Arte otoniano

El arte otoniano es un estilo del arte alemán prerrománico que abarca también algunas obras de los Países Bajos, el norte de Italia y el este de Francia. Fue nombrado por el historiador de arte Hubert Janitschek en honor a la dinastía otoniana que gobernó Alemania y el norte de Italia entre 919 y 1024 bajo los reyes Enrique I, Otón I, Otón II, Otón III y Enrique II. Con la arquitectura otoniana, es un componente clave del Renacimiento otoniano (circa 951-1024). Sin embargo, el estilo ni comenzó ni terminó para coincidir claramente con el gobierno de la dinastía. Surgió algunas décadas después de su gobierno y persistió más allá de los emperadores otonianos hasta los reinados de la dinastía Salian temprana, que carece de una "etiqueta de estilo" artística propia. En el esquema tradicional de la historia del arte, el arte otoniano sigue al arte carolingio y precede al arte románico, aunque las transiciones en ambos extremos del período son más graduales que repentinas. Al igual que el primero y a diferencia del segundo, era en gran medida un estilo restringido a unas pocas ciudades pequeñas de la época y monasterios importantes, así como a los círculos de la corte del emperador y sus principales vasallos.

Después de la caída del Imperio carolingio, el Sacro Imperio Romano Germánico se restableció bajo la dinastía sajona otoniana. De esto surgió una fe renovada en la idea del Imperio y una Iglesia reformada, creando un período de mayor fervor cultural y artístico. Fue en este ambiente que se crearon obras maestras que fusionaron las tradiciones de las que los artistas otonianos se inspiraron: modelos de origen tardío, carolingio y bizantino. El arte otoniano sobreviviente es en gran parte religioso, en forma de manuscritos iluminados y trabajos en metal, y se produjo en un pequeño número de centros para una estrecha gama de mecenas en el círculo de la corte imperial, así como para figuras importantes de la iglesia. Sin embargo, gran parte de ella fue diseñada para mostrarse a un público más amplio, especialmente a los peregrinos.

El estilo es generalmente grandioso y pesado, a veces en exceso, e inicialmente menos sofisticado que los equivalentes carolingios, con una influencia menos directa del arte bizantino y una menor comprensión de sus modelos clásicos, pero alrededor del año 1000 emerge una llamativa intensidad y expresividad en muchas obras, como "una monumentalidad solemne se combina con una interioridad vibrante, una cualidad visionaria y poco mundana con una aguda atención a la realidad, patrones superficiales de líneas fluidas y colores ricos y brillantes con un emocionalismo apasionado".

Contexto

Siguiendo los estilos carolingios tardíos, los "retratos de presentación" de los patrocinadores de los manuscritos son muy prominentes en el arte otoniano, y gran parte del arte otoniano reflejaba el deseo de la dinastía de establecer visualmente un vínculo con los gobernantes cristianos de la Antigüedad tardía, como Constantino, Teodorico y Justiniano. así como a sus predecesores carolingios, particularmente Carlomagno. Este objetivo se cumplió de varias maneras. Por ejemplo, los numerosos retratos de gobernantes otonianos suelen incluir elementos, como personificaciones de provincias o representantes del ejército y la Iglesia que flanquean al emperador, con una larga historia iconográfica imperial.

Además de la reutilización de motivos del arte imperial más antiguo, la eliminación de los restos de las estructuras de la Antigüedad tardía en Roma y Rávena y su incorporación a los edificios otonianos fue un dispositivo destinado a sugerir la continuidad imperial. Esta fue claramente la intención de Otón I cuando retiró columnas, algunas de pórfido y otros materiales de construcción del Palacio de Teodorico en Rávena y los reutilizó en su nueva catedral en Magdeburgo. Lo único que los retratos de gobernantes rara vez intentan es una semejanza cercana de las características individuales de un gobernante; cuando Otto III murió, algunas imágenes manuscritas de él se reutilizaron como retratos de Enrique II sin que se sintiera la necesidad de cambiar las características.

En una continuación e intensificación de las tendencias carolingias tardías, muchas miniaturas contienen miniaturas de presentación que representan a los donantes de los manuscritos a una iglesia, incluidos obispos, abades y abadesas, y también al emperador. En algunos casos, las miniaturas sucesivas muestran una especie de relevo: en el Sacramentario de Hornbach, el escriba presenta el libro a su abad, quien se lo presenta a San Pirmin, fundador de la Abadía de Hornbach, quien se lo presenta a San Pedro, quien se lo presenta a Cristo, en conjunto. ocupando ocho páginas (con las tabletas iluminadas enfrentadas) para enfatizar la unidad y la importancia de la "estructura de mando" que une a la iglesia y el estado, en la tierra y en el cielo.

El arte bizantino también siguió siendo una influencia, especialmente con el matrimonio de la princesa griega Theophanu con Otto II, y los elementos bizantinos importados, especialmente los esmaltes y los marfiles, a menudo se incorporan a la orfebrería otoniana, como las portadas de libros. Sin embargo, si hubo artistas griegos reales trabajando en Alemania en el período, dejaron menos rastro que sus predecesores en la época carolingia. Los manuscritos fueron escritos e iluminados por monjes con habilidades especializadas, algunos de cuyos nombres se conservan, pero no hay evidencia de los artistas que trabajaron en metal, esmalte y marfil, que generalmente se supone que fueron laicos, aunque hubo algunos orfebres monásticos en el período medieval temprano y algunos hermanos laicos y asistentes laicos empleados por los monasterios. Si bien la joyería secular proporcionó un flujo constante de trabajo para los orfebres, la talla de marfil en este período fue principalmente para la iglesia y puede haberse centrado en los monasterios, aunque (ver más abajo) las pinturas murales parecen haber sido realizadas generalmente por laicos.

• Otto II, por el Maestro Gregorio
• Apoteosis de Otto III., Evangelios de Liuthar
• Enrique II siendo coronado por Cristo, del Sacramentario de Enrique II
• Otto III o Enrique II coronado por santos, Apocalipsis de Bamberg

Manuscritos

Los monasterios otonianos produjeron muchos magníficos manuscritos medievales iluminados. Eran una forma de arte importante de la época, y los monasterios recibían el patrocinio directo de los emperadores y obispos, contando con los mejores equipos y talentos disponibles. La gama de textos fuertemente iluminados se restringió en gran medida (a diferencia del Renacimiento carolingio) a los principales libros litúrgicos, y muy pocas obras seculares recibieron ese tratamiento.

A diferencia de los manuscritos de otros períodos, muy a menudo es posible decir con certeza quién encargó o recibió un manuscrito, pero no dónde se hizo. Algunos manuscritos también incluyen ciclos relativamente extensos de arte narrativo, como las dieciséis páginas del Codex Aureus de Echternach dedicadas a "franjas" en tres niveles con escenas de la Vida de Cristo y sus parábolas. Los manuscritos fuertemente iluminados recibieron ricas encuadernaciones y sus páginas probablemente fueron vistas por muy pocos; cuando fueron llevados en las grandes procesiones de las iglesias otonianas, parece haber sido con el libro cerrado para mostrar la cubierta.

El estilo otoniano no produjo manuscritos sobrevivientes antes de la década de 960, cuando se hicieron libros conocidos como el "grupo Eburnant", quizás en Lorsch, como varias miniaturas en el Códice Gero (ahora Darmstadt), el más antiguo y grandioso del grupo. copiar los de los evangelios carolingios de Lorsch. Este es el primer grupo estilístico de la tradicional " escuela de Reichenau ". Los otros dos manuscritos principales del grupo son los sacramentarios nombrados por Hornbach y Petershausen. En el grupo de cuatro miniaturas de presentación en el primero descrito anteriormente, "casi podemos seguir... el movimiento que se aleja del lenguaje carolingio expansivo hacia el otoniano más definido".

Varios manuscritos importantes producidos a partir de este período en un grupo distintivo de estilos generalmente se atribuyen al scriptorium del monasterio de la isla de Reichenau en el lago de Constanza, a pesar de la falta admitida de evidencia que los conecte con el monasterio allí. CR Dodwell fue una de varias voces disidentes aquí, creyendo que las obras se produjeron en Lorsch y Trier. Dondequiera que estuviera ubicada, la "escuela de Reichenau" se especializó en libros de evangelios y otros libros litúrgicos, muchos de ellos, como los Evangelios de Munich de Otto III (c. 1000) y las Perícopas de Enrique II (Munich, Bayerische Nationalbibl. clm. 4452, c. 1001–1024), comisiones imperiales. Debido a su calidad excepcional, los manuscritos de Reichenau se agregaron en 2003 al Registro Internacional de la Memoria del Mundo de la UNESCO.

Se acuerda que los manuscritos más importantes de la "escuela de Reichenau" se dividen en tres grupos distintos, todos con el nombre de escribas cuyos nombres están registrados en sus libros. El "grupo Eburnant" cubierto anteriormente fue seguido por el "grupo Ruodprecht" llamado así por el escriba del Egbert Psalter; Dodwell asigna este grupo a Trier. Los Evangelios de Aquisgrán de Otón III, también conocidos como los Evangelios de Liuthar, dan su nombre al tercer " grupo de Liuthar " de manuscritos, la mayoría del siglo XI, en un estilo fuertemente contrastante, aunque la mayoría de los eruditos todavía lo atribuyen a Reichenau, pero por Dodwell también a Trier.

El miniaturista destacado del "grupo Ruodprecht" fue el llamado Maestro del Registrum Gregorii, o Maestro Gregorio, cuyo trabajo se remonta en algunos aspectos a la pintura manuscrita de la Antigüedad tardía, y cuyas miniaturas se destacan por "su delicada sensibilidad a los grados tonales". y armonías, su fino sentido de los ritmos compositivos, su sensibilidad por la relación de las figuras en el espacio, y sobre todo su especial toque de reticencia y aplomo". Trabajó principalmente en Trier en los años 970 y 980, y fue responsable de varias miniaturas en el influyente Codex Egberti., un leccionario evangélico realizado para el arzobispo Egbert de Trier, probablemente en la década de 980. Sin embargo, la mayoría de las 51 imágenes de este libro, que representan el primer ciclo extenso de imágenes que describen los acontecimientos de la vida de Cristo en un manuscrito de Europa occidental, fueron realizadas por dos monjes de Reichenau, que se nombran y representan en una de las miniaturas..

El estilo del "grupo Liuthar" es muy diferente y se aleja más de las tradiciones clásicas en lugar de volver a ellas; "llevó al extremo el trascendentalismo", con "marcada esquematización de las formas y colores", "forma aplanada, ropajes conceptualizados y gesto expansivo". Los fondos suelen estar compuestos por bandas de color con una lógica más simbólica que naturalista, el tamaño de las figuras refleja su importancia, y en ellos "no se hace tanto hincapié en el movimiento como en el gesto y la mirada", con escenas narrativas "presentadas como un cuasi -acto litúrgico, diálogos de divinidad". Este gestual "espectáculo mudo [era] pronto convencionalizado como un lenguaje visual en toda la Europa medieval".

El grupo se produjo quizás desde la década de 990 hasta 1015 o más tarde, y los principales manuscritos incluyen los Evangelios de Múnich de Otón III, el Apocalipsis de Bamberg y un volumen de comentarios bíblicos allí, y las Perícopas de Enrique II, las más conocidas y extremas de las grupo, donde "la figura-estilo se ha vuelto más monumental, más enrarecida y sublime, al mismo tiempo delgada en densidad, insustancial, meras siluetas de color contra un vacío resplandeciente". El grupo introdujo el fondo de oro macizo en la iluminación occidental.

Dos miniaturas de dedicación agregadas a los Evangelios de Egmond alrededor de 975 muestran una versión holandesa menos lograda del estilo otoniano. En Regensburg, la abadía de St. Emmeram celebró el principal Códice carolingio Aureus de St. Emmeram, que probablemente influyó en un estilo con "una línea incisiva y una organización muy formal de la página", que se encuentra en el Códice Uta de c. 1020 esquemas complejos donde "bandas de oro delinean los círculos en negrita, cuadrados, elipses y rombos que encierran las figuras", y se incorporan inscripciones en el diseño que explican su complejo simbolismo teológico. Este estilo iba a ser muy influyente en el arte románico en varios medios.

La abadía de Echternach adquirió importancia bajo el abad Humbert, en el cargo de 1028 a 1051, y allí se produjeron las páginas (a diferencia de la portada) del Codex Aureus de Echternach, seguidas por los Evangelios dorados de Enrique III en 1045-1046, que Enrique presentado a la Catedral de Speyer (ahora Escorial), la obra principal de la escuela. Henry también encargó los Evangelios de Uppsala para la catedral allí (ahora en la biblioteca de la universidad). Otros scriptoria monásticos importantes que florecieron durante la época otoniana incluyen los de Salzburgo, Hildesheim, Corvey, Fulda y Colonia, donde se elaboró ​​el Códice Hitda.

Galería de Cristo calmando la tempestad

Esta escena se incluía a menudo en los ciclos otonianos de la Vida de Cristo. Muchos muestran a Jesús (con aureola cruzada) dos veces, una dormida y otra calmando la tormenta.

• Codex Egberti, entre 977 y 993
• Pintura mural en Oberzell, c. 1000
• Evangelios de Munich de Otto III; abajo, el exorcismo de los cerdos gadarenos
• Hitda Codex, Colonia, después de 1000

Metalistería y esmaltes

Los objetos para la decoración de las iglesias como cruces, relicarios, frontales de altares y encuadernaciones de tesoros para libros estaban todos hechos o recubiertos de oro, adornados con gemas, esmaltes, cristales y camafeos. Este era un estilo mucho más antiguo, pero la versión otoniana tiene características distintivas, con una decoración de superficies muy recargada, a menudo gemas levantadas de la superficie principal sobre pequeñas torres de oro, acompañadas de proyecciones de "colmena" en hilo de oro y relieves figurativos en repujado. áreas de decoración de oro entre las barras de esmalte y decoración de gemas. Las reliquias adquirieron una importancia cada vez mayor, a veces política, en este período, por lo que se hicieron relicarios cada vez más ricos para guardarlas.En tales obras, las gemas no solo crean una impresión de riqueza, sino que sirven tanto para ofrecer un anticipo de la naturaleza enjoyada de la ciudad celestial, y se cree que determinados tipos de gemas tienen poderosas propiedades reales en varios "científicos", médicos y aspectos mágicos, tal y como se recoge en los libros lapidarios populares. Las pocas piezas de joyería secular que sobreviven tienen estilos similares, incluida la corona que usó Otto III cuando era niño, que le regaló a la Virgen de Oro de Essen después de que se le quedó pequeña.

Los ejemplos de crux gemmata o cruces procesionales incluyen un grupo destacado en el Tesoro de la Catedral de Essen; varias abadesas de la abadía de Essen eran princesas otonianas. La Cruz de Otto y Mathilde, la Cruz de Mathilde y la cruz de Essen con grandes esmaltes probablemente fueron todas dadas por Mathilde, abadesa de Essen (fallecida en 1011), y una cuarta cruz, la Cruz de Theophanu, llegó unos cincuenta años después. La Cruz de Lotario (Aachen) y la Cruz Imperial (Viena) eran posesiones imperiales; Viena también tiene la Corona Imperial del Sacro Imperio Romano Germánico. La portada del libro del Codex Aureus de Echternach (Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg) tiene un estilo muy similar. Otros objetos importantes incluyen un relicario de San Andrés coronado por un pie en Trier,y frontales de altar de oro para la Capilla del Palacio, Aquisgrán y la Catedral de Basilea (ahora en París). La Capilla del Palacio también tiene el púlpito o Ambon de Enrique II. La tapa superior carolingia tardía de los Evangelios de Lindau (Morgan Library, Nueva York) y el Copón de Arnulfo en Munich fueron importantes precursores del estilo, de unas décadas antes y probablemente del mismo taller.

También se fabricaron grandes objetos en metales no preciosos, con los primeros candelabros de ruedas supervivientes de finales del período, un enorme candelabro en Essen y, en particular, una espectacular colección de ambiciosas obras de bronce grandes y piezas de plata más pequeñas en la catedral de Hildesheim. del período del obispo Bernward (muerto en 1022), quien era él mismo un artista, aunque su biógrafo fue inusualmente honesto al decir que no alcanzó "los picos de la perfección". La más famosa de ellas es el par de puertas de la iglesia, las Bernward Doors, con escenas de figuras bíblicas en relieve de bronce, cada una fundida en una sola pieza, donde las composiciones poderosamente simples transmiten sus significados mediante gestos enfáticos, de una manera comparable al Reichenau. miniaturas de la misma época. También hay una columna de bronce, la Columna Bernward, de 3,79 metros (12,4 pies) de altura, originalmente la base de un crucifijo, fundido en una sola pieza hueca. Esta forma inusual está decorada con veinticuatro escenas del ministerio de Jesús en una franja continua que se enrolla alrededor de la columna a la manera de la Columna de Trajano y otros ejemplos romanos.

Alrededor de 980, el arzobispo Egbert de Trier parece haber establecido el principal taller otoniano que producía esmalte cloisonné en Alemania, que se cree que cumplió con los pedidos de otros centros, y después de su muerte en 993 posiblemente se mudó a Essen. Durante este período, el taller siguió los desarrollos bizantinos (de muchas décadas antes) al utilizar la técnica senkschmelz o "esmalte hundido" además del vollschmelz que ya se usaba. Las placas pequeñas con motivos decorativos derivados de formas vegetales continuaron usando vollschmelz, con esmalte en toda la placa, mientras que las figuras ahora estaban generalmente en senkschmelz., rodeada por una superficie de oro liso en la que se había empotrado el contorno de la figura. La cruz de Essen con grandes esmaltes ilustrada arriba muestra ambas técnicas.

Galería de bronces

• Candelabro de la abadesa Mathilde en la catedral de Essen, c. 1000
• Expulsión de Adán y Eva de Bernward Doors en la Catedral de Hildesheim
• Puertas de Bernward en la Catedral de Hildesheim, c. 1015
• La columna de bronce de Bernward en Hildesheim

Talla de marfil

Durante el período otoniano se realizaron muchas esculturas muy finas a pequeña escala en marfil, y Milán probablemente sea un sitio, si no el centro principal, junto con Trier y otros sitios alemanes y franceses. Hay muchos paneles oblongos con relieves que alguna vez decoraron las cubiertas de los libros, o todavía lo hacen, con la Crucifixión de Jesús como el tema más común. Estos y otros temas continúan en gran medida con la iconografía carolingia, pero en un estilo muy diferente.

Un grupo de cuatro sítulas otonianas de marfil parecen representar un nuevo punto de partida para la talla de marfil en su forma, y ​​el tipo apenas se encuentra después de este período. Las situlae eran vasijas litúrgicas utilizadas para contener agua bendita, y anteriormente solían ser de madera o bronce, de paredes rectas y con asa. Se sumergió un aspergillum en la situla para recoger agua con la que rociar a la congregación u otros objetos. Sin embargo, los cuatro ejemplos otonianos del siglo X están hechos de una sección completa de colmillo de elefante y tienen una circunferencia ligeramente más grande en la parte superior. Todos están ricamente tallados con escenas y figuras en diferentes niveles: el Basilewsky Situla de 920 en el Victoria & Albert Museum, decorado con escenas de la Vida de Cristo en dos niveles,la "Sítula de Gotofredo" de c. 980 en la Catedral de Milán, uno en el Tesoro de la Catedral de Aquisgrán y otro en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Todos provenían del entorno de la corte otoniana: una inscripción dice que el arzobispo Gotfredus presentó el ejemplo de Milán en previsión de una visita del emperador, también mencionado en el ejemplo de Londres que posiblemente era del mismo taller. El último y más lujoso es el ejemplo de Aquisgrán, que está adornado con joyas y muestra a un emperador entronizado, rodeado por un papa y arzobispos. Esto probablemente se hizo en Trier alrededor del año 1000.

Entre varios grupos estilísticos y supuestos talleres que se pueden detectar, el responsable de las piezas, incluido el panel de la portada del Codex Aureus de Echternach y dos alas del díptico ahora en Berlín (todos ilustrados a continuación), produjo un trabajo particularmente fino y distintivo, quizás en Trier., con "una asombrosa percepción de la forma humana... [y] facilidad en el manejo del material".

Un grupo muy importante de placas, ahora dispersas en varias colecciones, probablemente fueron encargadas (quizás por Otto I) para la catedral de Magdeburgo y se denominan Marfiles de Magdeburgo, "placas de Magdeburgo", "placas del antependio de Magdeburgo" o nombres similares. Probablemente se hicieron en Milán alrededor del año 970, para decorar una gran superficie plana, aunque se ha discutido mucho si se trataba de una puerta, un antependio o un frontal de altar, la cubierta de un libro excepcionalmente grande, un púlpito u otra cosa. Cada placa casi cuadrada mide unos 13x12 cm, con una escena en relieve de la Vida de Cristo.dentro de un marco plano liso; una placa en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York tiene una escena de "dedicación", donde un monarca coronado presenta a Cristo con una iglesia modelo, generalmente tomada como Otto I con la Catedral de Magdeburg. En total, sobreviven diecisiete, probablemente menos de la mitad del conjunto original. Las placas incluyen áreas de fondo completamente cortadas a través del marfil, que presumiblemente originalmente habrían estado respaldadas con oro. Aparte de los espacios dejados al lado de los edificios, estos elementos calados incluyen algunos que dejan patrones de damero o follaje. Peter Lasko describe el estilo de las figuras como "muy pesado, rígido y masivo... con un tratamiento extremadamente claro y plano de las cortinas... en composiciones simples pero poderosas".

• La sítula de Basilewsky
• Paneles de díptico de Moisés recibiendo la ley y Tomás dudando
• Panel de la portada del Codex Aureus de Echternach, probablemente del mismo taller que el díptico.
• Crucifixión, probablemente de la portada de un libro, c 1000

Pintura mural

Aunque está claro a partir de los registros documentales que muchas iglesias fueron decoradas con extensos ciclos de pintura mural, las supervivencias son extremadamente raras y, en la mayoría de los casos, fragmentarias y en malas condiciones. Por lo general, carecen de evidencia que ayude con la datación, como retratos de donantes, y su fecha suele ser incierta; muchos han sido restaurados en el pasado, lo que complica aún más el asunto. La mayoría de los supervivientes se agrupan en el sur de Alemania y alrededor de Fulda en Hesse; aunque también hay ejemplos importantes del norte de Italia. Hay un registro del obispo Gebhard de Constanza contratando artistas laicos para un ciclo ahora desaparecido en su nueva fundación (983) de la abadía de Petershausen, y los laicos pueden haber dominado el arte de la pintura mural, aunque quizás a veces trabajaron con diseños de iluminadores monásticos. Los artistas parecen haber sido bastante móviles: "En la época de los cuadros de Oberzell había un pintor mural italiano trabajando en Alemania y uno alemán en Inglaterra".

La iglesia de San Jorge en Oberzell en la isla de Reichenau tiene el esquema sobreviviente más conocido, aunque gran parte del trabajo original se ha perdido y las pinturas restantes a los lados de la nave han sufrido por el tiempo y la restauración. Las escenas más grandes muestran los milagros de Cristo en un estilo que muestra un aporte bizantino específico en algunos elementos y una cercanía a los manuscritos de Reichenau, como los Evangelios de Munich de Otto III; por lo tanto, generalmente están fechados alrededor de 980-1000. De hecho, las pinturas son uno de los cimientos del caso de la Abadía de Reichenau como un importante centro de pintura manuscrita.

Escultura más grande

Ha sobrevivido muy poca talla de madera de la época, pero la monumental figura pintada de Cristo en la cruz de Gero (alrededor de 965-970, Catedral de Colonia) es una de las obras maestras más destacadas de la época. Su datación tradicional por parte de la iglesia, que durante mucho tiempo se pensó que era inverosímilmente temprana, finalmente fue confirmada por la dendrocronología. La Virgen de Oro de Essen (alrededor de 1000, la Catedral de Essen, que antes era la abadía) es una supervivencia prácticamente única de un tipo de objeto que alguna vez se encontró en muchas iglesias importantes. Es una talla más pequeña de la Virgen con el Niño, que es de madera que fue cubierta con yeso y luego con fina lámina de oro. La escultura monumental siguió siendo rara en el norte, aunque hay más ejemplos en Italia, como los relieves de estuco en el copón de Sant' Ambrogio, Milán, y también en el de San Pietro al Monte, Civate, que se relacionan con la talla de marfil de la misma época, y alguna escultura en piedra.

Supervivencia e historiografía

Las obras otonianas supervivientes son en gran parte las que están bajo el cuidado de la iglesia que se conservaron y valoraron por sus conexiones con figuras reales o eclesiásticas de la época. Muy a menudo, las joyas en orfebrería fueron robadas o vendidas a lo largo de los siglos, y muchas piezas ahora carecen por completo de ellas o tienen reemplazos modernos de pasta de vidrio. Al igual que en otros períodos, se conservan muchos más paneles de marfil (cuyo material suele ser difícil de reutilizar) para cubiertas de libros que cubiertas metálicas completas, y algunos paneles de marfil más gruesos se volvieron a tallar posteriormente desde la parte posterior con un nuevo relieve. Muchos objetos mencionados en fuentes escritas han desaparecido por completo, y probablemente ahora solo tengamos una pequeña fracción de la producción original de relicarios y similares. Varias piezas tienen adiciones o cambios importantes realizados más tarde en la Edad Media o en períodos posteriores. Los manuscritos que evitaron grandes incendios en bibliotecas han tenido la mejor oportunidad de sobrevivir; los peligros a los que se enfrentan las pinturas murales se han mencionado anteriormente. La mayoría de los objetos principales permanecen en las colecciones alemanas, a menudo todavía en las bibliotecas y tesoros de las iglesias.

El término "arte otoniano" no se acuñó hasta 1890, y la década siguiente vio los primeros estudios serios del período; Durante las siguientes décadas, el tema estuvo dominado por los historiadores del arte alemanes que se ocupaban principalmente de manuscritos, además de los estudios de Adolph Goldschmidt sobre marfiles y escultura en general. Varias exposiciones celebradas en Alemania en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial ayudaron a presentar el tema a un público más amplio y a promover la comprensión de los medios artísticos distintos de las ilustraciones manuscritas. La exposición de Munich de 1950 Ars Sacra ("arte sagrado" en latín) ideó este término para la orfebrería religiosa y los marfiles y esmaltes asociados, que fue reutilizado por Peter Lasko en su libro Pelican History of Art., la primera revisión del tema escrita en inglés, como el término histórico-artístico habitual, las "artes menores", parecía inadecuado para este período, donde eran, con miniaturas manuscritas, las formas de arte más significativas. En 2003, un crítico señaló que la ilustración de manuscritos otonianos era un campo "que todavía está significativamente subrepresentado en la investigación histórica del arte en inglés".