerda se afine a un tono abierto más alto que el posible para las cuerdas de longitud completa. Debido a la corta quinta cuerda, el banjo de cinco cuerdas utiliza una afinación reentrante: los tonos de las cuerdas no van de menor a mayor en el diapasón. En cambio, la cuarta cuerda es la más baja, luego la tercera, la segunda, la primera y la quinta cuerda es la más alta.

La quinta cuerda corta presenta problemas especiales para un capo. Para pequeños cambios (subir o bajar uno o dos semitonos, por ejemplo), simplemente es posible volver a afinar la quinta cuerda. De lo contrario, varios dispositivos llamados "capos de quinta cuerda" acortar efectivamente la parte vibrante de la cuerda. Muchos jugadores de banjo usan púas de ferrocarril modelo o púas de titanio (generalmente instaladas en el séptimo traste y, a veces, en otros), debajo de las cuales enganchan la cuerda para presionarla hacia abajo en el traste.

Los intérpretes de banjo de cinco cuerdas utilizan muchas afinaciones. (Las afinaciones se dan en orden de izquierda a derecha, visto desde el frente del instrumento con el mástil apuntando hacia arriba). Probablemente la más común, particularmente en bluegrass, es la afinación Open-G G4 D3 G3 B3 D4. En tiempos anteriores, la afinación G4 C3 G3 B3 D4 se usaba comúnmente en su lugar, y esta sigue siendo la afinación preferida para algunos tipos de música folclórica y para el banjo clásico. Otras afinaciones que se encuentran en la música antigua incluyen doble C (G4 C3 G3 C4 D4), "aserradero" (G4 D3 G3 C4 D4) también llamado "modal de montaña" y D abierto (F#4 D3 F#3 A3 D4). Estas afinaciones a menudo se toman un tono, ya sea afinando o usando un capo. Por ejemplo, "doble D" La afinación (A4 D3 A3 D4 E4), comúnmente alcanzada al afinar desde doble C, a menudo se toca para acompañar melodías de violín en la clave de D, y Open-A (A4 E3 A3 C # 4 E4) se usa generalmente para tocar melodías en la clave de A. Se utilizan docenas de otras afinaciones de banjo, principalmente en la música antigua. Estas afinaciones se utilizan para facilitar la ejecución de melodías específicas, generalmente melodías de violín o grupos de melodías de violín.

El tamaño del banjo de cinco cuerdas está estandarizado en gran medida, pero existen tamaños más pequeños y más grandes, incluidos los de cuello largo o "Cuello Seeger" variación diseñada por Pete Seeger. Pequeñas variaciones del banjo de cinco cuerdas han estado disponibles desde la década de 1890. SS Stewart introdujo el banjeaurine, afinado un cuarto por encima de un estándar de cinco cuerdas. Los banjos piccolo son más pequeños y están afinados una octava por encima de un banjo estándar. Entre estos tamaños y el estándar se encuentra el banjo de escala A, que es dos trastes más corto y generalmente está afinado un paso completo por encima de las afinaciones estándar. Muchos fabricantes han producido banjos de otras longitudes de escala y con varias innovaciones.

Un banjo de cinco cuerdas

La música antigua estadounidense suele utilizar el banjo abierto de cinco cuerdas. Se toca en varios estilos diferentes, el más común es el martillo o frailing, que se caracteriza por el uso de un golpe hacia abajo en lugar de hacia arriba cuando se golpean las cuerdas con la uña. Las técnicas de frailing usan el pulgar para atrapar la quinta cuerda de un zumbido después de la mayoría de los rasgueos o después de cada golpe ("pulgar con el pulgar doble"), o para elegir notas melódicas adicionales en lo que se conoce como drop-thumb. Pete Seeger popularizó un estilo folclórico al combinar el martillo con garras, generalmente sin el uso de púas. Otro estilo común de tocar el banjo antiguo es tocar el banjo con los dedos o el banjo clásico. Este estilo se basa en la guitarra estilo salón.

La música bluegrass, que utiliza casi exclusivamente el banjo resonador de cinco cuerdas, se toca en varios estilos comunes. Estos incluyen el estilo Scruggs, llamado así por Earl Scruggs; melódico, o estilo Keith, llamado así por Bill Keith; y estilo de tres dedos con trabajo de una sola cuerda, también llamado estilo Reno en honor a Don Reno. En estos estilos, el énfasis está en las figuras arpegiadas tocadas en un ritmo continuo de corcheas, conocido como redobles. Todos estos estilos se tocan típicamente con púas.

El primer banjo eléctrico de cuerpo sólido de cinco cuerdas fue desarrollado por Charles Wilburn (Buck) Trent, Harold "Shot" Jackson y David Jackson en 1960.

El banjo de cinco cuerdas se ha utilizado en la música clásica desde antes de principios del siglo XX. Jerry Garcia, Buck Trent, Béla Fleck, Tony Trischka, Ralph Stanley, Steve Martin, George Crumb, Modest Mouse, Jo Kondo, Paul Elwood, Hans Werner Henze (sobre todo en su Sexta sinfonía), Daniel Mason de Hank Williams III's Damn Band, Beck, Water Tower Bucket Boys, Todd Taylor, J.P. Pickens, Peggy Honeywell, Norfolk & Oeste, Putnam Smith, Iron & Wine, The Avett Brothers, The Well Pennies, Punch Brothers, Julian Koster, Sufjan Stevens, Sarah Jarosz y las hermanas Leah Song y Chloe Smith de Rising Appalachia

Frederick Delius escribió para un banjo en su ópera Koanga.

Ernst Krenek incluye dos banjos en su Kleine Symphonie (Pequeña sinfonía).

Kurt Weill tiene un banjo en su ópera Auge y caída de la ciudad de Mahagonny.

Viktor Ullmann incluyó una parte de banjo tenor en su Concierto para piano (op. 25).

Banjos de cuatro cuerdas

Plectrum banjo de Gold Tone

El banjo de púa de cuatro cuerdas es un banjo estándar sin la cuerda corta de zumbido. Suele tener 22 trastes en el mástil y una longitud de escala de 26 a 28 pulgadas, y originalmente estaba afinado C3 G3 B3 D4. También se puede afinar como las cuatro cuerdas superiores de una guitarra, lo que se conoce como "afinación de Chicago". Como sugiere el nombre, generalmente se toca con una púa estilo guitarra (es decir, una sola sostenida entre el pulgar y el índice), a diferencia del banjo de cinco cuerdas, que se toca con una púa para el pulgar y dos púa para los dedos, o con una púa desnuda. dedos. El banjo de plectro evolucionó a partir del banjo de cinco cuerdas, para adaptarse a los estilos de música que involucran acordes rasgueados. La púa también aparece en muchas de las primeras grabaciones y arreglos de jazz.

Los banjos de cuatro cuerdas se pueden usar para acompañamiento de cuerdas (como en el jazz primitivo), para tocar melodías de una sola cuerda (como en la música tradicional irlandesa), en "melodía de acordes" (una sucesión de acordes en la que las notas más altas llevan la melodía), en estilo trémolo (tanto en acordes como en cuerdas individuales), y una técnica mixta llamada estilo dúo que combina trémolo de cuerda única y acordes rítmicos.

Los banjos de cuatro cuerdas se utilizan de vez en cuando en el teatro musical. Los ejemplos incluyen: ¡Hola, Dolly!, Mame, Chicago, Cabaret, Oklahoma!, Medio seis peniques, Annie, Barnum, La ópera de tres peniques, Monty Python' s Spamalot, y muchos otros. Joe Raposo lo había usado de manera variable en la orquestación imaginativa de siete piezas para el programa de televisión de larga duración Sesame Street, y en ocasiones lo ha sobregrabado consigo mismo o con una guitarra eléctrica. El banjo todavía se usa (aunque rara vez) en el arreglo del programa actualmente.

Banjo tenor

Tenor banjos

Hombre jugando un banjo de cuatro cuerdas.

Dos Gibson tenor banjos de principios del siglo XX en el American Banjo Museum. Un banjo de 15 fret tenor. (Left) Un 19 fret tenor banjo.

El banjo tenor de cuello más corto, con 17 ("escala corta") o 19 trastes, también se suele tocar con una púa. Se convirtió en un instrumento popular después de aproximadamente 1910. Los primeros modelos utilizados para tocar melodías generalmente tenían 17 trastes en el mástil y una longitud de escala de 191 ⁄2 a 211 ⁄2 pulgadas. A mediados de la década de 1920, cuando el instrumento se usaba principalmente para el acompañamiento de acordes rasgueados, los mástiles de 19 trastes con una longitud de escala de 213⁄4 a 23 pulgadas se convirtió en estándar. La afinación habitual es la afinación de quintas C3 G3 D4 A4, en la que ocurren exactamente siete semitonos (una quinta perfecta) entre las notas abiertas de cuerdas consecutivas; esto es idéntico a la afinación de una viola. Otros músicos (particularmente en la música tradicional irlandesa) afinan el banjo G2 D3 A3 E4 como una mandolina de octava, lo que permite al banjoista duplicar la digitación del violín y la mandolina. La popularización de esta afinación generalmente se atribuye al difunto Barney McKenna, banjoista de The Dubliners. Fingerstyle en el banjo tenor reafinado para abrir la afinación G dgd'g' o menor afinación D abierta Adad' (tres dedos, frailing) han sido explorados por Mirek Patek.

El banjo tenor era un instrumento rítmico común en las bandas de baile de principios del siglo XX. Su volumen y timbre se adaptaban al jazz temprano (y estilos de música popular influenciados por el jazz) y podían competir con otros instrumentos (como instrumentos de metal y saxofones) y escucharse claramente en grabaciones acústicas. Rhapsody in Blue de George Gershwin, en el arreglo original de orquesta de jazz de Ferde Grofe, incluye un banjo tenor, con acordes muy espaciados que no se pueden tocar fácilmente en un banjo de plectro en sus afinaciones convencionales. Con el desarrollo de la archtop y la guitarra eléctrica, el banjo tenor desapareció en gran medida del jazz y la música popular, aunque mantuvo su lugar en la música tradicional "Dixieland" jazz.

Algunos músicos de banjo irlandeses de la década de 1920 escogieron las melodías de jigs, reels y hornpipes en banjos de tenor, decorando las melodías con adornos de trillizos ágiles. El banjista irlandés más importante de esta época fue Mike Flanagan de Flanagan Brothers, con sede en Nueva York, uno de los grupos irlandeses-estadounidenses más populares de la época. Otros músicos de banjo irlandeses anteriores a la Segunda Guerra Mundial incluyeron a Neil Nolan, quien grabó con la Shamrock Band de Dan Sullivan en Boston, y Jimmy McDade, quien grabó con la Orquesta de las Cuatro Provincias en Filadelfia. Mientras tanto, en Irlanda, el auge de las bandas de ceili proporcionó un nuevo mercado para un instrumento sonoro como el banjo tenor. El uso del banjo tenor en la música irlandesa ha aumentado considerablemente desde el renacimiento del folk de la década de 1960.

Banjos de seis cuerdas

Old six-string zither banjo

El banjo de seis cuerdas comenzó como una innovación británica de William Temlett, uno de los primeros fabricantes de banjo de Inglaterra. Abrió una tienda en Londres en 1846 y vendió banjos de siete cuerdas que comercializó como "cítara" banjos de su patente de 1869. Un banjo de cítara generalmente tiene la parte posterior y los lados cerrados con el cuerpo del tambor y el sistema de tensión de la piel suspendidos dentro del borde de madera, el mástil y el cordal de la cuerda montados en la parte exterior del borde, y la cuerda del zumbido pasa a través de un tubo en el mástil de modo que la clavija de afinación se puede montar en la cabeza. A menudo los fabricaban constructores que usaban afinadores de guitarra que venían en bancos de tres, por lo que los instrumentos de cinco cuerdas tenían un afinador redundante; estos banjos podrían convertirse fácilmente en un banjo de seis cuerdas.

El estadounidense Alfred Davis Cammeyer (1862–1949), un joven violinista convertido en músico de banjo de concierto, ideó el banjo con cítara de seis cuerdas alrededor de 1880. La diva de la ópera británica Adelina Patti le aconsejó a Cammeyer que el banjo con cítara podría ser popular entre el público inglés, ya que se había inventado allí, y Cammeyer fue a Londres en 1888. Con su interpretación virtuosa, ayudó a demostrar que los banjos podían hacer música más sofisticada que la que normalmente tocan los juglares de cara negra. Pronto estuvo actuando para la sociedad londinense, donde conoció a Sir Arthur Sullivan, quien le recomendó que pasara de arreglar la música de otros para el banjo a componer su propia música.

Se han fabricado banjos bluegrass modernos de seis cuerdas. Estos agregan una cuerda de bajo entre la cuerda más baja y la cuerda del zumbido en un banjo de cinco cuerdas, y generalmente están afinados G4 G2 D3 G3 B3 D4. Sonny Osborne tocó uno de estos instrumentos durante varios años. Fue modificado por el luthier Rual Yarbrough a partir de un modelo Vega de cinco cuerdas. Una imagen de Sonny con este banjo aparece en el libro de métodos Bluegrass Banjo de Pete Wernick.

Los banjos de seis cuerdas conocidos como guitarras de banjo consisten básicamente en un mástil de guitarra de seis cuerdas unido a un cuerpo de banjo de bluegrass o plectro, lo que permite a los músicos que han aprendido a tocar la guitarra tocar un sonido de banjo sin tener que volver a aprender la digitación. Este fue el instrumento del gran jazz temprano Johnny St. Cyr, los jazzistas Django Reinhardt, Danny Barker, Papa Charlie Jackson y Clancy Hayes, así como el cantante de blues y gospel Reverend Gary Davis. Hoy en día, músicos tan diversos como Keith Urban, Rod Stewart, Taj Mahal, Joe Satriani, David Hidalgo, Larry Lalonde y Doc Watson tocan el banjo de guitarra de seis cuerdas. Se han vuelto cada vez más populares desde mediados de la década de 1990.

Otros banjos

Banjos bajos

Cello banjo de Gold Tone

A finales del siglo XIX y principios del XX, lo que estaba de moda en los conjuntos de instrumentos de cuerda pulsada (orquestas de guitarras, orquestas de mandolina, orquestas de banjo) era cuando la instrumentación se hacía paralela a la de la sección de cuerdas en las orquestas sinfónicas. Así, "violín, viola, 'violonchelo, bajo" se convirtió en "mandolina, mandola, mandocello, mandobass", o en el caso de los banjos, "banjolin, banjola, banjo cello, bass banjo". Debido a que el rango de los instrumentos de cuerda pulsada generalmente no es tan grande como el de los instrumentos de cuerda frotada de tamaño similar, a menudo se agregaban otros instrumentos a estas orquestas pulsadas para ampliar el rango del conjunto hacia arriba y hacia abajo.

El violonchelo banjo normalmente se afinaba C2-G2-D3-A3, una octava por debajo del banjo tenor como el violonchelo y el mandocello. La compañía Goldtone ha producido un banjo de violonchelo de cinco cuerdas, configurado como un banjo de bluegrass (con la quinta cuerda corta), pero afinado una octava más abajo.

Bass banjo

Los banjos bajos se han producido tanto en formato de bajo vertical como con cuerpos de banjo estándar que se transportan horizontalmente. También se han fabricado banjos de contrabajo de tres o cuatro cuerdas; algunos de estos tenían clavijero similar a los de los violines bajos. La afinación varía en estos grandes instrumentos, con modelos de cuatro cuerdas que a veces se afinan en cuartas como un violín bajo (E1-A1-D2-G2) y a veces en quintas, como un banjo de violonchelo de cuatro cuerdas, una octava más baja (C1-G1 -D2-A2).

Híbridos y variantes de banjo

Existen varios instrumentos híbridos que cruzan el banjo con otros instrumentos de cuerda. La mayoría de estos utilizan el cuerpo de un banjo, a menudo con un resonador, y el mástil de otro instrumento. Los ejemplos incluyen la mandolina banjo (patentada por primera vez en 1882) y el ukelele banjo, el más famoso interpretado por el comediante inglés George Formby. Estos fueron especialmente populares en las primeras décadas del siglo XX, y probablemente fueron el resultado del deseo de permitir que los músicos de otros instrumentos se subieran al carro del banjo en el apogeo de su popularidad, o de obtener los beneficios de la amplificación natural del banjo. resonador de banjo en una época anterior a la amplificación eléctrica.

Por el contrario, las guitarras tenor y de púa utilizan los respectivos mástiles de banjo en los cuerpos de guitarra. Surgieron a principios del siglo XX como una forma para que los músicos de banjo doblaran la guitarra sin tener que volver a aprender el instrumento por completo.

También se han fabricado instrumentos que tienen un mástil de banjo de cinco cuerdas sobre un cuerpo de madera (por ejemplo, un cuerpo de guitarra, bouzouki o dobro), como la banjola. Un instrumento turco del siglo XX similar al banjo se llama cümbüş, que combina un resonador similar al banjo con un mástil derivado de un laúd. A finales del siglo XX, un desarrollo del banjo de cinco cuerdas fue el BanSitar. Esto presenta un puente óseo, lo que le da al instrumento una resonancia similar a la de un sitar.

El Samba Banjo brasileño es básicamente un mástil de cavaquinho sobre un cuerpo de banjo, lo que produce un sonido más fuerte que el cavaquinho. Se afina igual que las 4 cuerdas superiores de un banjo de 5 cuerdas una octava más arriba (o cualquier afinación de cavaquinho).

Banjoistas notables

• Vess Ossman (1868-1923) fue un importante banjoista de cinco cuerdas cuya carrera abarcaba los últimos siglos XIX y XX. Vess comenzó a jugar banjo a los 12 años. Era un artista de grabación popular, y de hecho, uno de los primeros artistas de grabación siempre, cuando la grabación de audio primero se hizo comercialmente disponible. Formó varios grupos de grabación, siendo su más popular el trío Ossman-Dudley.
• Joel Sweeney (1810-1860) también conocido como Joe Sweeney, era un músico y joven artista de la calle negra. Es conocido por popularizar el juego del banjo y a menudo se ha acreditado con el avance del desarrollo físico del moderno banjo de cinco cuerdas.
• Fred Van Eps (1878–1960) fue un destacado jugador de cinco cuerdas y creador de banjo que aprendió a jugar escuchando grabaciones de cilindro de Vess Ossman. Grabó para la compañía de Edison, produciendo algunas de las primeras grabaciones de disco, y también las primeras grabaciones de ragtime en cualquier medio que no sea el piano de jugador.
• El tío Dave Macon (1870–1952) era un jugador de banjo y comediante de Tennessee conocido por su "tampón, dientes de oro, silbadores de mentón, portones de cuello ajar y esa sonrisa de Tennessee de millones de dólares".
• Eddie Peabody (1902-1970) fue un gran defensor del plectrum banjo que realizó durante casi cinco décadas (1920-1968) y dejó un legado considerable de grabaciones. Un revisor lo llamó "Rey de los Banjo", y su nombre era un hogar durante décadas. Continuó desarrollando nuevos instrumentos, produciendo discos y apareciendo en películas.
• Frank Lawes (1894-1970), del Reino Unido, desarrolló una técnica de estilo de dedo única en el instrumento de plectrum de cuatro cuerdas, y fue un compositor prolífico de música banjo de cuatro cuerdas, muchas de las cuales todavía se realiza y graba hoy.
• Harry Reser (1896-1965), plectrum y tenor banjo, fue considerado por algunos como el mejor banjoista tenor de los años 20. Escribió un gran número de obras para tenor banjo, así como material de instrucción, que autorizó numerosos libros de método banjo, más de una docena de otros libros de método instrumental (para guitarra; ukulele; mandolina; etc.), y era bien conocido en la comunidad banjo. La exitosa cadena de Reser y la técnica de "melodía de corcho" establecieron una "marca alta" que muchos jugadores de tenor subsiguientes se esforzaron – y todavía se esforzaron – para alcanzar.
• Ola Belle Reed (1916–2002) fue una cantante popular estadounidense, compositora y jugador banjo.
• Pete Seeger (1919–2014), aunque quizás más conocido como cantante-songwriter con grupo popular Los Weavers, entre sus instrumentos incluían el banjo de cinco cuerdas. Su libro de método 1948 Cómo Jugar a la Banjo de cinco cuerdas ha sido acreditado por miles de banjoistas, incluyendo a profesionales destacados, con el interés en el instrumento. También se le atribuye el invento del banjo de cuello largo (también conocido como el "Seeger Banjo"), que añade tres frecuencias inferiores al cuello del banjo de cinco cuerdas, y sintoniza las cuatro cuerdas principales por un tercio menor, para facilitar el juego en las teclas de canto más cómodo para algunos guitarristas populares.
• Earl Scruggs (1924–2012), cuya carrera va desde finales de la Segunda Guerra Mundial hasta el siglo XXI, es ampliamente considerado como el padre del estilo bluegrass de juego de banjo. El estilo de juego de tres niveles que desarrolló mientras jugaba con la banda de Bill Monroe es conocido por su nombre: Estilo Scruggs.
• Ralph Stanley (1927–2016) tuvo una larga carrera, tanto con su hermano como "Los hermanos Stanley" y con su banda "Los niños de la montaña Clinch. Fue galardonado con un doctorado honorario de música por Lincoln Memorial University, es miembro del Bluegrass Hall of Fame y el Grand Ole Opry. Ganó un Premio Grammy al Mejor Rendimiento Vocal País Masculino en la película O Hermano, ¿Dónde estás?.
• Rual Yarbrough (1930–2010)
• Roy Clark (1933–2018)
• John Hartford (1937–2001)
• Ben Eldridge (b. 1938)
• Barney McKenna (1939–2012) fue músico irlandés y miembro fundador de The Dubliners. Tocó el tenor banjo, violín, mandolina y melodeón. Era más conocido como un jugador banjo. Barney usó GDAE sintonizando en un banjo de tenor de 19 frecuencias, una octava debajo de fiddle/mandolin y, según el músico Mick Moloney, fue responsable de hacer el banjo de tenor de GDAE el banjo estándar en música irlandesa. Debido a su nivel de habilidad en los fanáticos banjo, todo el mundo y otros miembros de The Dubliners lo apodaron "Banjo Barney".
• Bill Keith (1939–2015)
• Sonny Osborne (b. 1937)
• Pete Wernick (b. 1946)
• Tony Trischka (b. 1949)
• Béla Fleck (b. 1958) es ampliamente reconocida como uno de los jugadores banjo más innovadores y técnicamente competentes del mundo. Su trabajo abarca muchos estilos y géneros, incluyendo jazz, bluegrass, clásico, R ritmoB, vanguardia y "música mundial", y ha producido una discografía y una videografía sustancial. Trabaja extensamente en medios acústicos y eléctricos. Fleck ha sido nominado para Grammy Awards en más categorías que cualquier otro artista, y ha recibido 13 a partir de 2015.
• Noam Pikelny (b. 1981) es un banjoista americano que juega estilos eclécticos incluyendo bluegras tradicional, música clásica, rock y jazz. Ha ganado el Premio Steve Martin de Excelencia en Banjo y Bluegrass en 2010. Ha sido nominado para ocho Nominaciones Grammy y ha sido galardonado con su banda, The Punch Brothers, en 2018.
• Clifford Essex, (b. 1869 – c.1946) un banjoist británico, que también era un fabricante de instrumentos musicales
• Otros importantes intérpretes de cuatro cuerdas fueron Mike Pingitore, que jugó tenor para la Paul Whiteman Orchestra a través de 1948, y Roy Smeck, pionero de la radio y grabación temprana, autor de muchos libros de instrucción, y cuyos influyentes rendimientos en muchos instrumentos fretados le valieron el apodo "Wizard of the Strings", durante sus años activos (1922-1950). Los jugadores de tenor destacados de la cosecha más reciente incluyen Narvin Kimball (d. 2006) (prohibicionista de alta mano de Preservation Hall Jazz Band fame).
• Entre los jugadores de cuatro pisos destacados actualmente activos se encuentran los estilistas de ragtime y dixieland Charlie Tagawa (b. 1935) y Bill Lowrey (b. 1963). El guitarrista de Jazz Howard Alden (b. 1958) comenzó su carrera en tenor banjo y todavía lo toca en eventos de jazz tradicionales. Cynthia Sayer (b. 1962) es considerada como uno de los banjoists de alto jazz plectrum. Winston Marshall (b. 1988) interpreta banjo (entre otros instrumentos) para el grupo de rock folk británico Mumford y Sons, una banda que ganó el Premio Grammy 2013 por "El mejor álbum del año".