Arte romano

El arte de la Antigua Roma, su República y posterior Imperio incluye arquitectura, pintura, escultura y mosaicos. Los objetos de lujo en metalistería, grabado de gemas, tallas de marfil y vidrio a veces se consideran formas menores del arte romano, aunque no se consideraban como tales en ese momento. La escultura fue quizás considerada como la forma más alta de arte por los romanos, pero la pintura de figuras también fue muy apreciada. Ha sobrevivido una gran cantidad de esculturas desde aproximadamente el siglo I a. C. en adelante, aunque muy poca de antes, pero queda muy poca pintura, y probablemente nada que un contemporáneo hubiera considerado de la más alta calidad.

La cerámica de la antigua Roma no era un producto de lujo, pero una vasta producción de "mercancías finas" en terra sigillata estaba decorada con relieves que reflejaban el último gusto y proporcionaba a un gran grupo de la sociedad objetos elegantes a un precio evidentemente asequible. Las monedas romanas fueron un importante medio de propaganda y han sobrevivido en cantidades enormes.

Introducción

Si bien la opinión tradicional de los artistas de la antigua Roma es que a menudo tomaron prestado y copiaron precedentes griegos (muchas de las esculturas griegas conocidas hoy en día tienen la forma de copias romanas en mármol), análisis más recientes han indicado que el arte romano es un pastiche creativo que se basa en gran medida en los modelos griegos, pero que también abarca la cultura visual etrusca, la cursiva nativa e incluso la egipcia. El eclecticismo estilístico y la aplicación práctica son los sellos distintivos de gran parte del arte romano.

Plinio, el historiador de las artes más importante de la antigua Roma, registró que casi todas las formas de arte (escultura, paisaje, pintura de retratos, incluso pintura de género) fueron avanzadas en la época griega y, en algunos casos, más avanzadas que en Roma. Aunque queda muy poco del arte mural y los retratos griegos, ciertamente la escultura griega y la pintura de jarrones lo confirman. Estas formas probablemente no fueron superadas por los artistas romanos en finura de diseño o ejecución. Como otro ejemplo de la "Edad de Oro" perdida, destacó a Peiraikos, "cuya maestría es superada por muy pocos... Pintó puestos de barberías y zapateros, burros, verduras, etc., y por eso llegó a ser llamado el 'pintor de temas vulgares'; sin embargo, estas obras son del todo deliciosas,El adjetivo "vulgar" se usa aquí en su definición original, que significa "común".

Los antecedentes griegos del arte romano fueron legendarios. A mediados del siglo V a. C., los artistas griegos más famosos fueron Polygnotos, conocido por sus murales, y Apolodoro, el creador del claroscuro. El desarrollo de la técnica realista se atribuye a Zeuxis y Parrhasius, quienes según la antigua leyenda griega, se dice que una vez compitieron en una exhibición de bravura de sus talentos, las primeras descripciones de la historia de la pintura trampantojo.En escultura, Skopas, Praxíteles, Fidias y Lysippos fueron los escultores más destacados. Parece que los artistas romanos tenían mucho arte griego antiguo para copiar, ya que el comercio de arte era dinámico en todo el imperio, y gran parte del patrimonio artístico griego llegó al arte romano a través de los libros y la enseñanza. Se sabe que los tratados griegos antiguos sobre las artes existieron en la época romana, aunque ahora se han perdido. Muchos artistas romanos procedían de las colonias y provincias griegas.

El elevado número de copias romanas de arte griego también habla de la estima que tenían los artistas romanos por el arte griego, y quizás de su calidad más rara y superior. Muchas de las formas y métodos de arte utilizados por los romanos, como el alto y bajo relieve, la escultura independiente, la fundición de bronce, el arte de los jarrones, el mosaico, el camafeo, el arte de las monedas, la joyería fina y la orfebrería, la escultura funeraria, el dibujo en perspectiva, la caricatura, pintura de género y retrato, pintura de paisaje, escultura arquitectónica y pintura trampantojo: todas fueron desarrolladas o refinadas por artistas de la Grecia antigua. Una excepción es el busto romano, que no incluía los hombros. El busto tradicional de cabeza y hombros puede haber sido una forma etrusca o romana temprana.Prácticamente todas las técnicas y métodos artísticos utilizados por los artistas del Renacimiento 1.900 años después habían sido demostrados por los artistas de la Antigua Grecia, con las notables excepciones de los colores al óleo y la perspectiva matemáticamente precisa. Mientras que los artistas griegos eran muy venerados en su sociedad, la mayoría de los artistas romanos eran anónimos y se consideraban comerciantes. No hay registro, como en la Antigua Grecia, de los grandes maestros del arte romano, y prácticamente no hay obras firmadas. Mientras que los griegos adoraban las cualidades estéticas del gran arte y escribieron extensamente sobre teoría artística, el arte romano era más decorativo e indicativo de estatus y riqueza, y aparentemente no era tema de eruditos o filósofos.

Debido en parte al hecho de que las ciudades romanas eran mucho más grandes que las ciudades-estado griegas en poder y población, y en general menos provinciales, el arte en la Antigua Roma asumió un propósito más amplio y, a veces, más utilitario. La cultura romana asimiló muchas culturas y fue en su mayor parte tolerante con las costumbres de los pueblos conquistados. El arte romano se encargó, exhibió y poseyó en cantidades mucho mayores y se adaptó a más usos que en la época griega. Los romanos ricos eran más materialistas; decoraban sus paredes con arte, su hogar con objetos decorativos y ellos mismos con fina joyería.

En la era cristiana del Imperio tardío, del 350 al 500 d. C., florecieron la pintura mural, el techo y el piso de mosaico y la escultura funeraria, mientras que la escultura de tamaño completo en redondo y la pintura sobre paneles desaparecieron, muy probablemente por razones religiosas. Cuando Constantino trasladó la capital del imperio a Bizancio (rebautizada como Constantinopla), el arte romano incorporó influencias orientales para producir el estilo bizantino del último imperio. Cuando Roma fue saqueada en el siglo V, los artesanos se trasladaron y encontraron trabajo en la capital oriental. La Iglesia de Santa Sofía en Constantinopla empleó a casi 10 000 trabajadores y artesanos, en un estallido final del arte romano bajo el emperador Justiniano (527–565 d. C.), quien también ordenó la creación de los famosos mosaicos de la Basílica de San Vitale en la ciudad de Rávena..

Pintura

Del vasto cuerpo de la pintura romana, ahora tenemos solo unos pocos focos de sobrevivientes, con muchos tipos documentados que no sobreviven en absoluto, o lo hacen solo desde el final del período. El bolsillo más conocido e importante son las pinturas murales de Pompeya, Herculano y otros sitios cercanos, que muestran cómo los residentes de un rico balneario decoraban sus paredes en el siglo anterior a la erupción fatal del Monte Vesubio en el 79 d.C. Los historiadores del arte moderno han definido y analizado una sucesión de estilos fechados a partir de August Mau, que muestran una elaboración y sofisticación crecientes.

Comenzando en el siglo III d. C. y terminando alrededor del año 400, tenemos una gran cantidad de pinturas de las catacumbas de Roma, de ninguna manera todas cristianas, que muestran la continuación posterior de la tradición decorativa doméstica en una versión adaptada, probablemente no muy adaptada, para uso en cámaras funerarias, en lo que probablemente era un entorno social bastante más humilde que las casas más grandes de Pompeya. Gran parte del palacio de Nerón en Roma, la Domus Aurea, sobrevivió como grutas y nos brinda ejemplos que podemos estar seguros que representan la mejor calidad de pintura mural en su estilo, y que bien pueden haber representado una innovación significativa en el estilo. Hay una serie de otras partes de habitaciones pintadas que sobreviven de Roma y otros lugares, que de alguna manera ayudan a llenar los vacíos de nuestro conocimiento de la pintura mural. Del Egipto romano hay una gran cantidad de lo que se conoce como retratos de momias de Fayum, retratos de busto sobre madera añadidos al exterior de las momias por una clase media romanizada; a pesar de su carácter local muy distintivo, probablemente sean ampliamente representativos del estilo romano en los retratos pintados, que de otra manera se perderían por completo.

No queda nada de las pinturas griegas importadas a Roma durante los siglos IV y V, ni de la pintura sobre madera realizada en Italia durante ese período. En resumen, la gama de muestras se limita a sólo unos 200 años de los 900 años de historia romana y de pintura provincial y decorativa. La mayor parte de esta pintura mural se realizó con el método a secco (seco), pero también existieron algunas pinturas al fresco en la época romana. Hay evidencia de mosaicos y algunas inscripciones de que algunas pinturas romanas fueron adaptaciones o copias de obras griegas anteriores. Sin embargo, se suma a la confusión el hecho de que las inscripciones pueden estar registrando los nombres de artistas griegos inmigrantes de la época romana, no de los originales griegos antiguos que fueron copiados. Los romanos carecían por completo de una tradición de pintura figurativa en vasijas comparable a la de los antiguos griegos, que los etruscos habían emulado.

Variedad de temas

La pintura romana ofrece una amplia variedad de temas: animales, bodegones, escenas de la vida cotidiana, retratos y algunos temas mitológicos. Durante la época helenística, evocaba los placeres del campo y representaba escenas de pastores, rebaños, templos rústicos, paisajes rurales de montaña y casas de campo. Las escenas eróticas también son relativamente comunes. A finales del imperio, después del año 200 d. C., los primeros temas cristianos mezclados con imágenes paganas sobreviven en las paredes de las catacumbas.

Paisaje y vistas

La principal innovación de la pintura romana en comparación con el arte griego fue el desarrollo de paisajes, en particular incorporando técnicas de perspectiva, aunque la verdadera perspectiva matemática se desarrolló 1.500 años después. Las texturas de la superficie, el sombreado y la coloración están bien aplicados, pero la escala y la profundidad espacial aún no se representaron con precisión. Algunos paisajes eran escenas puras de la naturaleza, particularmente jardines con flores y árboles, mientras que otros eran vistas arquitectónicas que representaban edificios urbanos. Otros paisajes muestran episodios de la mitología, los más famosos mostrando escenas de la Odisea.

En el punto de vista cultural, el arte del antiguo Oriente habría conocido la pintura de paisaje sólo como telón de fondo de escenas narrativas civiles o militares. Esta teoría es defendida por Franz Wickhoff, es discutible. Es posible ver evidencia del conocimiento griego de la representación del paisaje en el Critias de Platón (107b-108b):

... y si miramos los retratos de cuerpos divinos y humanos ejecutados por los pintores, en cuanto a la facilidad o dificultad con la que logran imitar a sus sujetos en opinión de los espectadores, notaremos en primer lugar que en cuanto a la tierra y las montañas y los ríos y los bosques y todo el cielo, con las cosas que existen y se mueven en él, estamos contentos si un hombre es capaz de representarlas aunque sea con un pequeño grado de semejanza...

Naturaleza muerta

Los temas de bodegones romanos a menudo se colocan en nichos o estantes ilusionistas y representan una variedad de objetos cotidianos que incluyen frutas, animales vivos y muertos, mariscos y conchas. Los ejemplos del tema de la jarra de vidrio llena de agua fueron hábilmente pintados y luego sirvieron como modelos para el mismo tema que a menudo se pintaba durante los períodos del Renacimiento y el Barroco.

Retratos

Plinio se quejó del estado de declive del arte del retrato romano: "La pintura de retratos que solía transmitir a través de los siglos la semejanza precisa de las personas, se ha ido por completo... La indolencia ha destruido las artes".

En Grecia y Roma, la pintura mural no se consideraba un arte elevado. La forma de arte más prestigiosa además de la escultura era la pintura sobre tabla, es decir, la pintura al temple o encáustica sobre tablas de madera. Desafortunadamente, dado que la madera es un material perecedero, solo han sobrevivido muy pocos ejemplos de tales pinturas, a saber, el Severan Tondo de c.  200 dC, un retrato oficial muy rutinario de alguna oficina del gobierno provincial, y los conocidos retratos de momias de Fayum, todos del Egipto romano, y casi con certeza no de la más alta calidad contemporánea. Los retratos se adjuntaron a momias funerarias en la cara, de las cuales casi todas ahora se han separado. Por lo general, representan a una sola persona, mostrando la cabeza, o la cabeza y la parte superior del pecho, vistas de frente. El fondo es siempre monocromático, a veces con elementos decorativos.En términos de tradición artística, las imágenes claramente derivan más de las tradiciones grecorromanas que de las egipcias. Son notablemente realistas, aunque de calidad artística variable, y pueden indicar un arte similar que se difundió en otros lugares pero que no sobrevivió. Han sobrevivido algunos retratos pintados sobre vidrio y medallas del imperio posterior, al igual que retratos de monedas, algunos de los cuales también se consideran muy realistas.

Vidrio dorado

El vidrio dorado, o vidrio sándwich de oro, era una técnica para fijar una capa de pan de oro con un diseño entre dos capas de vidrio fusionadas, desarrollada en el vidrio helenístico y revivida en el siglo III d.C. Hay muy pocos diseños grandes, incluido un grupo muy fino de retratos del siglo III con pintura añadida, pero la gran mayoría de los alrededor de 500 sobrevivientes son círculos que son los fondos recortados de copas de vino o copas que se usan para marcar y decorar tumbas en las catacumbas de Roma presionándolas en el mortero. Datan predominantemente de los siglos IV y V. La mayoría son cristianos, aunque hay muchos ejemplos paganos y algunos judíos. Es probable que originalmente se regalaran en el matrimonio o en ocasiones festivas como el Año Nuevo. Su iconografía ha sido muy estudiada, Sus temas son similares a las pinturas de las catacumbas, pero con un equilibrio diferente que incluye más retratos. Con el paso del tiempo hubo un aumento en la representación de santos. La misma técnica comenzó a usarse para teselas de oro para mosaicos a mediados del siglo I en Roma, y ​​en el siglo V se habían convertido en el fondo estándar para mosaicos religiosos.

El grupo anterior se encuentra "entre los retratos más vívidos que se han conservado de la época paleocristiana. Nos miran con una intensidad extraordinariamente severa y melancólica", y representan los mejores indicios que se conservan de lo que los retratos romanos de alta calidad podrían lograr en la pintura. El medallón de Gennadios en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York es un buen ejemplo de un retrato de Alejandría sobre vidrio azul, que utiliza una técnica bastante más compleja y un estilo naturalista que la mayoría de los ejemplos tardorromanos, incluida la pintura sobre el oro para crear sombreado, y con la inscripción griega que muestra las características del dialecto local. Tal vez le habían dado o encargado la pieza para celebrar la victoria en un concurso musical. Uno de los medallones de retratos de estilo alejandrino más famosos, con una inscripción en griego egipcio, se montó más tarde en una crux gemmata de la Alta Edad Media en Brescia, con la creencia errónea de que mostraba a la piadosa emperatriz y reina gótica Galla Placida y sus hijos; de hecho, el nudo en el vestido de la figura central puede señalar a un devoto de Isis. Este es uno de un grupo de 14 piezas que datan del siglo III dC, todos retratos seculares individualizados de alta calidad. La inscripción en el medallón está escrita en el dialecto alejandrino del griego y, por lo tanto, lo más probable es que represente a una familia del Egipto romano. El medallón también se ha comparado con otras obras de arte romano-egipcias contemporáneas, como los retratos de momias de Fayum.Se cree que el minúsculo detalle de piezas como estas solo se puede lograr usando lentes. Las gafas posteriores de las catacumbas tienen un nivel de retrato que es rudimentario, con rasgos, peinados y ropa siguiendo estilos estereotípicos.

Escenas de genero

Las escenas de género romano generalmente representan a los romanos en su tiempo libre e incluyen juegos de azar, música y encuentros sexuales. Algunas escenas representan dioses y diosas en su tiempo libre.

Pinturas triunfales

A partir del siglo III aC aparece un género específico conocido como Pinturas Triunfales, tal y como indica Plinio (XXXV, 22). Se trataba de pinturas que mostraban entradas triunfales tras victorias militares, representaban episodios de la guerra, regiones y ciudades conquistadas. Se dibujaron mapas resumidos para resaltar los puntos clave de la campaña. Josefo describe la pintura ejecutada con motivo del saqueo de Jerusalén por parte de Vespasiano y Tito:

También había oro labrado y marfil sujetado alrededor de ellos; y muchas semejanzas de la guerra, y esas en varias formas, y variedad de artilugios, brindando un retrato más vivo de sí mismo. Porque había que ver un país feliz arrasado y escuadrones enteros de enemigos asesinados; mientras que algunos de ellos huyeron, y algunos fueron llevados al cautiverio; con muros de gran altura y magnitud derribados y arruinados por las máquinas; con las fortificaciones más fuertes tomadas, y los muros de las ciudades más populosas sobre las cimas de las colinas tomados, y un ejército vertiéndose dentro de los muros; como también todo lugar lleno de matanza y de súplicas de los enemigos, cuando ya no podían alzar sus manos en señal de oposición. También se representaba aquí el fuego enviado sobre los templos, y las casas derribadas y cayendo sobre sus dueños; también los ríos, después de salir de un desierto grande y melancólico, corrieron hacia abajo, no a una tierra cultivada, ni como bebida para los hombres o para el ganado, sino a través de una tierra que todavía ardía por todos lados; porque los judíos relataron que tal cosa les había pasado durante esta guerra. Ahora bien, la ejecución de estas representaciones era tan magnífica y viva en la construcción de las cosas, que exhibía lo que se había hecho a los que no lo veían, como si hubieran estado allí realmente presentes. En la parte superior de cada uno de estos desfiles se colocó el comandante de la ciudad que fue tomada, y la forma en que fue tomado. Ahora bien, la ejecución de estas representaciones era tan magnífica y viva en la construcción de las cosas, que exhibía lo que se había hecho a los que no lo veían, como si hubieran estado allí realmente presentes. En la parte superior de cada uno de estos desfiles se colocó el comandante de la ciudad que fue tomada, y la forma en que fue tomado. Ahora bien, la ejecución de estas representaciones era tan magnífica y viva en la construcción de las cosas, que exhibía lo que se había hecho a los que no lo veían, como si hubieran estado allí realmente presentes. En la parte superior de cada uno de estos desfiles se colocó el comandante de la ciudad que fue tomada, y la forma en que fue tomado.

Estas pinturas han desaparecido, pero probablemente influyeron en la composición de los relieves históricos tallados en sarcófagos militares, el Arco de Tito y la Columna de Trajano. Esta evidencia subraya la importancia de la pintura de paisaje, que a veces tendía a ser planos en perspectiva.

Ranuccio también describe la pintura más antigua encontrada en Roma, en una tumba en el monte Esquilino:

Describe una escena histórica, sobre un fondo claro, pintada en cuatro secciones superpuestas. Se identifican varias personas, como Marcus Fannius y Marcus Fabius. Estas son más grandes que las otras figuras... En la segunda zona, a la izquierda, hay una ciudad cercada con murallas almenadas, frente a la cual hay un gran guerrero equipado con un escudo ovalado y un casco emplumado; cerca de él hay un hombre con túnica corta, armado con una lanza... Alrededor de estos dos hay soldados más pequeños con túnicas cortas, armados con lanzas... En la zona inferior se está desarrollando una batalla, donde un guerrero con escudo oval y se muestra un casco emplumado más grande que los demás, cuyas armas permiten suponer que se trata probablemente de samnitas.

Este episodio es difícil de precisar. Una de las hipótesis de Ranuccio es que se refiere a una victoria del cónsul Fabius Maximus Rullianus durante la segunda guerra contra los samnitas en el 326 a. La presentación de las figuras con tamaños proporcionales a su importancia es típicamente romana, y se encuentra en relieves plebeyos. Esta pintura está en la infancia de la pintura triunfal y se habría realizado a principios del siglo III a. C. para decorar la tumba.

Escultura

El arte romano temprano estuvo influenciado por el arte de Grecia y el de los vecinos etruscos, ellos mismos muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca eran las efigies de tumbas de tamaño casi natural en terracota, generalmente colocadas sobre la tapa de un sarcófago apoyada sobre un codo en la pose de un comensal en ese período. A medida que la República romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, primero en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico excepto en el Lejano Oriente parto, la escultura oficial y patricia se convirtió en gran medida en una extensión del estilo helenístico, del que es difícil distinguir elementos específicamente romanos. desentrañar, especialmente porque gran parte de la escultura griega sobrevive solo en copias del período romano. En el siglo II a. C., "la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma" eran griegos,a menudo esclavizados en conquistas como la de Corinto (146 a. C.), y los escultores siguieron siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres rara vez se registran. Una gran cantidad de estatuas griegas fueron importadas a Roma, ya sea como botín o como resultado de la extorsión o el comercio, y los templos a menudo se decoraban con obras griegas reutilizadas.

Se puede ver un estilo italiano nativo en los monumentos de las tumbas de los romanos prósperos de clase media, que muy a menudo presentaban bustos de retratos, y podría decirse que el retrato es la principal fortaleza de la escultura romana. No quedan restos de la tradición de las máscaras de los antepasados ​​que se usaban en las procesiones de los funerales de las grandes familias y que se exhibían en el hogar, pero muchos de los bustos que se conservan deben representar figuras ancestrales, quizás de las tumbas de las familias numerosas como los Tumba de los Escipiones o mausoleo posterior fuera de la ciudad. La famosa cabeza de bronce supuestamente de Lucius Junius Brutus tiene fechas muy variadas, pero se considera una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido de bronce.De manera similar, se ven cabezas severas y contundentes en las monedas de los cónsules, y en el período imperial, las monedas y los bustos enviados por todo el Imperio para colocarlos en las basílicas de las ciudades provinciales fueron la principal forma visual de la propaganda imperial; incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón, aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de altura en Roma, ahora perdido. La tumba de Eurysaces the Baker, un liberto exitoso (c. 50-20 a. C.) tiene un friso que es un ejemplo inusualmente grande del estilo "plebeyo". El retrato imperial fue inicialmente helenizado y muy idealizado, como en Blacas Cameo y otros retratos de Augusto.

Los romanos generalmente no intentaron competir con las obras griegas independientes de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con relieves narrativos continuos que las envuelven, de los cuales aquellos en conmemoración de Trajano (113 d. C.) y Marco Aurelio (en 193) sobreviven en Roma, donde el Ara Pacis ("Altar de la paz", 13 a. C.) representa el estilo grecorromano oficial en su forma más clásica y refinada, y Sperlonga lo esculpe. en su forma más barroca. Algunas esculturas públicas tardorromanas desarrollaron un estilo masivo y simplificado que a veces anticipa el realismo socialista soviético. Entre otros ejemplos importantes se encuentran los relieves reutilizados anteriores en el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161),Los relieves de campana eran versiones de cerámica más baratas de los relieves de mármol y el gusto por el relieve se extendió desde la época imperial al sarcófago.

Todas las formas de pequeña escultura de lujo continuaron siendo patrocinadas, y la calidad podía ser extremadamente alta, como en la Copa Warren de plata, la Copa Lycurgus de vidrio y grandes camafeos como Gemma Augustea, Gonzaga Cameo y el "Gran camafeo de Francia". Para un sector mucho más amplio de la población, la decoración en relieve moldeado de vasijas de cerámica y pequeñas figurillas se producía en gran cantidad y, a menudo, con una calidad considerable.

Después de pasar por una fase "barroca" de finales del siglo II, en el siglo III, el arte romano abandonó en gran medida, o simplemente se volvió incapaz de producir, la escultura en la tradición clásica, un cambio cuyas causas siguen siendo muy discutidas. Incluso los monumentos imperiales más importantes ahora mostraban figuras rechonchas y de ojos grandes en un estilo frontal duro, en composiciones simples que enfatizaban el poder a expensas de la gracia. El contraste se ilustra de forma célebre en el Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina secciones en el nuevo estilo con círculos en el estilo grecorromano completo anterior tomado de otro lugar, y los Cuatro tetrarcas.(c. 305) de la nueva capital de Constantinopla, ahora en Venecia. Ernst Kitzinger encontró en ambos monumentos las mismas "proporciones rechonchas, movimientos angulares, un orden de las partes a través de la simetría y la repetición y una interpretación de las características y los pliegues de las cortinas a través de incisiones en lugar de modelado... El sello distintivo del estilo dondequiera que aparece consiste en un dureza enfática, pesadez y angularidad, en resumen, un rechazo casi total de la tradición clásica".

Esta revolución estilística precedió poco después del período en el que el Estado romano y la gran mayoría del pueblo adoptó el cristianismo, lo que llevó al final de la gran escultura religiosa, con grandes estatuas que ahora solo se utilizan para los emperadores, como en los famosos fragmentos de un colosal estatua acrolítica de Constantino, y el Coloso de Barletta del siglo IV o V. Sin embargo, los cristianos ricos continuaron encargando relieves para los sarcófagos, como en el sarcófago de Junius Bassus, y los cristianos continuaron con esculturas muy pequeñas, especialmente en marfil, basándose en el estilo del díptico consular.

• Sarcófago etrusco, siglo III a.C.
• El "Capitolino Bruto", fechado entre los siglos IV y III a.C.
• Un birreme naval romano representado en un relieve del Templo de Fortuna Primigenia en Praeneste (Palastrina), que fue construido c. 120 aC; exhibido en el Museo Pío-Clementino (Museo Pio-Clementino) en los Museos Vaticanos.
• El orador, c. 100 a. C., una estatua de bronce etrusco-romana que representa a Aule Metele (en latín: Aulus Metellus), un hombre etrusco que vestía una toga romana mientras se dedicaba a la retórica; la estatua presenta una inscripción en el alfabeto etrusco
• Relieve de la tumba de Publius Aiedius y Aiedia, 30 a. C., Museo de Pérgamo (Berlín)
• Augusto de Prima Porta, estatua del emperador Augusto, siglo I d.C., Museos Vaticanos
• Relieve de la tumba de los Decii, 98-117 d.C.
• Busto del emperador Claudio, c. 50 CE, (reelaborado a partir de un busto del emperador Calígula), Museos Vaticanos
• Cómodo vestido como Hércules, c. 191 EC, en el estilo "barroco" imperial tardío; Museo Capitolino, Roma.
• Los cuatro tetrarcas, c. 305, que muestra el nuevo estilo anticlásico, en pórfido, ahora San Marco, Venecia
• La gema camafeo conocida como el "Gran Camafeo de Francia", c. 23 d.C., con una alegoría de Augusto y su familia
• Busto Retrato de un Hombre, Antigua Roma, 60 a.C.
• El retrato romano se caracteriza por su realismo de "verrugas y todo".
• Busto retrato verista de anciano con la cabeza cubierta (capite velato), ya sea sacerdote o paterfamilias (mármol, mediados del siglo I a.C.)

La escultura romana tradicional se divide en cinco categorías: retratos, relieves históricos, relieves funerarios, sarcófagos y copias de obras griegas antiguas. Contrariamente a la creencia de los primeros arqueólogos, muchas de estas esculturas eran grandes imágenes policromadas de terracota, como el Apolo de Veii (Villa Givlia, Roma), pero la superficie pintada de muchas de ellas se ha desgastado con el tiempo.

Relieves narrativos

Mientras que los escultores griegos tradicionalmente ilustraban hazañas militares mediante el uso de alegorías mitológicas, los romanos utilizaron un estilo más documental. Los relieves romanos de escenas de batalla, como los de la Columna de Trajano, se crearon para glorificar el poderío romano, pero también brindan una representación de primera mano de trajes y equipos militares. La columna de Trajano registra las diversas guerras dacias llevadas a cabo por Trajano en lo que es la actual Rumania. Es el ejemplo más destacado del relieve histórico romano y uno de los grandes tesoros artísticos del mundo antiguo. Este logro sin precedentes, de más de 650 pies de longitud en espiral, presenta no solo individuos realistas (más de 2500 de ellos), sino también paisajes, animales, barcos y otros elementos en una historia visual continua, en efecto, un antiguo precursor de una película documental.Durante la era cristiana después del año 300 d. C., la decoración de los paneles de las puertas y los sarcófagos continuó, pero la escultura de tamaño completo se extinguió y no pareció ser un elemento importante en las iglesias primitivas.

Artes Decorativas

Cerámica y terracotas

Los romanos heredaron una tradición de arte en una amplia gama de las llamadas "artes menores" o artes decorativas. La mayoría de estos florecieron de manera más impresionante en el nivel de lujo, pero una gran cantidad de figurillas de terracota, tanto religiosas como seculares, continuaron produciéndose a bajo precio, así como algunos relieves de Campana más grandes en terracota. El arte romano no usaba la pintura de vasijas a la manera de los antiguos griegos, pero las vasijas en la cerámica romana antigua a menudo estaban decoradas con estilo en relieve moldeado. Los productores de los millones de pequeñas lámparas de aceite vendidas parecen haber confiado en una decoración atractiva para vencer a los competidores y todos los temas del arte romano, excepto el paisaje y el retrato, se encuentran en miniatura.

Copa

Las artes de lujo incluían el elegante vidrio romano en una gran variedad de técnicas, muchos de los cuales probablemente eran asequibles para una buena proporción del público romano. Ciertamente, este no fue el caso de los tipos de vidrio más extravagantes, como las copas de jaula o diatreta, de las cuales la Copa Lycurgus en el Museo Británico es un ejemplo figurativo casi único en vidrio que cambia de color cuando se ve con la luz que lo atraviesa.. El Augustan Portland Vase es la obra maestra del camafeo romano e imitaba el estilo de las grandes gemas grabadas (Blacas Cameo, Gemma Augustea, Great Cameo of France) y otras tallas de piedra dura que también eran muy populares en esta época.

Mosaico

El mosaico romano fue un arte menor, aunque a menudo a gran escala, hasta el final del período, cuando los cristianos de finales del siglo IV comenzaron a usarlo para grandes imágenes religiosas en las paredes de sus nuevas iglesias grandes; en el arte romano anterior, el mosaico se usaba principalmente para pisos, techos curvos y paredes interiores y exteriores que se iban a mojar. La famosa copia de una pintura helenística en el Mosaico de Alejandro en Nápoles se colocó originalmente en un piso en Pompeya; este es un trabajo de mucha más calidad que la mayoría de los mosaicos romanos, aunque también han sobrevivido paneles muy finos, a menudo de naturaleza muerta en teselas pequeñas o micromosaicos. Los romanos distinguieron entre opus tessellatum normal con teselas en su mayoría de más de 4 mm de ancho, que se colocaron en el sitio, y más finas.opus vermiculatum para paneles pequeños, que se cree que se produjo fuera del sitio en un taller y se trajo al sitio como un panel terminado. Este último era un género helenístico que se encuentra en Italia entre el 100 a. C. y el 100 d. C. aproximadamente. La mayoría de los mosaicos firmados tienen nombres griegos, lo que sugiere que los artistas permanecieron en su mayoría griegos, aunque probablemente a menudo eran esclavos entrenados en talleres. El mosaico del Nilo de Palestrina de finales del siglo II a. C. es un ejemplo muy grande del género popular del paisaje nilótico, mientras que el Mosaico de gladiadores del siglo IV en Roma muestra varias figuras grandes en combate. Los mosaicos de Orfeo, a menudo muy grandes, eran otro tema favorito para las villas, con varios animales feroces domesticados por la música de Orfeo. En la transición al arte bizantino, las escenas de caza tendieron a sustituir a las escenas de animales grandes.

Metalistería

La metalistería estaba muy desarrollada y claramente era una parte esencial de las casas de los ricos, que cenaban con plata, mientras que a menudo bebían de vidrio, y tenían elaborados accesorios fundidos en sus muebles, joyas y pequeñas estatuillas. Varios tesoros importantes encontrados en los últimos 200 años, en su mayoría de los bordes más violentos del Bajo Imperio, nos han dado una idea mucho más clara de la platería romana. The Mildenhall Treasure y Hoxne Hoard son ambos de East Anglia en Inglaterra. Hay pocos sobrevivientes de muebles romanos antiguos de lujo, pero estos muestran un diseño y una ejecución refinados y elegantes.

Monedas y medallas

Pocas monedas romanas alcanzan los picos artísticos de las mejores monedas griegas, pero sobreviven en grandes cantidades y su iconografía e inscripciones forman una fuente crucial para el estudio de la historia romana y el desarrollo de la iconografía imperial, además de contener muchos buenos ejemplos de retrato. Penetraron en la población rural de todo el Imperio y más allá, con bárbaros en los márgenes del Imperio haciendo sus propias copias. En el Imperio comenzaron a producirse medallones en metales preciosos en pequeñas ediciones como obsequios imperiales, que son similares a las monedas, aunque más grandes y normalmente de mejor ejecución. Las imágenes en las monedas inicialmente siguieron los estilos griegos, con dioses y símbolos, pero en los estertores de la República, primero Pompeyo y luego Julio César aparecieron en las monedas. y los retratos del emperador o miembros de su familia se convirtieron en estándar en las monedas imperiales. Las inscripciones se utilizaron con fines propagandísticos y, en el Imperio posterior, el ejército se unió al emperador como beneficiario.

Arquitectura

Fue en el área de la arquitectura donde el arte romano produjo sus mayores innovaciones. Debido a que el Imperio Romano se extendía sobre un área tan grande e incluía tantas áreas urbanizadas, los ingenieros romanos desarrollaron métodos para la construcción de ciudades a gran escala, incluido el uso de hormigón. Edificios masivos como el Panteón y el Coliseo nunca podrían haberse construido con materiales y métodos anteriores. Aunque el hormigón se había inventado mil años antes en el Cercano Oriente, los romanos extendieron su uso desde las fortificaciones hasta sus edificios y monumentos más impresionantes, aprovechando la resistencia y el bajo costo del material. El núcleo de hormigón se cubría con una capa de yeso, ladrillo, piedra o mármol, y a menudo se añadían esculturas decorativas policromadas y doradas para producir un efecto deslumbrante de poder y riqueza.

Debido a estos métodos, la arquitectura romana es legendaria por la durabilidad de su construcción; con muchos edificios aún en pie y algunos todavía en uso, en su mayoría edificios convertidos en iglesias durante la era cristiana. Muchas ruinas, sin embargo, han sido despojadas de su revestimiento de mármol y quedan con su núcleo de hormigón expuesto, por lo que parecen algo reducidas en tamaño y grandeza de su apariencia original, como la Basílica de Constantino.

Durante la época republicana, la arquitectura romana combinó elementos griegos y etruscos y produjo innovaciones como el templo redondo y el arco curvo.A medida que el poder romano crecía a principios del imperio, los primeros emperadores inauguraron la demolición total de los barrios marginales para construir grandes palacios en el monte Palatino y las áreas cercanas, lo que requería avances en los métodos de ingeniería y el diseño a gran escala. Luego se construyeron edificios romanos en la agrupación comercial, política y social conocida como foro, siendo el de Julio César el primero y varios agregados más tarde, siendo el Foro Romano el más famoso. La arena más grande del mundo romano, el Coliseo, se completó alrededor del año 80 dC en el otro extremo de ese foro. Tenía capacidad para más de 50.000 espectadores, tenía cubiertas de tela retráctiles para dar sombra y podía organizar espectáculos masivos que incluían grandes concursos de gladiadores y simulacros de batallas navales.Menos célebre pero igual de importante, si no más, para la mayoría de los ciudadanos romanos, era la ínsula o bloque de la ciudad de cinco pisos, el equivalente romano de un edificio de apartamentos, que albergaba a decenas de miles de romanos.

Fue durante el reinado de Trajano (98-117 d. C.) y Adriano (117-138 d. C.) que el Imperio Romano alcanzó su mayor extensión y que Roma misma estaba en la cima de su gloria artística, lograda a través de programas de construcción masivos de monumentos, casas de reunión, jardines, acueductos, baños, palacios, pabellones, sarcófagos y templos.El uso romano del arco, el uso de métodos de construcción de hormigón, el uso de la cúpula permitieron la construcción de techos abovedados y permitieron la construcción de estos espacios y complejos públicos, incluidos los palacios, baños públicos y basílicas de la "Edad de Oro". del imperio Ejemplos sobresalientes de construcción de cúpulas incluyen el Panteón, las Termas de Diocleciano y las Termas de Caracalla. El Panteón (dedicado a todos los dioses planetarios) es el templo mejor conservado de la antigüedad con un techo intacto que presenta un "ojo" abierto en el centro. La altura del techo es exactamente igual al radio interior del edificio, creando un recinto hemisférico.Estos grandes edificios sirvieron más tarde como modelos de inspiración para los arquitectos del Renacimiento italiano, como Brunelleschi. En la era de Constantino (306-337 d. C.), se llevaron a cabo los últimos grandes programas de construcción en Roma, incluida la construcción del Arco de Constantino construido cerca del Coliseo, que recicló algunos trabajos de piedra del foro cercano, para producir una mezcla ecléctica. de estilos

Los acueductos romanos, también basados ​​en el arco, eran habituales en el imperio e imprescindibles transportadores de agua hacia las grandes zonas urbanas. Son especialmente impresionantes sus restos de mampostería en pie, como el Pont du Gard (con tres hileras de arcos) y el acueducto de Segovia, que sirven como mudo testimonio de la calidad de su diseño y construcción.