Arte persa

Arte persa o arte iraní (persa: هنر ایرانی, romanizado: Honar-è Irâni) tiene una de las herencias artísticas más ricas de la historia mundial y ha sido fuerte en muchos medios, incluidos la arquitectura, la pintura, el tejido, la cerámica, la caligrafía, la metalurgia y la escultura. En diferentes momentos, las influencias del arte de las civilizaciones vecinas han sido muy importantes, y últimamente el arte persa dio y recibió influencias importantes como parte de los estilos más amplios del arte islámico. Este artículo cubre el arte de Persia hasta 1925 y el final de la dinastía Qajar; para arte posterior ver arte iraní moderno y contemporáneo, y para artesanías tradicionales ver artes de Irán. El arte rupestre en Irán es su arte sobreviviente más antiguo. La arquitectura iraní está cubierta en ese artículo.

Desde el Imperio aqueménida de 550 a. C. a 330 a. C., durante la mayor parte del tiempo, un gran estado de habla iraní ha gobernado áreas similares a los límites modernos de Irán y, a menudo, áreas mucho más amplias, a veces llamadas Gran Irán, donde un proceso de persianización cultural dejó resultados perdurables incluso cuando el gobierno se separó. Las cortes de dinastías sucesivas generalmente han liderado el estilo del arte persa, y el arte patrocinado por la corte ha dejado muchas de las supervivencias más impresionantes.

En la antigüedad, los monumentos sobrevivientes del arte persa se destacan por una tradición que se concentra en la figura humana (en su mayoría masculina y, a menudo, real) y animales. El arte persa continuó poniendo mayor énfasis en las figuras que el arte islámico de otras áreas, aunque por razones religiosas ahora generalmente evita los grandes ejemplos, especialmente en la escultura. El estilo islámico general de decoración densa, dispuesta geométricamente, se desarrolló en Persia en un estilo supremamente elegante y armonioso que combina motivos derivados de las plantas con motivos chinos como la banda de nubes y, a menudo, animales que se representan a una escala mucho más pequeña que el elementos vegetales que los rodean. Bajo la dinastía Safavid en el siglo XVI, este estilo se usó en una amplia variedad de medios y se difundió entre los artistas de la corte del sha, la mayoría principalmente pintores.

Primeras artes

La evidencia de una civilización de cerámica pintada alrededor de Susa se ha fechado en c 5000 a. Susa estuvo firmemente dentro de la esfera cultural sumeria Uruk durante el período Uruk. En Susa se encuentra una imitación de todo el aparato estatal de Uruk, protoescritura, sellos cilíndricos con motivos sumerios y arquitectura monumental. Susa pudo haber sido una colonia de Uruk. Como tal, la periodización de Susa corresponde a Uruk; Los períodos temprano, medio y tardío de Susa II (3800–3100 a. C.) corresponden a los períodos temprano, medio y tardío de Uruk.

Poco después de que Susa se asentara por primera vez hace 6000 años, sus habitantes erigieron un templo sobre una plataforma monumental que se elevaba sobre el llano paisaje circundante. La naturaleza excepcional del sitio todavía es reconocible hoy en día en el arte de las vasijas de cerámica que se colocaron como ofrendas en mil o más tumbas cerca de la base de la plataforma del templo. Se recuperaron casi dos mil vasijas del cementerio, la mayoría de ellas ahora en el Louvre. Las vasijas encontradas son testimonio elocuente de los logros artísticos y técnicos de sus artífices, y dan pistas sobre la organización de la sociedad que las encargó. Las vasijas de cerámica pintadas de Susa en el primer estilo más antiguo son una versión regional tardía de la tradición cerámica mesopotámica de Ubaid que se extendió por el Cercano Oriente durante el quinto milenio antes de Cristo.

El estilo Susa I fue en gran medida un producto del pasado y de las influencias de las industrias cerámicas contemporáneas en las montañas del oeste de Irán. La recurrencia en estrecha asociación de recipientes de tres tipos —una copa o vaso de precipitados, un plato para servir y un frasco pequeño— implica el consumo de tres tipos de alimentos, aparentemente considerados tan necesarios para la vida en el más allá como lo es en Éste. Cerámicas de estas formas, que fueron pintadas, constituyen una gran proporción de las vasijas del cementerio. Otros son tinajas y tazones del tipo de la cocina común con simples bandas pintadas y probablemente fueron ajuares funerarios de los sitios de los ciudadanos más humildes, así como de los adolescentes y, tal vez, de los niños.La cerámica está cuidadosamente hecha a mano. Aunque es posible que se haya empleado una rueda lenta, la asimetría de las vasijas y la irregularidad del dibujo de las líneas y bandas circundantes indican que la mayor parte del trabajo se hizo a mano alzada.

Relieves rocosos de Lullubi

Los relieves rocosos del reino montañoso de Lullubi, especialmente el relieve rocoso de Anubanini, son relieves rocosos de alrededor del 2300 a. C. o principios del segundo milenio a. C., los primeros relieves rocosos de Irán. Están ubicados en la provincia de Kermanshah. Se cree que estos relieves influyeron en los relieves posteriores de Achaemenid Behistun, aproximadamente un milenio y medio después.

Elam

El arte elamita, del sur y oeste del Irán moderno, compartía muchas características con el arte vecino de Mesopotamia, aunque a menudo era menos sofisticado. Se encuentran sellos cilíndricos, pequeñas figuras de adoradores, dioses y animales, relieves superficiales y algunas estatuas grandes de gobernantes. Hay un pequeño número de vasijas de oro muy fino con figuras en relieve.

Bronces de luristan

Los bronces de Luristan (rara vez "Lorestān", "Lorestāni", etc. en fuentes en inglés) son pequeños objetos fundidos decorados con esculturas de bronce de la Edad del Hierro Temprana que se han encontrado en grandes cantidades en la provincia de Lorestān y Kermanshah en el centro-oeste de Irán. Incluyen un gran número de ornamentos, herramientas, armas, herrajes para caballos y un número menor de vasijas incluyendo sítulas, y las encontradas en excavaciones documentadas se encuentran generalmente en enterramientos. El origen étnico de las personas que los crearon sigue sin estar claro, aunque es posible que hayan sido persas, posiblemente relacionados con el pueblo lur moderno que ha dado su nombre a la zona. Probablemente datan de entre 1000 y 650 a.

Los bronces tienden a ser planos y usan calados, como el trabajo en metal relacionado con el arte escita. Representan el arte de un pueblo nómada o trashumante, para quien todas las posesiones debían ser ligeras y portátiles, y los objetos necesarios como armas, remates (quizás para postes de tiendas de campaña), herrajes para arneses, alfileres, copas y pequeños herrajes son muy decorados en su pequeña superficie. Las representaciones de animales son comunes, especialmente cabras u ovejas con grandes cuernos, y las formas y estilos son distintivos e inventivos. El motivo del "Amo de los animales", que muestra a un humano colocado entre dos animales enfrentados y agarrandolos, es común pero típicamente muy estilizado. Se ven algunas "maestras de animales" femeninas.

El tesoro de Ziwiye de alrededor del 700 a. C. es una colección de objetos, en su mayoría de metal, quizás no todos encontrados juntos, de aproximadamente la misma fecha, que probablemente muestran el arte de las ciudades persas de la época. Se han encontrado trabajos en metal delicados de la Edad del Hierro II en Hasanlu y aún antes en Marlik.

Aqueménidas

El arte aqueménida incluye relieves de friso, trabajos en metal, decoración de palacios, mampostería de ladrillo vidriado, artesanía fina (albañilería, carpintería, etc.) y jardinería. La mayoría de las supervivencias del arte de la corte son esculturas monumentales, sobre todo los relieves, capiteles de columnas persas con cabezas de animales dobles y otras esculturas de Persépolis (ver más abajo los pocos pero impresionantes relieves en roca aqueménidas).

Aunque los persas tomaron artistas, con sus estilos y técnicas, de todos los rincones de su imperio, no produjeron simplemente una combinación de estilos, sino una síntesis de un nuevo estilo persa único. Ciro el Grande, de hecho, tenía una extensa herencia iraní antigua detrás de él; el rico trabajo en oro aqueménida, que las inscripciones sugieren que puede haber sido una especialidad de los medos, estaba, por ejemplo, en la tradición de sitios anteriores.

El recipiente para beber rhyton, en forma de cuerno y que por lo general termina en forma de animal, es el tipo más común de gran trabajo en metal que se conserva, como en un buen ejemplo en Nueva York. Hay una serie de piezas de joyería más pequeñas muy finas o incrustaciones en metales preciosos, en su mayoría con animales, y Oxus Treasure tiene una amplia selección de tipos. La élite cosía pequeñas piezas, generalmente en oro, a la ropa, y han sobrevivido varios torques de oro.

• Capitel de grifo aqueménida en Persépolis
• Uno de un par de brazaletes del Oxus Treasure, que ha perdido sus incrustaciones de piedras preciosas o esmalte.
• Brazaletes similares en los relieves de "Apadana" en Persépolis, también se dan como tributo cuencos y ánforas con asas de grifo.
• Bajorrelieve en Persépolis, un símbolo en Zoroastrian para Nowruz, toro de lucha eterna (que personifica a la luna) y un león (que personifica al Sol) que representa la Primavera

Relieves rocosos

El gran relieve de roca tallada, típicamente colocado en lo alto junto a un camino y cerca de una fuente de agua, es un medio común en el arte persa, utilizado principalmente para glorificar al rey y proclamar el control persa sobre el territorio. Comienza con relieves rocosos lullubi y elamitas, como los de Sarpol-e Zahab (circa 2000 a. C.), Kul-e Farah y Eshkaft-e Salman en el suroeste de Irán, y continúa bajo los asirios. El relieve y la inscripción de Behistún, realizados alrededor del año 500 a. C. para Darío el Grande, son de una escala mucho mayor y reflejan y proclaman el poder del imperio aqueménida. Los gobernantes persas comúnmente se jactaban de su poder y logros, hasta que la conquista musulmana eliminó las imágenes de tales monumentos; mucho más tarde hubo un pequeño renacimiento bajo la dinastía Qajar.

Behistun es inusual porque tiene una inscripción grande e importante, que al igual que la piedra de Rosetta egipcia repite su texto en tres idiomas diferentes, aquí todos usando escritura cuneiforme: persa antiguo, elamita y babilónico (una forma posterior de acadio). Esto fue importante en la comprensión moderna de estos idiomas. Otros relieves persas generalmente carecen de inscripciones, y los reyes involucrados a menudo solo pueden identificarse tentativamente. El problema se soluciona en el caso de los sasánidas por su costumbre de mostrar un estilo diferente de corona para cada rey, que se puede identificar a partir de sus monedas.

Naqsh-e Rustam es la necrópolis de la dinastía aqueménida (500–330 a. C.), con cuatro grandes tumbas excavadas en lo alto del acantilado. Éstos tienen una decoración principalmente arquitectónica, pero las fachadas incluyen grandes paneles sobre las puertas, cada uno de contenido muy similar, con figuras del rey investido por un dios, sobre una zona con filas de figuras más pequeñas cargando tributo, con soldados y oficiales. Las tres clases de figuras están marcadamente diferenciadas en tamaño. La entrada a cada tumba está en el centro de cada cruz, que se abre a una pequeña cámara, donde el rey yacía en un sarcófago. Se cree que la viga horizontal de cada una de las fachadas de la tumba es una réplica de la entrada del palacio de Persépolis.

Solo uno tiene inscripciones y la coincidencia de los otros reyes con las tumbas es algo especulativa; las figuras en relieve no pretenden ser retratos individualizados. El tercero desde la izquierda, identificado por una inscripción, es la tumba de Darío I el Grande (c. 522–486 a. C.). Se cree que los otros tres son los de Jerjes I (c. 486–465 a. C.), Artajerjes I (c. 465–424 a. C.) y Darío II (c. 423–404 a. C.) respectivamente. Un quinto inacabado podría ser el de Artajerjes III, que reinó como máximo dos años, pero es más probable que el de Darío III (c. 336–330 a. C.), el último de los dinastas aqueménidas. Las tumbas fueron saqueadas tras la conquista del Imperio aqueménida por Alejandro Magno.

Muy por debajo de las tumbas aqueménidas, cerca del nivel del suelo, hay relieves rocosos con grandes figuras de reyes sasánidas, algunos enfrentándose a dioses, otros en combate. El más famoso muestra al rey sasánida Shapur I a caballo, con el emperador romano Valeriano inclinándose ante él en señal de sumisión, y Felipe el árabe (un emperador anterior que pagó tributo a Shapur) sosteniendo el caballo de Shapur, mientras que el emperador muerto Gordiano III, muerto en batalla., se encuentra debajo de él (se han sugerido otras identificaciones). Esto conmemora la Batalla de Edesa en el año 260 d. C., cuando Valeriano se convirtió en el único emperador romano que fue capturado como prisionero de guerra, una humillación duradera para los romanos. La ubicación de estos relieves sugiere claramente la intención sasánida de vincularse con las glorias del anterior Imperio aqueménida.Hay otras tres tumbas reales aqueménidas con relieves similares en Persépolis, una sin terminar.

Los siete relieves sasánidas, cuyas fechas aproximadas van del 225 al 310 d. C., muestran temas que incluyen escenas de investidura y batallas. El relieve más antiguo en el sitio es elamita, de aproximadamente 1000 a. Aproximadamente a un kilómetro de distancia se encuentra Naqsh-e Rajab, con otros cuatro relieves rupestres de Sasán, tres celebrando reyes y uno de un sumo sacerdote. Otro sitio importante de Sasanian es Taq Bostan con varios relieves que incluyen dos investiduras reales y una figura famosa de un catafracta o soldado de caballería pesada persa, aproximadamente el doble de su tamaño natural, probablemente representando al rey Khosrow Parviz montado en su caballo favorito Shabdiz; la pareja continuó siendo celebrada en la literatura persa posterior. Firuzabad, Fars y Bishapur tienen grupos de relieves sasánidas, el primero incluye el más antiguo, una gran escena de batalla, ahora muy desgastada.En Barm-e Delak, un rey ofrece una flor a su reina.

Los relieves sasánidas se concentran en los primeros 80 años de la dinastía, aunque un conjunto importante es del siglo VI, y en relativamente pocos sitios, principalmente en el corazón de Sasánida. Los últimos en particular sugieren que se basan en una tradición ahora perdida de relieves similares en palacios en estuco. Los relieves rupestres probablemente estaban revestidos de yeso y pintados.

Los relieves rupestres de los persas selúcidas y partos anteriores son generalmente más pequeños y toscos, y no todos los encargos reales directos como los sasánidas lo fueron claramente. En Behistun, un relieve anterior que incluía un león se adaptó a un Heracles reclinado en un estilo completamente helenístico; se reclina sobre una piel de león. Esto solo se descubrió debajo de los escombros hace relativamente poco tiempo; una inscripción lo data del 148 a. Otros relieves en Irán incluyen al rey asirio en relieve poco profundo en Shikaft-e Gulgul; no todos los sitios con relieves persas se encuentran en el Irán moderno.Al igual que otros estilos sasánidas, la forma disfrutó de un pequeño resurgimiento bajo Qajar, cuyos relieves incluyen un panel grande y animado que muestra la caza en el coto de caza real de Tangeh Savashi, y un panel, todavía en gran parte con su colorido intacto, en Taq Bostan que muestra el shah sentado con asistentes.

El catálogo estándar de relieves persas preislámicos enumera los ejemplos conocidos (en 1984) de la siguiente manera: Lullubi # 1–4; Elam n.° 5–19; asirio # 20–21; Aqueménida # 22–30; Tardío/posterior a aqueménida y seléucida #31–35; parto # 36–49; sasánida # 50–84; otros #85–88.

Panorama de Naqsh-e Rustam. Tumbas aqueménidas arriba, relieves sasánidas abajo. Las tumbas, de izquierda a derecha, probablemente pertenecen a: Darío II, Artajerjes I, Darío I, Jerjes I

Partos

El arte de los partos era una mezcla de estilos iraní y helenístico. El Imperio parto existió desde el 247 a. C. hasta el 224 d. C. en lo que ahora es el Gran Irán y varios territorios fuera de él. Los lugares partos a menudo se pasan por alto en las excavaciones, y las capas partas son difíciles de distinguir de las que las rodean. Por lo tanto, la situación de la investigación y el estado del conocimiento sobre el arte parto es todavía muy irregular; la datación es difícil y los restos más importantes provienen de los márgenes del imperio, como en Hatra en el Irak moderno, que ha producido la mayor cantidad de esculturas partas excavadas hasta ahora.Incluso después del período de la dinastía de los partos, el arte en su estilo continuó en las áreas circundantes durante algún tiempo. Incluso en las representaciones narrativas, las figuras miran de frente al espectador en lugar de entre sí, una característica que anticipa el arte de la Antigüedad tardía, la Europa medieval y Bizancio. Se presta gran atención a los detalles de la indumentaria, que en figuras de cuerpo entero se muestra decorada con elaborados diseños, probablemente bordados, incluyendo figuras de gran tamaño.

Las excavaciones en Dura-Europos en el siglo XX proporcionaron muchos descubrimientos nuevos. El arqueólogo clásico y director de las excavaciones, Michael Rostovtzeff, se dio cuenta de que el arte de los primeros siglos dC, Palmira, Dura Europos, pero también en Irán hasta la India budista, seguía los mismos principios. Llamó a esta obra arte parto.

El rasgo más característico del arte "parto" es la frontalidad, que no es un rasgo especial del arte iraní o parto y apareció por primera vez en el arte de Palmira. Existen dudas sobre si este arte puede denominarse arte "parto" o si debe asociarse con algún área regional en particular; no hay evidencia de que este arte se creara fuera de la región del Éufrates medio y luego se trajera a Palmira, por ejemplo. Este arte se considera mejor como un desarrollo local común a la región del Éufrates medio. Los relieves de roca parta están cubiertos arriba.

En arquitectura, los patrones en yeso eran muy populares, casi todos ahora perdidos. Una vez que se desarrolló la técnica, estos cubrieron grandes superficies y quizás compartieron elementos de su diseño con alfombras y otros textiles, también ahora casi completamente perdidos. La rhyta parta continuó el estilo aqueménida, pero en el mejor de los casos los animales en la terminal (o protomo) son más naturalistas, probablemente bajo la influencia griega.

Sasánidas

El arte sasánida, o arte sasánida, se produjo bajo el Imperio sasánida que gobernó desde el siglo III al VII d.C., antes de que se completara la conquista musulmana de Persia alrededor del año 651. En el 224 d.C., el último rey parto fue derrotado por Ardashir I. El resultado La dinastía sasánida duraría cuatrocientos años y gobernaría el Irán moderno, Irak y gran parte del territorio al este y al norte del Irán moderno. A veces, el Levante, gran parte de Anatolia y partes de Egipto y Arabia estaban bajo su control. Comenzó una nueva era en Irán y Mesopotamia, que en muchos sentidos se basó en las tradiciones aqueménidas, incluido el arte de la época. Sin embargo, también hubo otras influencias en el arte de la época que llegaron desde lugares tan lejanos como China y el Mediterráneo.

El arte sobreviviente de los sasánidas se ve mejor en su arquitectura, relieves y trabajos en metal, y hay algunas pinturas sobrevivientes de lo que evidentemente fue una producción generalizada. Los relieves de piedra probablemente fueron superados en número por los interiores en yeso, de los cuales solo se han conservado fragmentos. Las esculturas independientes perdieron popularidad en esta época en comparación con el período bajo los partos, pero la estatua colosal de Shapur I (r. 240-272 d. C.) es una excepción importante, tallada en una estalagmita cultivada en una cueva; hay menciones literarias de otras colosales estatuas de reyes, ahora perdidas. Los importantes relieves rupestres de Sasán se cubren arriba, y la tradición parta de decoración de edificios con estuco moldeado continuó, incluyendo también grandes escenas figurativas.

El arte sasánida sobreviviente representa escenas cortesanas y caballerescas, con una grandeza de estilo considerable, que refleja la vida lujosa y la exhibición de la corte sasánida según lo registrado por los embajadores bizantinos. Las imágenes de los gobernantes dominan muchas de las obras supervivientes, aunque ninguna es tan grande como la estatua colosal de Sapor I. Las escenas de caza y batalla gozaron de una popularidad especial, y las bailarinas y los artistas vestidos con ropa ligera. Las representaciones a menudo se organizan como un escudo de armas, lo que a su vez puede haber tenido una fuerte influencia en la producción de arte en Europa y el este de Asia. Aunque el arte parto prefirió la vista frontal, las representaciones narrativas del arte sasánida a menudo presentan figuras que se muestran de perfil o en una vista de tres cuartos. Las vistas frontales ocurren con menos frecuencia.

Uno de los pocos sitios donde las pinturas murales sobrevivieron en cantidad es Panjakent en el moderno Tayikistán y la antigua Sogdia, que apenas estaba bajo el control del poder central de Sasán, si es que lo estaba. La ciudad vieja fue abandonada en las décadas posteriores a que los musulmanes finalmente tomaran la ciudad en 722 y ha sido excavada extensamente en los tiempos modernos. Grandes áreas de pinturas murales sobrevivieron del palacio y casas privadas, que en su mayoría se encuentran ahora en el Museo del Hermitage o Tashkent. Cubrían salas enteras y iban acompañadas de gran cantidad de relieves en madera. Los temas son similares a otros del arte sasánida, con reyes entronizados, fiestas, batallas y mujeres hermosas, y hay ilustraciones de epopeyas persas e indias, así como una mezcla compleja de deidades. En su mayoría datan de los siglos VII y VIII.En Bishapur han sobrevivido mosaicos de piso en un estilo ampliamente grecorromano, y estos probablemente estaban muy extendidos en otros entornos de élite, quizás hechos por artesanos del mundo griego.

Han sobrevivido varias vasijas de plata sasánidas, especialmente platos o cuencos bastante grandes que se usaban para servir la comida. Estos tienen una decoración grabada o en relieve de alta calidad de un repertorio cortesano de reyes o héroes montados, y escenas de caza, combate y festejos, a menudo parcialmente dorados. Los aguamanils, presumiblemente para el vino, pueden presentar bailarinas en relieve. Estos se exportaron a China y también hacia el oeste.

El vidrio sasánida continuó y desarrolló la tecnología del vidrio romano. En formas más simples, parece haber estado disponible para una amplia gama de la población, y fue una exportación de lujo popular a Bizancio y China, apareciendo incluso en entierros de élite del período en Japón. Técnicamente, se trata de una producción de vidrio de sílice-sosa-cálcica caracterizada por vasos gruesos de vidrio soplado relativamente sobrios en la decoración, evitando los colores lisos en favor de la transparencia y con vasos trabajados en una sola pieza sin sobreelaboraciones. Así, la decoración suele consistir en motivos sólidos y visuales de molde (relieves), con facetas nervadas y profundamente talladas, aunque se practican otras técnicas como la colada y los motivos aplicados. La cerámica sasánida no parece haber sido utilizada por las élites y es en su mayoría utilitaria.

Evidentemente, las alfombras podían alcanzar un alto nivel de sofisticación, como lo demuestran los elogios prodigados por los conquistadores musulmanes a la perdida alfombra real de Baharestan. Pero los únicos fragmentos sobrevivientes que podrían tener su origen en Sasanid Persia son producciones más humildes, probablemente realizadas por tribus nómadas. Los textiles sasánidas fueron famosos y se han conservado fragmentos, en su mayoría con diseños basados ​​en animales en compartimentos, en un estilo duradero.

• Secciones de pinturas murales de Panjakent, c. 740
• Relieve de estuco con cabras montesas enfrentadas, siglo V o VI, una vez con pintura policromada
• Mosaico de Bishapur
• El llamado "Coupe de Chosroès", metal y piedra semipreciosa tallada
• Cabeza de rey en plata dorada, siglo IV
• Jarrones con bellezas danzantes, c. 300-500
• Rhyton con cabeza femenina y búfalo de agua, c. 600-700, plata
• Plato de plata parcialmente dorada con el tema favorito de la caza del rey, siglo VII

Sogdianos

El arte sogdiano se refiere al arte, la arquitectura y las formas de arte producidas por los sogdianos, un pueblo iraní que vivía principalmente en Sogdia, pero que también tuvo una gran diáspora repartida por Asia, especialmente en China, donde su arte fue muy apreciado e influido. el chino. Esta influencia en los chinos abarcó desde la metalurgia hasta la música. Hoy en día, los sogdianos son más conocidos por sus pinturas, pero también tenían una escultura y una arquitectura distintivas. Los sogdianos eran especialmente talentosos en la metalurgia, y su trabajo en este campo inspiró a los chinos, que se encontraban entre sus mecenas junto con los turcos. La orfebrería sogdiana puede confundirse con la orfebrería sasánida, y algunos eruditos todavía los confunden en la actualidad. Sin embargo, se diferencian en técnica y forma, así como en iconografía. Gracias al trabajo del arqueólogo Boris Marshak, Se han establecido varias características de la orfebrería sogdiana: con respecto a las vasijas sasánidas, las producciones sogdianas son menos masivas, su forma difiere de la sasánida, al igual que las técnicas empleadas en su producción. Además, los diseños de las producciones de Sogdian son más dinámicos.

Los sogdianos vivían en moradas arquitectónicamente complejas que se parecían a sus templos. Estos lugares estaban decorados con notables pinturas, un arte en el que sobresalían los sogdianos. De hecho, preferían producir pinturas y tallas de madera para decorar sus propias casas. Las pinturas murales de Sogdian son brillantes, vigorosas y de notable belleza, pero también hablan de la vida de Sogdian. Reproducen, por ejemplo, el vestuario del día, el equipo de juego y el arnés. También representan historias y epopeyas basadas en temas iraníes, del Cercano Oriente (maniqueos, nestorianos) e indios. El arte religioso sogdiano refleja las afiliaciones religiosas de los sogdianos, y este conocimiento se deriva principalmente de pinturas y osarios. A través de estos artefactos, es posible "experimentar la vitalidad de la vida y la imaginación de Sogdian".

Debido a que los artistas y patrocinadores sogdianos estaban muy atentos a la vida social, mostrándola en sus obras, los banquetes, la caza y el entretenimiento son recurrentes en sus representaciones. Los sogdianos eran cuentistas: les encantaba contar historias. Por lo tanto, sus pinturas son de naturaleza narrativa.

Los sogdianos buscaron retratar tanto el mundo sobrenatural como el natural. Este deseo "se extendió a retratar su propio mundo". Sin embargo, no "representaron sus actividades mercantiles, una fuente importante de su riqueza, sino que eligieron mostrar su disfrute, como las escenas de banquetes en Panjikent. En estas pinturas vemos cómo los sogdianos se veían a sí mismos".

Muchas pinturas sogdianas fueron destruidas durante las diversas invasiones que sufrieron en su tierra. De las obras que sobrevivieron, algunas de las más conocidas son los murales de Afrasiab y los murales de Penjikent.

• Detalle de los murales pintados de Varakhsha en el oasis de Bukhara en Sogdia. La pintura se encuentra en una de las salas principales del Palacio Varakhsha, el "Salón Rojo". Finales del siglo VII o principios del VIII.
• Detalle de los murales de Penjikent, siglos V-VIII
• Banquete sogdiano, murales de Penjikent, siglos V-VIII
• Seda sogdiana, siglo VII
• Detalle de los murales de Penjikent

Período islámico temprano

Antes de la conquista mongola

Persia logró conservar su identidad cultural después de la conquista musulmana de Persia, que se completó en 654, y los conquistadores árabes pronto abandonaron los intentos de imponer el idioma árabe a la población, aunque se convirtió en el idioma utilizado por los eruditos. Los pueblos túrquicos se volvieron cada vez más importantes en el Gran Irán, especialmente en las partes orientales, lo que llevó a una tradición cultural turco-persa. La estructura política era compleja, con el poder efectivo a menudo ejercido por los gobernantes locales.

Nishapur durante la Edad de Oro islámica, especialmente los siglos IX y X, fue uno de los grandes centros de cerámica y artes relacionadas. La mayoría de los artefactos de cerámica descubiertos en Nishapur se conservan en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York y en museos de Teherán y Mashhad. La cerámica producida en Nishapur mostró vínculos con el arte de Sasán y el arte de Asia Central.

La decoración arquitectónica islámica geométrica en estuco, azulejos, ladrillo y madera tallada y piedra se volvió elaborada y refinada, y junto con los textiles usados ​​por los ricos era probablemente el principal tipo de arte que podía ser visto por toda la población, con otros tipos esencialmente restringidos a las esferas privadas de los ricos.Las alfombras se registran en varios relatos de la vida en ese momento, pero no queda ninguna; quizás eran principalmente un arte popular rural en este período. Se producía orfebrería muy ornamentada en aleaciones de cobre (latón o bronce), aparentemente para un sofisticado mercado urbano. Aparentemente existían equivalentes de oro y plata, pero en su mayoría han sido reciclados por sus materiales preciosos; los pocos supervivientes se vendían en su mayoría al norte por pieles y luego se enterraban como ajuar funerario en Siberia. La iconografía sasánida de héroes montados, escenas de caza y gobernantes sentados con asistentes siguió siendo popular en la cerámica y la orfebrería, ahora a menudo rodeada de elaboradas decoraciones geométricas y caligráficas. Los ricos textiles de seda que fueron una importante exportación de Persia también continuaron utilizando las figuras animales, y en ocasiones humanas, de sus predecesores sasánidas.

El período Samanid vio la creación de cerámica epigráfica. Estas piezas eran típicamente vasijas de barro con letras de engobe negro en escritura kufi pintadas sobre una base de engobe blanco. Estos recipientes normalmente estarían inscritos con bendiciones o proverbios, y se usarían para servir comida. Samarqand y Nishapur fueron ambos centros de producción de este tipo de cerámica.

Los selyúcidas, nómadas de origen túrquico de la actual Mongolia, aparecieron en el escenario de la historia islámica hacia finales del siglo X. Se apoderaron de Bagdad en 1048, antes de desaparecer en 1194 en Irán, aunque la producción de obras "seljuq" continuó hasta finales del siglo XII y principios del XIII bajo los auspicios de soberanos y mecenas más pequeños e independientes. Durante su tiempo, el centro de la cultura, la política y la producción artística se desplazó de Damasco y Bagdad a Merv, Nishapur, Rayy e Isfahan, todos en Irán. Los centros de los palacios selyúcidas a menudo presentaban figuras de estuco selyúcidas.

El patrocinio popular se expandió debido a una economía en crecimiento y una nueva riqueza urbana. Las inscripciones en arquitectura tendían a centrarse más en los patrocinadores de la pieza. Por ejemplo, los sultanes, visires o funcionarios de menor rango recibirían una mención frecuente en las inscripciones de las mezquitas. Mientras tanto, el crecimiento en la producción y venta de arte en el mercado masivo lo hizo más común y accesible para comerciantes y profesionales. Debido al aumento de la producción, han sobrevivido muchas reliquias de la era selyúcida y se pueden fechar fácilmente. Por el contrario, la datación de obras anteriores es más ambigua. Por lo tanto, es fácil confundir el arte selyúcida con nuevos desarrollos en lugar de herencia de fuentes clásicas iraníes y turcas.

Las innovaciones en cerámica de este período incluyen la producción de cerámica mina'i, pintada en esmaltes con figuras sobre un fondo blanco. Esta es la cerámica más antigua del mundo en usar pintura de esmalte sobre vidriado, que solo comenzó en China un poco más tarde, y en Europa en el siglo XVIII. Este y otros tipos de cerámica fina utilizan fritware, una pasta a base de silicona, en lugar de arcilla. Los trabajadores metalúrgicos destacaron sus intrincados diseños martillados con incrustaciones de metales preciosos. A lo largo de la era selyúcida, desde Irán hasta Irak, se puede ver una unificación de la pintura de libros. Estas pinturas tienen figuras de animales que transmiten un fuerte significado simbólico de fidelidad, traición y coraje.

Los persas adoptaron gradualmente las escrituras árabes después de la conquista, y la caligrafía persa se convirtió en un importante medio artístico, a menudo utilizado como parte de la decoración de otras obras en la mayoría de los medios.

Iljánidas

Durante el siglo XIII, los mongoles bajo el liderazgo de Genghis Khan barrieron el mundo islámico. Después de su muerte, su imperio se dividió entre sus hijos, formando muchas dinastías: los Yuan en China, los Ilkhanids en Irán y la Horda de Oro en el norte de Irán y el sur de Rusia, los dos últimos se convirtieron al Islam en unas pocas décadas.

Una rica civilización se desarrolló bajo estos "pequeños khans", que originalmente estaban subordinados al emperador Yuan, pero rápidamente se independizaron. La actividad arquitectónica se intensificó cuando los mongoles se volvieron sedentarios y conservaron rastros de sus orígenes nómadas, como la orientación norte-sur de los edificios. Al mismo tiempo se produjo un proceso de "iranización" y se retomó la construcción según tipos previamente establecidos, como las mezquitas del "plan iraní". El arte del libro persa también nació bajo esta dinastía, y fue alentado por el patrocinio aristocrático de grandes manuscritos como el Jami' al-tawarikh compilado por Rashid-al-Din Hamadani, y el Demotte o Great Mongol Shahnameh, probablemente encargado por su hijo. Aparecieron nuevas técnicas en cerámica,(una variación de lustreware), y la influencia china es perceptible en todas las artes.

Timúridas

Durante el reinado de los timúridas, comenzó la edad de oro de la pintura persa y la influencia china continuó, mientras los artistas timúridas refinaban el arte persa del libro, que combina papel, caligrafía, iluminación, ilustración y encuadernación en un todo brillante y colorido.Desde el principio se utilizó papel, en lugar de pergamino como en Europa. Fue la etnia mongola de Chaghatayid y Timurid Khans la fuente de la representación estilística de la figura humana en el arte persa durante la Edad Media. Estos mismos mongoles se casaron con los persas y los turcos de Asia Central, incluso adoptando su religión y sus idiomas. Sin embargo, su simple control del mundo en ese momento, particularmente en los siglos XIII-XV, se reflejó en la apariencia idealizada de los persas como mongoles. Aunque la composición étnica se mezcló gradualmente con las poblaciones locales iraníes y mesopotámicas, el estilo mongol continuó mucho después y cruzó a Asia Menor e incluso al norte de África.

• Cuenco de loza lustre de Susa, siglo IX
• Quemador de perfume, siglo XI, Khorasan o Asia Central
• Cuenco con una escena de caza de la historia del rey del siglo V Bahram Gur y Azadeh, cerámica mina'i.
• Jarra, siglo XV, bronce dorado con incrustaciones de plata, probablemente diseñada para el mercado europeo

Alfombras

El tejido de alfombras es una parte esencial de la cultura y el arte persas. Dentro del grupo de alfombras orientales producidas por los países del llamado "cinturón de alfombras", la alfombra persa se destaca por la variedad y elaboración de sus diseños.

Las alfombras persas y los tapetes de varios tipos fueron tejidos en paralelo por tribus nómadas, en talleres de pueblos y ciudades, y por igual en las fábricas de la corte real. Como tales, representan líneas de tradición diferentes y simultáneas, y reflejan la historia de Irán y sus diversos pueblos. Las alfombras tejidas en las fábricas de la corte Safavid de Isfahan durante el siglo XVI son famosas por sus elaborados colores y diseño artístico, y hoy en día se atesoran en museos y colecciones privadas de todo el mundo. Sus patrones y diseños han establecido una tradición artística para las fábricas de la corte que se mantuvo viva durante toda la duración del Imperio Persa hasta la última dinastía real de Irán. Las alfombras Safavid individuales excepcionales incluyen la alfombra Ardabil (ahora en Londres y Los Ángeles) y la alfombra Coronation (ahora en Copenhague).

Las alfombras tejidas en ciudades y centros regionales como Tabriz, Kerman, Mashhad, Kashan, Isfahan, Nain y Qom se caracterizan por sus técnicas de tejido específicas y el uso de materiales, colores y patrones de alta calidad. Las fábricas de la ciudad como las de Tabriz han jugado un papel histórico importante en la reactivación de la tradición del tejido de alfombras después de períodos de declive. Las alfombras tejidas por las aldeas y varias tribus de Irán se distinguen por su lana fina, colores brillantes y elaborados y patrones tradicionales específicos. Los tejedores nómadas y de pequeñas aldeas a menudo producen alfombras con diseños más atrevidos y, a veces, más toscos, que se consideran las alfombras más auténticas y tradicionales de Persia, a diferencia de los diseños artísticos y planificados previamente de los lugares de trabajo más grandes. Las alfombras Gabbeh son el tipo de alfombra más conocido de esta línea de tradición.

El arte y la artesanía del tejido de alfombras ha pasado por períodos de declive en tiempos de inestabilidad política o bajo la influencia de las demandas comerciales. Particularmente sufrió la introducción de tintes sintéticos durante la segunda mitad del siglo XIX. El tejido de alfombras todavía juega un papel importante en la economía del Irán moderno. La producción moderna se caracteriza por el renacimiento del teñido tradicional con tintes naturales, la reintroducción de patrones tribales tradicionales, pero también por la invención de diseños modernos e innovadores, tejidos con la técnica centenaria. Las alfombras y tapices persas tejidos a mano fueron considerados objetos de gran valor y prestigio artístico y utilitario desde la primera vez que fueron mencionados por los antiguos escritores griegos, hasta el día de hoy.

Aunque el término "alfombra persa" se refiere con mayor frecuencia a los textiles tejidos en pelo, las alfombras y tapetes de tejido plano como Kilim, Soumak y telas bordadas como Suzani son parte de la rica y múltiple tradición del tejido persa. Persia fue famosa por sus textiles al menos tan pronto como por sus alfombras.

En 2010, las "habilidades tradicionales de tejido de alfombras" en Fārs y Kashan se inscribieron en las Listas del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO.

Miniatura persa

Una miniatura persa es una pequeña pintura sobre papel, ya sea una ilustración de un libro o una obra de arte separada destinada a guardarse en un álbum de tales obras llamado muraqqa. Las técnicas son ampliamente comparables a las tradiciones occidentales y bizantinas de miniaturas en manuscritos iluminados. Aunque existe una tradición persa más antigua de pintura mural, la tasa de supervivencia y el estado de conservación de las miniaturas es mejor, y las miniaturas son, con mucho, la forma más conocida de pintura persa en Occidente, y muchos de los ejemplos más importantes se encuentran en Occidente., o museos turcos. La pintura en miniatura se convirtió en un género persa importante en el siglo XIII, recibiendo influencia china después de las conquistas mongolas, y el punto más alto de la tradición se alcanzó en los siglos XV y XVI.La tradición continuó, bajo alguna influencia occidental, después de esto, y tiene muchos exponentes modernos. La miniatura persa fue la influencia dominante en otras tradiciones islámicas en miniatura, principalmente la miniatura otomana en Turquía y la miniatura mogol en el subcontinente indio.

La tradición creció a partir de la ilustración de libros, ilustrando muchas escenas narrativas, a menudo con muchas figuras. Las convenciones de representación que se desarrollaron son efectivas pero diferentes de la perspectiva gráfica occidental. Las figuras más importantes pueden ser un poco más grandes que las que las rodean, y las escenas de batalla pueden estar muy llenas de gente. La recesión (profundidad en el espacio de la imagen) se indica colocando figuras más distantes más arriba en el espacio. Se presta gran atención al fondo, ya sea de un paisaje o de edificios, y el detalle y la frescura con que se muestran las plantas y los animales, las telas de las tiendas de campaña, los tapices o alfombras, o los patrones de los azulejos es uno de los grandes atractivos de la forma. La vestimenta de las figuras también se muestra con gran cuidado, aunque es comprensible que los artistas a menudo eviten representar la tela estampada que muchos habrían usado. animales, especialmente los caballos que aparecen muy a menudo, se muestran en su mayoría de lado; incluso las historias de amor que constituyen gran parte del material ilustrado clásico se llevan a cabo en gran medida en la silla de montar, en lo que respecta al príncipe protagonista. Los paisajes son muy a menudo montañosos (rara vez se intentan las llanuras que constituyen gran parte de Persia), lo que se indica mediante un horizonte alto y ondulado y afloramientos de roca desnuda que, como las nubes en el área normalmente pequeña del cielo que queda sobre el paisaje, se representan en convenciones derivadas del arte chino. Incluso cuando se muestra una escena en un palacio, el punto de vista a menudo parece ser desde un punto a varios metros en el aire. en lo que se refiere al príncipe-protagonista. Los paisajes son muy a menudo montañosos (rara vez se intentan las llanuras que constituyen gran parte de Persia), lo que se indica mediante un horizonte alto y ondulado y afloramientos de roca desnuda que, como las nubes en el área normalmente pequeña del cielo que queda sobre el paisaje, se representan en convenciones derivadas del arte chino. Incluso cuando se muestra una escena en un palacio, el punto de vista a menudo parece ser desde un punto a varios metros en el aire. en lo que se refiere al príncipe-protagonista. Los paisajes son muy a menudo montañosos (rara vez se intentan las llanuras que constituyen gran parte de Persia), lo que se indica mediante un horizonte alto y ondulado y afloramientos de roca desnuda que, como las nubes en el área normalmente pequeña del cielo que queda sobre el paisaje, se representan en convenciones derivadas del arte chino. Incluso cuando se muestra una escena en un palacio, el punto de vista a menudo parece ser desde un punto a varios metros en el aire.

El arte persa bajo el Islam nunca había prohibido por completo la figura humana, y en la tradición de las miniaturas, la representación de figuras, a menudo en grandes cantidades, es fundamental. Esto se debió en parte a que la miniatura es una forma privada, guardada en un libro o álbum y solo se muestra a aquellos que el propietario elige. Por lo tanto, era posible ser más libre que en las pinturas murales u otras obras vistas por un público más amplio. No se sabe que el Corán y otras obras puramente religiosas hayan sido ilustradas de esta manera, aunque las historias y otras obras literarias pueden incluir escenas relacionadas con la religión, incluidas las que representan al profeta Mahoma, después de 1500, generalmente sin mostrar su rostro.

Además de las escenas figurativas en miniaturas y cenefas, existía un estilo paralelo de decoración ornamental no figurativa que se encontraba en cenefas y paneles de páginas en miniatura, y espacios al principio o al final de una obra o sección, y a menudo en su totalidad. páginas que actúan como frontispicios. En el arte islámico, esto se conoce como "iluminación", y los manuscritos del Corán y otros libros religiosos a menudo incluían un número considerable de páginas iluminadas. Los diseños reflejaron el trabajo contemporáneo en otros medios, en períodos posteriores estando especialmente cerca de las cubiertas de libros y las alfombras persas, y se cree que muchos diseños de alfombras fueron creados por artistas de la corte y enviados a los talleres de las provincias.

Safávidas

El arte Safavid es el arte de la dinastía persa Safavid de 1501 a 1722. Fue un punto culminante para el arte del libro y la arquitectura; y también incluyendo cerámica, metal, vidrio y jardines. Las artes del período Safavid muestran un desarrollo mucho más unitario que en cualquier otro período del arte persa, con el mismo estilo, difundido desde la corte, apareciendo en alfombras, azulejos arquitectónicos, cerámica e iluminación de manuscritos.

Cuando los safávidas tomaron el trono, el arte persa se había dividido en dos estilos: en el este, una continuación de los estilos timúridas, y en el oeste, un estilo turcomano. Dos gobernantes de la nueva dinastía lograron fomentar nuevos estilos que se extendieron por todos sus territorios: Shah Tahmasp I, que reinó entre 1524 y 1576 pero perdió interés en el arte después de 1555, y Shah Abbas I (r. 1588-1629).

Los dibujos de imitación chinos surgieron en el arte persa del siglo XV. Los estudiosos han notado que las obras existentes del período posterior a los mongoles contienen una gran cantidad de motivos comunes al arte chino, como dragones, simurgh, bandas de nubes, troncos de árboles nudosos y flores de loto y peonía. Chinoiserie fue popular durante este período. Los temas que se habían convertido en estándar en el arte persa en los siglos XVI y XVII incluían escenas de caza, paisajes con animales y jinetes que luchan contra leones. Escenas literarias que representan fábulas de animales y dragones también aparecen en las obras de arte de este período. Los eruditos no han encontrado evidencia de dibujo persa antes de las invasiones mongolas, pero se cree que la caza, el combate entre hombres y animales y las fábulas de animales son temas persas o de Asia Central.

Artes del libro

Bajo los safávidas, el arte del libro, especialmente la pintura en miniatura persa, constituyó la fuerza impulsora esencial de las artes. El ketab khaneh, la biblioteca-taller real, proporcionó la mayor parte de las fuentes de motivos para objetos como alfombras, cerámica o metal. Se copiaron, iluminaron, encuadernaron y, a veces, ilustraron varios tipos de libros: libros religiosos (Coranes, pero también comentarios sobre el texto sagrado y obras teológicas) y libros de literatura persa (Shahnameh, Nizami's Khamsa, Jami al-Tawarikh de Rashid-al -Din Hamadani, y relatos más breves del Mi'raj, o "Viaje Nocturno" del Profeta.

El papel español musulmán que llegó temprano a Irán (siglo XIII), siempre se utilizó. Hay un uso frecuente de papeles de colores. Hacia 1540 apareció también un papel jaspeado, que sin embargo volvió a desaparecer rápidamente. Las encuadernaciones eran en su mayoría en cuero marroquí teñido de muy buena calidad. Podían estar dorados y estampados con motivos geométricos, florales o figurativos, o repujados en azul. En la segunda mitad del siglo XVI perforaron las cubiertas de cuero para dejar ver las páginas de papel de colores o de seda. En el mismo período, en Shiraz, aparecieron encuadernaciones lacadas, que, sin embargo, siguen siendo muy raras y muy apreciadas en Irán. La decoración de los márgenes de las páginas se realizaba de diversas formas: a veces se insertaban en un papel diferente (tradición que apareció en el siglo XV); salpicado de oro, siguiendo una costumbre china; o pintado con colores o dorado. El estilo de las ilustraciones varió mucho de un manuscrito a otro, según la época y el centro de producción.

Tahmasp I fue durante los primeros años de su reinado un generoso financiador del taller real, que fue responsable de varios de los manuscritos persas más magníficos, pero a partir de la década de 1540 se vio cada vez más preocupado por los escrúpulos religiosos, hasta que en 1556 finalmente emitió un " Edicto de sincero arrepentimiento" que intenta prohibir la pintura en miniatura, la música y otras artes. Esto interrumpió enormemente las artes, y muchos pintores como Abd al-Samad y Mir Sayyid Ali se mudaron a la India para desarrollar la miniatura de Mughal en su lugar; estos dos fueron los pioneros, perseguidos por el emperador mogol Humayun cuando estaba en el exilio en 1546. Otros encontraron trabajo en los tribunales provinciales de los parientes de Tahmasp.

A partir de esta dispersión del taller real hubo un cambio en el énfasis de los grandes libros ilustrados para la corte a la producción de hojas sueltas diseñadas para ser puestas en un muraqqa o álbum. Estos permitieron a los coleccionistas con presupuestos más modestos adquirir obras de pintores destacados. A finales de siglo, las escenas narrativas complicadas con muchas figuras eran menos populares, reemplazadas por láminas con figuras únicas, a menudo solo parcialmente pintadas y con un fondo de jardín dibujado en lugar de pintado. El maestro de este estilo fue Reza Abbasi, cuya carrera coincidió en gran medida con el reinado de Abbas I, su principal empleador. Aunque pintó figuras de hombres viejos, sus temas más comunes fueron hermosos jóvenes y (con menos frecuencia) mujeres o parejas de amantes.

• Rustam duerme, mientras su caballo Rakhsh se defiende de un tigre. Probablemente una obra temprana del sultán Mohammed, 1515-1520
• Miraj del Profeta del sultán Muhammad, que muestra nubes y ángeles de influencia china, 1539-43.
• Khusraw descubre a Shirin bañándose en una piscina, una escena favorita, aquí desde 1548. La plata utilizada para pintar el arroyo se ha oxidado a negro.
• Joven arrodillado y sosteniendo una copa de vino, una miniatura típica destinada a un álbum de Riza Abbasi

Cerámica

El estudio y datación de la cerámica bajo Shah Ismail y Shah Tahmasp es difícil porque hay pocas piezas fechadas o que mencionen el lugar de producción. La porcelana china fue coleccionada por la élite y más valorada que las producciones locales; Shah Abbas I donó gran parte de la colección real a los santuarios de Ardabil y Mashad, renovando una sala en Ardabil para exhibir piezas en nichos.Se han identificado muchas ubicaciones de talleres, aunque no con certeza, en particular: Nishapur, cerámica Kubachi, Kerman (piezas monocromáticas moldeadas) y Mashhad. Se revivió Lusterware, utilizando una técnica diferente de la producción anterior y, por lo general, produciendo piezas pequeñas con un diseño en color cobre oscuro sobre un fondo azul oscuro. A diferencia de otros productos, estos utilizan formas y decoración tradicionales del Medio Oriente en lugar de las de inspiración china.

En general, los diseños tienden a imitar los de la porcelana china, con la producción de piezas azules y blancas con formas y motivos chinos, con motivos como nubes chi y dragones.El azul persa se distingue del azul chino por sus matices más numerosos y sutiles. A menudo, las cuartetas de los poetas persas, a veces relacionadas con el destino de la pieza (alusión al vino para una copa, por ejemplo), aparecen en los patrones de volutas. Un tipo de diseño completamente diferente, mucho más raro, lleva una iconografía muy específica del Islam (zodíaco islámico, escamas de brotes, arabescos) y parece influenciado por el mundo otomano, como lo demuestran los himenios con bordes de plumas (adornos de madreselva) muy utilizados en Turquía.. Aparecieron nuevos estilos de figuras, influenciados por el arte del libro: coperos jóvenes y elegantes, mujeres jóvenes de siluetas curvas, o incluso cipreses enredando sus ramas, que recuerdan las pinturas de Reza Abbasi.

Se produjeron numerosos tipos de piezas: copas, platos, botellas de cuello largo, escupideras, etc. Una forma común son los frascos con cuellos muy pequeños y cuerpos aplanados por un lado y muy redondeados por el otro. Son características las formas tomadas de la orfebrería islámica con decoración inspirada en gran medida en la porcelana china. Con el cierre del mercado chino en 1659, la cerámica persa se elevó a nuevas alturas para satisfacer las necesidades europeas. La aparición de marcas falsas de talleres chinos en el reverso de algunas cerámicas marcó el gusto que se desarrolló en Europa por la porcelana del Lejano Oriente, satisfecho en gran parte por la producción Safavid. Este nuevo destino propició un mayor uso de la iconografía china y exótica (elefantes) y la introducción de nuevas formas, a veces sorprendentes (narguiles, platos octogonales, objetos con forma de animales).

• Plato, siglo XVI, imitando la cerámica china Kraak
• Plato, loza Kubachi, siglo XVI.
• Azulejo con joven. Loza, pintada sobre engobe y bajo vidriado transparente. Noroeste de Irán, cerámica Kubachi, siglo XVII
• Botella de vino de loza lustre, segunda mitad del siglo XVII.

Metalistería

El trabajo en metal experimentó un declive gradual durante la dinastía Safavid y sigue siendo difícil de estudiar, particularmente debido a la pequeña cantidad de piezas fechadas. Bajo Shah Ismail, hay una perpetuación de las formas y decoraciones de las incrustaciones de Timurid: motivos de glorias en forma de almendra, de shamsa (soles) y de nubes chi se encuentran en los tinteros en forma de mausoleos o los cántaros globulares que recuerdan a Ulugh. El de jade de Beg. Bajo Shah Tahmasp, las incrustaciones desaparecieron rápidamente, como lo demuestra un grupo de candelabros en forma de pilares.

Las incrustaciones de pasta de colores (rojo, negro, verde) comienzan a reemplazar a las incrustaciones anteriores de plata y oro. Aparecen paneles calados en acero, para usos como elementos de puertas, placas con inscripciones, y las cabezas de 'alams, los estandartes llevados en las procesiones religiosas chiitas. A los santuarios importantes se les dieron puertas y rejas de jali en plata e incluso en oro.

Tallas de piedra dura

Las tallas de piedra dura persas, que alguna vez se pensó que databan en su mayoría de los siglos XV y XVI, ahora se cree que se extienden durante un período más amplio. Jade fue cada vez más apreciado desde el período Ilkhanid. Además de copas de vino,hay una serie de cántaros con vientres globulares, montados sobre una pequeña base en forma de anillo y de cuello ancho y corto. Dos de estos (uno en jade negro con incrustaciones de oro, el otro en jade blanco) están inscritos con el nombre de Ismail I. El asa tiene forma de dragón, lo que delata una influencia china, pero este tipo de cántaro viene en hecho directamente del período anterior: su prototipo es el cántaro de Ulugh Beg. También sabemos de hojas y mangos de cuchillos en jade, a menudo con incrustaciones de alambre de oro y grabados. Hardstone también sirve para hacer joyas para incrustar en objetos de metal, como la gran botella de zinc con incrustaciones de oro, rubíes y turquesas que data del reinado de Ismail y se conserva en el museo de Topkapi en Estambul.

Qajars

El arte Qajar se refiere al arte, la arquitectura y las formas de arte de la dinastía Qajar de finales del Imperio Persa, que duró desde 1781 hasta 1925. El auge de la expresión artística que se produjo durante la era Qajar fue el efecto secundario afortunado del período de paz relativa que acompañó el gobierno de Agha Muhammad Khan y sus descendientes. Con su ascensión, la agitación sangrienta que había sido el siglo XVIII en Persia llegó a su fin e hizo posible que las artes en tiempos de paz florecieran nuevamente. La influencia europea fue fuerte y produjo nuevos géneros como la decoración de esmalte pintado sobre metal, típicamente con flores que se inspiran claramente en el estilo francés y otros estilos europeos. La laca sobre madera se usa de manera similar.

Pintura Qajar

La pintura adoptó ahora la técnica europea de la pintura al óleo. Se produjeron grandes murales de escenas de juerga y escenas históricas como murales para palacios y cafeterías, y muchos retratos tienen una parte superior arqueada que muestra que estaban destinados a ser empotrados en las paredes. El arte Qajar tiene un estilo distintivo de retrato. Las raíces de la pintura tradicional de Qajar se pueden encontrar en el estilo de pintura que surgió durante el imperio Safavid anterior. Durante este tiempo, hubo una gran influencia europea en la cultura persa, especialmente en las artes de la realeza y las clases nobles. Aunque se utiliza algo de modelado, predomina la aplicación intensa de pintura y grandes áreas de colores planos, oscuros, ricos y saturados.

Si bien la representación de objetos inanimados y naturalezas muertas se considera muy realista en la pintura de Qajar, la representación de seres humanos está decididamente idealizada. Esto es especialmente evidente en la representación de la realeza Qajar, donde los temas de las pinturas se colocan de manera muy formulada con características estandarizadas. Sin embargo, el impacto de la fotografía aumentó en gran medida la individualidad de los retratos a finales del siglo XIX.

Kamal-ol-molk (1845-1940) provenía de una familia de pintores de la corte, pero también se formó con un pintor que había estudiado en Europa. Tras una carrera en la corte, visitó Europa en 1898, a la edad de 47 años, permaneciendo unos cuatro años. Fue uno de los artistas que introdujo un estilo más europeo en la pintura persa.

Retrato real

Las obras de arte más famosas de Qajar son los retratos que se hicieron de los diversos Shah persas. Cada gobernante, y muchos de sus hijos y otros parientes, encargaron retratos oficiales de sí mismos para uso privado o exhibición pública. Los más famosos son los innumerables retratos que se pintaron de Fath Ali Shah Qajar, quien, con su estrecha cintura, su larga barba negra bifurcada y sus ojos más profundos, ha llegado a ejemplificar la imagen romántica del gran Gobernante Oriental. Muchas de estas pinturas fueron del artista Mihr 'Ali. Si bien los retratos se ejecutaron en varios momentos a lo largo de la vida del Sha, se adhieren a un canon en el que se enfatizan las características distintivas del gobernante.

Hay retratos de Fath Ali Shah en una gran variedad de escenarios, desde el rey guerrero vestido con armadura hasta el caballero que huele a flores, pero todos son similares en su representación del Shah, difiriendo solo ligeramente, generalmente debido al artista específico. del retrato Es apropiado que este Shah en particular sea tan inmortalizado en este estilo, ya que fue bajo su gobierno como el segundo Shah Qajar que el estilo realmente floreció. Una de las razones de esto fueron los lazos diplomáticos cada vez más fuertes que los gobernantes de Qajar estaban fomentando con las potencias europeas.