Ballet

El ballet o balé es un tipo de danza escénica que se originó durante el Renacimiento italiano en el siglo XV y luego se convirtió en una forma de danza de concierto en Francia y Rusia. Desde entonces se ha convertido en una forma de danza muy extendida y muy técnica con su propio vocabulario. El ballet ha tenido una influencia mundial y ha definido las técnicas fundamentales que se utilizan en muchos otros géneros y culturas de danza. Varias escuelas alrededor del mundo han incorporado sus propias culturas. Como resultado, el ballet ha evolucionado de distintas formas.

Un ballet como obra unificada comprende la coreografía y la música para una producción de ballet. Los ballets son coreografiados y realizados por bailarines de ballet entrenados. Los ballets clásicos tradicionales generalmente se realizan con acompañamiento de música clásica y utilizan disfraces y escenografía elaborados, mientras que los ballets modernos a menudo se realizan con disfraces simples y sin escenarios o escenarios elaborados.

Etimología

Ballet es una palabra francesa que tuvo su origen en el italiano balletto, un diminutivo de ballo (baile) que proviene del latín ballo, ballare, que significa "bailar", que a su vez proviene del griego "βαλλίζω" (ballizo), " bailar". bailar, saltar". La palabra pasó al uso inglés de los franceses alrededor de 1630.

Historia

El ballet se originó en las cortes renacentistas italianas de los siglos XV y XVI. Bajo la influencia de Catalina de Médicis como reina, se extendió a Francia, donde se desarrolló aún más. Los bailarines de estos primeros ballets de la corte eran en su mayoría aficionados nobles. Los disfraces adornados estaban destinados a impresionar a los espectadores, pero restringían la libertad de movimiento de los artistas.

Los ballets se realizaron en grandes cámaras con espectadores en tres lados. La implementación del arco del proscenio a partir de 1618 en los artistas distanciados de los miembros de la audiencia, quienes luego pudieron ver y apreciar mejor las proezas técnicas de los bailarines profesionales en las producciones.

El ballet de la corte francesa alcanzó su apogeo bajo el reinado del rey Luis XIV. Louis fundó la Académie Royale de Danse (Academia Real de Danza) en 1661 para establecer estándares y certificar a los instructores de danza. En 1672, Luis XIV nombró a Jean-Baptiste Lully director de la Académie Royale de Musique (Ópera de París), de la que surgió la primera compañía de ballet profesional, el Ballet de la Ópera de París. Pierre Beauchamp se desempeñó como maestro de ballet de Lully. Juntos, su asociación influiría drásticamente en el desarrollo del ballet, como lo demuestra el crédito que se les otorgó por la creación de las cinco posiciones principales de los pies. En 1681, las primeras "bailarinas" subieron al escenario después de años de formación en la Académie.

El ballet comenzó a declinar en Francia después de 1830, pero continuó desarrollándose en Dinamarca, Italia y Rusia. La llegada a Europa de los Ballets Russes dirigidos por Sergei Diaghilev en vísperas de la Primera Guerra Mundial reavivó el interés por el ballet y dio comienzo a la era moderna.

En el siglo XX, el ballet tuvo una amplia influencia en otros géneros de danza. También en el siglo XX, el ballet dio un giro dividiéndolo del ballet clásico a la introducción de la danza moderna, dando lugar a movimientos modernistas en varios países.

Los bailarines famosos del siglo XX incluyen a Anna Pavlova, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Maya Plisetskaya, Margot Fonteyn, Rosella Hightower, Maria Tall Chief, Erik Bruhn, Mikhail Baryshnikov, Suzanne Farrell, Gelsey Kirkland, Natalia Makarova, Arthur Mitchell y Jeanne Devereaux.. Jeanne Devereaux actuó como primera bailarina durante tres décadas y estableció un récord mundial al poder ejecutar 16 fouettes triples.

Estilos

Las variaciones estilísticas y los subgéneros han evolucionado con el tiempo. Las primeras variaciones clásicas se asocian principalmente con el origen geográfico. Ejemplos de esto son el ballet ruso, el ballet francés y el ballet italiano. Las variaciones posteriores, como el ballet contemporáneo y el ballet neoclásico, incorporan tanto el ballet clásico como técnicas y movimientos no tradicionales. Quizás el estilo de ballet más conocido e interpretado es el ballet romántico tardío (o Ballet blanc).

Ballet clásico

El ballet clásico se basa en la técnica y el vocabulario del ballet tradicional. Han surgido diferentes estilos en diferentes países, como el ballet francés, el ballet italiano, el ballet inglés y el ballet ruso. Varios de los estilos de ballet clásico están asociados con métodos de entrenamiento específicos, por lo general llamados así por sus creadores (ver más abajo). El método de la Royal Academy of Dance es una técnica de ballet y un sistema de entrenamiento que fue fundado por un grupo diverso de bailarines de ballet. Fusionaron sus respectivos métodos de baile (italiano, francés, danés y ruso) para crear un nuevo estilo de ballet que es exclusivo de la organización y es reconocido internacionalmente como el estilo de ballet inglés. Algunos ejemplos de producciones de ballet clásico son: El lago de los cisnes, La bella durmientey El Cascanueces.

Ballet romantico

El ballet romántico fue un movimiento artístico del ballet clásico y varias producciones permanecen en el repertorio clásico en la actualidad. La era romántica estuvo marcada por el surgimiento del trabajo de puntas, el predominio de las bailarinas y los tutús más largos y fluidos que intentan ejemplificar la suavidad y un aura delicada. Este movimiento ocurrió entre principios y mediados del siglo XIX (la era romántica) y presentó temas que enfatizaban la emoción intensa como fuente de experiencia estética. Las tramas de muchos ballets románticos giraban en torno a mujeres espíritus (sílfides, wilis y fantasmas) que esclavizaban los corazones y los sentidos de los hombres mortales. El ballet La Sylphide de 1827 es ampliamente considerado como el primero, y el ballet Coppélia de 1870 es considerado el último.Los bailarines de ballet famosos de la era romántica incluyen a Marie Taglioni, Fanny Elssler y Jules Perrot. Jules Perrot también es conocido por su coreografía, especialmente la de Giselle, a menudo considerada como el ballet romántico más celebrado.

Ballet neoclásico

El ballet neoclásico suele ser abstracto, sin una trama, vestuario o escenario claros. La elección de música puede ser diversa y, a menudo, incluirá música que también sea neoclásica (p. ej., Stravinsky, Roussel). Tim Scholl, autor de From Petipa to Balanchine, considera que el Apolo de George Balanchine en 1928 es el primer ballet neoclásico. Apollo representó un regreso a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Sergei Diaghilev. Balanchine trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham y trajo bailarines modernos a su compañía como Paul Taylor, quien en 1959 actuó en los Episodios de Balanchine.

Si bien Balanchine es ampliamente considerado el rostro del ballet neoclásico, hubo otros que hicieron contribuciones significativas. Las Variaciones sinfónicas de Frederick Ashton (1946) es una obra fundamental para el coreógrafo. Con la partitura del mismo título de César Franck, es una interpretación puramente danzaria de la partitura.

Otra forma, el ballet moderno, también surgió como una rama del neoclasicismo. Entre los innovadores de esta forma estaban Glen Tetley, Robert Joffrey y Gerald Arpino. Si bien es difícil separar el ballet moderno del neoclasicismo, el trabajo de estos coreógrafos favoreció un mayor atletismo que se apartó de la delicadeza del ballet. El aspecto físico fue más atrevido, con un estado de ánimo, un tema y una música más intensos. Un ejemplo de esto sería Astarte (1967) de Joffrey, que presentaba una partitura de rock y matices sexuales en la coreografía.

Ballet contemporáneo

Este estilo de ballet a menudo se realiza descalzo. Los ballets contemporáneos pueden incluir mimo y actuación, y generalmente tienen música (generalmente orquestal pero ocasionalmente vocal). Puede ser difícil diferenciar esta forma del ballet neoclásico o moderno. El ballet contemporáneo también está cerca de la danza contemporánea porque muchos conceptos de ballet contemporáneo provienen de las ideas e innovaciones de la danza moderna del siglo XX, incluido el trabajo en el piso y el giro de las piernas. La distinción principal es que la técnica del ballet es esencial para realizar un ballet contemporáneo.

Se considera que George Balanchine fue un pionero del ballet contemporáneo. Otra de las primeras coreógrafas de ballet contemporáneo, Twyla Tharp, coreografió Push Comes To Shove para el American Ballet Theatre en 1976, y en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas se consideraron innovadoras por su fusión de movimientos claramente modernos con el uso de zapatillas de punta y bailarinas de formación clásica.

Hoy en día hay muchas compañías de ballet y coreógrafos contemporáneos. Estos incluyen a Alonzo King y su compañía LINES Ballet; Matthew Bourne y su compañía New Adventures; Tez Ballet Contemporáneo; Nacho Duato y su Compañía Nacional de Danza; William Forsythe y The Forsythe Company; y Jiří Kylián del Nederlands Dans Theatre. Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Mariinsky (Kirov) y el Ballet de la Ópera de París, también interpretan regularmente obras contemporáneas.

El término ballet ha evolucionado para incluir todas las formas asociadas con él. Ahora se espera que alguien que se esté formando como bailarín de ballet realice obras neoclásicas, modernas y contemporáneas. Se espera que un bailarín de ballet sea majestuoso y majestuoso para el trabajo clásico, libre y lírico para el trabajo neoclásico, y sin pretensiones, duro o pedestre para el trabajo moderno y contemporáneo. Además, existen varias variedades modernas de danza que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza contemporánea, como Hiplet, que requieren que los bailarines practiquen estilos de danza no occidentales.

Métodos técnicos de instrucción de ballet.

Hay seis métodos ampliamente utilizados y reconocidos internacionalmente para enseñar o estudiar ballet. Estos métodos son la Escuela Francesa, el Método Vaganova, el Método Cecchetti, el método Bournonville, el método Royal Academy of Dance (estilo inglés) y el método Balanchine (estilo americano). Existen muchas más escuelas de técnica en varios países.

Aunque los niños en edad preescolar son una lucrativa fuente de ingresos para un estudio de ballet, la instrucción de ballet generalmente no es apropiada para niños pequeños. La instrucción inicial requiere quedarse quieto y concentrarse en la postura, en lugar de bailar. Debido a esto, históricamente, muchos programas de ballet no han aceptado estudiantes hasta aproximadamente los 8 años. Se recomiendan como alternativas para los niños clases de movimiento creativo y pre-ballet que no sean exigentes.

Metodo frances

El método francés es la base de todo entrenamiento de ballet. Cuando Luis XIV creó la Académie Royale de Danse en 1661, ayudó a crear la técnica codificada que todavía utilizan aquellos en la profesión, independientemente del método de formación al que se adhieran. La escuela francesa se revitalizó particularmente bajo Rudolf Nureyev, en la década de 1980. Su influencia revitalizó y renovó el aprecio por este estilo y ha moldeado drásticamente el ballet en su conjunto. De hecho, la escuela francesa ahora se denomina a veces escuela de Nureyev. El método francés a menudo se caracteriza por la precisión técnica, la fluidez y la gracia, y las líneas elegantes y limpias. Para este estilo, a menudo se utiliza un juego de pies rápido para dar la impresión de que los artistas se desplazan ligeramente por el escenario.Dos marcas importantes de esta técnica son la forma específica en que se realizan el port de bras y el épaulement, más redondeados que cuando se baila al estilo ruso, pero no tan redondeados como el estilo danés.

Método vaganova

El método Vaganova es un estilo de entrenamiento de ballet que surgió del ballet ruso, creado por Agrippina Vaganova. Después de retirarse de la danza en 1916, Vaganova se dedicó a la enseñanza en la Escuela Coreográfica de Leningrado en 1921. Su método de entrenamiento ahora es reconocido internacionalmente y su libro, Los fundamentos de la danza clásica (1934), es una referencia clásica. Este método está marcado por la fusión del estilo clásico francés, específicamente elementos de la época romántica, con el atletismo del método italiano y la pasión conmovedora del ballet ruso. Desarrolló un método de instrucción extremadamente preciso en su libro Principios básicos de la danza clásica rusa.(1948). Esto incluye delinear cuándo enseñar componentes técnicos a los estudiantes en sus carreras de ballet, por cuánto tiempo enfocarse en ello y la cantidad adecuada de enfoque en cada etapa de la carrera del estudiante. Estos libros de texto continúan siendo extremadamente importantes para la instrucción del ballet en la actualidad.

El método enfatiza el desarrollo de la fuerza, la flexibilidad y la resistencia para la ejecución adecuada del ballet. Ella defendió la creencia de que se debe dar la misma importancia a los brazos y las piernas mientras se ejecuta el ballet, ya que esto traerá armonía y una mayor expresión al cuerpo como un todo.

Metodo cecchetti

Desarrollado por Enrico Cecchetti (1850-1928), este método es conocido internacionalmente por su intensa dependencia de la comprensión de la anatomía en relación con el ballet clásico. El objetivo de este método es inculcar características importantes para la interpretación del ballet en los estudiantes para que no tengan que depender de las imitaciones de los profesores. Los componentes importantes de este método son el énfasis en el equilibrio, las elevaciones, el impulso, el aplomo y la fuerza.

Este método defiende la importancia de reconocer que todas las partes del cuerpo se mueven juntas para crear líneas hermosas y elegantes y, como tal, advierte contra pensar en el ballet en términos de brazos, piernas, cuello y torso como partes separadas. Este método es bien conocido por ocho port de bras que se utilizan.

Método de bournonville

El método de Bournonville es un método danés ideado por primera vez por August Bournonville. Bournonville estuvo fuertemente influenciado por el método de ballet francés temprano debido a su formación con su padre, Antoine Bournonville y otros importantes maestros de ballet franceses. Este método tiene muchas diferencias de estilo que lo diferencian de otros métodos de ballet que se enseñan en la actualidad. Un componente clave es el uso de épaulements diagonales, con la parte superior del cuerpo girando hacia el pie de trabajo típicamente. Este método también incorpora un uso muy básico de los brazos, piruetas desde una posición de desarrollo bajo a segunda, y el uso de sujetadores en bas de quinta posición para el comienzo y el final de los movimientos.

El método Bournonville produce bailarines que tienen un hermoso globo ("la ilusión de la ligereza imponderable").

El método de la Royal Academy of Dance (RAD)

El método de la Royal Academy of Dance, también conocido como el estilo inglés de ballet, fue establecido en 1920 por Genee, Karsavina, Bedells, E Espinosa y Richardson. El objetivo de este método es promover la formación académica en ballet clásico en toda Gran Bretaña. Este estilo también se extendió a los Estados Unidos y aún hoy se utiliza ampliamente. Hay niveles de grado específicos por los que un estudiante debe pasar para completar la capacitación en este método.El principio clave detrás de este método de instrucción es que la técnica básica del ballet debe enseñarse a un ritmo lento, con una progresión de dificultad a menudo mucho más lenta que el resto de los métodos. La idea detrás de esto es que si un estudiante se esfuerza mucho en perfeccionar los pasos básicos, la técnica aprendida en estos pasos le permite al estudiante utilizar los más difíciles a un ritmo mucho más fácil.

Metodo balanchine

Desarrollado por George Balanchine en el New York City Ballet. Su método se basa en gran medida en su propia formación como bailarín en Rusia. La técnica es conocida por su velocidad extrema a lo largo de las rutinas, el énfasis en las líneas y los pliés profundos. Quizás una de las diferencias más conocidas de este estilo es la posición poco ortodoxa del cuerpo. Los bailarines de este estilo suelen tener las manos e incluso los pies flexionados, y se colocan en posiciones desequilibradas. Importantes estudios de ballet que enseñan este método son el Miami City Ballet, la compañía Ballet Chicago Studio y la School of American Ballet de Nueva York.

Disfraces

Los trajes de ballet juegan un papel importante en la comunidad de ballet. A menudo son la única supervivencia de una producción y representan una imagen imaginaria viva de la escena.

Renacimiento y Barroco

Las raíces del ballet se remontan al Renacimiento en Francia e Italia, cuando la vestimenta de la corte fue el comienzo de los trajes de ballet. Los trajes de ballet han existido desde principios del siglo XV. El algodón y la seda se mezclaban con lino y se tejían en una gasa semitransparente para crear exquisitos trajes de ballet.

Decimoséptimo siglo

Durante el siglo XVII se utilizaron diferentes tipos de telas y diseños para hacer los trajes más espectaculares y llamativos. La vestimenta cortesana aún permanecía para las mujeres durante este siglo. Sedas, satenes y telas bordadas con oro real y piedras preciosas aumentaron el nivel de decoración espectacular asociada con los trajes de ballet. El vestuario de las mujeres también consistía en prendas pesadas y faldas hasta la rodilla que les dificultaban crear mucho movimiento y gesto.

Siglo dieciocho

Durante el siglo XVIII, los trajes de escenario aún eran muy similares a los de la corte, pero progresaron con el tiempo, principalmente debido al bailarín y maestro de ballet francés Jean-Georges Noverre (1727–1810), cuyas propuestas para modernizar el ballet están contenidas en sus revolucionarias Lettres sur la danza y los ballets (1760). El libro de Noverre alteró el énfasis en una producción alejándose del vestuario hacia los movimientos físicos y las emociones de los bailarines.

El ballet europeo se centró en la Ópera de París. Durante esta época, las faldas se levantaban unos centímetros del suelo. Flores, volantes, cintas y encajes enfatizaron este opulento estilo femenino, mientras que los suaves tonos pastel en cidra, melocotón, rosa y pistacho dominaron la gama de colores.

Siglo xix

A principios del siglo XIX se utilizaban trajes ajustados al cuerpo, coronas de flores, ramilletes y joyas. Los ideales del romanticismo se reflejaron a través de los movimientos femeninos.

Los disfraces se volvieron mucho más ajustados a medida que comenzaron a usarse los corsés, para mostrar las curvas de una bailarina. Las joyas y los disfraces deslumbrantes se hicieron mucho más populares.

Siglo veinte

Durante el siglo XX, los trajes de ballet volvieron a la influencia del ballet ruso. Las faldas de bailarina se convirtieron en tutús hasta la rodilla, más tarde para mostrar su trabajo preciso en puntas. Los colores utilizados en el vestuario del escenario también se volvieron mucho más vibrantes. Los diseñadores utilizaron colores como rojo, naranja, amarillo, etc. para crear una expresión visual cuando los bailarines de ballet actúan en el escenario.

El ballet como carrera

Los bailarines profesionales generalmente no están bien pagados y ganan menos dinero que un trabajador típico. A partir de 2020, a los bailarines estadounidenses (incluidos el ballet y otras formas de danza) se les pagó un promedio de 19 dólares estadounidenses por hora, con un pago algo mejor para los maestros que para los artistas intérpretes o ejecutantes.

La perspectiva laboral no es sólida y la competencia para conseguir un trabajo es intensa, con un número de solicitantes que supera con creces el número de ofertas de trabajo. La mayoría de los trabajos implican enseñar en escuelas privadas de danza.

A los coreógrafos se les paga mejor que a los bailarines. A los músicos y cantantes se les paga mejor por hora que a los bailarines o coreógrafos, alrededor de US$30 por hora; sin embargo, el trabajo a tiempo completo es inusual para los músicos.

Efectos en la salud

Las bailarinas de ballet adolescentes son propensas a sufrir fracturas por estrés en la primera costilla. Los trastornos alimentarios son un estereotipo común asociado con el ballet. Además, algunos investigadores han notado que el entrenamiento intensivo en ballet da como resultado una menor densidad mineral ósea en los brazos.

Crítica

La mayoría de las coreografías de ballet están escritas para que solo las pueda realizar un bailarín relativamente joven. La estructura del ballet, en la que un coreógrafo o director (generalmente) masculino usa (en su mayoría) cuerpos de mujeres para expresar su visión artística, mientras ignora, cosifica o silencia a las mujeres involucradas, ha sido criticada por dañar a las mujeres.