Arte nativo americano

Las artes visuales de los pueblos indígenas de las Américas abarca las prácticas artísticas visuales de los pueblos indígenas de las Américas desde la antigüedad hasta el presente. Estos incluyen obras de América del Sur y América del Norte, que incluye América Central y Groenlandia. También se incluyen los yupiit siberianos, que tienen una gran superposición cultural con los yupiit nativos de Alaska.

Las artes visuales indígenas estadounidenses incluyen artes portátiles, como pintura, cestería, textiles o fotografía, así como obras monumentales, como arquitectura, land art, escultura pública o murales. Algunas formas de arte indígenas coinciden con formas de arte occidentales; sin embargo, algunos, como las púas de puercoespín o las mordeduras de corteza de abedul, son exclusivos de las Américas.

El arte indígena de las Américas ha sido coleccionado por los europeos desde el contacto sostenido en 1492 y se unió a las colecciones en el gabinete de curiosidades y los primeros museos. Los museos de arte occidentales más conservadores han clasificado el arte indígena de las Américas dentro de las artes de África, Oceanía y las Américas, con obras de arte anteriores al contacto clasificadas como arte precolombino, un término que a veces se refiere solo al arte anterior al contacto de los pueblos indígenas de América Latina. Los académicos nativos y sus aliados se esfuerzan por que el arte indígena se entienda e interprete desde las perspectivas indígenas.

Etapa lítica y arcaica

En América del Norte, la etapa lítica o el período paleoindio se define aproximadamente entre el 18.000 y el 8.000 a. C. El período de alrededor de 8000–800 a. C. generalmente se conoce como el período arcaico. Si bien las personas de este período trabajaron en una amplia gama de materiales, los materiales perecederos, como las fibras vegetales o las pieles, rara vez se habían conservado a lo largo de los milenios. Los pueblos indígenas crearon piedras de estandarte, punta de proyectil, estilos de reducción lítica y pinturas rupestres pictográficas, algunas de las cuales han sobrevivido hasta el presente.

Perteneciente a la etapa lítica, el arte más antiguo conocido en las Américas es un hueso de megafauna tallado, posiblemente de un mamut, grabado con un perfil de mamut andante o mastodonte que data del 11.000 a. El hueso se encontró a principios del siglo XXI cerca de Vero Beach, Florida, en un área donde se habían encontrado huesos humanos (hombre de Vero) en asociación con animales extintos del pleistoceno a principios del siglo XX. El hueso está demasiado mineralizado para ser fechado, pero se ha autenticado que la talla se hizo antes de que el hueso se mineralizara. La corrección anatómica del tallado y la fuerte mineralización del hueso indican que el tallado se realizó cuando los mamuts y/o mastodontes aún vivían en la zona, hace más de 10.000 años.

El objeto pintado más antiguo que se conoce en América del Norte es el Cooper Bison Skull de aproximadamente 8050 a. El arte de la edad lítica en América del Sur incluye pinturas rupestres de la cultura Monte Alegre creadas en Caverna da Pedra Pintada que datan de 9250 a 8550 a. La cueva de Guitarrero en Perú tiene los textiles más antiguos conocidos en América del Sur, que datan del 8000 a.

El suroeste de los Estados Unidos y ciertas regiones de los Andes tienen la mayor concentración de pictografías (imágenes pintadas) y petroglifos (imágenes talladas) de este período. Tanto las pictografías como los petroglifos son conocidos como arte rupestre.

• Un petroglifo de una caravana de borregos cimarrones cerca de Moab, Utah, Estados Unidos; un tema común en los glifos del desierto del sudoeste
• Petroglifos de estilo curvilíneo abstracto arcaico, Coso Rock Art District, California
• Petroglifos de Columbia River Gorge, Washington, Estados Unidos

América del norte

Ártico

Los Yup'ik de Alaska tienen una larga tradición de tallar máscaras para usarlas en rituales chamánicos. Los pueblos indígenas del ártico canadiense han producido objetos que podrían clasificarse como arte desde la época de la cultura Dorset. Si bien las tallas de marfil de morsa de Dorset eran principalmente chamánicas, el arte de la gente de Thule que las reemplazó alrededor del año 1000 EC era de carácter más decorativo. Con el contacto europeo comenzó el período histórico del arte inuit. En este período, que alcanzó su apogeo a fines del siglo XIX, los artesanos inuit crearon recuerdos para las tripulaciones de los barcos balleneros y exploradores. Los ejemplos comunes incluyen tablas de cribbage. El arte inuit moderno comenzó a fines de la década de 1940, cuando con el apoyo del gobierno canadiense comenzaron a producir grabados y esculturas serpenteantes para la venta en el sur. Los inuit de Groenlandia tienen una tradición textil única que integra la costura de la piel, las pieles y la aplicación de pequeñas piezas de órganos de mamíferos marinos teñidos de colores brillantes en diseños de mosaico, llamados avittat. Las mujeres crean cuellos elaborados con abalorios en red. Tienen una fuerte tradición en la fabricación de máscaras y también son conocidos por una forma de arte llamadatupilaq o un "objeto de espíritu maligno". Las prácticas tradicionales de creación de arte prosperan en Ammassalik. El marfil de cachalote sigue siendo un medio valioso para tallar.

• Arte inuit de Alaska, Canadá y Groenlandia
• Cesta de barbas con remate de diente de ballena, de George Omnik (Iñupiaq, 1905–1978), Alaska; Museo de Arte de Honolulu (Hawái, EE. UU.)
• Una representación tallada de un tupilaq, de Groenlandia
• máscara yup'ik; de Alaska; Musée du quai Branly (París)
• Toy Angakkuq (chamán); 6 de febrero de 1998; serpentina, hueso de caribú y plumas; por Palaya Qiatsuq

Subártico

Las culturas del interior de Alaska y Canadá que viven al sur del Círculo Polar Ártico son pueblos subárticos. Si bien los humanos han vivido en la región durante mucho más tiempo, el arte subártico más antiguo conocido es un sitio de petroglifos en el noroeste de Ontario, que data del año 5000 a. El caribú y, en menor medida, el alce, son recursos importantes que proporcionan pieles, astas, tendones y otros materiales artísticos. El trabajo de púas de puercoespín embellece las pieles y la corteza de abedul. Después del contacto europeo con la influencia de las Grey Nuns, los mechones de pelo de alce y el trabajo floral con cuentas de vidrio se hicieron populares en el Subártico.

• Mechones de pelo de alce de Athabaskan del siglo XXI en una caja de cuero con cuentas,Fairbanks, Alaska
• Tsuu T'ina tipi de cuero pintado,Alberta, Canadá
• Chaqueta de piel de hombre. Los tallos de los diseños florales cuentan con abalorios "espinosos", típicos del Subártico, Museo de Antropología de la UBC

Costa noroeste

El arte de los Haida, Tlingit, Heiltsuk, Tsimshian y otras tribus más pequeñas que viven en las áreas costeras del estado de Washington, Oregón y Columbia Británica, se caracteriza por un vocabulario estilístico extremadamente complejo expresado principalmente en el medio de la talla en madera. Los ejemplos famosos incluyen tótems, máscaras de transformación y canoas. Además de la carpintería, la pintura bidimensional y las joyas grabadas en plata, oro y cobre cobraron importancia tras el contacto con los europeos.

• Un tótem en Ketchikan, Alaska, al estilo tlingit
• 'Máscara de transformación Namgis thunderbird, siglo XIX, cedro, pigmentos, cuero, clavos, placa de metal, 71 pulgadas de ancho cuando está abierta, Museo de Brooklyn, NY
• Talla de argilita Haida; 1850-1900; de Haida Gwaii; Museo Nacional del Indio Americano
• sombrero de corteza de cedro; Nuu-chah-nulth; Museo de las Américas (Madrid, España)

Bosques del Este

Bosques del noreste

Las culturas de los bosques orientales, o simplemente bosques, habitaron las regiones de América del Norte al este del río Mississippi al menos desde el 2500 a. Si bien había muchas culturas distintas regionalmente, el comercio entre ellas era común y compartían la práctica de enterrar a sus muertos en montículos de tierra, lo que ha conservado gran parte de su arte. Debido a este rasgo, las culturas se conocen colectivamente como constructores de montículos.

El período Woodland (1000 a. C.-1000 d. C.) se divide en períodos temprano, medio y tardío, y consistió en culturas que dependían principalmente de la caza y la recolección para su subsistencia. La cerámica hecha por la cultura Deptford (2500 a. C.-100 d. C.) es la evidencia más temprana de una tradición artística en esta región. La cultura Adena es otro ejemplo bien conocido de una cultura temprana de Woodland. Tallaron tablillas de piedra con diseños zoomórficos, crearon cerámica y confeccionaron trajes con pieles de animales y astas para rituales ceremoniales. Los mariscos eran un pilar de su dieta y se han encontrado conchas grabadas en sus túmulos funerarios.

El período de Middle Woodland estuvo dominado por culturas de la tradición Hopewell (200–500). Su obra de arte abarcaba una amplia variedad de joyas y esculturas en piedra, madera e incluso huesos humanos.

El período Late Woodland (500-1000 d. C.) vio una disminución en el comercio y en el tamaño de los asentamientos, y la creación de arte también disminuyó.

Desde el siglo XII en adelante, los Haudenosaunee y las tribus costeras cercanas fabricaron wampum con conchas y cuerdas; estos eran dispositivos mnemotécnicos, moneda y registros de tratados.

Los iroqueses tallan máscaras faciales falsas para los rituales de curación, pero los representantes tradicionales de las tribus, el Gran Consejo de Haudenosaunee, tienen claro que estas máscaras no están a la venta ni se exhiben públicamente. Lo mismo puede decirse de las máscaras de la Iroquois Corn Husk Society.

• Arte de los bosques del este de América del Norte
• Montículos Hopewell del Mound City Group en Ohio
• Pipa de esteatita tallada que representa un cuervo, tradición Hopewell
• Halcón de cobre del sitio Mound City Group de la cultura Hopewell
• Cinturón de wampum del Gran Tratado entregado por Lenape a William Penn, Pensilvania, 1682

Una escultora de bellas artes de mediados del siglo XIX fue Edmonia Lewis (afroamericana / ojibwe). Dos de sus obras se encuentran en el Museo de Newark.

Los pueblos nativos de Northeastern Woodlands continuaron creando arte visual durante los siglos XX y XXI. Uno de esos artistas es Sharol Graves, cuyas serigrafías se han exhibido en el Museo Nacional del Indio Americano. Graves también es el ilustrador de The People Shall Continue de Lee & Low Books.

Bosques del sureste

La cultura de Poverty Point habitó partes del estado de Luisiana desde 2000 hasta 1000 a. C. durante el período Arcaico. Muchos objetos excavados en los sitios de Poverty Point estaban hechos de materiales que se originaron en lugares distantes, incluidas puntas de proyectiles y herramientas de piedra astillada, plomadas de piedra pulida, gorgueras y vasijas, y cuentas de concha y piedra. Las herramientas de piedra encontradas en Poverty Point estaban hechas de materias primas que se originaron en las montañas Ouachita y Ozark, relativamente cercanas, y en los valles de los ríos Ohio y Tennessee, mucho más alejados. Las vasijas estaban hechas de esteatita que provenía de las estribaciones de los Apalaches de Alabama y Georgia. Los objetos de arcilla cocida a fuego lento modelados a mano se presentan en una variedad de formas, incluidas figurillas antropomórficas y bolas de cocina.

• Utensilios de cocina de barro, Poverty Point
• Figuritas femeninas de barro, Poverty Point
• Gargantas talladas y pesos de atlatl, Poverty Point

La cultura de Mississippian floreció en lo que ahora es el medio oeste, el este y el sureste de los Estados Unidos desde aproximadamente 800 EC hasta 1500 EC, variando regionalmente.Después de adoptar la agricultura del maíz, la cultura del Mississippi se volvió completamente agraria, a diferencia de la caza y la recolección complementadas con la agricultura a tiempo parcial practicada por las culturas forestales anteriores. Construyeron montículos de plataforma más grandes y más complejos que los de sus predecesores, y terminaron y desarrollaron técnicas de cerámica más avanzadas, comúnmente usando conchas de mejillón molidas como agente de templado. Muchos estaban involucrados con el Complejo Ceremonial del Sureste, una red religiosa y comercial panregional y panlingüística. La mayor parte de la información conocida sobre el SECC se deriva del examen de las elaboradas obras de arte dejadas por sus participantes, que incluyen cerámica, gorgueras y copas de concha, estatuas de piedra, placas de cobre repujado como el alijo de Wulfing, placas de Rogan y máscaras de dios. En el momento del contacto con los europeos, las sociedades de Mississippi ya estaban experimentando un estrés social severo, y con los trastornos políticos y las enfermedades introducidas por los europeos, muchas de las sociedades colapsaron y dejaron de practicar un estilo de vida de Mississippi, con excepciones notables como la cultura Plaquemine Natchez y Taensa relacionada. pueblos Otras tribus que descienden de las culturas del Misisipi incluyen a los Caddo, Choctaw, Muscogee Creek, Wichita y muchos otros pueblos del sureste.

• Gorjal de concha grabado, Spiro Mounds (cultura de Mississippi)
• Paleta de piedra grabada, sitio de Moundville, parte posterior utilizada para mezclar pintura (cultura de Mississippi)
• Efigies de piedra, sitio de Etowah (cultura de Mississippi)
• Jarra de pantera submarina de cerámica, Rose Mound (cultura de Mississippi)

Se ha encontrado una gran cantidad de artefactos de madera precolombinos en Florida. Si bien los artefactos de madera más antiguos tienen hasta 10.000 años, los objetos de madera tallados y pintados solo se conocen de los últimos 2.000 años. Se han encontrado efigies de animales y máscaras faciales en varios sitios de Florida. Se encontraron efigies de animales que datan de entre 200 y 600 en un estanque mortuorio en Fort Center, en el lado oeste del lago Okeechobee. Particularmente impresionante es la talla de un águila de 66 cm de altura.

Más de 1.000 objetos de madera tallados y pintados, incluidas máscaras, tablillas, placas y efigies, fueron excavados en 1896 en Key Marco, en el suroeste de Florida. Han sido descritos como algunos de los mejores arte nativo americano prehistórico en América del Norte. Los objetos no están bien fechados, pero pueden pertenecer al primer milenio de la era actual. Los misioneros españoles describieron máscaras y efigies similares en uso por los Calusa a fines del siglo XVII, y en el antiguo sitio de Tequesta en el río Miami en 1743, aunque no ha sobrevivido ningún ejemplo de los objetos Calusa del período histórico. Se conoce un estilo de efigie del sur de Florida a partir de tallas de madera y hueso de varios sitios en las áreas culturales de Belle Glade, Caloosahatchee y Glades.

Los Seminoles son mejor conocidos por sus creaciones textiles, especialmente ropa de retazos. La fabricación de muñecas es otro oficio notable.

• Tótem de águila, Fort Center, Florida
• Efigie de cocodrilo, tallado en madera, Key Marco, Florida
• Máscara de madera, Key Marco, Florida
• Mantón de baile con flecos de patchwork Seminole, reserva india Big Cypress, Florida, años 80

El oeste

Grandes llanuras

Las tribus han vivido en las Grandes Llanuras durante miles de años. Las primeras culturas de las llanuras se dividen comúnmente en cuatro períodos: Paleoindio (al menos c. 10, 000-4000 a. C.), Llanuras arcaicas (c. 4000-250 a. C.), Plains Woodland (c. 250 a. C.-950 d. C.), Plains Village (c. 950-1850 d.C.). El objeto pintado más antiguo que se conoce en América del Norte se encontró en las llanuras del sur, el Cooper Bison Skull, encontrado en Oklahoma y fechado entre 10.900 y 10.200 a. Está pintado con un zig-zag rojo.

En el período de los Pueblos de las Llanuras, las culturas de la zona se asentaron en grupos cerrados de casas rectangulares y cultivaron maíz. Surgieron varias diferencias regionales, incluidas las llanuras del sur, las llanuras centrales, Oneota y Middle Missouri. Las tribus eran tanto cazadores nómadas como agricultores seminómadas. Durante el período de las Llanuras Coalescentes (1400-contacto europeo), algún cambio, posiblemente sequía, provocó la migración masiva de la población a la región de los Bosques del Este, y las Grandes Llanuras estuvieron escasamente pobladas hasta que la presión de los colonos estadounidenses llevó a las tribus al área nuevamente.

El advenimiento del caballo revolucionó las culturas de muchas tribus históricas de las Llanuras. La cultura del caballo permitió a las tribus vivir una existencia completamente nómada, cazando búfalos. La ropa de piel de búfalo estaba decorada con bordados de plumas de puercoespín y cuentas: las conchas dentalium y los dientes de alce eran materiales preciados. Más tarde, las monedas y cuentas de vidrio adquiridas en el comercio se incorporaron al arte de las llanuras. El abalorio de las llanuras ha florecido en la época contemporánea.

El búfalo era el material preferido para pintar pieles de llanura. Los hombres pintaban diseños narrativos y pictóricos que registraban hazañas o visiones personales. También pintaron calendarios históricos pictográficos conocidos como cuentas de invierno. Las mujeres pintaban diseños geométricos en túnicas curtidas y parches de cuero sin curtir, que a veces servían como mapas.

Durante la era de las reservas de fines del siglo XIX, los cazadores no nativos destruyeron sistemáticamente las manadas de búfalos. Debido a la escasez de pieles, los artistas de Plains adoptaron nuevas superficies para pintar, como la muselina o el papel, lo que dio origen al arte Ledger, llamado así por los omnipresentes libros de contabilidad utilizados por los artistas de Plains.

• Vestido sioux con canesú totalmente de pedrería.
• Parfleches de cuero crudo pintado y con cuentas de Sioux.
• Dibujo de libro mayor de Haokah (c. 1880) por Black Hawk (Lakota).
• Arte del libro mayor de Kiowa, posiblemente de la batalla de Buffalo Wallow de 1874, Guerra del Río Rojo.

Gran Cuenca y Meseta

Desde el período arcaico, la región de Plateau, también conocida como Intermontaine y Upper Great Basin, había sido un centro de comercio. La gente de la meseta se asentaba tradicionalmente cerca de los principales sistemas fluviales. Debido a esto, su arte tiene influencias de otras regiones, desde las costas del noroeste del Pacífico y las Grandes Llanuras. Las mujeres Nez Perce, Yakama, Umatilla y Cayuse tejen hojas de maíz planas y rectangulares o bolsas de cáñamo, que están decoradas con "diseños geométricos audaces" en bordados falsos. Los trabajadores de cuentas de Plateau son conocidos por sus cuentas de estilo de contorno y sus elaboradas insignias de caballos.

Las tribus de la Gran Cuenca tienen una sofisticada tradición de cestería, como lo ejemplifican Dat So La Lee/Louisa Keyser (Washoe), Lucy Telles, Carrie Bethel y Nellie Charlie. Después de ser desplazados de sus tierras por colonos no nativos, Washoe tejió canastas para el mercado de productos básicos, especialmente entre 1895 y 1935. Los cesteros paiute, shoshone y washoe son conocidos por sus canastas que incorporan cuentas de semillas en la superficie y por sus canastas impermeables.

• Bolso Nez Perce con abalorios de contorno, c. 1850-60
• Camisa de piel de ante con plumas de águila y pieles de armiño, c. 1880-85
• Mocasines de hombre con cuentas Shoshone, alrededor de 1900, Wyoming
• Cesta de Carrie Bethel (Mono Lake Paiute), California, 30" de diámetro, c. 1931-35

California

Los nativos americanos de California tienen una tradición de artes de cestería exquisitamente detalladas. A fines del siglo XIX, las canastas californianas de artistas de Cahuilla, Chumash, Pomo, Miwok, Hupa y muchas otras tribus se hicieron populares entre coleccionistas, museos y turistas. Esto resultó en una gran innovación en la forma de las canastas. Muchas piezas de tejedores de cestas nativos americanos de todas partes de California se encuentran en colecciones de museos, como el Museo Peabody de Arqueología y Etnología de la Universidad de Harvard, el Museo del Suroeste y el Museo Nacional del Indio Americano de la Institución Smithsonian.

California tiene una gran cantidad de pictografías y petroglifos de arte rupestre. Una de las mayores densidades de petroglifos en América del Norte, del pueblo Coso, se encuentra en los cañones de petroglifos grandes y pequeños en el distrito de arte rupestre de Coso en el norte del desierto de Mojave en California.

Se considera que las pictografías más elaboradas en los EE. UU. son el arte rupestre del pueblo Chumash, que se encuentra en pinturas rupestres en los actuales condados de Santa Bárbara, Ventura y San Luis Obispo. La pintura rupestre de Chumash incluye ejemplos en el Parque Histórico Estatal de la Cueva Pintada de Chumash y en la Cueva Pintada de Burro Flats.

• Arte rupestre de Chumash en Painted Cave
• Una canasta hecha por el pueblo pomo del norte de California.
• Cuentas de pomo, canasta enrollada, juncia, sauce, cuentas de vidrio, abulón, alrededor de 1880
• Gorra de mujer Hupa de finales del siglo XIX, hierba de oso y raíz de conífera, Universidad de Stanford

Sur oeste

En el suroeste de los Estados Unidos se crearon numerosas pictografías y petroglifos. La cultura Fremont y los Ancestral Puebloans y las creaciones de tribus posteriores, en el Barrier Canyon Style y otros, se ven en la actualidad Buckhorn Draw Pictograph Panel y Horseshoe Canyon, entre otros sitios. Los petroglifos de estos y los artistas de la cultura Mogollón están representados en el Monumento Nacional de los Dinosaurios y en Newspaper Rock.

Los pueblos ancestrales, o anasazi, (1000 a. C.-700 d. C.) son los ancestros de las tribus Pueblo actuales. Su cultura se formó en el suroeste de Estados Unidos, después de que se introdujera el cultivo de maíz desde México alrededor del año 1200 a. La gente de esta región desarrolló un estilo de vida agrario, cultivando alimentos, calabazas de almacenamiento y algodón con técnicas de riego o xerojardinería. Vivían en pueblos sedentarios, por lo que la cerámica, utilizada para almacenar agua y grano, era omnipresente.

Durante cientos de años, Ancestral Pueblo creó cerámica gris utilitaria y cerámica en blanco y negro y, en ocasiones, cerámica naranja o roja. En épocas históricas, los Hopi crearon ollas, tazones para masa y tazones para comida de diferentes tamaños para uso diario, pero también fabricaron tazones ceremoniales, cántaros, cucharones, tarros de semillas y aquellos recipientes para uso ritual más elaborados, y estos generalmente tenían un acabado pulido. superficies y decorado con diseños pintados de negro. A principios del siglo XX, el famoso alfarero Hopi Nampeyo revivió la cerámica de estilo Sikyátki, que se originó en First Mesa en los siglos XIV al XVII.

La arquitectura del sudoeste incluye viviendas en acantilados, asentamientos de varios pisos tallados en roca viva; casas de pozo; y pueblos de adobe y arenisca. Uno de los asentamientos antiguos más grandes y elaborados es Chaco Canyon en Nuevo México, que incluye 15 grandes complejos de arenisca y madera. Estos están conectados por una red de carreteras. La construcción del mayor de estos asentamientos, Pueblo Bonito, comenzó 1080 años antes del presente. Pueblo Bonito contiene más de 800 habitaciones.

La turquesa, el azabache y la concha de ostra espinosa se han utilizado tradicionalmente en Ancestral Pueblo para la joyería, y desarrollaron técnicas sofisticadas de incrustaciones hace siglos.

Alrededor del año 200 EC, la cultura Hohokam se desarrolló en Arizona. Son los ancestros de las tribus Tohono O'odham y Akimel O'odham o Pima. Los Mimbres, un subgrupo de la cultura Mogollon, son especialmente notables por las pinturas narrativas en su cerámica.

En el último milenio, los pueblos de Athabaskan emigraron desde el norte de Canadá hacia el suroeste. Estos incluyen los navajos y los apaches. La pintura con arena es un aspecto de las ceremonias de curación navajo que inspiró una forma de arte. Los navajos aprendieron a tejer en telares verticales de los pueblos y tejieron mantas que las tribus de Great Basin y Plains recogieron con entusiasmo en los siglos XVIII y XIX. Después de la introducción del ferrocarril en la década de 1880, las mantas importadas se volvieron abundantes y económicas, por lo que los tejedores navajos comenzaron a producir alfombras para el comercio.

En la década de 1850, los navajos adoptaron la platería de los mexicanos. Atsidi Sani (Old Smith) fue el primer platero navajo, pero tenía muchos estudiantes y la tecnología se extendió rápidamente a las tribus circundantes. Hoy miles de artistas producen joyas de plata con turquesa. Hopi son famosos por su trabajo de plata superpuesta y tallas de álamo. Los artistas Zuni son admirados por sus joyas de trabajo en racimo, que exhiben diseños turquesas, así como sus elaboradas incrustaciones pictóricas de piedra en plata.

• Castillo de Montezuma, una vivienda en un acantilado de Sinagua en Arizona, c. 700 d.C.–1425 d.C.
• Cantina del Pueblo Ancestral, Cañón del Chaco, Nuevo México, c. 700 d.C.–1100 d.C.
• Pintura de arena navajo.

Mesoamérica y Centroamérica

El desarrollo cultural de la antigua Mesoamérica generalmente se dividió en oriente y occidente. La cultura maya estable fue más dominante en el este, especialmente en la península de Yucatán, mientras que en el oeste se produjeron desarrollos más variados en las subregiones. Estos incluían el oeste de México (1000–1), Teotihuacan (1–500), mixteco (1000–1200) y azteca (1200–1521).

Las civilizaciones centroamericanas generalmente vivían en las regiones al sur del actual México, aunque hubo cierta superposición.

Mesoamérica

Mesoamérica fue el hogar de las siguientes culturas, entre otras:

Olmeca

Los olmecas (1500-400 a. C.), que vivieron en la costa del golfo, fueron la primera civilización que se desarrolló plenamente en Mesoamérica. Su cultura fue la primera en desarrollar muchos rasgos que se mantuvieron constantes en Mesoamérica hasta los últimos días de los aztecas: un complejo calendario astronómico, la práctica ritual del juego de pelota y la construcción de estelas para conmemorar victorias u otros eventos importantes.

Las creaciones artísticas más famosas de los olmecas son cabezas colosales de basalto, que se cree que son retratos de gobernantes erigidos para anunciar su gran poder. Los olmecas también esculpieron figurillas votivas que enterraron debajo de los pisos de sus casas por razones desconocidas. Estos fueron modelados con mayor frecuencia en terracota, pero también ocasionalmente tallados en jade o serpentina.

• Monumento 1, una de las cuatro cabezas colosales olmecas de La Venta. Este mide casi 3 metros (9 pies) de altura.
• Una figura de "hombre alargado", serpentina verde oscuro.
• Hacha Kunz; 1200-400 a. C.; cuarzo verde pulido (aventurina); alto: 29 cm, ancho: 13,5 cm; Museo Británico (Londres)
• máscara de jade; Siglo X-VI a. C.; jadeíta; altura: 17,1 cm (6 ³ ⁄ ₄ pulg.), ancho: 16,5 (6 ⁵ ⁄ ₁₆ pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

Teotihuacán

Teotihuacan fue una ciudad construida en el Valle de México, que contiene algunas de las estructuras piramidales más grandes construidas en las Américas precolombinas. Establecida alrededor del 200 a. C., la ciudad cayó entre los siglos VII y VIII d. C. Teotihuacan tiene numerosos murales bien conservados.

• Un mural que muestra lo que se ha identificado como la Gran Diosa de Teotihuacan
• Arquitectura teotihuacana restaurada que muestra el uso típico mesoamericano de pintura roja complementada con decoración de oro y jade sobre mármol y granito
• Máscara con collar de 55 cuentas y colgante; serpentina con incrustaciones de amazonita, turquesa, concha, coral y obsidiana, 8 pulgadas de alto, Museo Nacional de Antropología
• Estatua de Chalchiuhtlicue; Museo Nacional de Antropología

Cultura Veracruzana Clásica

En su libro de 1957 sobre el arte mesoamericano, Miguel Covarrubias habla de las "magníficas figuras huecas con rostros expresivos de Remojadas, en posturas majestuosas y vistiendo una elaborada parafernalia indicada por elementos de arcilla añadidos".

• Una gran figura de terracota de un joven cacique de estilo Remojadas. 300–600 d. C.; Altura: 31 pulgadas (79 cm).
• Figura de dualidad hombre-mujer de Remojadas, 200–500 EC. Tenga en cuenta el pecho femenino y las aves en el lado derecho de la figura.
• Urna de altar de Veracruz
• Cabeza de piedra de una mujer de El Tajín

Zapoteco

"El Dios Murciélago era una de las deidades importantes de los mayas, muchos elementos de cuya religión también eran compartidos por los zapotecos. Se sabe que el Dios Murciélago en particular también fue reverenciado por los zapotecos... Estaba especialmente asociado.... con el inframundo." Un importante centro zapoteca fue Monte Albán, en la actual Oaxaca, México. Los períodos de Monte Albán se dividen en I, II y III, que van desde el 200 a. C. hasta el 600 d. C.

• Urna de cerámica, 200 a. C. - 800 d. C., Museo Británico.
• Vasija de cerámica zapoteca
• Ornamentación dorada usada por funcionarios del gobierno zapoteca
• Máscara de mosaico que representa a un dios Murciélago, 25 piezas de jade, con ojos amarillos hechos de concha. Fue encontrado en una tumba en Monte Albán.

Maya

La civilización maya ocupó el sur de México, todo Guatemala y Belice, y las partes occidentales de Honduras y El Salvador.

• Sílex excéntrico maya del Período Clásico, posiblemente de Copán o Quiriguá, Musées Roayaux d'art et d'Histoire, Bruselas
• Retrato de K'inich Janaab Pakal I; 615–683; estuco; altura: 43 cm (1 pie 5 pulg.); Museo Nacional de Antropología (Ciudad de México)
• Placa de jade de un rey maya; 400-800 (período Clásico); alto: 14 cm, ancho: 14 cm; encontrado en Teotihuacan; Museo Británico (Londres).
• Relieve que muestra a Aj Chak Maax presentando cautivos ante el gobernante Itzamnaaj B'alam III de Yaxchilan; 22 de agosto de 783

Tolteca

• Los Atlantes — columnas en forma de guerreros toltecas en Tula.
• Una expresiva vasija de barro color naranja de estilo tolteca.
• Ave tolteca tallada en granito en Tula
• Barco tolteca tolteca

Mixteco

• Rey mixteco y señor de la guerra Ocho ciervos Garra de jaguar (derecha) Reunión con Cuatro jaguares, en una representación del Códice precolombino Zouche-Nuttall.
• Pectoral mixteco de oro y turquesa, Escudo de Yanhuitlán. Museo Nacional de Antropología
• Vista de cerca del mosaico de piedra mixteca en Mitla. Esta fue una inspiración para mosaicos similares de Frank Lloyd Wright.
• Quemador de incienso mixteco

Totonaca

• Figura de un comandante sentado; 300–600; Instituto de Arte de Chicago (EE.UU.)
• Figura masculina de pie; 600–900; loza de barro; del centro de Veracruz (México); Museo Gardiner (Toronto, Canadá)
• Escultura; 700–900; andesita; altura: 35,56 cm (14 pulgadas)
• cabezas; alrededor de 900; Museo de Etnografía de Leipzig (Leipzig, Alemania)

Huasteco

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Azteca

• serpiente bicéfala; 1450-1521; Madera de cedro español (Cedrela odorata), turquesa, concha, restos de dorado y resina de pino y resina de Bursera para adhesivo; 20,3 pulgadas de altura; Museo Británico (Londres).
• La página original 13 del Codex Borbonicus; Bibliothèque de l'Assemblée Nationale (París). Esta decimotercera trecena (del calendario sagrado azteca) estuvo bajo los auspicios de la diosa Tlazōlteōtl, quien se muestra en la parte superior izquierda con una piel desollada, dando a luz a Centeōtl. Los signos de 13 días de esta trecena, comenzando con 1 terremoto, 2 pedernal/cuchillo, 3 lluvia, etc., se muestran en la fila inferior y en la columna de la derecha.
• piedra del calendario azteca; 1502-1521; basalto; diámetro: 358 cm (141 pulg.); grueso: 98 cm (39 pulg.); descubierto el 17 de diciembre de 1790 durante las reparaciones en la Catedral de la Ciudad de México; Museo Nacional de Antropología (Ciudad de México). El propósito exacto y el significado de Calendar Stone no están claros. Los arqueólogos e historiadores han propuesto numerosas teorías, y es probable que haya varios aspectos en su interpretación.
• vasija efigie de Tlāloc; 1440-1469; loza pintada; altura: 35 cm (1 ³ ⁄ ₄ pulg.); Museo del Templo Mayor (Ciudad de México). Templo Mayor, dedicado a Tlāloc. Esta vasija, recubierta de estuco y pintada de azul, está adornada con el rostro de Tlāloc, identificado por su coloración, dientes anillados y dientes de jaguar.

América Central y "área intermedia"

Gran Chiriquí

Gran Nicoya Los antiguos pueblos de la Península de Nicoya en la actual Costa Rica tradicionalmente esculpían pájaros en jade, que servían para adornos funerarios. Alrededor del año 500 EC, los adornos de oro reemplazaron al jade, posiblemente debido al agotamiento de los recursos de jade.

Caribe

• Duho (Taburete ceremonial de madera), Hispaniola. Taíno, 1000-1500 EC, guayacán tallado
• Taíno zemi, palo fierro con incrustaciones de conchas, República Dominicana, cuenco de los siglos XV-XVI utilizado para rituales de cohoba
• Las Caritas, petroglifos taínos, lago Enriquillo, República Dominicana
• Petroglifo de la cancha de pelota del batey taíno, Caguana, Utuado, Puerto Rico

Sudamericano

Las civilizaciones nativas se desarrollaron más en la región andina, donde se dividen aproximadamente en las civilizaciones de los Andes del Norte de los actuales Colombia y Ecuador y las civilizaciones de los Andes del Sur de los actuales Perú y Chile.

Las tribus de cazadores-recolectores de la selva amazónica de Brasil también han desarrollado tradiciones artísticas que incluyen tatuajes y pintura corporal. Debido a su lejanía, estas tribus y su arte no han sido estudiados tan a fondo como las culturas andinas, y muchas incluso permanecen sin contacto.

Área Istmo-Colombiana

El Área Istmo-Colombiana incluye algunos países centroamericanos (como Costa Rica y Panamá) y algunos países sudamericanos cercanos a ellos (como Colombia).

San Agustín

• Figuras zoomorfas-antropomórficas del Parque Arqueológico de San Agustín
• Figura del Parque Arqueológico de San Agustín
• Jarra de doble pico con asa de correa; 500 a. C.-500 d. C.; cerámica pintada con deslizamiento; altura: 21,27 cm (8 ³ ⁄ ₈ pulg.), ancho: 19,05 cm (7 ¹ ⁄ ₂ pulg.), profundidad: 17,46 cm (6 ⁷ ⁄ ₈ pulg.); Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE.UU.)
• Colgante; 1 CE-900; oro; 3,1 x 9,7 x 8,8 cm; Museo del Oro (Bogotá, Colombia)

Calima

• máscara funeraria; Siglo V-I a. C.; oro repujado; etapa Ilama; Museo Metropolitano de Arte
• colgante de figura con cabeza de animal; siglo I-VII; oro; altura: 6,35 cm (2 ¹ ⁄ ₂ pulg.); etapa Yotoco; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Vasija de doble pico y asa de correa con figura mitológica; 400–1200; cerámica pintada con deslizamiento; altura: 19,37 cm (7 ⁵ ⁄ ₈ pulg.), ancho: 19,05 cm (7 ¹ ⁄ ₂ pulg.), profundidad: 10,32 cm (4 ¹ ⁄ ₁₆ pulg.); etapa Yotoco; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles

Tolima

• Pectoral; 1 CE-550; tumbaga; 23,4 x 25,7 cm; Museo del Oro (Bogotá, Colombia)
• Colgante; siglo I-VII; oro; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• Colgante antropomórfico; siglo V-X; Museo Metropolitano de Arte
• Colgantes en forma de pez volador; siglo X-XV; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

Gran Coclé

• plato de pedestal; 600–800; altura: 15,24 cm (6 pulg.), diámetro: 27,69 cm (10 ⁷ ⁄ ₈ pulg.); Museo de Arte Walters
• Plato de cerámica; Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pensilvania (EE. UU.)
• Placa de oro de Sitio Conte; Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pensilvania

Artefactos de culturas desconocidas de Panamá

• Ser humano con su espíritu protector; siglo VI-siglo IX; Museo Rietberg (Zúrich, Suiza)
• Contenedor con diseño de tortuga; siglo XI-siglo XIV; Museo de Arte de Cleveland (Ohio, EE. UU.)
• 2 colgantes en forma de tiburón; siglo XI-XVI; fundición de aleación de oro; de la provincia de Chiriquí; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Colgante con 2 figuritas; oro; siglo XII-siglo XVI; Museo Metropolitano de Arte

Diquis

• Una de las esferas de piedra de Costa Rica
• metate ceremonial; 1500 a. C.-1400; altura: 56 cm (22 ¹ ⁄ ₁₆ pulg.), ancho: 94,4 cm (37 ³ ⁄ ₁₆ pulg.), profundidad: 78 cm (30 ¹¹ ⁄ ₁₆ pulg.); Museo de Arte Walters (Baltimore, EE. UU.)
• Figura de piedra que se asemeja a un chamán enmascarado; 1000–1500; Musée du quai Branly (París)
• Dos colgantes en forma de langosta; 700–1550; Museo del Jade Marco Fidel Tristán Castro (San José, Costa Rica)

Artefactos de culturas desconocidas de Costa Rica

• colgante de pájaro; siglo I-V; jadeíta; altura: 6,7 cm (2 ⁵ ⁄ ₈ pulg.), ancho: 1,9 cm (³ ⁄ ₄ pulg.), profundidad: 4,7 cm (1 ⁷ ⁄ ₈ pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Colgante con forma de celta que probablemente representa a un dios; siglo IV a. C.-siglo VII d. C.; jadeíta; de la región sur de Nicoya; Museo de Arte de Cleveland (Ohio, EE. UU.)
• Vasija de efigie de chamán; 1000–1350; loza, engobe blanco sobretodo, pintura engobe; altura: 30,4 cm (12 pulgadas), ancho: 24,1 cm (9,5 pulgadas), profundidad: 24,3 cm (9,5 pulgadas); Museo de Arte Walters (Baltimore, EE. UU.)

Nariño

• adorno de nariz; siglo VII-XII; aleación de oro en voladizo; Museo Metropolitano de Arte
• adorno de nariz; siglo VII-XII; aleación de oro en voladizo; Museo Metropolitano de Arte
• Recipiente con patas que representa un par de monos; 750–1250; cerámica resistente pintada; altura: 8,9 cm (3 ¹ ⁄ ₂ pulg.), diámetro del cuenco: 20,48 cm (8 ¹ ⁄ ₁₆ pulg.), diámetro del pie: 7,94 cm (3 ¹ ⁄ ₈ pulg.); Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE.UU.)
• Vasija en forma de calabaza; 850–1500; cerámica resistente pintada; altura: 26,35 cm (10 ³ ⁄ ₈ pulg.), diámetro: 20,32 cm (8 pulg.); Museo de Arte del Condado de Los Ángeles

Quimbaya

• Contenedor de cal; siglo V-IX; oro; 23 cm (9 pulgadas) de alto; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York). Probablemente utilizado por un miembro de la élite Quimbaya
• Dos estatuas de caciques sentados en taburetes; Museo de las Américas (Madrid, España)
• Aviones de Quimbaya en el Museo de América (Madrid)
• Figurilla de cerámica con decoración de tumbaga; 1200-1500; Museo de las Américas

Muisca

• la balsa muisca; alrededor de 600-1600; aleación de oro; 19,5 x 10,1 cm; Museo del Oro (Bogotá, Colombia)
• Tunjo; siglo X-XVI; de la región del lago Guatavita; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Mascarilla; oro; 8,7 x 12,7 cm; Museo del Oro (Bogotá)
• máscara de cerámica; Museo Nacional de Colombia (Bogotá)

Zenu

• Adorno en forma de ciervo de dos cabezas; alrededor de 400–1000; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• Adorno en forma de búho; alrededor de 400–1000; Museo de Arte de Cleveland
• Remate de pájaro; siglo V-X; oro; altura 12,1 cm (4 ³ ⁄ ₄ pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Olla de base anular y figuras modeladas; 500–1550; cerámica amarilla; altura: 28,6 cm (11,2 pulgadas); ancho: 31,8 cm (12,5 pulgadas); Museo de Arte Walters (Baltimore, EE. UU.)

Tairona

• Cuenco de patas pequeñas con asas de cabeza de tigre; 1000–1500; loza de barro; 5 × 10,1 cm (2 × 4 pulg.); Museo de Arte Walters (Baltimore, EE. UU.)
• figura ancestral; 1000–1550; piedra marrón; altura: 18,1 cm (7,1 pulgadas), ancho: 4,8 cm (1,8 pulgadas); Museo de Arte Walters
• Colgante antropomórfico; 1000–1550; fundición de aleación de oro; ancho: 14,6 cm (5 ³ ⁄ ₄ pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Colgante antropomórfico; siglo 18; oro; altura: 13 cm (5,1 pulgadas), ancho: 13 cm (5,1 pulgadas), profundidad: 4,5 cm (1,7 pulgadas); Museo del Quai Branly (París)

Artefactos de culturas desconocidas de Colombia

• Cuchillo dorado para ceremonias; siglo II d.C.; del Valle del río Cauca; Museo del Oro (Bogotá, Colombia)
• adorno de nariz; sin fecha; aleación de oro; altura: 19,9 cm (7,8 pulg.), ancho: 5,2 cm (2 pulg.), profundidad: 0,1 cm; Museo de Arte Walters (Baltimore, EE. UU.)

Región Andina

Valdivia

• figura de loro; 4000-1500 aC
• Estatua ancestral con seis caras; Museo de Arte Precolombino Casa del Alabado (Quito, Ecuador)
• Figurilla femenina; 2600-1500 a. C.; cerámico; 11 x 2,9 x 1,6 cm (4 ⁵ ⁄ ₁₆ x 1 ¹ ⁄ ₈ x ⁵ ⁄ ₈ pulg.); Museo de Brooklyn (Nueva York)
• Figura en forma de jaguar; 2000-1000 a. C.; serpentina verde

Chavín

• Una escultura de piedra de Chavín en forma de cabeza de hombre, un adorno de una pared; siglo IX a. C.; Museo de la Nación (Lima, Perú)
• corona de Chavín; 1200 a. C.-1 d. C. (época formativa); oro; Museo Larco (Lima)
• Recipiente de estribo con adorno de desplazamiento; cerámico; 900-200 a. C.; altura: 18,4 cm, diámetro: 16,2 cm; Museo de Arte de Dallas (Dallas, Texas, EE. UU.)
• Estela de Raimondi; siglo V-III a. C.; granito; altura: 1,95 (6 pies 6 pulgadas); Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú (Lima, Perú).

Paracas

• Manto de Paracas 200 EC Museo Larco, Lima-Perú
• Manto de Nazca de la Necrópolis de Paracas, 0-100. Este es un diseño de "doble pez" (probablemente tiburones). Colecciones del Museo de Brooklyn

Nasca

• Una vasija de puente y pico doble con forma de pez de Cahuachi
• Un ejemplo de las Líneas de Nasca

Moche

• tocado ceremonial; 300–600; oro, crisocola y conchas
• Cerámica que representa a un Felino Gateador; cerámica con incrustaciones de nácar; Museo Larco (Lima, Perú)
• 2 orejeras con corredores alados; siglo V-siglo VIII; oro, turquesa, sodalita y concha; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

Recuay

• figura sentada; siglo II a. C.-siglo III d. C.; piedra; 63,5 × 44,45 × 20,32 cm (25 × 17 ¹ ⁄ ₂ × 8 pulg.); peso: 102,5129 kg (226 libras); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Botella efigie; 200 a. C. 500 d. C.; loza y pintura antideslizante; altura: 28,2 cm (11,1 pulg.), diámetro: 20,5 cm (8 pulg.); Museo de Arte Walters (Baltimore, EE. UU.)
• Florero con escena musical; 300 BCE-300 CE arcilla pintada; altura: 21,5 cm; de la región costera norte del Perú; Kloster Allerheiligen (Schaffhausen; Suiza)
• Fragmento textil; siglo IV-VI; pelo de camélido; total: 33,02 x 82,55 cm (13 × 32 ¹ ⁄ ₂ pulg.); Museo Metropolitano de Arte

Tolita

• figura de pie; siglo I a. C.-siglo I d. C.; oro estampado; altura: 22,9 cm (9 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
• Adorno de nariz; siglo I-V; oro y plata repujada; Museo Metropolitano de Arte

Wari

• Adorno en forma de pájaro; siglo VI-X; oro repujado; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• figura antropomorfa; siglo VII-X; arcilla quemada; del Valle del Mantaro; Museo Rietberg (Zürich, Suiza)
• figura mosaico; Siglo VII-XI; madera con incrustaciones de concha y piedra y plata; 10,2 x 6,4 x 2,6 cm; del Imperio Wari; Museo de Arte Kimbell (Fort Worth, Texas, EE. UU.)
• Recipiente en forma de sacrificador; alrededor de 769–887; madera y cinabrio; Museo de Arte de Cleveland (Estados Unidos)

Lambayeque/Sicán

• Vasos de precipitados; siglo IX-XI; oro; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Taza; 900–1100; Instituto de Arte de Chicago (EE.UU.)
• Máscara con tocado de sicán; siglo X-XI; oro, plata y pintura; altura: 29,2 cm (11 ¹ ⁄ ₂ pulg.); Museo Metropolitano de Arte
• cuchillo ceremonial (tumi); siglo X-XIII; oro, turquesa, piedra verde y concha; altura: 33 cm (1 pie 1 pulg.); Museo Metropolitano de Arte

Tiahuanaco

• Primer plano de una cabeza de espiga de piedra tallada incrustada en la pared del templo semisubterráneo de Tiwanaku
• Receptáculo antropomórfico
• Estela de Ponce en el patio hundido del templo Kalasasaya de Tiwanaku

Capulí

• Colgante; siglo IV-X; oro; altura: 14,6 cm (5 ³ ⁄ ₄ pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• placa en forma de cara; Siglo VII-XII; oro; diámetro: 1,9 cm (3 ⁵ ⁄ ₈ pulg.); Museo Metropolitano de Arte
• Mascador de coca en forma de figura masculina en un banco; Siglo IX-XV; cerámico; altura: 21,6 cm (8 ¹ ⁄ ₂ pulg.), ancho: 10,2 cm (4 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
• Cuenco sostenido por 3 figuras; 850–1500; cerámica resistente pintada; altura: 28,58 cm (11 ¹ ⁄ ₄ pulg.), diámetro del cuenco: 19,69 cm (7 ³ ⁄ ₄ pulg.); de Colombia; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE.UU.)

Imperio chimú

• Vestimenta de oro chimú, 1300 EC, Museo Larco, Lima, Perú
• Vasija de llama de cerámica, 1100–1400 d. C., Museo de América, Madrid, España
• Manto chimú, período intermedio tardío, 1000–1476 d. C., con pelícanos y atunes

Chancay

• Adorno de muñeca con cuentas, ca. 1100–1399 EC, cuentas de concha molidas a mano, cordaje, 4,25 pulgadas, Museo Metropolitano de Arte
• Fragmento de tapiz hendido con tejido excéntrico y flecos aplicados, 1000–1470, fibra de camélido y algodón, 16 ³ ⁄ ₄ x 18 pulg., Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• Buque; 1000–1470; loza, pintura antideslizante; altura: 29,6 cm (11,6 pulg.); diámetro: 12,1 cm (4,7 pulg.); Museo de Arte Walters

Inca

• Mural de oro martillado y repujado
• túnica inca
• Estatuillas incas de plata y oro, del Musee D'Auch

Amazonia

Tradicionalmente limitado en el acceso a la piedra y los metales, los pueblos indígenas amazónicos se destacan en el trabajo con plumas, la pintura, los textiles y la cerámica. Caverna da Pedra Pintada (Cueva de la Roca Pintada) en el estado de Pará en Brasil alberga el arte más antiguo de las Américas con fecha firme: pinturas rupestres que datan de hace 11.000 años. La cueva es también el sitio de la cerámica más antigua de América, del 5000 a.

La isla de Marajó, en la desembocadura del río Amazonas, fue un importante centro de tradiciones cerámicas desde el año 1000 d. C. y continúa produciendo cerámica en la actualidad, caracterizada por bases de color crema pintadas con diseños geométricos lineales de rojo, negro y blanco. resbalones

Con acceso a una amplia gama de especies de aves nativas, los pueblos indígenas amazónicos se destacan en el trabajo con plumas, creando tocados, joyas, ropa y abanicos de colores brillantes. Las alas de escarabajo iridiscentes se incorporan en aretes y otras joyas. El tejido y la cestería también prosperan en la Amazonía, como se observa entre los Urarina de Perú.

• Pintura rupestre, Parque Nacional Serra da Capivara
• Jarrón zoomorfo de cerámica, cultura Santarém, Museu Paraense Emílio Goeldi, Belém, Brasil
• Abalorios Tiriyó-Kaxuyana, Memorial dos Povos Indígenas, Brasilia
• Plumas y arte corporal enawene-nawe

Moderno y contemporáneo

Comienzos del arte nativo americano contemporáneo

Determinar con precisión el momento exacto del surgimiento del arte nativo "moderno" y contemporáneo es problemático. En el pasado, los historiadores del arte occidental han considerado el uso de los medios artísticos occidentales o la exhibición en el ámbito artístico internacional como criterios para la historia del arte nativo americano "moderno". La historia del arte de los nativos americanos es una disciplina académica nueva y muy disputada, y estos puntos de referencia eurocéntricos se siguen cada vez menos en la actualidad. Muchos medios considerados apropiados para el arte de caballete fueron empleados por artistas nativos durante siglos, como la escultura en piedra y madera y la pintura mural. Los artistas Pueblo Ancestral pintaban con témpera sobre tejido de algodón, hace al menos 800 años.Ciertos artistas nativos utilizaron materiales de arte no indios tan pronto como estuvieron disponibles. Por ejemplo, el artista texcocano Fernando de Alva Cortés Ixtlilxóchitl pintó con tinta y acuarela sobre papel a finales del siglo XVI. Encuadernados en el Codex Ixtlilxóchitl, estos retratos de líderes históricos texcocanos están representados con sombreado, modelado y precisión anatómica. La Escuela de Cuzco del Perú contó con pintores de caballete quechua en los siglos XVII y XVIII. Los primeros gabinetes de curiosidades del siglo XVI, precursores de los museos modernos, presentaban arte nativo americano.

La noción de que las bellas artes no pueden ser funcionales no ha ganado una aceptación generalizada en el mundo del arte de los nativos americanos, como lo demuestra la alta estima y el valor que se otorga a las alfombras, mantas, cestería, armas y otros artículos utilitarios en las exposiciones de arte de los nativos americanos. Una dicotomía entre las bellas artes y la artesanía no se encuentra comúnmente en el arte nativo contemporáneo. Por ejemplo, la Nación Cherokee honra a sus mejores artistas como Living Treasures, incluidos los fabricantes de ranas y peces, talladores de pedernal y tejedores de cestas, junto con escultores, pintores y artistas textiles. La historiadora del arte Dawn Ades escribe: "Lejos de ser artesanías inferiores o puramente decorativas, como los textiles o la cerámica, siempre han tenido la posibilidad de ser portadoras de conocimientos, creencias y mitos vitales".

Los mercados de arte reconocibles entre nativos y no nativos surgieron tras el contacto, pero las décadas de 1820 y 1840 fueron una época muy prolífica. En el noroeste del Pacífico y la región de los Grandes Lagos, las tribus que dependían del comercio de pieles, que disminuía rápidamente, adoptaron la producción artística como medio de apoyo financiero. Un movimiento de pintura conocido como la Escuela Realista Iroquesa surgió entre los Haudenosaunee en Nueva York en la década de 1820, encabezado por los hermanos David y Dennis Cusick.

El escultor africano-ojibwe, Edmonia Lewis, mantuvo un estudio en Roma, Italia, y esculpió a escultores de mármol neoclásicos de las décadas de 1860 y 1880. Su madre pertenecía a la banda Mississauga de la Reserva India Credit River. Lewis exhibió ampliamente, y un testimonio de su popularidad durante su propio tiempo fue que el presidente Ulysses S. Grant le encargó tallar su retrato en 1877.

Angel De Cora, artista de Ho-Chunk, fue la artista nativa americana más conocida antes de la Primera Guerra Mundial. La llevaron de su reserva y su familia al Instituto Hampton, donde comenzó su larga formación artística formal. Activa en el movimiento Arts and Crafts, De Cora exhibió sus pinturas y diseño ampliamente e ilustró libros de autores nativos. Se esforzó por ser tribalmente específica en su trabajo y fue revolucionaria al retratar a los indios con ropa contemporánea de principios del siglo XX. Enseñó arte a jóvenes estudiantes nativos en la Escuela Industrial India de Carlisle y fue una abierta defensora del arte como un medio para que los nativos americanos mantuvieran el orgullo cultural, mientras encontraban un lugar en la sociedad en general.

Los Kiowa Six, un grupo de pintores Kiowa de Oklahoma, tuvieron éxito internacional cuando su mentor, Oscar Jacobson, mostró sus pinturas en la Primera Exposición Internacional de Arte en Praga, Checoslovaquia en 1928. También participaron en la Bienal de Venecia de 1932, donde su arte La exhibición, según Dorothy Dunn, "fue aclamada como la exhibición más popular entre todas las exhibiciones ricas y variadas reunidas".

El Mercado Indígena de Santa Fe comenzó en 1922. John Collier se convirtió en Comisionado de Asuntos Indígenas en 1933 y revirtió temporalmente las políticas de asimilación de la BIA fomentando las artes y la cultura de los nativos americanos. En ese momento, las exhibiciones de arte de los nativos americanos y el mercado del arte aumentaron, ganando audiencias más amplias. En las décadas de 1920 y 1930, los movimientos artísticos indigenistas florecieron en Perú, Ecuador, Bolivia y México, siendo los más famosos los movimientos muralistas mexicanos.

Cestería

La cestería es una de las formas de arte más antiguas y difundidas en las Américas. Desde cestas enrolladas de hierba de lyme marina en Nunavut hasta cestas de corteza en Tierra del Fuego, los artistas nativos tejen cestas con una amplia gama de materiales. Por lo general, las canastas están hechas de fibras vegetales, pero los Tohono O'odham son conocidos por sus canastas de crin de caballo y los artistas inupiaq tejen canastas con barbas, placas filtrantes de ciertas ballenas.Kelly Church de Grand Traverse Band, Wasco-Wishram Pat Gold y Eastern Band Cherokee Joel Queen tejen canastas con láminas de cobre o alambre, y la artista conceptual de Mi'kmaq-Onondaga, Gail Tremblay, teje canastas con los patrones de fantasía tradicionales de sus tribus a partir de películas expuestas.. La cestería puede tomar muchas formas. La artista haida Lisa Telford usa corteza de cedro para tejer canastas funcionales tradicionales y vestidos de noche de cedro poco prácticos pero hermosos y zapatos de tacón alto.

Una variedad de pastos nativos proporciona material para las canastas árticas, al igual que las barbas, que es un desarrollo del siglo XX. Las cestas de barbas suelen estar adornadas con tallas de marfil de morsa.La corteza de cedro se usa a menudo en cestas costeras del noroeste. A lo largo de los Grandes Lagos y el noreste, la ceniza negra y el pasto dulce se tejen en un trabajo elegante, con puntas de "puercoespín" o decorados como fresas. Las canastas de corteza son tradicionales para recolectar bayas. La caña de río es el material preferido en el sureste, y las chitimachas son consideradas las mejores tejedoras de caña de río. En Oklahoma, la caña de río es apreciada pero rara, por lo que las cestas suelen estar hechas de madreselva o estolones. Las cestas enrolladas son populares en el suroeste y los Hopi y Apache en particular son conocidos por sus placas pictóricas de cestería enrollada. Los Tohono O'odham son bien conocidos por su destreza en la cestería, como lo demuestra el éxito de Annie Antone y Terrol Dew Johnson.

Las tribus de California y Great Basin se consideran algunas de las mejores tejedoras de cestas del mundo. Juncus es un material común en el sur de California, mientras que también se utilizan juncia, sauce, capullo rojo y garra del diablo. Se sabe que los tejedores de cestas pomo tejen entre 60 y 100 puntadas por pulgada y sus cestas redondeadas y enrolladas adornadas con moños de codorniz, plumas, abulón y discos de concha se conocen como "cestas del tesoro". Tres de las tejedoras de cestas más célebres de California fueron Elsie Allen (Pomo), Laura Somersal (Wappo) y la difunta curandera Pomo-Patwin, Mabel McKay, conocida por su biografía, Tejiendo el sueño. Louisa Keyser fue una tejedora de cestas de Washoe muy influyente.

Las tribus choctaw, cherokee, chitimacha, tarahumara y venezolana comparten una técnica compleja llamada "tejido doble", que consiste en tejer continuamente tanto una superficie interior como exterior. Mike Dart, Cherokee Nation, es un practicante contemporáneo de esta técnica. Los tarahumaras o rarámuris de las Barrancas del Cobre, México, suelen tejer con agujas de pino y sotol. En Panamá, los pueblos Embera-Wounaan son famosos por sus canastas pictóricas de palma chunga, conocidas como hösig di, coloreadas con un vívido espectro completo de tintes naturales.

Los tejedores de cestas yanomamo de la Amazonía venezolana pintan sus bandejas tejidas y cestas de carga con diseños geométricos en carbón y sobre una baya roja. Mientras que en la mayoría de las tribus los tejedores de canastas son a menudo mujeres, entre la tribu Waura en Brasil, los hombres tejen canastas. Tejen una amplia gama de estilos, pero los más grandes se llaman mayaku, que pueden medir dos pies de ancho y presentan tejidos ajustados con una impresionante variedad de diseños.

Hoy en día, la cestería a menudo conduce al activismo ambiental. La fumigación indiscriminada de pesticidas pone en peligro la salud de los cesteros. El fresno negro, utilizado por los tejedores de cestas desde Michigan hasta Maine, está amenazado por el barrenador esmeralda del fresno. La cestera Kelly Church ha organizado dos conferencias sobre la amenaza y enseña a los niños cómo cosechar semillas de fresno negro. Muchas plantas nativas que usan los cesteros están en peligro de extinción. Rivercane solo crece en el 2% de su territorio original. Shawna Cain, tejedora de cestas y etnobotánica cherokee, está trabajando con su tribu para formar la Sociedad de Plantas Nativas de la Nación Cherokee.El tejedor de cestas Tohono O'odham, Terrol Dew Johnson, conocido por su uso experimental de calabazas, hierba de oso y otras plantas del desierto, se interesó por las plantas nativas y fundó Tohono O'odham Community Action, que proporciona alimentos silvestres tradicionales del desierto para su tribu.

Trabajo de perlas

Beadwork es una forma de arte nativa americana por excelencia, pero, irónicamente, utiliza cuentas importadas de Europa y Asia. Las cuentas de vidrio se han utilizado durante casi cinco siglos en las Américas. Hoy florece una amplia gama de estilos de abalorios.

En los Grandes Lagos, las monjas ursulinas introdujeron patrones florales en las tribus, que rápidamente los aplicaron a los trabajos con abalorios. Las tribus de los Grandes Lagos son conocidas por sus bandoleras, que pueden tardar un año entero en completarse. Durante el siglo XX, las tribus de Plateau, como los Nez Perce, perfeccionaron el trabajo de cuentas de estilo de contorno, en el que las líneas de cuentas se cosen para enfatizar las imágenes pictóricas. Las tribus de las llanuras son maestras en abalorios, y hoy en día, los atuendos de baile para hombres y mujeres presentan una variedad de estilos de abalorios. Mientras que las tribus de las llanuras y las mesetas son famosas por sus adornos de cuentas para caballos, las tribus subárticas, como los dene, cuentan con lujosas mantas florales para perros.Las tribus orientales tienen una estética de abalorios completamente diferente, y las tribus innu, mi'kmaq, penobscot y haudenosaunee son conocidas por sus motivos de volutas simétricas en abalorios blancos, llamados "doble curva". Los iroqueses también son conocidos por sus cuentas "en relieve" en las que las cuerdas tensaban las cuentas para que emergieran de la superficie, creando un bajorrelieve. Tammy Rahr (Cayuga) es una practicante contemporánea de este estilo. Los artistas Zuni han desarrollado una tradición de esculturas tridimensionales con cuentas.

Los indios huicholes de Jalisco y Nayarit, México, tienen un enfoque único para el trabajo con cuentas. Adhieren cuentas, una por una, a una superficie, como madera o una calabaza, con una mezcla de resina y cera de abejas.

La mayoría de los trabajos de abalorios nativos se crean para uso tribal, pero los trabajadores de abalorios también crean trabajos conceptuales para el mundo del arte. Richard Aitson (Kiowa-Apache) tiene una audiencia india y no india para su trabajo y es conocido por sus cradleboards completamente adornados con cuentas. Otra trabajadora de abalorios de Kiowa, Teri Greeves, ha ganado los máximos honores por su trabajo con abalorios, que integra conscientemente motivos tradicionales y contemporáneos, como bailarinas con abalorios en zapatillas altas Converse. Greeves también cuenta con cuentas en piel de ante y explora temas como la guerra o los derechos de voto de los nativos americanos.

Marcus Amerman, Choctaw, uno de los artistas de abalorios más célebres de la actualidad, fue pionero en un movimiento de retratos con abalorios de gran realismo. Su imaginería abarca desde líderes nativos del siglo XIX hasta íconos del pop como Janet Jackson y Brooke Shields.

Roger Amerman, el hermano de Marcus, y Martha Berry, Cherokee, han revivido efectivamente el trabajo con cuentas del sureste, un estilo que se había perdido debido a la expulsión forzosa de las tribus al territorio indio. Su trabajo con cuentas generalmente presenta contornos de cuentas blancas, un eco de las cuentas de concha o perlas que las tribus del sureste usaban antes del contacto.

Jamie Okuma (Luiseño-Shoshone-Bannock) ganó los principales premios con sus muñecos de cuentas, que pueden incluir familias enteras o caballos y jinetes, todos con insignias totalmente adornadas con cuentas. Las cuentas venecianas antiguas que usa pueden tener un tamaño tan pequeño como 22°, aproximadamente del tamaño de un grano de sal. Juanita Growing Thunder Fogarty, Rhonda Holy Bear y Charlene Holy Bear también son fabricantes destacados de muñecas con cuentas.

La gran popularidad de las cuentas de vidrio no significa que la fabricación de cuentas por parte de los aborígenes esté muerta. Quizás la cuenta nativa más famosa sea el wampum, un tubo cilíndrico de concha de quahog o buccino. Ambos caparazones producen cuentas blancas, pero solo partes del quahog producen púrpura. Estos son ceremonial y políticamente importantes para una variedad de tribus del noreste de Woodland. Elizabeth James Perry (Aquinnah Wampanoag-Eastern Band Cherokee) crea joyas de wampum en la actualidad, incluidos cinturones de wampum.

Cerámica

La cerámica se ha creado en las Américas durante los últimos 8000 años, como lo demuestra la cerámica encontrada en Caverna da Pedra Pintada en el corazón de la Amazonía brasileña. La isla de Marajó en Brasil sigue siendo un importante centro de arte cerámico en la actualidad. En México, la cerámica de Mata Ortiz continúa la antigua tradición de Casas Grandes de cerámica policromada. Juan Quezada es uno de los principales alfareros de Mata Ortiz.

En el sureste, la tribu Catawba es conocida por su cerámica moteada de color canela y negro. La cerámica de Eastern Band Cherokees tiene influencias de Catawba. En Oklahoma, los cherokees perdieron sus tradiciones alfareras hasta que Anna Belle Sixkiller Mitchell los revivió. La tradición alfarera de siglos de la tribu Caddo se había extinguido a principios del siglo XX, pero Jereldine Redcorn la ha revivido de manera efectiva.

La gente de Pueblo es particularmente conocida por sus tradiciones cerámicas. Nampeyo (c. 1860 - 1942) fue una alfarera hopi que colaboró ​​con antropólogos para revivir formas y diseños tradicionales de cerámica, y muchos de sus parientes son alfareros exitosos en la actualidad. María y Julián Martínez, ambos de San Ildefonso Pueblo, revivieron la tradición de la cerámica negra de su tribu a principios del siglo XX. Julian inventó un estilo de blackware brillante y mate por el que su tribu todavía es conocida hoy en día. Lucy Lewis (1898–1992) de Acoma Pueblo ganó reconocimiento por sus cerámicas en blanco y negro a mediados del siglo XX. Cochiti Pueblo era conocido por sus figurillas grotescas a principios del siglo XX, y Virgil Ortiz las revivió. La alfarera cochití Helen Cordero (1915–1994) inventó las figuras de narradores, que presentan un gran

Si bien los alfareros del norte no son tan conocidos como sus contrapartes del sur, las artes cerámicas se extienden tan al norte como el Ártico. La alfarera inuit Makituk Pingwartok de Cape Dorset usa un torno de alfarero para crear su cerámica ganadora de premios.

Hoy en día, los alfareros nativos contemporáneos crean una amplia gama de cerámicas, desde cerámica funcional hasta esculturas monumentales de cerámica. Roxanne Swentzell de Santa Clara Pueblo es una de las principales ceramistas de las Américas. Ella crea figuras cargadas emocionalmente y construidas en espiral que comentan sobre la sociedad contemporánea. Nora Naranjo-Morse, también de Santa Clara Pueblo, es reconocida mundialmente por sus figuras individuales, así como por sus instalaciones conceptuales con cerámica. Diego Romero de Cochiti Pueblo es conocido por sus cuencos de cerámica, pintados con escenas satíricas que combinan imágenes de la cultura ancestral, griega y pop. Cientos más de ceramistas nativos contemporáneos están llevando la cerámica en nuevas direcciones.

Joyas

• Peineta de plata alemana, de Bruce Caeser (Pawnee/Sac & Fox), Oklahoma, 1984, Sociedad Histórica de Oklahoma
• Corbata de bolo superpuesta en plata de Tommy Singer (Navajo), Nuevo México, c. 1980
• Hebilla de cinturón de plata estampada Navajo, colección de Woolaroc
• Gorjal de concha tallado por Benny Pokemire (Eastern Band Cherokee)

Arte de performance

La performance es una nueva forma de arte que surgió en la década de 1960 y, por lo tanto, no lleva el bagaje cultural de muchos otros géneros artísticos. Las artes escénicas pueden inspirarse en las tradiciones narrativas, así como en la música y la danza, y con frecuencia incluyen elementos de instalación, video, cine y diseño textil. Rebecca Belmore, artista de performance canadiense Ojibway, ha representado a su país en la prestigiosa Bienal de Venecia. James Luna, artista de performance luiseño-mexicano, también participó en la Bienal de Venecia en 2005, en representación del Museo Nacional del Indio Americano.

La interpretación permite a los artistas confrontar a su audiencia directamente, desafiar los estereotipos arraigados y plantear problemas actuales, a menudo de una manera cargada de emociones. "[L]a gente simplemente aúlla en sus asientos, y hay despotricaciones, abucheos o silbidos en la audiencia", dice Rebecca Belmore sobre la respuesta a su trabajo. Ha creado actuaciones para llamar la atención sobre la violencia y muchos asesinatos sin resolver de mujeres de las Primeras Naciones. Tanto Belmore como Luna crean atuendos y accesorios elaborados, a menudo extravagantes, para sus actuaciones y se mueven a través de una variedad de personajes. Por ejemplo, un personaje repetido de Luna es el tío Jimmy, un veterano discapacitado que critica la codicia y la apatía en su reserva.

Por otro lado, Marcus Amerman, un artista de performance Choctaw, mantiene un papel constante del Hombre Búfalo, cuya ironía y comentario social surgen de las extrañas situaciones en las que se encuentra, por ejemplo, una película de James Bond o perdido en un laberinto del desierto.. Jeff Marley, Cherokee, se basa en la tradición del "baile del moco" para crear intervenciones subversivas, pero humorísticas, que toman en cuenta la historia y el lugar.

Erica Lord, Inupiaq-Athabaskan, explora su identidad mestiza y los conflictos sobre las ideas del hogar a través de su arte escénico. En sus palabras, "Para mantener un yo genuino, creo un mundo en el que cambio para convertirme en una o todas mis múltiples visiones del yo". Ella ha bronceado frases en su piel, se ha puesto disfraces transculturales y de géneros cruzados, e incorporado canciones, que van desde el canto de garganta Inupiaq hasta rimas infantiles racistas en su trabajo.

Una cooperativa boliviana anarcofeminista, Mujeres Creando o "Mujeres Creando" presenta a muchos artistas indígenas. Crean actuaciones públicas o teatro callejero para llamar la atención sobre los derechos de las mujeres, los pueblos indígenas y las lesbianas, así como sobre cuestiones contra la pobreza. Julieta Paredes, María Galindo y Mónica Mendoza son socias fundadoras.

El arte escénico ha permitido a los nativos americanos acceder al mundo del arte internacional, y Rebecca Belmore menciona que su público no es nativo; sin embargo, las audiencias de nativos americanos también responden a este género. Bringing It All Back Home, una colaboración cinematográfica de 1997 entre James Luna y Chris Eyre, documenta la primera actuación de Luna en su propia casa, la reserva india de La Jolla. Luna describe la experiencia como "probablemente el momento más aterrador de mi vida como artista... actuando para los miembros de mi reserva en el salón tribal".

Fotografía

Los nativos americanos adoptaron la fotografía en el siglo XIX. Algunos incluso tenían sus propios estudios de fotografía, como Benjamin Haldane (1874–1941), Tsimshian de Metlakatla Village en Annette Island, Alaska,Jennie Ross Cobb (Nación Cherokee, 1881–1959) de Park Hill, Oklahoma, y ​​Richard Throssel (Cree, 1882–1933) de Montana. Sus primeras fotografías contrastan marcadamente con las imágenes románticas de Edward Curtis y otros contemporáneos. La beca de Mique'l Askren (Tsimshian/Tlingit) sobre las fotografías de BA Haldane ha analizado las funciones que las fotografías de Haldane sirvieron para su comunidad: como marcadores de éxito al tomar retratos formales de estilo anglosajón, y como marcadores de la continuidad del potlatching y ceremoniales tradicionales al tomarse fotografías con atuendos ceremoniales. Esta segunda categoría es particularmente significativa porque el uso de las insignias ceremoniales fue ilegal en Canadá entre 1885 y 1951.

Martín Chambi (quechua, 1891–1973), fotógrafo de Perú, fue uno de los fotógrafos indígenas pioneros de América del Sur. Peter Pitseolak (Inuk, 1902–1973), de Cape Dorset, Nunavut, documentó la vida de los inuit a mediados del siglo XX mientras enfrentaba los desafíos que presentaban el clima riguroso y las condiciones de luz extrema del Ártico canadiense. Él mismo reveló su película en su iglú, y algunas de sus fotos fueron tomadas con lámparas de aceite. Siguiendo los pasos de los primeros fotógrafos aficionados de Kiowa, Parker McKenzie (1897–1999) y Nettie Odlety McKenzie (1897–1978), Horace Poolaw (Kiowa, 1906–1984) tomó más de 2000 imágenes de sus vecinos y parientes en el oeste de Oklahoma desde la década de 1920. adelante. Jean Fredericks (Hopi,

Hoy en día, innumerables indígenas son fotógrafos artísticos profesionales; sin embargo, la aceptación del género se ha enfrentado a desafíos. Hulleah Tsinhnahjinnie (Navajo/Muscogee/Seminole) no solo ha establecido una exitosa carrera con su propio trabajo, sino que también ha sido una defensora de todo el campo de la fotografía de nativos americanos. Ha curado espectáculos y organizado conferencias en el Museo CN Gorman en UC Davis con fotógrafos nativos americanos. Tsinhnahjinnie escribió el libro, Nuestra gente, nuestra tierra, nuestras imágenes: Fotógrafos indígenas internacionales. Los fotógrafos nativos han llevado sus habilidades a los campos de la videografía artística, el fotocollage, la fotografía digital y el arte digital.

Grabado

Aunque se especula ampliamente que las antiguas tablillas de piedra de Adena se usaron para hacer grabados, no se sabe mucho sobre el grabado de los aborígenes estadounidenses. Los artistas nativos del siglo XX han tomado prestadas técnicas de Japón y Europa, como xilografía, linóleo, serigrafía, monotipia y otras prácticas.

El grabado ha florecido especialmente entre las comunidades inuit. El europeo-canadiense James Houston creó un programa de artes gráficas en Cape Dorset, Nunavut en 1957. Houston enseñó a los talladores de piedra inuit locales cómo crear grabados a partir de bloques de piedra y plantillas. Pidió a los artistas locales que hicieran dibujos y la tienda generó impresiones de edición limitada, basadas en el sistema de talleres ukiyo-e de Japón. También se establecieron imprentas cooperativas en comunidades cercanas, incluidas Baker Lake, Puvirnituq, Holman y Pangnirtung. Estos talleres han experimentado con aguafuerte, grabado, litografía y serigrafía. Las tiendas producían catálogos anuales que anunciaban sus colecciones. Las aves y los animales locales, los seres espirituales y las escenas de caza son los temas más populares, pero son de naturaleza alegórica.Los fondos tienden a ser mínimos y la perspectiva es mixta. Uno de los artistas más destacados de Cape Dorset es Kenojuak Ashevak (nacido en 1927), que ha recibido numerosos encargos públicos y dos doctorados honorarios. Otros destacados grabadores y artistas gráficos inuit incluyen a Parr, Osuitok Ipeelee, Germaine Arnaktauyok, Pitseolak Ashoona, Tivi Etok, Helen Kalvak, Jessie Oonark, Kananginak Pootoogook, Pudlo Pudlat, Irene Avaalaaqiaq Tiktaalaaq y Simon Tookoome. El grabador inuit Andrew Qappik diseñó el escudo de armas de Nunavut.

Muchos pintores nativos transformaron sus pinturas en grabados de bellas artes. El artista potawatomi Woody Crumbo creó audaces serigrafías y grabados a mediados del siglo XX que combinaban el tradicional estilo bacone plano con influencias art déco. Pintor Kiowa-Caddo-Choctaw, TC Cannon viajó a Japón para estudiar la impresión de bloques de madera de maestros impresores.

En Chile, el grabador mapuche Santos Chávez (1934–2001) fue uno de los artistas más célebres de su país, con más de 85 exposiciones individuales durante su vida.

Melanie Yazzie (Navajo), Linda Lomahaftewa (Hopi-Choctaw), Fritz Scholder y Debora Iyall (Cowlitz) han desarrollado carreras exitosas con su impresión y han enseñado a la próxima generación de impresores. El artista de Walla Walla, James Lavadour, fundó el Crow's Shadow Institute of the Arts en la reserva de Umatilla en Oregón en 1992. Crow's Shadow cuenta con un estudio de grabado de última generación y ofrece talleres, espacios de exhibición y residencias de grabado para artistas nativos, en en el que emparejan a artistas visitantes con maestros impresores.

Escultura

Los nativos americanos han creado esculturas, tanto monumentales como pequeñas, durante milenios. Las esculturas de piedra son omnipresentes en las Américas, en forma de estelas, inuksuit y estatuas. La talla de piedra de alabastro es popular entre las tribus occidentales, donde la talla de catlinita es tradicional en las Llanuras del Norte y la talla de fetiches es tradicional en el suroeste, particularmente entre los Zuni. Los taínos de Puerto Rico y la República Dominicana son conocidos por sus zemis, esculturas sagradas de piedra de tres puntas.

Los artistas inuit esculpen con marfil de morsa, cuernos de caribú, huesos, esteatita, serpentinita y argilita. A menudo representan la fauna local y los seres humanos dedicados a la caza o actividades ceremoniales.

Edmonia Lewis allanó el camino para que los artistas nativos americanos esculpieran en las tradiciones principales utilizando materiales no nativos. Allan Houser (Warms Springs Chiricahua Apache) se convirtió en uno de los escultores nativos más destacados del siglo XX. Aunque trabajó en madera y piedra, Houser es más conocido por sus monumentales escultores de bronce, tanto representativos como abstractos. Houser influyó en una generación de escultores nativos enseñando en el Instituto de Artes Indígenas Americanas. Sus dos hijos, Phillip y Bob Haozous, son escultores en la actualidad. Roxanne Swentzell (Pueblo de Santa Clara) es conocida por sus esculturas de cerámica expresivas y figurativas, pero también se ha ramificado en la fundición de bronce, y su trabajo se exhibe permanentemente en el Museo Nacional del Indio Americano.

Las tribus de la costa noroeste son conocidas por sus tallas en madera, más famosas por sus tótems monumentales que muestran las crestas de los clanes. Durante el siglo XIX y principios del siglo XX, esta forma de arte estuvo amenazada pero efectivamente revivió. Los talladores de tótems kwakwaka'wakw como Charlie James, Mungo Martin, Ellen Neel y Willie Seaweed mantuvieron vivo el arte y también tallaron máscaras, muebles, cajas de madera curvada y joyas. Los talladores de haida incluyen a Charles Edenshaw, Bill Reid y Robert Davidson. Además de trabajar en madera, Haida también trabaja con argilita. Los diseños de líneas tradicionales se traducen bien en la escultura de vidrio, que es cada vez más popular gracias a los esfuerzos de artistas contemporáneos del vidrio como Preston Singletary (Tlingit), Susan Point (Coast Salish) y Marvin Oliver (Quinault/Isleta Pueblo).

En el sureste, el tallado en madera domina la escultura. Willard Stone, de ascendencia cherokee, expuso internacionalmente a mediados del siglo XX. Amanda Crowe (Eastern Band Cherokee) estudió escultura en el Instituto de Arte de Chicago y regresó a su reserva para enseñar tallado en madera a más de 2000 estudiantes durante un período de 40 años, asegurando que la escultura prospere como una forma de arte en el límite de Qualla.

• Por la vida en todas las direcciones, Roxanne Swentzell (Santa Clara Pueblo), bronce, NMAI
• Tallado en madera tradicional Pai Tavytera, Departamento de Amambay, Paraguay, 2008
• Each/Other de Marie Watt y Cannupa Hanska Luger, 2021

Textiles

Se han desenterrado fibras que datan de hace 10.000 años en la cueva de Guitarrero en Perú. El algodón y la lana de alpaca, llamas y vicuñas se han tejido en textiles elaborados durante miles de años en los Andes y todavía son partes importantes de la cultura quechua y aymara en la actualidad. Coroma en la provincia de Antonio Quijarro, Bolivia es un importante centro de producción textil ceremonial. Un anciano aymara de Coroma dijo: “En nuestros tejidos sagrados se encuentran expresiones de nuestra filosofía, y la base de nuestra organización social... Los tejidos sagrados también son importantes para diferenciar a una comunidad, o grupo étnico, de un grupo vecino... "

Los miembros de las tribus kuna de Panamá y Colombia son famosos por sus molas, paneles de algodón con elaborados diseños geométricos creados mediante una técnica de aplicación inversa. Los diseños se originaron a partir de diseños tradicionales de pintura en la piel, pero hoy exhiben una amplia gama de influencias, incluida la cultura pop. Dos paneles de mola forman una blusa, pero cuando una mujer Kuna está cansada de una blusa, puede desarmarla y vender las molas a los coleccionistas de arte.

Las mujeres mayas han tejido algodón con telares de cintura durante siglos, creando artículos como huipiles o blusas tradicionales. Elaborados textiles mayas presentaban representaciones de animales, plantas y figuras de la historia oral. Organizarse en colectivos de tejedores ha ayudado a las mujeres mayas a ganar más dinero por su trabajo y a expandir enormemente el alcance de los textiles mayas en el mundo.

Las costureras seminolas, al obtener acceso a las máquinas de coser a finales del siglo XIX y principios del XX, inventaron una elaborada tradición de patchwork con apliques. El mosaico seminola, por el que se conoce a la tribu en la actualidad, floreció por completo en la década de 1920.

Las tribus de los Grandes Lagos y las Praderas son conocidas por sus cintas, que se encuentran en la ropa y las mantas. Se cortan tiras de cintas de seda y se aplican en capas, creando diseños definidos por el espacio negativo. Los colores y diseños pueden reflejar el clan o el género del usuario. Powwow y otros atuendos de baile de estas tribus a menudo presentan cintas. Estas tribus también son conocidas por sus fajas tejidas con los dedos.

Los hombres de Pueblo tejen con algodón en telares verticales. Sus mantas y fajas se fabrican típicamente para uso ceremonial de la comunidad, no para coleccionistas externos.

Las alfombras navajo son tejidas por mujeres navajo hoy en día con ovejas navajo-churro o lana comercial. Los diseños pueden ser pictóricos o abstractos, basados ​​en diseños tradicionales navajos, españoles, orientales o persas. Los tejedores navajos del siglo XX incluyen a Clara Sherman y Hosteen Klah, quienes cofundaron el Museo Wheelwright de los indios americanos.

En 1973, el Departamento de Estudios Navajo del Diné College en Many Farms, Arizona, quería determinar cuánto tiempo le tomaba a un tejedor Navajo crear una alfombra o manta desde la esquila de ovejas hasta el mercado. El estudio determinó que la cantidad total de tiempo fue de 345 horas. De estas 345 horas, el experto tejedor navajo necesitaba: 45 horas para esquilar las ovejas y procesar la lana; 24 horas para hilar la lana; 60 horas para preparar el tinte y teñir la lana; 215 horas para tejer la pieza; y solo una hora para vender el artículo en su tienda.

Los textiles consuetudinarios de los pueblos de la costa noroeste que utilizan materiales y técnicas no occidentales están disfrutando de un renacimiento dramático. El tejido Chilkat y el tejido Ravenstail se consideran algunas de las técnicas de tejido más difíciles del mundo. Una sola manta Chilkat puede tardar un año entero en tejerse. En ambas técnicas, la lana de perro, cabra montés u oveja y la corteza de cedro triturada se combinan para crear textiles con diseños de formas curvilíneas. La tejedora tlingit Jennie Thlunaut (1982–1986) fue fundamental en este renacimiento.

Los artistas textiles experimentales del siglo XXI incluyen a Lorena Lemunguier Quezada, una tejedora mapuche de Chile, y Martha Gradolf (Winnebago), cuyo trabajo es de naturaleza abiertamente política. Valencia, Joseph y Ramona Sakiestewa (Hopi) y Melissa Cody (Navajo) exploran la abstracción no figurativa y utilizan materiales experimentales en su tejido.

Sensibilidad cultural y repatriación

Como en la mayoría de las culturas, los pueblos nativos crean algunas obras que deben usarse solo en ceremonias sagradas y privadas. Muchos objetos sagrados o artículos que contienen medicina deben ser vistos o tocados por ciertas personas con conocimientos especializados. Muchas figuras de katsina Pueblo y Hopi (tihü en Hopi y kokko en Zuni) y las insignias de katsinam no deben ser vistas por personas que no hayan recibido instrucción sobre esa katsina en particular. Muchas instituciones no los muestran públicamente por respeto a los tabúes tribales.

Los rollos de corteza de abedul de Midewiwin se consideran demasiado sensibles desde el punto de vista cultural para exhibirlos en público, al igual que los fardos de medicinas, ciertas pipas sagradas y bolsas para pipas, y otras herramientas de los curanderos.

La pintura de arena navajo es un componente para las ceremonias de curación, pero las pinturas de arena se pueden convertir en arte permanente que es aceptable para vender a los no nativos, siempre que no se represente a las personas santas. Varias tribus prohíben la fotografía de muchas ceremonias sagradas, como solía ser el caso en muchas culturas occidentales. Como varios de los primeros fotógrafos violaron las leyes locales, las fotografías de ceremonias delicadas están en circulación, pero las tribus prefieren que no se muestren. Lo mismo puede decirse de las fotografías o bocetos del contenido de los paquetes de medicamentos.

Dos líderes Mohawk demandaron a un museo, tratando de quitar una máscara de la False Face Society o Ga:goh:sah de una exhibición porque "era un objeto de medicina destinado a ser visto solo por miembros de la comunidad y su exhibición pública causaría un daño irreparable a la comunidad". mohicano". El Gran Consejo de Haudenosaunee ha dictaminado que tales máscaras no están a la venta o exhibición pública, ni tampoco las máscaras de la Corn Husk Society.

Las tribus y los individuos dentro de las tribus no siempre están de acuerdo sobre lo que es o no apropiado mostrar al público. Muchas instituciones no exhiben insignias de Ghost Dance. A pedido de los líderes tribales, el Museo de Brooklyn se encuentra entre los que no exhiben escudos de guerreros de las Llanuras o "artefactos imbuidos con el poder de un guerrero". Muchas tribus no quieren ajuar funerario o elementos asociados con los entierros, como urnas funerarias, en museos, y muchas quisieran que los ajuares funerarios asociados se vuelvan a enterrar. El proceso a menudo se facilita dentro de los Estados Unidos bajo la Ley de Protección y Repatriación de Tumbas de Nativos Americanos (NAGPRA). En Canadá, la repatriación se negocia entre las tribus y los museos oa través de las leyes de reclamos de tierras.En situaciones internacionales, las instituciones no siempre están legalmente obligadas a repatriar elementos culturales indígenas a su lugar de origen; algunos museos lo hacen voluntariamente, como la decisión de la Universidad de Yale de devolver 5000 artefactos y restos humanos a Cusco, Perú.

Representación del museo

Las artes indígenas americanas han tenido una larga y complicada relación con la representación en museos desde principios del siglo XX. En 1931, The Exposition of Indian Tribal Arts fue el primer espectáculo a gran escala que exhibió arte indígena. Su representación en los museos se hizo más común a finales del siglo XX como reacción al Movimiento por los Derechos Civiles. Con la creciente tendencia de representación en la atmósfera política, las voces de las minorías también ganaron más representación en los museos.

Aunque se exhibía arte indígena, las elecciones curatoriales sobre cómo exhibir su trabajo no siempre se hicieron con las mejores intenciones. Por ejemplo, las piezas de arte y los artefactos de los nativos americanos a menudo se muestran junto con huesos de dinosaurios, lo que implica que son personas del pasado e inexistentes o irrelevantes en el mundo actual. Los restos de nativos americanos estuvieron en exhibición en museos hasta la década de 1960.

Aunque muchos todavía no veían el arte de los nativos americanos como parte de la corriente principal a partir del año 1992, desde entonces ha habido un gran aumento en el volumen y la calidad tanto del arte como de los artistas nativos, así como de exposiciones y lugares, y curadores individuales.. Líderes como el director del Museo Nacional del Indio Americano insisten en que la representación de los nativos americanos se haga desde una perspectiva de primera mano. El establecimiento de museos como el Museo Heard y el Museo Nacional del Indígena Americano, que centraron la atención específicamente en las artes de los nativos americanos, permitió que un gran número de artistas nativos exhibieran y desarrollaran su trabajo.Durante cinco meses a partir de octubre de 2017, tres obras de arte de nativos americanos seleccionadas de la Colección Charles y Valerie Diker se exhibirán en el Ala Americana del Museo Metropolitano de Arte.

La representación museística de los artistas indígenas exige una gran responsabilidad por parte de los curadores y las instituciones museísticas. La Ley de Artes y Oficios Indígenas de 1990 prohíbe que los artistas no indígenas exhiban como artistas nativos americanos. Las instituciones y los curadores trabajan discutiendo a quién representar, por qué se los elige, cómo se ve el arte indígena y cuál es su propósito. Los museos, como instituciones educativas, dan luz a culturas y narrativas que de otro modo pasarían desapercibidas; brindan un foco de atención necesario y a quién eligen representar es fundamental para la historia de los artistas y la cultura representados.