Baile

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El baile o danza es una forma de arte escénico que consiste en secuencias de movimiento, ya sea improvisadas o seleccionadas a propósito. Este movimiento tiene un valor estético ya menudo simbólico. La danza se puede categorizar y describir por su coreografía, por su repertorio de movimientos, o por su período histórico o lugar de origen.

Se debe hacer una distinción importante entre los contextos de danza teatral y participativa, aunque estas dos categorías no siempre están completamente separadas; ambos pueden tener funciones especiales, ya sean sociales, ceremoniales, competitivas, eróticas, marciales o sagradas/litúrgicas. A veces se dice que otras formas de movimiento humano tienen una cualidad similar a la danza, incluidas las artes marciales, la gimnasia, las porristas, el patinaje artístico, la natación sincronizada, las bandas de música y muchas otras formas de atletismo.

Actuación y participación

La danza teatral, también llamada actuación o danza de concierto, está pensada principalmente como un espectáculo, generalmente una actuación sobre un escenario de bailarines virtuosos. A menudo cuenta una historia, tal vez usando mimo, vestuario y escenografía, o simplemente interpretando el acompañamiento musical, que a menudo se compone especialmente y se ejecuta en un escenario de teatro, pero no es un requisito. Algunos ejemplos son el ballet occidental y la danza moderna, la danza clásica india como Bharatanatyam y los dramas de canciones y bailes chinos y japoneses como la danza del dragón. La mayoría de las formas clásicas se centran únicamente en la danza, pero la danza escénica también puede aparecer en la ópera y otras formas de teatro musical.

La danza participativa, por otro lado, ya sea una danza folclórica, una danza social, una danza grupal como una línea, un círculo, una cadena o una danza cuadrada, o una danza en pareja, como es común en los bailes de salón occidentales, se lleva a cabo principalmente para un propósito común, como la interacción social o el ejercicio, o aumentar la flexibilidad de los participantes en lugar de servir de beneficio a los espectadores. Tal danza rara vez tiene una narrativa. Un baile de grupo y un cuerpo de baile, un baile de pareja y un pas de deux, difieren profundamente. Incluso un baile en solitario puede emprenderse únicamente para la satisfacción del bailarín. Los bailarines participativos a menudo emplean los mismos movimientos y pasos pero, por ejemplo, en la cultura rave de la música dance electrónica, grandes multitudes pueden participar en el baile libre, sin coordinación con quienes los rodean. Por otro lado, algunas culturas establecen reglas estrictas en cuanto a los bailes particulares en los que, por ejemplo, pueden o deben participar hombres, mujeres y niños.

Historia

La evidencia arqueológica de la danza temprana incluye pinturas de 10,000 años de antigüedad en Madhya Pradesh, India en los refugios rocosos de Bhimbetka, y pinturas de tumbas egipcias que representan figuras danzantes, fechadas c. 3300 a.C. Se ha propuesto que antes de la invención de los lenguajes escritos, la danza era una parte importante de los métodos orales y de actuación para transmitir historias de una generación a la siguiente. Se cree que el uso de la danza en estados de trance extático y rituales de curación (como se observa hoy en muchas culturas "primitivas" contemporáneas, desde la selva tropical brasileña hasta el desierto de Kalahari) fue otro factor temprano en el desarrollo social de la danza.

Se pueden encontrar referencias a la danza en la historia registrada muy temprana; Platón, Aristóteles, Plutarco y Luciano hacen referencia a la danza griega (horos). La Biblia y el Talmud se refieren a muchos eventos relacionados con la danza y contienen más de 30 términos de danza diferentes. En la cerámica china ya en el período Neolítico, se representan grupos de personas bailando en una línea tomados de la mano, y la palabra china más antigua para "baile" se encuentra escrita en los huesos del oráculo. La danza se describe con más detalle en el Lüshi Chunqiu. La danza primitiva en la antigua China estaba asociada con la hechicería y los rituales chamánicos.

Durante el primer milenio a. C. en la India, se compusieron muchos textos que intentaban codificar aspectos de la vida cotidiana. Natyashastra de Bharata Muni (literalmente "el texto de la dramaturgia") es uno de los textos anteriores. Se trata principalmente de teatro, en el que la danza juega un papel importante en la cultura india. Clasifica la danza en cuatro tipos: secular, ritual, abstracto e interpretativo, y en cuatro variedades regionales. El texto elabora varios gestos con las manos (mudras) y clasifica los movimientos de las distintas extremidades, pasos, etc. Desde entonces, una fuerte tradición continua de danza ha continuado en la India, hasta los tiempos modernos, donde continúa desempeñando un papel en la cultura, el ritual y, en particular, en la industria del entretenimiento de Bollywood. Muchas otras formas de danza contemporánea también se remontan a la danza histórica, tradicional, ceremonial y étnica.

Música

La danza se realiza generalmente, aunque no exclusivamente, con acompañamiento de música y puede o no realizarse al compás de dicha música. Algunos bailes (como el claqué) pueden proporcionar su propio acompañamiento audible en lugar de (o además de) la música. Muchas formas tempranas de música y danza se crearon mutuamente y con frecuencia se interpretan juntas. Ejemplos notables de parejas tradicionales de baile/música incluyen el jig, el vals, el tango, la música disco y la salsa. Algunos géneros musicales tienen una forma de danza paralela como la música barroca y la danza barroca; otras variedades de danza y música pueden compartir nomenclatura pero desarrollarse por separado, como la música clásica y el ballet clásico. La coreografía y la música van de la mano, pues se complementan para expresar una historia contada por el coreógrafo y/o los bailarines.

Ritmo

El ritmo y la danza están profundamente vinculados en la historia y la práctica. El bailarín estadounidense Ted Shawn escribió; "La concepción del ritmo que subyace a todos los estudios de la danza es algo de lo que podríamos hablar eternamente, y aún no terminar". Un ritmo musical requiere de dos elementos principales; primero, un pulso que se repite regularmente (también llamado "golpe" o "tactus") que establece el tempo y, segundo, un patrón de acentos y silencios que establece el carácter de la métrica o patrón rítmico básico. El pulso básico tiene aproximadamente la misma duración que un simple paso o gesto.

Los bailes generalmente tienen un tempo característico y un patrón rítmico. El tango, por ejemplo, se suele bailar en₄tiempo a aproximadamente 66 latidos por minuto. El paso lento básico, llamado "lento", dura un tiempo, de modo que un paso completo "derecha-izquierda" es igual a uno₄medida. El paso básico hacia adelante y hacia atrás del baile se cuenta así, "lento-lento", mientras que muchas figuras adicionales se cuentan "lento-rápido-rápido".

Así como los ritmos musicales se definen por un patrón de golpes fuertes y débiles, los movimientos corporales repetitivos a menudo dependen de la alternancia de movimientos musculares "fuertes" y "débiles". Dada esta alternancia de izquierda-derecha, de adelante-atrás y de subir-bajar, junto con la simetría bilateral del cuerpo humano, es natural que muchos bailes y mucha música estén en compás doble y cuádruple. Dado que algunos de estos movimientos requieren más tiempo en una fase que en la otra, como el tiempo más largo requerido para levantar un martillo que para golpear, algunos ritmos de baile caen con la misma naturalidad en la triple métrica.De vez en cuando, como en las danzas folclóricas de los Balcanes, las tradiciones de baile dependen en gran medida de ritmos más complejos. Además, las danzas complejas compuestas por una secuencia fija de pasos siempre requieren frases y melodías de cierta longitud fija para acompañar esa secuencia.

El mismo acto de bailar, los pasos en sí mismos, generan un "esqueleto inicial de golpes rítmicos" que debe haber precedido a cualquier acompañamiento musical por separado, mientras que la danza en sí misma, tanto como la música, requiere el cronometraje al igual que los movimientos repetitivos utilitarios como caminar, acarrear y cavar adquieren, a medida que se refinan, algo parecido a la danza.

El acompañamiento musical, por lo tanto, surgió en la danza más antigua, por lo que los antiguos egipcios atribuyeron el origen de la danza al divino Athotus, de quien se decía que había observado que la música que acompañaba a los rituales religiosos hacía que los participantes se movieran rítmicamente y que estos movimientos fueran proporcionales. medida. La misma idea, que la danza surge del ritmo musical, se encuentra todavía en la Europa renacentista en las obras del maestro de danza Guglielmo Ebreo da Pesaro, quien habla de la danza como un movimiento físico que surge y expresa un movimiento interior espiritual de acuerdo con las "medidas y perfectas concordancias de armonía" que caen sobre el oído humano, mientras que, antes, Matilde de Magdeburgo, aprovechó la danza como símbolo de la vida santa prefigurada en el dicho de Jesús "escribe;

No puedo bailar a menos que tú me guíes. Si quieres que salte en lo alto, canta y saltaré al amor y del amor al conocimiento y del conocimiento al éxtasis por encima de todo sentido humano.

De hecho, el célebre tratado de danza Orchésographie de Thoinot Arbeau del siglo XVI comienza con definiciones de más de ochenta ritmos de percusión distintos.

Como se ha mostrado anteriormente, a lo largo de los siglos se ha representado que la danza surgió como una respuesta a la música; sin embargo, como insinuó Lincoln Kirstein, es al menos tan probable que la música primitiva surgiera de la danza. Shawn está de acuerdo, afirmando que la danza "fue el primer arte de la raza humana, y la matriz a partir de la cual crecieron todas las demás artes" y que incluso la "métrica en nuestra poesía actual es el resultado de los acentos necesarios para el movimiento del cuerpo, como el el baile y la recitación se realizaban simultáneamente", una afirmación algo respaldada por el uso común del término "pie" para describir las unidades rítmicas fundamentales de la poesía.

Scholes, que no es bailarín sino músico, ofrece apoyo a este punto de vista, afirmando que las medidas constantes de la música, de dos, tres o cuatro tiempos en el compás, sus frases iguales y equilibradas, cadencias regulares, contrastes y repeticiones, pueden ser todas atribuido a la influencia "incalculable" de la danza sobre la música.

Émile Jaques-Dalcroze, principalmente músico y docente, relata cómo un estudio de los movimientos físicos de los pianistas lo llevó "al descubrimiento de que las sensaciones musicales de naturaleza rítmica requieren la respuesta muscular y nerviosa de todo el organismo", para desarrollar " un entrenamiento especial diseñado para regular las reacciones nerviosas y efectuar una coordinación de músculos y nervios" y, en última instancia, para buscar las conexiones entre "el arte de la música y el arte de la danza", que formuló en su sistema de euritmia. Concluyó que "el ritmo musical es sólo la transposición en sonido de movimientos y dinamismos que expresan emoción de forma espontánea e involuntaria".

Por lo tanto, aunque sin duda, como afirma Shawn, "es muy posible desarrollar la danza sin música y... la música es perfectamente capaz de valerse por sí misma sin la ayuda de la danza", sin embargo, "las dos artes siempre serán relacionados y la relación puede ser provechosa tanto para la danza como para la música", siendo discutible la precedencia de un arte sobre el otro. Las medidas comunes de balada de himnos y canciones populares toman su nombre de la danza, al igual que el villancico, originalmente una danza circular. Muchas piezas puramente musicales se han denominado "vals" o "minué", por ejemplo, mientras que se han producido muchos bailes de concierto que se basan en piezas musicales abstractas, como Invenciones en 2 y 3 partes, Concierto para violín de Adams y Andantino.. De manera similar, los poemas a menudo se estructuran y reciben el nombre de danzas u obras musicales, mientras que la danza y la música han extraído su concepción de "medida" o "metro" de la poesía.

Shawn cita con aprobación la afirmación de Dalcroze de que, mientras el arte del ritmo musical consiste en diferenciar y combinar duraciones de tiempo, pausas y acentos "según la ley fisiológica", el "ritmo plástico" (es decir, la danza) "es designar el movimiento en espacio, interpretar valores de tiempo largos por movimientos lentos y cortos por movimientos rápidos, regular las pausas por sus diversas sucesiones y expresar acentuaciones sonoras en sus múltiples matices por adiciones de peso corporal, por medio de inervaciones musculares".

No obstante, Shawn señala que el sistema del tiempo musical es una "cosa artificial hecha por el hombre... una herramienta manufacturada, mientras que el ritmo es algo que siempre ha existido y no depende en absoluto del hombre", siendo "el tiempo que fluye continuamente". que nuestras mentes humanas cortan en unidades convenientes", lo que sugiere que la música podría revivir mediante un retorno a los valores y la percepción del tiempo de la danza.

La bailarina estadounidense de principios del siglo XX, Helen Moller, afirmó simplemente que "es el ritmo y la forma más que la armonía y el color lo que, desde el principio, ha unido la música, la poesía y la danza en una unión indisoluble".

Enfoques

Teatral

La danza de concierto, como la ópera, generalmente depende, para su forma a gran escala, de una estructura dramática narrativa. Los movimientos y gestos de la coreografía están destinados principalmente a imitar la personalidad y los objetivos de los personajes y su papel en la trama. Dichos requisitos teatrales tienden hacia movimientos más largos y libres que los habituales en los estilos de danza no narrativos. Por otro lado, el ballet blanc, desarrollado en el siglo XIX, permite interludios de danza rítmica que se convirtieron en ballets completamente "sin trama" en el siglo XX y que permitían pasos de baile rápidos y rítmicos como los del petit allegro. Un ejemplo bien conocido es The Cygnets' Dance en el segundo acto de Swan Lake.

El ballet se desarrolló a partir de producciones dramáticas cortesanas de los siglos XVI y XVII en Francia e Italia y, durante algún tiempo, los bailarines interpretaron bailes desarrollados a partir de los familiares de la suite musical, todos los cuales estaban definidos por ritmos definidos estrechamente identificados con cada baile. Estos aparecieron como bailes de personajes en la era del nacionalismo romántico.

El ballet llegó a estar de moda en la era romántica, acompañado por una orquesta más grande y concepciones musicales más grandiosas que no se prestaban fácilmente a la claridad rítmica y por una danza que enfatizaba el mimo dramático. Se necesitaba un concepto más amplio de ritmo, lo que Rudolf Laban llama el "ritmo y la forma" del movimiento que comunica carácter, emoción e intención, mientras que solo ciertas escenas requerían la sincronización exacta del paso y la música esencial para otros estilos de baile, de modo que, Para Laban, los europeos modernos parecían totalmente incapaces de comprender el significado de "movimientos rítmicos primitivos", una situación que comenzó a cambiar en el siglo XX con producciones como Igor Stravinsky.

Los estilos de danza clásica de la India, como el ballet, suelen tener forma dramática, por lo que existe una complementariedad similar entre la expresión narrativa y la danza "pura". En este caso, los dos se definen por separado, aunque no siempre se realizan por separado. Los elementos rítmicos, que son abstractos y técnicos, se conocen como nritta. Sin embargo, tanto esta como la danza expresiva (nritya) están íntimamente ligadas al sistema rítmico (tala). Los maestros han adaptado el sistema mnemotécnico rítmico hablado llamado bol a las necesidades de los bailarines.

Los estilos de danza y teatro clásicos japoneses como Kabuki y Noh, al igual que la danza y el drama indio, distinguen entre producciones de danza narrativa y abstracta. Las tres categorías principales de kabuki son jidaimono (histórico), sewamono (doméstico) y shosagoto (piezas de baile). De manera similar, Noh distingue entre Geki Noh, basado en el avance de la trama y la narración de la acción, y Furyū Noh, piezas de baile que involucran acrobacias, propiedades escénicas, múltiples personajes y acción escénica elaborada.

Los bailes sociales, aquellos destinados a la participación más que al público, pueden incluir varias formas de mímica y narrativa, pero normalmente se ajustan mucho más al patrón rítmico de la música, de modo que términos como vals y polka se refieren tanto a piezas musicales como al baile mismo. El ritmo de los pies de los bailarines puede incluso formar parte esencial de la música, como en el claqué. La danza africana, por ejemplo, tiene sus raíces en pasos básicos fijos, pero también puede permitir un alto grado de interpretación rítmica: los pies o el tronco marcan el pulso básico mientras que los hombros, las rodillas o la cabeza recogen los ritmos cruzados, con el mejores bailarines dando expresión plástica simultáneamente a todos los elementos del patrón polirrítmico.

Tradiciones culturales

África

La danza en África está profundamente integrada en la sociedad y los principales eventos de una comunidad se reflejan con frecuencia en los bailes: los bailes se realizan para nacimientos y funerales, bodas y guerras. Las danzas tradicionales imparten moral cultural, incluidas las tradiciones religiosas y las normas sexuales; dar rienda suelta a las emociones reprimidas, como el dolor; motivar a los miembros de la comunidad a cooperar, ya sea peleando guerras o moliendo granos; promulgar rituales espirituales; y contribuir a la cohesión social.

Miles de bailes se realizan en todo el continente. Estos pueden dividirse en estilos tradicionales, neotradicionales y clásicos: bailes folclóricos de una sociedad en particular, bailes creados más recientemente a imitación de estilos tradicionales y bailes transmitidos más formalmente en escuelas o lecciones privadas. La danza africana ha sido alterada por muchas fuerzas, como los misioneros europeos y los gobiernos colonialistas, que a menudo suprimieron las tradiciones locales de danza por considerarlas licenciosas o que distraían. La danza en las culturas africanas contemporáneas todavía cumple sus funciones tradicionales en nuevos contextos; la danza puede celebrar la inauguración de un hospital, construir una comunidad para los migrantes rurales en ciudades desconocidas e incorporarse a las ceremonias de la iglesia cristiana.

Asia

Todas las danzas clásicas de la India están enraizadas en diversos grados en el Natyashastra y, por lo tanto, comparten características comunes: por ejemplo, los mudra s (posiciones de las manos), algunas posiciones del cuerpo, el movimiento de las piernas y la inclusión de actuaciones dramáticas o expresivas o abhinaya. La música clásica india brinda acompañamiento y los bailarines de casi todos los estilos usan campanas alrededor de los tobillos para contrarrestar y complementar la percusión.

Ahora hay muchas variedades regionales de danza clásica india. Danzas como "Odra Magadhi", que después de un debate de décadas, se ha rastreado hasta la actualidad Mithila, la forma de danza de Odissi (Orissi) de la región de Odisha, indican la influencia de las danzas en las interacciones culturales entre diferentes regiones.

El área de Punjab que se superpone a India y Pakistán es el lugar de origen de Bhangra. Es ampliamente conocido como estilo de música y baile. Se relaciona principalmente con celebraciones de cosechas antiguas, amor, patriotismo o cuestiones sociales. Su música está coordinada por un instrumento musical llamado 'Dhol'. Bhangra no es solo música sino un baile, una celebración de la cosecha donde la gente golpea el dhol (tambor), canta Boliyaan (letra) y baila. Se desarrolló aún más con el festival Vaisakhi de los sijs.

Las danzas de Sri Lanka incluyen las danzas del diablo (yakun natima), un ritual cuidadosamente elaborado que se remonta al pasado prebudista de Sri Lanka y que combina los conceptos antiguos "ayurvédicos" de la causa de la enfermedad con la manipulación psicológica y combina muchos aspectos, incluida la cosmología cingalesa. Su influencia se puede ver en las danzas clásicas de Sri Lanka.

Las danzas indonesias reflejan la riqueza y diversidad de los grupos étnicos y culturas indonesios. Hay más de 1300 grupos étnicos en Indonesia, se puede ver en las raíces culturales de los pueblos austronesios y melanesios, y varias influencias culturales de Asia y Occidente. Las danzas en Indonesia tienen su origen en movimientos rituales y ceremonias religiosas, este tipo de danza suele comenzar con rituales, como danzas de guerra, danzas de chamanes para curar o prevenir enfermedades, danzas para llamar a la lluvia y otros tipos de danzas. Con la aceptación de la religión dharma en el siglo I en Indonesia, el hinduismo y los rituales budistas se celebraron en diversas representaciones artísticas. Las epopeyas hindúes como el Ramayana, el Mahabharata y también el Panji se convirtieron en la inspiración para mostrarse en un baile-drama llamado "Sendratari" que se asemeja a un "ballet". en la tradición occidental. Se inventó un método de baile elaborado y muy estilizado que ha sobrevivido hasta el día de hoy, especialmente en las islas de Java y Bali. La danza wayang wong de Java toma imágenes de los episodios de Ramayana o Mahabharata, pero esta danza es muy diferente a la versión india, las danzas indonesias no prestan tanta atención a los "mudras" como las danzas indias: más aún para mostrar formas locales. Se cree que la danza ritual sagrada javanesa Bedhaya se remonta al período Majapahit en el siglo XIV o incluso antes, esta danza se originó a partir de danzas rituales realizadas por niñas vírgenes para adorar a dioses hindúes como Shiva, Brahma y Vishnu. En Bali, la danza se ha convertido en una parte integral de los rituales sagrados del Dharma hindú. Algunos expertos creen que la danza balinesa proviene de una tradición de danza más antigua de Java. Los relieves de los templos del este de Java del siglo XIV presentan coronas y tocados similares a los tocados que se usan en la danza balinesa en la actualidad. El Islam comenzó a extenderse al archipiélago de Indonesia cuando las danzas indígenas y las danzas dharma aún eran populares. Los artistas y bailarines todavía usan estilos de la era anterior, reemplazando historias con interpretaciones más islámicas y ropa más cerrada de acuerdo con las enseñanzas islámicas.

Los bailes del Medio Oriente suelen ser las formas tradicionales de baile en círculo que se modernizan hasta cierto punto. Incluirían dabke, tamzara, danza folclórica asiria, danza kurda, danza armenia y danza turca, entre otras. Todas estas formas de baile generalmente involucran a los participantes tomándose de las manos o de los brazos (según el estilo del baile). Hacían movimientos rítmicos con las piernas y los hombros mientras se curvaban alrededor de la pista de baile. La cabeza del baile generalmente sostenía un bastón o un pañuelo.

Europa y América del Norte

Los bailes folclóricos varían en toda Europa y pueden remontarse a cientos o miles de años, pero muchos tienen características en común, como la participación en grupo dirigida por un llamador, la unión de manos o brazos entre los participantes y formas musicales fijas conocidas como villancicos. Algunas, como la danza del árbol de mayo, son comunes a muchas naciones, mientras que otras, como el céilidh y la polka, están profundamente arraigadas en una sola cultura. Algunas danzas folclóricas europeas, como la danza cuadrada, fueron traídas al Nuevo Mundo y posteriormente se convirtieron en parte de la cultura estadounidense.

El ballet se desarrolló primero en Italia y luego en Francia a partir de lujosos espectáculos cortesanos que combinaban música, teatro, poesía, canto, vestuario y danza. Los miembros de la nobleza cortesana participaron como artistas. Durante el reinado de Luis XIV, él mismo bailarín, la danza se volvió más codificada. Los bailarines profesionales comenzaron a ocupar el lugar de los aficionados de la corte, y el gobierno francés autorizó a los maestros de ballet. La primera academia de danza de ballet fue la Académie Royale de Danse (Academia Real de Danza), inaugurada en París en 1661. Poco después, se formó la primera compañía de ballet institucionalizada, asociada con la Academia; esta compañía comenzó como un conjunto exclusivamente masculino, pero en 1681 se abrió para incluir también a mujeres.

La danza de concierto del siglo XX trajo una explosión de innovación en el estilo de danza caracterizada por una exploración de una técnica más libre. Los primeros pioneros de lo que se conoció como danza moderna incluyen a Loie Fuller, Isadora Duncan, Mary Wigman y Ruth St. Denis. La relación de la música con la danza sirve como base para Eurhythmics, ideada por Emile Jaques-Dalcroze, que influyó en el desarrollo de la danza moderna y el ballet moderno a través de artistas como Marie Rambert. La euritmia, desarrollada por Rudolf Steiner y Marie Steiner-von Sivers, combina elementos formales que recuerdan a la danza tradicional con el nuevo estilo más libre e introdujo un vocabulario nuevo y complejo en la danza. En la década de 1920, importantes fundadores del nuevo estilo como Martha Graham y Doris Humphrey comenzaron su trabajo. Desde entonces, se han desarrollado una amplia variedad de estilos de baile;

La danza afroamericana se desarrolló en espacios cotidianos, más que en estudios, escuelas o compañías de danza. El claqué, la música disco, el jazz dance, el swing dance, el hip hop dance, el lindy hop con su relación con la música rock and roll y el rock and roll dance han tenido una influencia mundial. Los estilos de baile que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza afroamericana también han aparecido en el siglo XXI, incluido el Hiplet.

América Latina

La danza es central en la vida social y cultural latinoamericana. La samba brasileña, el tango argentino y la salsa cubana son bailes de pareja populares internacionalmente, y otros bailes nacionales (merengue, cueca, plena, jarabe, joropo, marinera, cumbia, bachata y otros) son componentes importantes de las culturas de sus respectivos países. Las tradicionales fiestas de Carnaval incorporan estos y otros bailes en enormes celebraciones.

La danza ha jugado un papel importante en la forja de una identidad colectiva entre los muchos grupos culturales y étnicos de América Latina. La danza sirvió para unir a los numerosos pueblos africanos, europeos e indígenas de la región. Ciertos géneros de baile, como la capoeira, y los movimientos corporales, especialmente las características quebradas o balanceos de la pelvis, han sido prohibidos y celebrados de diversas formas a lo largo de la historia latinoamericana.

Educación

Los estudios de danza se ofrecen a través de los programas de artes y humanidades de muchas instituciones de educación superior. Algunas universidades ofrecen licenciaturas en artes y títulos académicos superiores en danza. Un plan de estudios de danza puede abarcar una amplia gama de cursos y temas, que incluyen práctica y actuación de danza, coreografía, etnocoreología, kinesiología, notación de danza y terapia de danza. Más recientemente, la terapia de baile y movimiento se ha integrado en algunas escuelas en las lecciones de matemáticas para estudiantes con discapacidades de aprendizaje, discapacidades emocionales/conductuales y/o trastorno por déficit de atención con hiperactividad (TDAH).

Ocupaciones

Bailarines

Los bailarines profesionales generalmente se emplean por contrato o para actuaciones o producciones particulares. La vida profesional de un bailarín es generalmente una de situaciones laborales en constante cambio, fuerte presión competitiva y salarios bajos. En consecuencia, los bailarines profesionales a menudo deben complementar sus ingresos para lograr la estabilidad financiera. En los EE. UU., muchos bailarines profesionales pertenecen a sindicatos (como el Sindicato Estadounidense de Artistas Musicales, el Sindicato de Actores de Pantalla y la Asociación de Equidad de Actores) que establecen las condiciones laborales y los salarios mínimos para sus miembros. Los bailarines profesionales deben poseer grandes cantidades de atletismo. Para llevar una carrera exitosa, es ventajoso ser versátil en muchos estilos de baile, tener una sólida formación técnica y utilizar otras formas de entrenamiento físico para mantenerse en forma y saludable.

Profesores

Los profesores de danza generalmente se enfocan en enseñar interpretación de danza, o entrenar a bailarines competitivos, o ambos. Por lo general, tienen experiencia en la interpretación de los tipos de danza que enseñan o entrenan. Por ejemplo, los profesores y entrenadores de deportes de baile suelen ser bailarines de torneos o ex-ejecutantes de deportes de baile. Los profesores de danza pueden trabajar por cuenta propia o ser empleados de escuelas de danza o instituciones de educación general con programas de danza. Algunos trabajan para programas universitarios u otras escuelas que están asociadas con compañías profesionales de danza clásica (p. ej., ballet) o danza moderna. Otros son empleados de escuelas de baile privadas más pequeñas que ofrecen entrenamiento de baile y entrenamiento de interpretación para varios tipos de baile.

Coreógrafos

Los coreógrafos son los que diseñan los movimientos de baile dentro de un baile, a menudo tienen formación universitaria y normalmente se emplean para proyectos particulares o, más raramente, pueden trabajar por contrato como coreógrafo residente para una compañía de danza específica.

Competiciones

Una competencia de baile es un evento organizado en el que los concursantes realizan bailes ante un juez o jueces para recibir premios y, en algunos casos, premios monetarios. Hay varios tipos principales de concursos de baile, que se distinguen principalmente por el estilo o estilos de los bailes realizados. Los principales tipos de concursos de baile incluyen:

Dancesport, que se centra exclusivamente en los bailes de salón y latinos.
Danza competitiva, en la que se permite una variedad de estilos de danza teatral, como acrobacias, ballet, jazz, hip-hop, lírico, stepping y tap.
Competiciones de un solo estilo, tales como; highland dance, dance team y Irish dance, que solo permiten un único estilo de baile.
Concursos abiertos, que permiten una amplia variedad de estilos de baile. Un ejemplo de esto es el programa de televisión Así Crees Que Puedes Bailar.
Olímpica, la danza ha estado tratando de ser parte del deporte olímpico desde la década de 1930.

Además, hay numerosos espectáculos de concursos de baile que se presentan en la televisión y otros medios de comunicación.