Arte publico

Arte público es arte en cualquier medio cuya forma, función y significado se crean para el público en general a través de un proceso público. Es un género artístico específico con su propio discurso profesional y crítico. El arte público es visual y físicamente accesible al público; se instala en el espacio público tanto en exteriores como en interiores. El arte público busca encarnar conceptos públicos o universales en lugar de conceptos o intereses comerciales, partidistas o personales. En particular, el arte público es también el producto directo o indirecto de un proceso público de creación, adquisición y/o mantenimiento.

El arte independiente creado o representado en el ámbito público o cerca de él (por ejemplo, graffiti, arte callejero) carece de una sanción pública oficial o tangible y no ha sido reconocido como parte del género del arte público; sin embargo, esta actitud está cambiando debido a los esfuerzos de varios artistas callejeros. Dicha obra de arte no oficial puede existir en propiedades públicas o privadas inmediatamente adyacentes al ámbito público, o en entornos naturales, pero, por omnipresente que sea, a veces queda fuera de la definición de arte público por su ausencia de proceso público o sanción pública como "bona fide" arte publico.

Características del arte público

Las características comunes del arte público son la accesibilidad pública, la ubicación en el ámbito público, la participación de la comunidad, el proceso público (incluida la financiación pública); estas obras pueden ser permanentes o temporales. Según la curadora e historiadora de arte/arquitectura, Mary Jane Jacob, el arte público acerca el arte a la vida.

Accesibilidad pública: ubicación en espacio público/ámbito público

El arte público es de acceso público, tanto física como visualmente. Cuando el arte público se instala en una propiedad privada, todavía existen derechos de acceso público general.

El arte público se caracteriza por la especificidad del sitio, donde la obra de arte se "crea en respuesta al lugar y la comunidad en la que reside" y por la relación entre su contenido y el público. Cher Krause Knight afirma que el carácter público del 'arte' se basa en la calidad y el impacto de su intercambio con el público... en su forma más pública, el arte amplía las oportunidades para la participación de la comunidad, pero no puede exigir una conclusión particular”, presenta las redes sociales. ideas, pero deja espacio para que el público llegue a sus propias conclusiones.

Proceso público, financiación pública

El arte público a menudo se caracteriza por la participación y colaboración de la comunidad. Los artistas públicos y las organizaciones a menudo trabajan en conjunto con arquitectos, fabricantes/trabajadores de la construcción, residentes y líderes de la comunidad, diseñadores, organizaciones de financiación y otros.

El arte público a menudo se crea y se proporciona dentro del marco formal de "arte en lugares públicos" programas que pueden incluir educación artística comunitaria y representación artística. Dichos programas pueden ser financiados por entidades gubernamentales a través de iniciativas de Porcentaje para el Arte.

Longevidad

Algunas obras de arte público están planificadas y diseñadas para la estabilidad y la permanencia. Su ubicación o exposición al ámbito público físico requiere materiales seguros y duraderos. Las obras de arte públicas están diseñadas para soportar los elementos (sol, viento, agua) así como la actividad humana. En los Estados Unidos, a diferencia de las obras de arte de galerías, estudios o museos, que pueden transferirse o venderse, el arte público está legalmente protegido por la Ley de Derechos de los Artistas Visuales de 1990 (VARA), que requiere un proceso oficial de baja para la venta o la eliminación.

Formas de arte público

Las siguientes formas de arte público identifican hasta qué punto el arte público puede integrarse físicamente con el contexto o entorno inmediato. Estas formas, que pueden superponerse, emplean diferentes tipos de arte público que se adaptan a una forma particular de integración ambiental.

• estar solo: por ejemplo, esculturas, estatuas, estructuras
• integrado (en fachadas, pavimentos o paisajes): por ejemplo, relieves bajos, Figura Hill, Geoglyph, Petroglyph, mosaicos, iluminación digital
• aplicado (a una superficie): por ejemplo, murales, esculturas montadas en edificios
• instalación (donde las obras de arte y el sitio se incrustan mutuamente): por ejemplo, el arte de la estación de tránsito
• efímero (o no permanente): performances, instalaciones temporales: por ejemplo, un equilibrio de roca precario o un caso de humo de color.

Historia del arte público

Estados Unidos, siglo XX

En la década de 1930, la producción del simbolismo nacional implícito en los monumentos del siglo XIX comienza a ser regulada por programas nacionales a largo plazo con fines propagandísticos (Federal Art Project, Estados Unidos; Oficina Cultural, Unión Soviética). Programas como el New Deal del presidente Roosevelt facilitaron el desarrollo del arte público durante la Gran Depresión, pero se forjaron con fines propagandísticos. Los programas de arte del New Deal estaban destinados a desarrollar el orgullo nacional en la cultura estadounidense y evitar abordar la economía tambaleante. Aunque problemáticos, los programas de arte del New Deal como FAP alteraron la relación entre el artista y la sociedad al hacer que el arte fuera accesible para todas las personas. El programa New Deal Art-in-Architecture (A-i-A) desarrolló un porcentaje para programas de arte, una estructura para financiar el arte público que todavía se utiliza en la actualidad. Este programa asignó la mitad del uno por ciento de los costos totales de construcción de todos los edificios gubernamentales a la compra de arte estadounidense contemporáneo para ellos. A-i-A ayudó a solidificar la política de que el arte público en los Estados Unidos debe ser verdaderamente propiedad del público. También promovió el arte público específico del sitio.

El enfoque del arte público cambió radicalmente durante la década de 1970, siguiendo los reclamos del movimiento de derechos civiles sobre el espacio público, la alianza entre los programas de regeneración urbana y los esfuerzos artísticos a fines de la década de 1960, y las ideas revisadas de la escultura. El arte público adquirió un estatus más allá de la mera decoración y visualización de historias nacionales oficiales en el espacio público. El arte público se convirtió mucho más en el público. Esta perspectiva se vio reforzada en la década de 1970 por las políticas culturales urbanas, por ejemplo, el Public Art Fund con sede en Nueva York y los programas urbanos o regionales de Percent for Art en los Estados Unidos y Europa. Además, el discurso del arte público pasó de un nivel nacional a uno local, en consonancia con la tendencia site-specific y la crítica de los espacios de exhibición institucionales que emergen en las prácticas artísticas contemporáneas.

Arte público ambiental

Entre las décadas de 1970 y 1980, la gentrificación y los problemas ecológicos surgieron en la práctica del arte público como motivo de comisión y como enfoque crítico de los artistas. El elemento de retiro individual y romántico implícito en la estructura conceptual del land art, y su voluntad de reconectar el entorno urbano con la naturaleza, se convierte en reivindicación política en proyectos como Wheatfield – A Confrontation (1982) de la artista estadounidense Agnes Denes, así como en 7000 Oaks de Joseph Beuys (1982). Ambos proyectos se enfocan en el aumento de la conciencia ecológica a través de un proceso de diseño urbano verde, llevando a Denes a plantar un campo de trigo de dos acres en el centro de Manhattan y a Beuys a plantar 7000 robles junto con bloques de basalto en Kassel, Alemania, en un jardín comunitario o de guerrilla. moda. En los últimos años, los programas de regeneración urbana verde que apuntan a convertir lotes abandonados en áreas verdes incluyen regularmente programas de arte público. Este es el caso de High Line Art, 2009, un programa de encargo para High Line, derivado de la conversión de una parte del ferrocarril en la ciudad de Nueva York; y de Gleisdreieck, 2012, un parque urbano derivado de la reconversión parcial de una estación de ferrocarril en Berlín que acoge, desde 2012, una exposición de arte contemporáneo al aire libre.

La década de 1980 también fue testigo de la institucionalización de los parques de esculturas como programas seleccionados. Si bien las primeras exposiciones y colecciones de esculturas al aire libre, públicas y privadas, que datan de la década de 1930, tenían como objetivo crear un entorno apropiado para formas escultóricas a gran escala difíciles de mostrar en las galerías de los museos, instalaciones como el Jardín de Noguchi en Queens, Nueva York (1985) reflejan la necesidad de una relación permanente entre la obra de arte y su sitio.

Esta relación también se desarrolla en el proyecto de Donald Judd para la Fundación Chinati (1986) en Texas, que aboga por el carácter permanente de las instalaciones a gran escala cuya fragilidad puede ser destruida al reubicar la obra.

Sostenibilidad y arte público

El arte público enfrenta un desafío de diseño por su propia naturaleza: cómo activar mejor las imágenes en su entorno. El concepto de “sostenibilidad” surge como respuesta a las carencias ambientales percibidas de una ciudad. El desarrollo sostenible, promovido por las Naciones Unidas desde la década de 1980, incluye aspectos económicos, sociales y ecológicos. Una obra de arte pública sostenible incluiría planes de regeneración y desmantelamiento urbano. La sostenibilidad ha sido ampliamente adoptada en muchos proyectos de ingeniería y planificación ambiental. El arte sostenible es un reto para dar respuesta a las necesidades de un espacio de apertura en público.

En otra obra de arte pública titulada "Mission leopard" se encargó en 2016 en Haryana, India, entre el remoto terreno caducifolio de la aldea de Tikli, un equipo coordinado por la artista Hunny Mor pintó dos leopardos posados en ramas en un tanque de fuente de agua de 115 pies de altura. La campaña tuvo como objetivo difundir la conciencia sobre la convivencia y la conservación del medio ambiente. La obra de arte se puede ver desde varias millas de ancho en todas las direcciones.

El trabajo de Ron Finley como Gangsta Gardener (o Guerrilla Gardener) de South Central L.A. es un ejemplo de un artista cuyas obras constituyen obras de arte públicas temporales en forma de huertos públicos que abordan la sostenibilidad, la seguridad alimentaria y justicia alimentaria.

Andrea Zittel ha producido obras, como Isla de Indianápolis que hacen referencia a la sostenibilidad y la permacultura con las que los participantes pueden participar activamente.

Arte público interactivo

Algunas obras de arte público están diseñadas para fomentar la interacción práctica directa. Los ejemplos incluyen arte público que contiene componentes interactivos de música, luz, video o agua. Por ejemplo, la pieza central arquitectónica frente al Centro de Ciencias de Ontario es una fuente y un instrumento musical (hidráulófono) de Steve Mann, donde las personas pueden producir sonidos bloqueando los chorros de agua para forzar el agua a través de mecanismos productores de sonido. Una obra de arte pública interactiva temprana e inusual fue Jim Pallas' 1980 Century of Light en Detroit, Michigan, de un gran mandala de luces al aire libre que reaccionaba de manera compleja a los sonidos y movimientos detectados por el radar (destruido por error 25 años después). Otro ejemplo son las dos obras de Rebecca Hackemann The Public Utteraton Machines de 2015 y The Urban Field Glass Project / Visionary Sightseeing Binoculars 2008, 20013, 2021, 2022. The Public Utteraton Machines registra las opiniones de la gente sobre otras obras de arte público en Nueva York, como Split Rocker de Jeff Koon, y muestra las respuestas en línea.

Nuevo género de arte público

En la década de 1990, algunos artistas llamaron a la intervención social artística en el espacio público. Estos esfuerzos emplearon el término "arte público de nuevo género" además de los términos "arte contextual", "arte relacional", "arte participativo", "arte de diálogo", -basado en arte" y "arte activista". "Arte público de nuevo género" es definida por Suzanne Lacy como "arte interactivo socialmente comprometido para audiencias diversas con conexiones con la política de identidad y el activismo social". Mel Chin's Fundred Dollar Bill Project es un ejemplo de un proyecto de arte público interactivo y activista social. En lugar de reflejar metafóricamente los problemas sociales, el arte público de nuevo género se esforzó por empoderar explícitamente a los grupos marginados manteniendo el atractivo estético. Un ejemplo fue la exposición de arte pública de 1993 de la curadora Mary Jane Jacob "Culture in Action" que investigó los sistemas sociales a través del compromiso con audiencias que normalmente no visitaban los museos de arte tradicionales.

Arte público curado

El término "arte público curado" se utiliza para definir la forma de producir arte público que tiene en cuenta significativamente el contexto, el proceso y los diferentes actores involucrados. Se define a sí mismo de manera ligeramente diferente de los enfoques de arriba hacia abajo de la puesta en marcha directa.

Si designa principalmente el hecho de que un curador dirige y supervisa la realización de una obra de arte pública para un tercero, también puede significar que la obra de arte es producida por una comunidad o público que encarga una obra en colaboración con un curador-mediador.

Para la primera, el Public Art Fund lanzado por Doris C. Freedman en 1977 ha establecido ejemplos significativos de estas formas prospectivas de encargar proyectos de arte, con un nuevo enfoque en la forma en que se usaba el porcentaje para el arte, o el fondos públicos de arte de Ginebra con el proyecto Neon Parallax que involucró un entorno urbano muy grande en 2005.

Para el segundo, puede referirse a Les Nouveaux Commanditaires lanzado por Fondation de France con François Hers en 1990 con la idea de que un proyecto puede responder al deseo de una comunidad. El High Line de Nueva York de 2009 es un buen ejemplo, aunque hay menos arte involucrado. El proyecto doual'art en Douala (Camerún, 1991) se basa en un sistema de encargos que reúne a la comunidad, el artista y la institución comitente para la realización del proyecto.

Arte público conmemorativo

Los monumentos de personas, grupos de personas o eventos a veces se representan a través del arte público. Algunos ejemplos son el Monumento a la guerra de Vietnam de Maya Lin en Washington DC, el Monumento al SIDA de Tim Tate en Nueva Orleans y el Cenotafio para las víctimas de la bomba atómica de Kenzō Tange en Hiroshima. Parque Conmemorativo de la Paz en Japón.

Controversias

El arte público a veces es controvertido. Las siguientes controversias de arte público han sido notables:

• Heidelberg de Detroit El proyecto fue polémico durante varias décadas desde su creación en 1986 debido a su apariencia descarada.
• La pieza minimalista de Richard Serra Tilted Arc fue removido de Foley Square en la ciudad de Nueva York en 1989 después de que los trabajadores de oficina se quejaran de que su rutina de trabajo fue interrumpida por la pieza. Una audiencia judicial pública falló en contra de la continua exhibición de la obra.
• Victor Pasmore Apollo Pavilion en el Nuevo Pueblo Ingles de Peterlee ha sido un foco para los políticos locales y otros grupos que se quejan de la gobernanza de la ciudad y la asignación de recursos. Artistas y líderes culturales montaron una campaña para rehabilitar la reputación del trabajo con el Centro Báltico para el Arte Contemporáneo encargado de artistas Jane y Louise Wilson para hacer una instalación de vídeo sobre la pieza en 2003.
• Sam Durant Buceo (2017), instalado en el jardín del Centro de Arte Walker representaba la horca utilizada en siete colgamientos del gobierno. Grupos nativos americanos encontraron la ofensiva laboral, ya que 38 personas de Dakota habían sido colgadas en Mankato, Minnesota. El artista acordó desmantelar y permitir a los ancianos tribales quemar y enterrar la pieza.
• Maurice Agis ' Dreamspace V, un gran laberinto inflable erigido en Chester-le-Street, condado Durham, mató a dos mujeres y lesionó gravemente a una niña de tres años en 2006 cuando un viento fuerte rompió sus amarres y lo llevó 30 pies (9.1 m) al aire, con treinta personas atrapadas dentro.

Documentación en línea

Las bases de datos en línea de arte público local y regional surgieron en las décadas de 1990 y 2000 junto con el desarrollo de datos basados en la web. Las bases de datos de arte público en línea pueden ser generales o selectivas (limitadas a esculturas o murales), y pueden ser gubernamentales, cuasi gubernamentales o independientes. Algunas bases de datos en línea, como los Archivos de Arte Americano del Smithsonian American Art Museum. Actualmente cuenta con más de seis mil obras en su base de datos.

Hay docenas de organizaciones no gubernamentales e instituciones educativas que mantienen bases de datos de arte público en línea de obras de arte públicas que cubren numerosas áreas, incluido el National Endowment for the Arts, WESTAF, Public Art Fund, Creative Time y otros. Public Art Online mantiene una base de datos de obras de arte público, ensayos y estudios de casos, con un enfoque en el Reino Unido. El Instituto de Arte Público, con sede en el Reino Unido, mantiene información sobre el arte público en los seis continentes.

El proyecto de arte público WikiProject comenzó en 2009 y se esforzó por documentar el arte público en todo el mundo. Si bien este proyecto recibió la atención inicial de la comunidad académica, se basó principalmente en las contribuciones temporales de los estudiantes. Actualmente se desconoce su estado.