Arte religioso
El arte religioso es una representación visual de las ideologías religiosas y su relación con los humanos. El arte sacro se relaciona directamente con el arte religioso en el sentido de que su propósito es para el culto y las prácticas religiosas. De acuerdo con un conjunto de definiciones, las obras de arte inspiradas en la religión pero que no se consideran tradicionalmente sagradas permanecen bajo el término general de arte religioso, pero no arte sacro.
Otros términos que se usan a menudo para el arte de varias religiones son imagen de culto, generalmente para la imagen principal en un lugar de culto, ícono en su sentido más general (no restringido a las imágenes ortodoxas orientales) e "imagen devocional" 34; generalmente significa una imagen más pequeña para oración o adoración privada. Las imágenes a menudo se pueden dividir en "imágenes icónicas", que solo muestran una o más figuras, e "imágenes narrativas" mostrando momentos de un episodio o historia que involucra figuras sagradas.
El uso de imágenes ha sido controvertido en muchas religiones. El término para tal oposición es aniconismo, siendo iconoclasia la destrucción deliberada de imágenes por parte de personas de la misma religión.
Arte budista
El arte budista se originó en el subcontinente indio siguiendo la vida histórica de Siddhartha Gautama, entre los siglos VI y V a. C., y luego evolucionó por el contacto con otras culturas a medida que se extendía por Asia y el mundo.
El arte budista siguió a los creyentes a medida que el dharma se extendía, adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia Central y hacia el Este de Asia para formar la rama del norte del arte budista.
El arte budista siguió hacia el este hasta el sureste de Asia para formar la rama sureña del arte budista.
En India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú, hasta que el budismo casi desapareció en India alrededor del siglo X debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo.
Arte budista tibetano
La mayoría de las formas de arte del budismo tibetano están relacionadas con la práctica del vajrayana o tantra budista. El arte tibetano incluye thangkas y mandalas, que a menudo incluyen representaciones de budas y bodhisattvas. La creación del arte budista generalmente se realiza como una meditación, así como también se crea un objeto como ayuda para la meditación. Un ejemplo de esto es la creación de un mandala de arena por parte de los monjes; antes y después de la construcción se recitan oraciones, y la forma del mandala representa el entorno puro (palacio) de un Buda en el que se medita para entrenar la mente. La obra rara vez, si es que alguna vez, está firmada por el artista. Otro arte budista tibetano incluye objetos rituales de metal, como el vajra y el phurba.
Arte budista indio
Dos lugares sugieren más vívidamente que ningún otro la vitalidad de las pinturas rupestres budistas de aproximadamente el siglo V d.C. Uno es Ajanta, un sitio en la India olvidado durante mucho tiempo hasta que fue descubierto en 1817. El otro es Dunhuang, uno de los grandes puestos de oasis en la Ruta de la Seda... Las pinturas van desde tranquilas imágenes devocionales de Buda hasta escenas animadas y llenas de gente. a menudo presenta a las mujeres seductoras de pechos grandes y cintura estrecha más familiares en la escultura india que en la pintura.
Arte cristiano
El arte sacro cristiano se produce en un intento de ilustrar, complementar y representar de forma tangible los principios del cristianismo, aunque son posibles otras definiciones. Es hacer imágenes de las diferentes creencias en el mundo y cómo se ve. La mayoría de los grupos cristianos usan o han usado el arte hasta cierto punto, aunque algunos han tenido fuertes objeciones a algunas formas de imagen religiosa y ha habido períodos importantes de iconoclasia dentro del cristianismo.
La mayor parte del arte cristiano es alusivo o está construido en torno a temas familiares para el observador previsto. Imágenes de Jesús y escenas narrativas de la Vida de Cristo son los temas más comunes, especialmente las imágenes de Cristo en la Cruz.
Escenas del Antiguo Testamento juegan un papel en el arte de la mayoría de las denominaciones cristianas. Las imágenes de la Virgen María sosteniendo al niño Jesús y las imágenes de los santos son mucho más raras en el arte protestante que en el catolicismo romano y la ortodoxia oriental.
En beneficio de los analfabetos, se desarrolló un elaborado sistema iconográfico para identificar de manera concluyente las escenas. Por ejemplo, Santa Inés representada con un cordero, San Pedro con llaves, San Patricio con un trébol. Cada santo tiene o está asociado con atributos y símbolos en el arte sacro.
Historia
El arte cristiano primitivo sobrevive desde fechas cercanas a los orígenes del cristianismo. Las pinturas cristianas más antiguas que se conservan son del sitio de Megiddo, que datan de alrededor del año 70, y las esculturas cristianas más antiguas provienen de sarcófagos, que datan de principios del siglo II. Hasta la adopción del cristianismo por parte de Constantino, el arte cristiano derivó su estilo y gran parte de su iconografía del arte popular romano, pero a partir de ese momento, los grandes edificios cristianos construidos bajo el patrocinio imperial trajeron la necesidad de versiones cristianas del arte oficial y de la élite romana, de los cuales los mosaicos en Las iglesias de Roma son los ejemplos supervivientes más destacados.
Durante el desarrollo del arte cristiano primitivo en el imperio bizantino (ver Arte bizantino), una estética más abstracta reemplazó el naturalismo previamente establecido en el arte helenístico. Este nuevo estilo era hierático, lo que significa que su objetivo principal era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. Se ignoraron la perspectiva, las proporciones, la luz y el color realistas en favor de la simplificación geométrica de las formas, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para retratar individuos y eventos. La controversia sobre el uso de imágenes grabadas, la interpretación del Segundo Mandamiento y la crisis de la iconoclasia bizantina llevaron a una estandarización de la imaginería religiosa dentro de la ortodoxia oriental.
El Renacimiento vio un aumento en las obras seculares monumentales, pero hasta la Reforma protestante, el arte cristiano continuó produciéndose en grandes cantidades, tanto para las iglesias y el clero como para los laicos. Durante este tiempo, Miguel Ángel Buonarroti pintó la Capilla Sixtina y esculpió la famosa Piedad, Gianlorenzo Bernini creó las enormes columnas de la Basílica de San Pedro y Leonardo da Vinci pintó la Última Cena . La Reforma tuvo un gran efecto en el arte cristiano, deteniendo rápidamente la producción de arte cristiano público en los países protestantes y causando la destrucción de la mayor parte del arte que ya existía.
A medida que surgió una noción secular, no sectaria y universal del arte en la Europa occidental del siglo XIX, los artistas seculares ocasionalmente trataron temas cristianos (Bouguereau, Manet). Solo en raras ocasiones se incluyó a un artista cristiano en el canon histórico (como Rouault o Stanley Spencer). Sin embargo, muchos artistas modernos como Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elisabeth Frink y Graham Sutherland han producido conocidas obras de arte para iglesias. A través de una interpretación social del cristianismo, Fritz von Uhde también revivió el interés por el arte sacro, a través de la representación de Jesús en lugares ordinarios de la vida.
Desde el advenimiento de la imprenta, la venta de reproducciones de obras piadosas ha sido un elemento importante de la cultura cristiana popular. En el siglo XIX, esto incluía a pintores de género como Mihály Munkácsy. La invención de la litografía en color dio lugar a una amplia circulación de tarjetas sagradas. En la era moderna, las empresas que se especializan en artistas cristianos comerciales modernos como Thomas Blackshear y Thomas Kinkade, aunque ampliamente consideradas kitsch en el mundo de las bellas artes, han tenido mucho éxito.
La última parte del siglo XX y la primera parte del siglo XXI han visto un esfuerzo concentrado por parte de artistas que reclaman la fe en Cristo para restablecer el arte con temas que giran en torno a la fe, Cristo, Dios, la Iglesia, la Biblia. y otros temas cristianos clásicos como dignos de respeto por el mundo del arte secular. Artistas como Makoto Fujimura han tenido una influencia significativa tanto en las artes sagradas como seculares. Otros artistas notables incluyen a Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove y John August Swanson.
Arte confuciano
El arte confuciano está inspirado en el confucianismo, acuñado en honor al filósofo y político chino Confucio. El arte confuciano se originó en China, luego se extendió hacia el oeste por la Ruta de la Seda, hacia el sur hasta el sur de China y luego hacia el sudeste asiático, y hacia el este a través del norte de China hasta Japón y Corea. Si bien todavía mantiene una fuerte influencia dentro de Indonesia, la influencia confuciana en el arte occidental ha sido limitada. Si bien los temas confucianos disfrutaron de representación en los centros de arte chinos, son menos en comparación con la cantidad de obras de arte que tratan o están influenciadas por el taoísmo y el budismo.
Historia
Antes de la dinastía Han, la jerarquía artística china consideraba la música como la forma más alta de arte y descartaba la caligrafía, la poesía y la pintura como formas de arte y artesanía practicadas por la clase baja. Sin embargo, la poesía también fue popular durante la época de Confucio, y la poesía fue elogiada y clasificada en un lugar destacado junto con la música. Según Confucio y sus discípulos, la música se esfuerza por crear y reflejar la armonía en el mundo; por lo tanto, la educación debe comenzar con los fundamentos de la poesía y el comportamiento moral, y concluir con la música. Con el tiempo, el desarrollo del sistema de escritura chino promovió el crecimiento de la caligrafía y las artes visuales en términos de estatus social. La estética y los valores confucianos contribuyeron aún más al desarrollo de estas formas de arte visual, con pinturas de paisajes y obras de caligrafía centradas en las obras escritas y las enseñanzas del confucianismo.
Arte hindú
El hinduismo, con sus mil millones de seguidores, constituye aproximadamente el 15 % de la población mundial y, como tal, la cultura que se deriva está llena de diferentes aspectos de la vida que se ven afectados por el arte. Se siguen 64 artes tradicionales que comienzan con los clásicos de la música y van hasta la aplicación y el adorno de la joyería. Dado que la religión y la cultura son inseparables con el hinduismo, los símbolos recurrentes como los dioses y sus reencarnaciones, la flor de loto, las extremidades adicionales e incluso las artes tradicionales hacen su aparición en muchas esculturas, pinturas, música y danza.
Arte islámico
La prohibición de representar imágenes representativas en el arte religioso, así como la naturaleza naturalmente decorativa de la escritura árabe, llevaron al uso de decoraciones caligráficas, que generalmente involucraban la repetición de patrones geométricos y formas vegetales (arabescos) que expresaban ideales de orden y naturaleza. Estos se utilizaron en arquitectura religiosa, alfombras y documentos escritos a mano. El arte islámico ha reflejado esta visión del mundo equilibrada y armoniosa. Se enfoca en la esencia espiritual más que en la forma física.
Si bien ha habido una aversión a la posible adoración de ídolos a lo largo de la historia islámica, esta es una visión claramente sunita moderna. Las miniaturas persas, junto con las representaciones medievales de Mahoma y los ángeles en el Islam, se destacan como ejemplos destacados contrarios a la tradición sunita moderna. Además, los musulmanes chiítas son mucho menos reacios a la representación de figuras, incluida la del Profeta, siempre que la representación sea respetuosa.
Representación de figuras
La resistencia islámica a la representación de seres vivos se deriva en última instancia de la creencia de que la creación de formas vivas es exclusiva de Dios. Es por ello que el papel de las imágenes y de los creadores de imágenes ha sido controvertido.
Las declaraciones más fuertes sobre el tema de la representación de figuras se hacen en el Hadiz (Tradiciones del Profeta), donde se desafía a los pintores a "respirar vida" en sus creaciones y amenazados con castigo en el Día del Juicio.
El Corán es menos específico, pero condena la idolatría y utiliza el término árabe musawwir ("creador de formas" o artista) como epíteto de Dios. En parte como resultado de este sentimiento religioso, las figuras en la pintura a menudo se estilizaron y, en algunos casos, se produjo la destrucción de obras de arte figurativas. La iconoclasia se conocía anteriormente en el período bizantino y el aniconicismo era una característica del mundo judaico, lo que colocaba la objeción islámica a las representaciones figurativas dentro de un contexto más amplio. Sin embargo, como adorno, las figuras carecían en gran medida de un significado mayor y quizás, por lo tanto, representaban un desafío menor. Al igual que con otras formas de ornamentación islámica, los artistas adaptaron y estilizaron libremente formas humanas y animales básicas, dando lugar a una gran variedad de diseños basados en figuras.
Arabesco
El arabesco es un estilo de arte decorativo caracterizado por patrones intrincados y repetitivos de plantas entrelazadas y motivos curvilíneos abstractos. Se cree que se originó en el mundo islámico y su uso se extendió por todo el Medio Oriente, Europa y el norte de África. Ha jugado un papel importante en el arte islámico, sirviendo a menudo como una forma de expresión religiosa. El término "arabesco" es un término francés derivado de la palabra italiana arabesco, que significa "al estilo árabe" Los patrones de arabescos se pueden encontrar en varios medios, incluida la cerámica, la arquitectura, la caligrafía y los textiles. Desde el siglo XIX, el arte arabesco ha tenido una gran influencia en el arte y el diseño occidentales, y muchos diseñadores y artistas incorporaron patrones en su trabajo.
Caligrafía
La caligrafía es un elemento muy apreciado del arte islámico. El Corán se transmitió en árabe, y la escritura árabe tiene un potencial inherente para las formas ornamentales. El empleo de la caligrafía como adorno tenía un atractivo estético definido, pero a menudo también incluía un componente talismánico subyacente. Si bien la mayoría de las obras de arte tenían inscripciones legibles, no todos los musulmanes habrían podido leerlas. Sin embargo, siempre se debe tener en cuenta que la caligrafía es principalmente un medio para transmitir un texto, aunque sea de forma decorativa. Desde sus primeros ejemplos simples y primitivos de los siglos V y VI d. C., el alfabeto árabe se desarrolló rápidamente después del surgimiento del Islam en el siglo VII hasta convertirse en una hermosa forma de arte. Las dos familias principales de estilos caligráficos fueron los estilos secos, generalmente llamados cúficos, y los estilos cursivos suaves, que incluyen Naskhi, Thuluth, Nastaliq y muchos otros.
Geometría
Los patrones geométricos constituyen uno de los tres tipos de decoración no figurativa del arte islámico. Ya sea aislado o usado en combinación con ornamentación no figurativa o representación figurativa, los patrones geométricos se asocian popularmente con el arte islámico, en gran parte debido a su calidad anicónica. Estos diseños abstractos no solo adornan las superficies de la arquitectura islámica monumental, sino que también funcionan como elemento decorativo principal en una amplia gama de objetos de todo tipo.
Tipos de estilos geométricos
Los patrones geométricos se asocian frecuentemente con el arte islámico, en parte debido a su atractivo icónico, ya sea utilizado solo o conjuntamente con la representación figural o adorno no configurable. Estos patrones abstractos se utilizan como la característica ornamental primaria en diversos elementos de todo tipo, además de adornar las superficies de edificios islámicos masivos. Aunque la ornamentación geométrica pudo haber alcanzado el pico en el mundo islámico, los griegos, romanos y sasanianos en Irán fueron las fuentes de formas geométricas y patrones elaborados. Los artistas islámicos incorporaron componentes importantes del pasado clásico para inventar una nueva forma de decoración que resaltó la vitalidad del orden y la unidad. Los astrónomos islámicos, los matemáticos y los científicos contribuyeron a estas formas, que eran cruciales para su tipo de estilo artístico.
Historia y Diseño
Las formas geométricas se asemejan al diseño arabesco que se encuentra en muchos diseños vegetales en cuanto a su abstracción, motivos repetidos y simetría. Los diseños geométricos coexisten frecuentemente con la decoración caligráfica. Círculos y círculos entrelazados, cuadrados o polígonos de cuatro lados son el típico patrón de estrella resultante de cuadrados y triángulos inscritos en un círculo. Los polígonos de varios lados son las cuatro formas fundamentales o "unidades repetidas" a partir de las cuales se construyen los patrones más complejos. Sin embargo, es evidente que los diseños intrincados que se encuentran en varias cosas vienen en varios tamaños y configuraciones, lo que los hace adecuados para su inclusión en más de una categoría.
La forma geométrica del círculo se usa en el arte islámico para significar el símbolo fundamental de la unidad y el curso final de toda la diversidad en la creación. Como muestra la siguiente ilustración, muchos patrones islámicos clásicos tienen comienzos rituales en la partición sin procesar del círculo en secciones regulares.
Cuatro divisiones circulares dieron como resultado el patrón anterior, creado en Yazd, Irán, en el siglo XV. A partir de ahí, se crea una cuadrícula regular de triángulos y luego se agrega el diseño encima. Vea cómo el intrincado patrón se entrelaza con el diseño fundamental, que se muestra en las imágenes de arriba como un contorno blanco.
Geometría del Palacio de la Alhambra
Los patrones geométricos, el diseño biomórfico (arabesco) y la caligrafía se combinan de forma experta en la Alhambra de España del siglo XIV. El arte islámico se compone de estos tres campos separados pero complementarios. Están dispuestos en una jerarquía de tres niveles, con geometría en el botón. Esto se indica con frecuencia por su uso en las partes inferiores de paredes o pisos, como en el ejemplo anterior.
Las características decorativas utilizadas utilizan una variedad de simetrías que ahora se reconocen como pertenecientes a grupos matemáticos separados, sin embargo, la delicadeza y la elegancia de los patrones no tienen comparación en el pensamiento matemático contemporáneo. Aunque alguna vez fue costumbre en el Islam usar formas geométricas, estos diseños son obras de arquitectura. Desde el siglo VIII, los calígrafos musulmanes y los diseñadores de patrones geométricos han decorado mezquitas, castillos y manuscritos. Muy a menudo, los diseños geométricos islámicos se emplean en los lugares de culto como una forma de exaltar a Dios. Las grandes estructuras hechas por geometría divina incluyen edificios, jardines y pisos. La geometría de la Mezquita Azul
Hay patrones observables que abarcan mil años de historia islámica y en todo el mundo islámico, ya que estos patrones geométricos también están conectados con la cultura islámica. En algunas piezas de arquitectura, los arquitectos islámicos siguen las mismas pautas, como en la Mezquita Azul y la Alhambra de Granada en la foto de arriba. El palacio de la Alhambra en España y la mezquita de Samarcanda en Uzbekistán son solo dos ejemplos del arte de los diseños geométricos repetidos que se pueden ver en todo el mundo.
Arte jainista
El arte jainista se refiere a las obras de arte religiosas asociadas con el jainismo. Aunque el jainismo se extendió solo en algunas partes de la India, ha hecho una contribución significativa al arte y la arquitectura indios.
Arte mandaeano
El arte mandaeano se puede encontrar en pergaminos manuscritos ilustrados llamados diwan. Las ilustraciones de pergaminos mandeos, generalmente etiquetadas con largas explicaciones escritas, generalmente contienen dibujos geométricos abstractos de uthras que recuerdan al cubismo o al arte rupestre prehistórico.
Arte sij
El arte, la cultura, la identidad y las sociedades de los sijs se fusionaron con diferentes localidades y etnias de diferentes sijs en categorías como 'Agrahari Sikhs', 'Dakhni Sikhs' y 'sijs asameses'; sin embargo, ha surgido un fenómeno cultural de nicho que puede describirse como 'político sikh'. El arte de los sijs de la diáspora, como Amarjeet Kaur Nandhra y Amrit y Rabindra Kaur Singh (Los gemelos Singh), se basa en parte en su espiritualidad e influencia sij.
Imágenes de los Gurus Sikh
El sijismo fue fundado en el siglo XVI por Guru Nanak, quien fue pintado por primera vez más de 200 años después de haber vivido. Los retratos ampliamente populares de los diez gurús sij solo aparecieron en la primera mitad del siglo XVIII. Uno de los primeros conjuntos de pinturas de los gurús fue encargado por Baba Ram Rai, el hijo mayor del séptimo gurú sij, Gurú Har Rai.
La mayoría de los primeros retratos de los gurús sikh fueron pintados en estilo mogol cortesano. Bajo el imperio mogol, los artistas punjabíes de la época se formaron en el estilo de pintura mogol, lo que resultó en que su trabajo estuviera muy influenciado por el estilo de arte mogol. Los primeros retratos de los gurús sikh y los elementos en ellos, como sus atuendos, turbantes y poses, se parecían a los nobles y príncipes mogoles. Los gurús se identifican en las escrituras devanagari, gurmukhi y persa, también compuestas en estilo mogol. En una pintura de alrededor de 1750, el sexto gurú sij está representado con un vestido y un entorno cortesanos de Mughal.
Una de las primeras imágenes de Guru Nanak lo representa como un hombre piadoso y religioso con ropa sencilla y un rosario en la mano, lo que representa su naturaleza contemplativa. El primero de los diez Gurus tiene sus imágenes modeladas en la piedad y simplicidad de Guru Nanak. Se puede notar una transformación con el sexto Gurú cuando se agregan elementos de resistencia política y poder, mostrando las luchas políticas sikh en ese momento. Además, con Guru Gobind Singh, se agregaron elementos de grandeza, como atuendos reales, joyas preciosas, zapatos elegantes, un gran turbante y una espada de guerrero.
Los gurús también están ampliamente representados en los Janamsakhis (hagiografías del gurú). Hay muchas pinturas y representaciones de la vida de Guru Nanak, específicamente en el B-40 Janamsakhi. Se le muestra creciendo de un niño pequeño a un adolescente y luego a un joven, y luego a un hombre de mediana edad y finalmente a un anciano sabio. Las imágenes también representan muchos valores fundamentales de los sijs junto con las fuerzas políticas y culturales que influyeron en su vida y religión.
Arte y arquitectura sikh durante el reinado de Maharaja Ranjit Singh
El reinado de Maharaja Ranjit Singh (1801-1839) tiene una importancia primordial en la historia sij. Fue un gran mecenas del arte y la arquitectura y patrocinó la construcción de muchos fuertes, palacios, templos, gurdwaras, joyas preciosas, ropa, pinturas coloridas, acuñación de monedas y carpas y pabellones de lujo. Los más significativos fueron el trono dorado construido por Hafez Muhammad Multani y el dosel enjoyado para el Gurú Granth Sahib.
La contribución más notable de Ranjit Singh fue la remodelación del Harmandir Sahib. Invitó a arquitectos, artistas, talladores de madera y otros artesanos expertos a Amritsar para la renovación. También contrató a un experto técnico para el baño de oro del Harmandir Sahib. El Harmandir Sahib ahora está adornado con piedras semipreciosas como lapislázuli y ónix junto con sus paredes de mármol en el exterior. Las paredes también cuentan con diseños arabescos y caleidoscópicos. El interior está forrado con espejos y vidrios de colores y su parte superior está cubierta con placas de cobre dorado. Además del Harmandir Sahib, Ranjit Singh también contribuyó a los adornos de muchos otros gurdwaras, dibujando imágenes espectaculares del Gurú Granth Sahib, las vidas de los Gurús y los Janamsakhis. También contribuyó a la construcción de templos y mezquitas, siendo una de las más significativas las costosas puertas de plata de un templo hindú de la diosa Kali. Bajo Maharaja Ranjit Singh, ciudades como Lahore, Amritsar, Multan, Sialkot, Srinagar y Patiala prosperaron como centros de las artes.
Arte taoísta
El arte taoísta (también escrito como arte taoísta) se relaciona con la filosofía taoísta y las narrativas de Lao-tzu (también escrito como Laozi) que promueven "vivir de manera simple y honesta y en armonía con la naturaleza".