Ballet clásico

Ballet clásico es cualquiera de los estilos tradicionales y formales de ballet que emplean exclusivamente la técnica del ballet clásico. Es conocido por su estética y técnica rigurosa (como el trabajo de puntas, la apertura de las piernas y las extensiones altas), sus movimientos fluidos y precisos y sus cualidades etéreas.

Existen variaciones estilísticas relacionadas con una zona u origen, que se denotan mediante clasificaciones como ballet ruso, ballet francés, ballet británico y ballet italiano. Por ejemplo, el ballet ruso presenta altas extensiones y giros dinámicos, mientras que el ballet italiano tiende a ser más arraigado, centrándose en un juego de pies rápido e complejo. Muchas de las variaciones estilísticas están asociadas con métodos de entrenamiento específicos que llevan el nombre de sus creadores. A pesar de estas variaciones, la interpretación y el vocabulario del ballet clásico son en gran medida consistentes en todo el mundo.

Historia

El ballet se originó en las cortes del Renacimiento italiano y fue llevado a Francia por Catalina de' Medici en el siglo XVI. Durante la infancia del ballet, los ballets de la corte eran interpretados por aficionados aristocráticos en lugar de bailarines profesionales. La mayoría de los primeros movimientos del ballet evolucionaron a partir de bailes sociales de la corte y presentaban de manera prominente patrones escénicos en lugar de técnicas de ballet formales.

En el siglo XVII, a medida que aumentaba la popularidad del ballet en Francia, el ballet comenzó a transformarse gradualmente en un arte profesional. Ya no lo realizaban aficionados, sino que las representaciones de ballet comenzaron a incorporar desafiantes movimientos acrobáticos que sólo podían realizar artistas callejeros altamente capacitados. En respuesta, el rey Luis XIV estableció la primera escuela de ballet del mundo, la Académie Royale de Danse, en 1661. El propósito de la Academia era mejorar la calidad de la enseñanza de la danza en Francia e inventar una técnica. o plan de estudios que podría usarse para transformar el ballet en una disciplina formal. Poco después de que se formara la Academia, en 1672, el rey Luis XIV estableció una compañía de espectáculos llamada Academia Real de Música de Danza (hoy conocida como Ópera de París) y nombró a Pierre Beauchamp como maestro de danza principal. Mientras estaba en la Academia Real, Beauchamp revolucionó la técnica del ballet al inventar las cinco posiciones (primera, segunda, tercera, cuarta y quinta) del ballet, que hasta el día de hoy siguen siendo la base de toda la técnica del ballet clásico formal.

Bailarinas famosas de la historia

• Anna Pavlova: 12 febrero 1881 – 23 enero 1931
• Dame Margot Fonteyn: 18 de mayo de 1919 – 21 de febrero de 1991
• Rudolf Nureyev: 17 de marzo de 1938 – 6 de enero de 1993

Desarrollo

Antes de que se desarrollara el ballet clásico, el ballet se encontraba en un período conocido como la era romántica. El ballet romántico era conocido por su narración y, a menudo, tenía una estética más suave. El ballet clásico surgió cuando un maestro de ballet llamado Marius Petipa (considerado uno de los mejores coreógrafos de todos los tiempos) tomó el ballet romántico y lo combinó con diferentes aspectos de la técnica del ballet ruso (ya que Petipa fue una vez coreógrafo). y maestro de ballet en el Mariinsky Ballet). Los elementos extraídos de estas cosas incluyen la narración que se encuentra en el ballet romántico y el atletismo de la técnica rusa. Por lo tanto, comenzó una nueva era del ballet, que luego se conoció como la era clásica. Aunque fue responsable de introducir la era del ballet clásico, Petipa también fue responsable de la coreografía de conocidos ballets románticos como Giselle.

Durante la era clásica, Marius Petipa fue en gran parte responsable de la creación de estructuras coreográficas que todavía se utilizan en los ballets actuales. Por un lado, Petipa fue el primero en utilizar el grand pas de deux en su coreografía. Además, consolidó el uso del cuerpo de ballet como parte estándar del ballet. A pesar de su inicio en la era clásica, estos elementos también se pueden ver en sus ballets románticos.

Ballets clásicos famosos

• Don Quijote: coreografía por Marius Petipa
• Swan Lake: coreografiado por Marius Petipa y Lev Ivanov
• El Nutcracker: coreografiado por Marius Petipa y Lev Ivanov

Técnica

La técnica del ballet son los principios fundamentales del movimiento y la forma del cuerpo utilizados en el ballet. Una característica distintiva de la técnica del ballet es la desplazamiento, que es la rotación hacia afuera de las piernas y los pies que emana de la cadera. Esto fue introducido por primera vez en el ballet por el rey Luis XIV porque le encantaba lucir las hebillas brillantes de sus zapatos cuando realizaba sus propios bailes. Hay cinco posiciones fundamentales de los pies en el ballet, todas realizadas con participación y nombradas numéricamente como posiciones de primera a quinta. Al realizar saltos y brincos, los bailarines de ballet clásico se esfuerzan por exhibir un ballon, la apariencia de flotar brevemente en el aire. La técnica de puntas es la parte de la técnica del ballet que se refiere al trabajo de puntas, en el que un bailarín de ballet soporta todo el peso del cuerpo en las puntas de los pies completamente extendidos sobre especialmente diseñados y hechos a mano. >zapatillas de punta. En las compañías profesionales, los zapatos se fabrican a la medida de los bailarines. pies perfectamente.

Entrenamiento

Los estudiantes generalmente aprenden la terminología del ballet y la pronunciación, el significado y la forma y el movimiento precisos del cuerpo asociados con cada término. Se pone énfasis en desarrollar la flexibilidad y fortalecer las piernas, los pies y el núcleo del cuerpo (el centro o abdominales), ya que un núcleo fuerte es esencial para los giros y muchos otros movimientos de ballet. Los bailarines también aprenden a usar su spot, lo que les enseña a concentrarse en algo mientras giran para no marearse y perder el equilibrio.

El entrenamiento temprano de ballet para todos los bailarines implica técnica básica y desarrolla fuerza y flexibilidad. A medida que progresan, las bailarinas comienzan a aprender la técnica de las puntas y tanto los bailarines como las bailarinas comienzan a aprender a trabajar en pareja y a realizar saltos y giros más avanzados. A medida que los hombres se vuelven más fuertes, se agregan levantamientos a la pareja. Dependiendo del docente y del sistema de formación, los estudiantes pueden avanzar a través de varias etapas o niveles de formación a medida que avanzan sus habilidades.

Música para clase de ballet

Los maestros de ballet tradicional del siglo XVIII tocaban el violín en sus propias clases de ballet. También brindaron a sus estudiantes de ballet instrucción sobre la relación entre los pasos de baile y la música. A finales del siglo XIX esto había pasado de moda y la especialización en las artes escénicas significó que el papel del profesor de ballet y el del músico de ballet se habían convertido en profesiones separadas. En el siglo XX, el violín había dado paso al piano como acompañamiento estándar para las clases de ballet. Cuando la música grabada se sustituye por un músico en vivo, los bailarines no tienen la oportunidad de realizar cambios físicos sutiles de expresión que un acompañante de danza en vivo observará e igualará mientras tocan.

El músico en vivo en una clase de ballet juega un papel crucial en el proceso creativo. Mientras el profesor de ballet establece un ejercicio (movimiento, conteo, vocalización), el músico observa e imagina la música que mejor acompañará el ejercicio. Luego, el músico toca una pieza existente del repertorio musical o crea una improvisación musical para apoyar a los bailarines en el ejercicio. Los bailarines se ven afectados por las elecciones del músico e integran tanto los pasos del profesor de ballet como la música del músico de ballet en su actuación. En última instancia, el profesor de ballet tiene poco control sobre la parte musical de su lección a menos que le pida al músico que toque una pieza musical específica. Por esta razón, la relación de trabajo entre un profesor de danza y un músico de danza es vital para el éxito de una clase de ballet.

Vestimenta para clase de ballet

La vestimenta femenina generalmente incluye medias rosas o de color carne, un leotardo y, a veces, una falda cruzada corta o un leotardo con falda. Los hombres suelen usar mallas negras u oscuras, una camisa o leotardo blanco o negro ajustado debajo de las mallas y un cinturón de baile debajo de la ropa de baile exterior para brindar apoyo. En algunos casos, los estudiantes pueden usar un mono (una prenda de una sola pieza que combina medias y un leotardo) para mejorar la visibilidad de las líneas artísticas.

Todos los bailarines usan zapatos de ballet suaves (a veces llamados planos). Por lo general, las bailarinas usan zapatos rosas o beige y los hombres usan zapatos negros o blancos. A veces se usan calentadores de piernas durante la primera parte de una clase para proteger los músculos de las piernas hasta que se calienten. Por lo general, se requiere que las mujeres se sujeten el cabello en un moño o algún otro peinado que exponga el cuello que no sea una cola de caballo. La vestimenta y el peinado habituales tienen como objetivo promover la libertad de movimiento y revelar la forma del cuerpo para que el profesor pueda evaluar las habilidades de los bailarines. alineación y técnica. Después del calentamiento, las estudiantes avanzadas pueden usar zapatos de punta, mientras que los estudiantes avanzados continúan usando zapatos blandos. Las zapatillas de punta se usan después de que el estudiante se considera lo suficientemente fuerte en los tobillos y puede ejecutar la rutina a un alto nivel, generalmente alrededor de los 12 años o después, o después de que los bailarines hayan cumplido 12 años. Los pies han dejado de desarrollarse, para proteger a los bailarines. pies de lesiones comunes con el uso prematuro.

Métodos

Existen varios sistemas de entrenamiento de ballet clásico estandarizados y generalizados, cada uno de ellos diseñado para producir una calidad estética única en sus estudiantes. Algunos sistemas llevan el nombre de sus creadores; normalmente se denominan métodos o escuelas. Por ejemplo, dos sistemas predominantes en Rusia son el método Vaganova (creado por Agrippina Vaganova) y el método Legat (por Nikolai Legat). El método Cecchetti lleva el nombre del bailarín italiano Enrico Cecchetti. Otro sistema de formación fue desarrollado por August Bournonville y lleva su nombre; esto se enseña principalmente en Dinamarca. El método de la Royal Academy of Dance (RAD) no fue creado por un individuo, sino por un grupo de destacados profesionales del ballet. A pesar de sus asociaciones con estilos de ballet con nombres geográficos, muchos de estos métodos de entrenamiento se utilizan en todo el mundo. Por ejemplo, el método de enseñanza RAD se utiliza en más de 70 países.

El ballet al estilo americano (Balanchine) no se enseña mediante un sistema de entrenamiento estandarizado y generalizado. De manera similar, el ballet francés no tiene un sistema de entrenamiento estándar; Cada una de las principales escuelas de ballet de estilo francés, como la Escuela de Ballet de la Ópera de París, el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza y la Académie de Danse Classique Princesse Grace (Mónaco), emplea un sistema de formación único.

Puntos de referencia del escenario

Algunos sistemas de entrenamiento de ballet clásico emplean diseños estandarizados para definir ubicaciones de referencia en las esquinas y bordes de los escenarios y salas de estudios de danza. En el último caso, no hay público y un espejo normalmente se extiende por la pared de la sala en el fondo del escenario (por ejemplo, puntos 1 y 2 del diseño de Cecchetti).