Arte mexicano

Diversos tipos de artes visuales se desarrollaron en el área geográfica ahora conocida como México. El desarrollo de estas artes sigue aproximadamente la historia de México, dividida en la era mesoamericana prehispánica, el período colonial, con el período posterior a la Guerra de Independencia de México, el desarrollo de la identidad nacional mexicana a través del arte en el siglo XIX y el florecimiento de la cultura mexicana moderna. el arte después de la Revolución Mexicana (1910-1920).

El arte mesoamericano es el producido en un área que abarca gran parte de lo que ahora es el centro y el sur de México, antes de la conquista española del imperio azteca por un período de aproximadamente 3,000 años. El arte mexicano puede ser brillante y colorido, esto se llama encopado. Durante este tiempo, todas las influencias en la producción artística fueron indígenas, con el arte fuertemente ligado a la religión y la clase dominante. Había poca o ninguna distinción real entre el arte, la arquitectura y la escritura. La conquista española condujo a 300 años de dominio colonial español, y la producción de arte permaneció ligada a la religión; la mayor parte del arte estaba asociado con la construcción y decoración de iglesias, pero el arte secular se expandió en el siglo XVIII, en particular las pinturas de castas, los retratos y la pintura de historia.. Casi todo el arte producido estaba en la tradición europea,

Después de la Independencia, el estilo del arte siguió siendo muy europeo, pero los temas indígenas aparecieron en obras importantes a medida que el México liberal buscaba distinguirse de su pasado colonial español. Esta preferencia por los elementos indígenas continuó en la primera mitad del siglo XX, con el Realismo Social o movimiento muralista mexicano liderado por artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Fernando Leal, quienes fueron comisionados por los post- gobierno de la Revolución Mexicana para crear una narrativa visual de la historia y cultura mexicana.

La fuerza de este movimiento artístico fue tal que afectó las tecnologías recién inventadas, como la fotografía y el cine, y promovió fuertemente las artes y artesanías populares como parte de la identidad de México. Desde la década de 1950, el arte mexicano se ha separado del estilo muralista y se ha globalizado más, integrando elementos de Asia, con artistas y cineastas mexicanos teniendo un efecto en el escenario mundial.

Arte precolombino

Se cree que el arte rupestre más antiguo del continente americano, con 7500 años, se encuentra en una cueva de la península de Baja California.

El arte prehispánico de México pertenece a una región cultural conocida como Mesoamérica, que corresponde aproximadamente al centro de México en Centroamérica, que abarca tres mil años desde 1500 a. C. hasta 1500 d. C. generalmente dividido en tres eras: Preclásico, Clásico y Postclásico.. La primera cultura mesoamericana dominante fue la de los olmecas, que alcanzó su punto máximo alrededor del año 1200 a. Los olmecas originaron mucho de lo que se asocia con Mesoamérica, como la escritura jeroglífica, el calendario, los primeros avances en astronomía, la escultura monumental (cabezas olmecas) y el trabajo en jade.

Fueron precursores de culturas posteriores como la teotihuacana, al norte de la Ciudad de México, los zapotecas en Oaxaca y los mayas en el sur de México, Belice y Guatemala. Si bien los imperios surgieron y cayeron, los fundamentos culturales básicos de Mesoamérica se mantuvieron igual hasta la conquista española del Imperio Azteca. Estos incluían ciudades centradas en plazas, templos generalmente construidos sobre bases piramidales, canchas de pelota mesoamericanas y una cosmología mayoritariamente común.

Si bien las formas de arte como las pinturas rupestres y los grabados rupestres datan de antes, la historia conocida del arte mexicano comienza con el arte mesoamericano creado por culturas sedentarias que construyeron ciudades y, a menudo, dominios. Si bien el arte de Mesoamérica es más variado y se extiende por más tiempo que en cualquier otro lugar de las Américas, los estilos artísticos muestran una serie de similitudes.

A diferencia del arte occidental moderno, casi todo el arte mesoamericano se creó para satisfacer necesidades religiosas o políticas, en lugar de arte por el arte. Se basa fuertemente en la naturaleza, la realidad política circundante y los dioses. Octavio Paz afirma que "el arte mesoamericano es una lógica de formas, líneas y volúmenes que es a la vez una cosmología". Continúa afirmando que este enfoque en el espacio y el tiempo es muy distinto del naturalismo europeo basado en la representación del cuerpo humano. Incluso los diseños simples, como las grecas escalonadas de los edificios, entran en esta representación del espacio y el tiempo, la vida y los dioses.

El arte se expresó en una variedad de medios como la cerámica, el papel amate y la arquitectura. La mayor parte de lo que se conoce del arte mesoamericano proviene de obras que cubren edificios de piedra y cerámica, en su mayoría pinturas y relieves. La cerámica data de principios del período mesoamericano. Probablemente comenzaron como recipientes para cocinar y almacenar, pero luego se adaptaron a usos rituales y decorativos. La cerámica se decoraba mediante moldeado, rayado, pintura y diferentes métodos de cocción.

La producción puramente artística más antigua conocida fueron pequeñas figuras de cerámica que aparecieron en el área de Tehuacán alrededor del año 1500 a. C. y se extendieron a Veracruz, el Valle de México, Guerrero, Oaxaca, Chiapas y la costa del Pacífico de Guatemala. Las primeras de ellas son en su mayoría figuras femeninas, probablemente asociadas con ritos de fertilidad debido a sus caderas y muslos a menudo demasiado grandes, así como algunas con bebés en brazos o amamantando. Cuando aparecen figuras masculinas, la mayoría de las veces son soldados. La producción de estas figuras de cerámica, que luego incluirían animales y otras formas, siguió siendo una forma de arte importante durante 2000 años. En el período olmeca temprano, la mayoría eran pequeñas, pero se produjeron esculturas de cerámica a gran escala de hasta 55 cm.

Después del Preclásico medio, la escultura cerámica declinó en el centro de México excepto en la región de Chupícuaro. En las áreas mayas, el arte desaparece en el Preclásico tardío, para reaparecer en el Clásico, en su mayoría en forma de silbatos y otros instrumentos musicales. En algunas áreas, como partes de Veracruz, la creación de figuras de cerámica continuó ininterrumpidamente hasta la conquista española, pero como una artesanía, no como un arte formal.

La pintura mesoamericana se encuentra en diversas expresiones, desde murales, hasta la creación de códices y la pintura de objetos de cerámica. La evidencia de pintura se remonta al menos a 1800 a. C. y continúa ininterrumpidamente de una forma u otra hasta la llegada de los españoles en el siglo XVI. Aunque puede haber ocurrido antes, los primeros casos conocidos de pintura artística de edificios monumentales ocurren en el período Clásico temprano con los mayas en Uaxactun y Tikal, y en Teotihuacan con paredes pintadas en varios colores.

Las pinturas se elaboraban a partir de bases y pigmentos animales, vegetales y minerales. La mayoría de las pinturas se centran en una o más figuras humanas, que pueden ser realistas o estilizadas, masculinas, femeninas o asexuales. Pueden estar desnudos o ricamente ataviados, pero el estatus social de cada figura se indica de alguna manera. Las escenas a menudo representan la guerra, el sacrificio, los roles de los dioses o los actos de los nobles. Sin embargo, también se han encontrado algunas escenas comunes con personas comunes. Otros temas incluyeron dioses, símbolos y animales. La pintura mesoamericana era bidimensional sin esfuerzos para crear la ilusión de profundidad. Sin embargo, a menudo se representa el movimiento.

La escultura no cerámica en Mesoamérica comenzó con la modificación de huesos de animales, siendo la pieza más antigua conocida un cráneo de animal de Tequixquiac que data entre 10,000 y 8,000 a. La mayor parte de la escultura mesoamericana es de piedra; mientras que el trabajo de relieve en los edificios es el más dominante, también se realizó una escultura independiente. La escultura de piedra tridimensional independiente comenzó con los olmecas, siendo el ejemplo más famoso las cabezas de piedra olmecas gigantes. Este desapareció por el resto del período mesoamericano a favor del trabajo de relieve hasta el posclásico tardío con los aztecas.

La mayoría del trabajo en piedra durante el período mesoamericano está asociado con la arquitectura monumental que, junto con la pintura mural, se consideraba una parte integral de la arquitectura en lugar de estar separada. La arquitectura monumental se inició con los olmecas en el sur de Veracruz y la zona costera de Tabasco en lugares como San Lorenzo; grandes templos sobre bases piramidales aún se pueden ver en sitios como Montenegro, Chiapa de Corzo y La Venta. Esta práctica se extendió por la zona de Oaxaca y el Valle de México, apareciendo en ciudades como Monte Albán, Cuicuilco y Teotihuacan.

Estas ciudades tenían un núcleo de una o más plazas, con templos, palacios y juegos de pelota mesoamericanos. La alineación de estas estructuras se basó en los puntos cardinales y la astronomía con fines ceremoniales, como enfocar los rayos del sol durante el equinoccio de primavera en una imagen esculpida o pintada. Esto generalmente estaba ligado a los sistemas de calendario. Se crearon esculturas y/o pinturas en relieve a medida que se construían las estructuras. Para el último Preclásico, casi todas las estructuras monumentales en Mesoamérica tenían un extenso trabajo de relieve. Algunos de los mejores ejemplos de esto son Monte Albán, Teotihuacan y Tula.

Los relieves prehispánicos son por lo general de diseño lineal y se pueden encontrar relieves bajos, medios y altos. Si bien esta técnica a menudo se prefiere para escenas narrativas en otras partes del mundo, los relieves mesoamericanos tienden a centrarse en una sola figura. La única vez que se usan relieves en el sentido narrativo es cuando se colocan juntas varias estelas en relieve. El mejor trabajo de socorro es de los mayas, especialmente de Yaxchilán.

La escritura y el arte no eran distintos como lo han sido para las culturas europeas. La escritura se consideraba arte y el arte a menudo se ocultaba en la escritura. La razón de esto es que ambos buscaron registrar la historia y la interpretación de la realidad por parte de la cultura. (salvatvolp14) Los manuscritos se escribían en papel u otros materiales similares a libros y luego se agrupaban en códices. El arte de leer y escribir estaba estrictamente destinado a las clases sacerdotales más altas, ya que esta habilidad era una fuente de su poder sobre la sociedad.

Los pictogramas o glifos de este sistema de escritura eran más formales y rígidos que las imágenes que se encuentran en los murales y otras formas de arte, ya que se consideraban en su mayoría simbólicos, representando fórmulas relacionadas con eventos astronómicos, genealógicos y eventos históricos. La mayoría de los códices prehispánicos sobrevivientes provienen del período mesoamericano tardío y del período colonial temprano, ya que más de estos escaparon a la destrucción a lo largo de la historia. Por esta razón, se sabe más del imperio azteca que de las culturas mayas. Los códices aztecas importantes incluyen el Grupo Borgia de obras principalmente religiosas, algunas de las cuales probablemente son anteriores a la conquista, el Códice Borbónico, el Códice Mendoza y el Códice florentino tardío, que es de estilo europeo pero ejecutado por artistas mexicanos, probablemente basándose en material anterior que ahora se ha perdido.

Las colecciones de museos importantes en México incluyen las del Museo Nacional de Antropología y el Museo Diego Rivera Anahuacalli, ambos en la Ciudad de México, así como los museos provinciales.

Galería

• Cabeza olmeca n. ° 1, 1200–900 a. C.
• Máscara de jadeíta olmeca, 1000 a 600 a.
• Monumento a Las Limas 1, 1000 a 600 a. C.
• Estatuilla de Chupicuaro en el Louvre, 600 a 200 a. C.
• Jarras de Casas Grandes, siglos XII al XV
• Vasija trípode de Teotihuacan, 250 a 600 d.C.
• Detalle de un mural en Tepantitla, Teotihuacán, 100 a. C. a 700 d. C.
• Mural en Pórtico A de Cacaxtla.
• Escultura de Chaac, parte de la fachada de un edificio en Labná, 600 a 900 d.C.
• Cabeza de estuco de K'inich Janaab Pakal I (603-683 dC), gobernante de Palenque.
• Máscara zapoteca del dios murciélago
• Escudo de Yanhuitlán
• Detalle del Codex Zouche-Nuttall, siglos XIV al XV
• La piedra del sol azteca, de principios del siglo XVI, en exhibición en el Museo Nacional de Antropología, Ciudad de México.
• Chīmalli (Escudo) perteneciente al rey azteca Ahuizotl actualmente Museo de Etnología de Viena, Austria.
• Māhuizzoh Chīmalli (escudo) ceremonial con decoración de mosaico. Azteca o mixteca, 1400-1521 d.C. En el Museo Británico
• Máscara, México, Estado de Veracruz, 900-500 aC Museo de Arte de Dallas
• vasija efigie de Tlāloc; 1440-1469; loza pintada; altura: 35 cm (1 ³ ⁄ ₄ pulg.); Museo del Templo Mayor (Ciudad de México). Templo Mayor, dedicado a Tlāloc
• Cuenco Mimbres con borrego cimarrón y diseño geométrico, Nuevo México, c. 1000-1150 dC Museo de Arte de Dallas

Era colonial, 1521–1821

La era colonial temprana y los artistas e influencias criollos e indígenas

Desde la conquista española del imperio azteca, el arte mexicano ha sido una interacción continua y compleja entre las tradiciones de Europa y las perspectivas nativas.

Construcción de iglesias Después de la conquista, los primeros esfuerzos de los españoles se dirigieron a la evangelización y la tarea relacionada de construir iglesias, que necesitaban mano de obra indígena para la construcción básica, pero los nahuas elaboraron exteriores de piedra y decoraron los interiores de las iglesias. A los artesanos indígenas se les enseñaron motivos, diseños y técnicas europeos, pero el trabajo muy temprano, llamado tequitqui (náhuatl para "vasallo"), incluye elementos como caras aplanadas y relieves muy rígidos.Los frailes españoles que dirigían la construcción no eran arquitectos ni ingenieros de formación. Confiaron en canteros y escultores indígenas para construir iglesias y otras estructuras cristianas, a menudo en los mismos lugares que los templos y santuarios de la religión tradicional. "Aunque algunos indígenas se quejaron de la carga que representaba tal trabajo, la mayoría de las comunidades consideraban que una iglesia grande e impresionante era un reflejo de la importancia de su pueblo y se enorgullecían justificadamente de crear un lugar sagrado para el culto divino". El hecho de que tantas iglesias de la era colonial hayan sobrevivido siglos es testimonio de su buena construcción en general.

Los primeros monasterios construidos en la Ciudad de México y sus alrededores, como los monasterios en las laderas del Popocatepetl, tenían elementos renacentistas, platerescos, góticos o moriscos, o alguna combinación. Estaban relativamente sin decorar, y los esfuerzos de construcción se dirigieron más hacia muros altos y características de fortaleza para protegerse de los ataques. La construcción de iglesias más elaboradas con grandes cantidades de obras de arte religiosas definiría gran parte de la producción artística del período colonial. La mayor parte de la producción estuvo relacionada con la enseñanza y refuerzo de la doctrina de la Iglesia, al igual que en Europa. El arte religioso sentó las bases de la dominación española sobre los indígenas. Hoy en día, las estructuras de la era colonial y otras obras existen en todo el país, con una concentración en la sierra central alrededor de la Ciudad de México.

El trabajo con plumas fue una habilidad muy valorada en el México central prehispánico que continuó hasta la era colonial temprana. Los españoles quedaron fascinados con esta forma de arte, y los artesanos indígenas (amanteca) produjeron imágenes religiosas en este medio, principalmente pequeñas "pinturas", así como vestimentas religiosas.

Escrituras indígenas Los indígenas continuaron la producción de manuscritos escritos a principios de la era colonial, especialmente códices en el área nahua del centro de México. Un importante manuscrito temprano que fue encargado por la corona española fue el Códice Mendoza, llamado así por el primer virrey de México, Don Antonio de Mendoza, que muestra el tributo entregado al gobernante azteca de los pueblos individuales, así como descripciones del comportamiento adecuado para el común. gente. Un proyecto mucho más elaborado que utiliza ilustraciones de escribas indígenas es el proyecto que dio como resultado el Códice Florentino dirigido por el franciscano Bernardino de Sahagún. Otros manuscritos indígenas de la época colonial incluyen el Códice Huexotzinco y el Códice Osuna.

Un tipo importante de manuscrito del período temprano fueron las historias pictóricas y textuales de la conquista española de los aztecas desde el punto de vista indígena. El Lienzo de Tlaxcala temprano ilustró las contribuciones que los aliados tlaxcaltecas de los españoles hicieron a la derrota del Imperio Azteca, así como Hernán Cortés y su traductora cultural Doña Marina (Malinche).

Pintura La mayoría de los artistas nahuas que producen este arte visual son anónimos. Una excepción es la obra de Juan Gerson, que ca. 1560 decoró la bóveda de la iglesia franciscana del pueblo nahua de Tecamachalco, (estado de Puebla), con escenas singulares del Antiguo Testamento.

Si bien el arte colonial mantuvo un estilo casi completamente europeo, con colores apagados y sin indicios de movimiento , continuó la adición de elementos nativos, que comenzó con el tequitqui. Nunca fueron el centro de las obras, sino motivos decorativos y de relleno, como el follaje nativo, la piña, el maíz y el cacao. Gran parte de esto se puede ver en los portales, así como en los grandes frescos que a menudo decoraban el interior de las iglesias y las paredes de las áreas de los monasterios cerradas al público.

Los primeros artistas coloniales de México nacieron en España y llegaron a México en la mitad de sus carreras. Esto incluyó frailes mendicantes, como Fray Alonso López de Herrera. Posteriormente, la mayoría de los artistas nacieron en México, pero se formaron en técnicas europeas, a menudo a partir de grabados importados. Esta dependencia de las copias importadas significó que las obras mexicanas conservaran estilos después de haber pasado de moda en Europa. En el período colonial, los artistas trabajaban en gremios, no de forma independiente. Cada gremio tenía sus propias reglas, preceptos y mandatos técnicos, lo que no fomentaba la innovación.

Importantes colecciones de museos incluyen las del Museo Soumaya y el Museo Nacional de San Carlos, ambos en la Ciudad de México.

Galería

• Representación de María como cuadro de plumas, Juan Baptista Cuiris, 1550/1580
• Fundación de Tenochtitlan en Codex Mendoza ca. 1541.
• Pueblos que deben tributo al Imperio Azteca mostrados en Codex Mendoza ca. 1541
• Imagen de Cortés y Malinche en el Lienzo de Tlaxcala, que narra la conquista del centro de México desde el punto de vista de los tlaxcaltecas.
• Ilustración nativa de la historia del México antiguo de Diego Durán, que muestra la fundación de Tenochtitlan
• Codex Azcatitlan, página que representa a los conquistadores españoles, con Hernán Cortés y Malinche
• Códice Ramírez, Una representación de un tzompantli, o estante de cráneos, asociado con la representación de un templo dedicado a Huitzilopochtli del manuscrito de Juan de Tovar.
• Artistas del trabajo con plumas como se muestra en el Códice Florentino (ca. 1576).
• Nezahualpilli, tlatoani of Texcoco. Codex Ixtlilxochitl ca. 1582.
• Una página de Badinus Herbal, siglo XVI.
• Códice Huexotzinco; el panel contiene una imagen de la Virgen y el Niño y representaciones simbólicas de homenaje a los administradores
• El conquistador Nuno Beltran de Guzman tal como se describe en Codex Tellerian Remensis, en el siglo XVI. anales pictóricos/historia
• Códice Aubin
• Pinturas religiosas de Juan Gerson en la iglesia franciscana de Tecamachalco, Puebla, 1562.
• Una cruz de atrio en Acolman, una cruz de piedra antropomorfizada con Jesús en el centro.

Barroco mexicano

La pintura barroca se estableció firmemente en México a mediados del siglo XVII con la obra del español Sebastián López de Arteaga. Su pintura se ejemplifica en el lienzo llamado Tomás el incrédulo de 1643. En esta obra, se muestra al apóstol Tomás introduciendo su dedo en la herida del costado de Cristo para enfatizar el sufrimiento de Cristo. El pie de foto a continuación dice "el Verbo hecho carne" y es un ejemplo del propósito didáctico del Barroco.

Una diferencia entre los pintores de México y sus homólogos europeos es que preferían la franqueza y la claridad realistas a los colores fantásticos, las proporciones alargadas y las relaciones espaciales extremas. El objetivo era crear una escena realista en la que el espectador pudiera imaginarse a sí mismo como parte. Este fue un estilo creado por Caravaggio en Italia, que se hizo popular entre los artistas de Sevilla, de donde procedían muchos inmigrantes a la Nueva España. Del mismo modo, las esculturas independientes barrocas presentan escalas de tamaño natural, tonos de piel realistas y la simulación de prendas con hilos de oro a través de una técnica llamada estofado, la aplicación de pintura sobre pan de oro.

La influencia posterior más importante para los pintores mexicanos y otros en América Latina fue el trabajo del artista flamenco Peter Paul Rubens, conocido a través de copias realizadas a partir de técnicas de grabado y mezzotint. Sus pinturas fueron copiadas y reelaboradas y se convirtieron en el estándar para el arte religioso y secular. Las pinturas barrocas posteriores pasaron de los confines de los retablos a colosales lienzos independientes en los interiores de las iglesias. Uno de los pintores mexicanos más conocidos de este tipo de obra fue Cristóbal de Villalpando. Su obra se puede ver en la sacristía de la Catedral de la Ciudad de México, la cual fue realizada entre 1684 y 1686. Estos lienzos fueron pegados directamente a las paredes con marcos arqueados para estabilizarlos, y colocados justo debajo de las bóvedas del techo. Incluso los frescos del siglo XVI no solían ser tan grandes.Otra de las obras de Villalpando es la cúpula de la Catedral de Puebla de 1688. Utiliza la técnica del pincel de Rubens y la forma de la estructura para crear una composición de nubes con ángeles y santos, de las que desciende una paloma que representa al Espíritu Santo. La luz de las ventanas de la cúpula simboliza la gracia de Dios. Juan Rodríguez Juárez (1675–1728) y el artista mulato Juan Correa (1646–1716) también fueron pintores destacados de la época barroca. El alumno más famoso de Correa, José de Ibarra (1685-1756), también era mestizo. Uno de los mejores pintores de México, Miguel Cabrera (1695–1768), probablemente era mestizo.

La Iglesia produjo las obras más importantes del siglo XVII. Entre los pintores importantes estaban Baltasar de Echave Ibia y su hijo Baltasar Echave Rioja, también Luis Juárez y su hijo José Juárez, Juan Correa, Cristóbal de Villalpando, Rodrigo de la Piedra, Antonio de Santander, Polo Bernardino, Juan de Villalobos, Juan Salguero y Juan de Herrera. Juan Correa, trabajó desde 1671 hasta 1716 y alcanzó gran prestigio y reputación por la calidad de su diseño y la escala de algunas de sus obras. Entre las más conocidas: 'Apocalipsis en la Catedral de México', 'Conversión de Santa María Magdalena', ahora en la 'Pinacoteca Virreinal' y 'Santa Catarina y Adán y Eva expulsados ​​del paraíso', esta última ubicada en el Parque Nacional Museo del Virreinato de Tepotzotlán.

El arte religioso colonial fue patrocinado por autoridades eclesiásticas y patrocinadores privados. Patrocinar la rica ornamentación de las iglesias era una forma de ganar prestigio para los ricos. En los siglos XVI, XVII y XVIII, la Ciudad de México era una de las más ricas del mundo, principalmente debido a la minería y la agricultura, y podía sustentar una gran escena artística.

Galería

• La Lactancia de Santo Domingo, de Cristóbal de Villalpando pintada a finales del siglo XVII.
• Cristóbal de Villalpando, Mujer del Apocalipsis,
• Cristóbal de Villalpando, Saint Rose tempted by the devil (Santa rosa tentada por el demonio), ca. 1695/1697
• Juan Correa La Pascua de María, 1698.
• Inmaculada del Apocalipsis, Pinacoteca de La Profesa, México, by José de Ibarra
• México, circa 1720 Pinturas Óleo sobre lienzo, Arte latinoamericano Actualmente a la vista del público: Edificio Arte de las Américas, piso 4
• La Visitación de Miguel Cabrera. siglo 18. Nueva España (México). Óleo sobre lienzo, Colección Museo Arocena.

Virgen de guadalupe

A partir del siglo XVII, la Virgen de Guadalupe fue cada vez más un tema para los pintores religiosos. Juan Correa y su taller produjeron muchas de esas imágenes. Cada vez se hacía más hincapié en la precisión de la imagen con respecto al original, y Correa creó una plantilla de cera para asegurarse de que cada detalle fuera correcto. Arte.

Galería

• Manuel Arellano, Inauguración del Santuario de la Virgen de Guadalupe en la Ciudad de México (Traslado de la imagen y dedicación del Santuario de Guadalupe en la Ciudad de México),
• Pintura de Nuestra Señora de Guadalupe, que incluye escenas de la aparición de la Virgen María a Juan Diego de Josefus De Ribera Argomanis. (1778)
• Pintura del siglo XVIII de Dios Padre modelando la imagen de la Virgen de Guadalupe
• La Virgen de Guadalupe interviene en una plaga desastrosa en la Ciudad de México, ca. 1743.
• Virgen de Guadalupe, 1 de septiembre de 1824. Óleo sobre lienzo de Isidro Escamilla. Museo de Brooklyn.
• La imagen del altar de Nuestra Señora de Guadalupe con San Juan Bautista. Juan Bautista, Juan de Zumárraga y San Juan Bautista. Juan Diego. Miguel Cabrera.
• La Virgen de Guadalupe, Fernando VII de España, funcionarios reales y caciques indígenas, mostrando la transmisión legítima del poder. Luego. Museo Nacional de Historia, Ciudad de México.

Retrato

En la Nueva España, como en el resto del Nuevo Mundo, desde el siglo XVII, particularmente durante el siglo XVIII, el retrato pasó a formar parte importante del repertorio artístico. En una sociedad caracterizada por un profundo sentimiento religioso en el que estaba imbuida, no es de extrañar que muchos retratos reflejaran las virtudes morales y la piedad del modelo.

Si bien la mayor parte del arte encargado fue para iglesias, también se encargaron obras seculares. La pintura de retratos se conoció relativamente temprano en el período colonial, principalmente de virreyes y arzobispos, así como del conquistador Hernán Cortés. Los retratos de funcionarios reales y eclesiásticos eran una aproximación a la apariencia del modelo y se exhibieron en sus escenarios oficiales. A menudo incluían sus escudos de armas. En el retrato de Cortés del siglo XVI, se representa al conquistador con un bastón, una espada y una armadura que "simbolizan el poder político y militar, pero el casco y el guante desechados revelan que sus actividades guerreras están completas".Los retratos de virreyes y eclesiásticos a menudo se representaban con ricas vestimentas y útiles de escritura, junto con sus escudos de armas que indicaban su genealogía y alta posición, así como libros y útiles de escritura. En México hay pocos ejemplares de funcionarios reales anteriores al siglo XVIII, quizás porque el motín de 1696 destruyó la galería de retratos del palacio virreinal.

A partir de finales del siglo XVII, la pintura de retratos de las élites locales se convirtió en un género importante. Especialmente importante es que las mujeres fueron retratadas por primera vez, a partir del siglo XVIII. Estas obras siguieron modelos europeos, con símbolos de rango y títulos expuestos sueltos en las partes exteriores o trabajados en otro elemento de las pinturas, como cortinas. Las mujeres de élite vestían ricos vestidos bordados y adornados, generalmente de seda y encaje, con joyas y otros adornos. Muchos fueron pintados con abanicos en sus manos. A diferencia de sus homólogos masculinos en la sociedad de élite que mostraban su estatus y autoridad, los retratos de mujeres eran imágenes idealizadas de la feminidad con símbolos de feminidad.Un subconjunto de su género eran los retratos de monjas cuando profesaron por primera vez, vestidas con ropa elaborada apropiada para el paso solemne que estaban dando al ingresar al convento. Un ejemplo notable es el de José de Alcíbar de Sor (hermana) María Ignacia de la Sangre de Cristo, con corona ceremonial, túnicas bordadas y otros atavíos. El retrato póstumo de Sor Juana Inés de la Cruz, famosa en su época, de Miguel Cabrera, en la celda de su convento rodeada de libros, es diferente de la mayoría de los retratos de monjas, pintados del natural o inmediatamente después de la muerte. También hay una serie de retratos post mortem de monjas.

Hay bastantes retratos de grupos familiares con un tema de devoción religiosa, encargados para mostrar la piedad de la familia, pero también como una forma de mostrar la riqueza de la familia. Josep Antonio de Ayala fue un destacado artista, conocido por pintar "La familia del Valle al pie de Nuestra Señora de Loreto" (c. 1769). Este cuadro devocional fue encargado para los hijos de la familia del Valle en memoria de sus padres y es característico de la pintura de este siglo. La Virgen de Loreto es central en la composición, con las figuras rígidas de los miembros de la familia finamente vestidos. Los hombres visten ropa de moda de la época, con la matriarca de la familia luciendo un vestido bordado y de encaje, junto con perlas. Las hijas se muestran con el hábito de las monjas concepcionistas, conescudos de monjas, pinturas religiosas que llevan en el pecho. La pintura está inscrita con información sobre su comisión y los padres, y el hecho de que colgaba en la capilla de la hacienda de la familia. La pintura es una muestra de piedad y riqueza. Hay tales pinturas grupales con diferentes figuras religiosas centrales.

Dos notables retratistas hermanos de finales del siglo XVII y principios del XVIII son Juan Rodríguez Juárez y Nicolás. Algunos otros pintores destacados de este período son: Cristóbal de Villalpando, Juan Correa, José de Ibarra, José Mora, Francisco Martínez, Miguel Cabrera, Andrés López y Nicolás Enríquez.

En el siglo XVIII, los artistas incluyeron cada vez más la frase latina pinxit Mexici (pintado en México) en las obras destinadas al mercado europeo como muestra de orgullo por su tradición artística.

Galería

• Hernán Cortés, con su escudo en el ángulo superior derecho. siglo XVII
• Retrato oficial de don Antonio de Mendoza, primer virrey de la Nueva España. Artista desconocido. 1535.
• Retrato oficial de Don Pedro Moya de Contreras, primer clérigo secular en ser arzobispo de México y primer clérigo en servir como virrey. Artista desconocido.
• Retrato del virrey Fernando de Alencastre Noroña y Silva, duque de Linares y marqués de Valdefuentes, ca. 1717
• Josep Antonio de Ayala, La familia del Valle a los pies de la Virgen de Loreto, 1769. En las colecciones del Museo Soumaya
• Retrato de familia Fagoaga Arozqueta 1730
• Miguel Cabrera (1695–1768). Doña María de la Luz Padilla y Gómez de Cervantes, ca. 1760. Oil on canvas. Brooklyn Museum
• Sor (sister) María Ignacia de la Sangre de Cristo. José de Alcíbar. 18th c.
• Sor María Ana Josefa

Pinturas de historia y otro arte secular

A partir del siglo XVII, los pintores comenzaron a producir lienzos y biombos con temas históricos, incluida la conquista de México y escenas imaginarias de eventos relacionados con la población nahua de México. También fue importante un cuadro histórico de la destrucción de la misión franciscana de San Sabá por los comanches, de José de Páez.

Las pinturas de los sitios de la Ciudad de México aparecieron a partir del siglo XVII, siendo la más famosa una pintura de Cristóbal de Villalpando de la Plaza Mayor de la Ciudad de México, ca. 1696, que muestra los daños al palacio virreinal por el motín del maíz de 1692. También muestra el mercado de Parián, donde se vendían artículos de lujo. El mercado de Parián también fue objeto de al menos otra pintura.

Galería

• Cuadro de historia de la conquista española de Tenochtitlán, siglo XVII
• La consagración de los templos paganos y la primera misa en México-Tenochtitlán por José Vivar y Valderrama, ca. 1752. Óleo sobre lienzo.
• Baptism of Ixtlilxochitl by José Vivar y Valderrama, 18th century.
• La destrucción de la Misión de San Saba en la Provincia de Texas, ca. 1765. José de la Paz
• Cristóbal de Villalpando, View of the Plaza Mayor of Mexico city, 1695
• Paseo de la Viga 1706
• The Parian (El Parián), ca. 1770

Pintura casta

Otro tipo de género colonial secular se llama pinturas de castas que se refieren a la representación de la jerarquía racial en la Nueva España del siglo XVIII. Algunos probablemente fueron encargados por funcionarios españoles como recuerdos de México. Varios artistas de la época crearon pinturas de castas, incluidos Miguel Cabrera, José de Ibarra, Juan Patricio Morlete Ruiz, Francisco Clapera y Luis de Mena, pero la mayoría de las pinturas de castas no están firmadas. Ibarra, Morlete y posiblemente Cabrera eran mestizos y nacidos fuera de la Ciudad de México. La única pintura de castas conocida de Mena vincula a la Virgen de Guadalupe y el sistema de castas, así como representaciones de frutas y verduras y escenas de la vida cotidiana en el México de mediados del siglo XVIII. Es uno de los ejemplos más reproducidos de pinturas de castas, uno de los pocos que muestran el sistema de castas en un solo lienzo en lugar de hasta 16 pinturas separadas. Es único en unir el género completamente secular de la pintura de castas con una representación de la Virgen de Guadalupe.La producción de estas pinturas se detuvo después de la conclusión de la Guerra de Independencia de México en 1821, cuando las categorías raciales legales fueron repudiadas en el México independiente. Hasta el período previo al 500 aniversario del viaje de Colón de 1492, las pinturas de castas tenían poco o ningún interés, incluso para los historiadores del arte, pero los estudiosos comenzaron a estudiarlas sistemáticamente como género. Un conjunto de pinturas de castas se incluyó en A Description of the Kingdom of New Spain de Pedro Alonso O'Crouley, publicado traducido en 1972, y luego se incluyeron en el primer catálogo importante de pinturas de castas publicado en 1989.

Galería

• Luis de Mena, Virgin of Guadalupe and castas, 1750.
• Las castas. Anonymous, 18th century, Museo Nacional del Virreinato, Tepotzotlán, Mexico.
• De española e india, mestiza. miguel cabra,
• Padre español (español), madre mestiza (mezcla española-india) y su hija Castiza. Miguel Cabrera, 1763.
• Spaniardo + Mulata, Morisca. Miguel Cabrera, 1763
• Padre español y madre albina, Torna atrás. Miguel Cabrera, México del siglo XVIII.
• Casta Painting, No. 15. Del mestizo y del indio; Coyote.

Biombos o biombos

Los biombos o biombos se hicieron populares entre las élites en el siglo XVII. Grandes y destinados a exhibirse en habitaciones públicas y privadas de hogares de élite, tenían una variedad de temas, que iban desde pinturas de eventos históricos, reales o imaginarios, presentaciones alegóricas y escenas de la vida cotidiana en México. México fue una encrucijada de comercio en el período colonial, con productos de Asia y Europa mezclados con los producidos localmente. Esta convergencia es más evidente en las artes decorativas de la Nueva España. Era popular entre las clases altas tener una sala pública principal, llamada salón de estrado., para cubrirse con alfombras y cojines para que las mujeres se reclinaran a la morisca. Se agregaron taburetes y luego sillas y sofás para hombres. A partir del siglo XVII, cuando el Galeón de Manila navegaba regularmente desde Filipinas hasta el puerto de Acapulco en el Pacífico, los biombos (del japonés byo -bu o "protección contra el viento") figuraban entre los artículos de lujo traídos de Asia. Se sabe que fueron traídos hacia 1610 y posteriormente producidos por artistas y artesanos mexicanos en los siglos XVII y XVIII. Eran élites mexicanas de moda al más alto nivel y algunos fueron enviados a Europa. La mayoría parece haber sido producido localmente en México.

Juan Correa produjo varios a fines del siglo XVII, uno de la reunión de 1519 de Hernán Cortés y Moctezuma, que podría haber representado eventos más actuales de una danza indígena tradicional (mitote) realizada en la fiesta del Corpus Christi, que simboliza la sumisión indígena al dominio español y Cristiandad. Cortés se presenta como "un héroe tanto secular como religioso", mientras que Moctezuma en una litera ceremonial tiene "los atavíos de un emperador romano", representando una reunión de iguales. Otro era alegórico, titulado Los cuatro continentes (ca. 1683), que mostraba a Europa, América, Asia y África con Europa y Asia en el centro y América y África en los extremos.Las primeras de estas pantallas hechas en México tenían diseños orientales, pero las posteriores tenían temas europeos y mexicanos. Un ejemplo de esto es una pantalla de un artista anónimo con la conquista de México por un lado y una vista aérea de las calles y edificios del centro de la Ciudad de México, pero sin personas, por el otro, ahora en el Museo Franz Mayer. Otra es una escena local de una boda india, con voladores ("voladores") suspendidos por cuerdas en sus pies.

Galería

• Gran biombo del Palacio de los Virreyes de México, ca. 1676-1700, Ciudad de México, Museo de las Américas
• Una pantalla de Biombo con una representación de la conquista española de México en el Museo Franz Mayer
• Juan Correa, The liberal arts and the four elements (Las artes liberales y los cuatro elementos). 1670
• Biombo con Boda India y Voladores, ca. 1690
• Una de las áreas de exhibición en el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México
• Una de las áreas de exhibición en el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México

La Academia de San Carlos

La última institución de arte de la era colonial establecida fue la Academia de San Carlos en 1783. Si bien la representación de santos consumió la mayoría de los esfuerzos artísticos, no estuvo exenta de efectos políticos. El más importante de ellos fue el surgimiento del culto a la Virgen de Guadalupe como una santa estadounidense más que europea, representativa de una identidad distinta.

La Corona promovió el establecimiento en México del estilo neoclásico de arte y arquitectura, que se había vuelto popular en España. Este estilo fue una reinterpretación de las referencias grecorromanas y su uso fue una forma de reforzar el dominio europeo en las colonias de España. Un artista neoclásico de la Academia a finales de la época colonial fue Manuel Tolsá. Primero enseñó escultura en la Academia de San Carlos y luego se convirtió en su segundo director. Tolsá diseñó una serie de edificios neoclásicos en México, pero su obra más conocida es un estado ecuestre del rey Carlos IV en bronce fundido en 1803 y originalmente colocado en el Zócalo. A partir de 2011 se puede ver en el Museo Nacional de Arte.

A fines del siglo XVIII, las colonias españolas se estaban volviendo culturalmente independientes de España, incluidas sus artes. La Academia fue establecida por la Corona española para recuperar el control de la expresión artística y los mensajes que difundía. Esta escuela estuvo integrada por artistas españoles en cada una de las principales disciplinas, siendo el primer director Antonio Gil. La escuela se convirtió en el hogar de varios moldes de yeso de estatuas clásicas de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en España, traídos allí con fines didácticos. Estos moldes se exhiben en el patio central de la Academia. La Academia de San Carlos sobrevivió hasta el México posterior a la independencia.

Lista de artistas mexicanos coloniales

Independencia hasta el estallido de la Revolución Mexicana, 1821-1910

Principios de la era posterior a la independencia hasta mediados del siglo XIX

Los artistas de la era de la independencia en México (1810-1821) produjeron obras que mostraban a los héroes de la insurgencia. Un retrato del clérigo secular José María Morelos con su uniforme militar fue pintado por un artista desconocido, tradicionalmente atribuido a ser indígena. El retrato es típico de los de finales del siglo XVIII, con elementos de encuadre, una leyenda formal y nuevos elementos que son la iconografía del naciente nacionalismo mexicano, incluida el águila sobre el nopal, que se convirtió en la imagen central de la bandera mexicana. Morelos fue objeto de una estatua encargada, con Pedro Patiño Ixtolinque, quien se formó en la Academia de San Carlos y siguió siendo un importante escultor durante la era de la independencia.

La Academia de San Carlos siguió siendo el centro de la pintura académica y la institución de arte más prestigiosa de México hasta la Guerra de Independencia de México, durante la cual fue clausurada. A pesar de su asociación con la corona española y la tradición pictórica europea, la Academia fue reabierta por el nuevo gobierno después de que México obtuviera la independencia total en 1821. Sus antiguos profesores y estudiantes españoles murieron durante la guerra o regresaron a España, pero cuando reabrió atrajo a los mejores estudiantes de arte del país, y continuó enfatizando las tradiciones clásicas europeas hasta principios del siglo XX. La academia pasó a llamarse Academia Nacional de San Carlos. El nuevo gobierno siguió favoreciendo el neoclásico ya que consideraba el barroco un símbolo del colonialismo. El estilo neoclásico continuó en favor durante el reinado de Maximiliano I, aunque el presidente Benito Juárez lo apoyó de mala gana, considerando su enfoque europeo como un vestigio del colonialismo.

A pesar de la asociación del neoclasicismo con la dominación europea, siguió siendo favorecido por el gobierno mexicano después de la Independencia y fue utilizado en las principales comisiones gubernamentales a finales de siglo. Sin embargo, los temas indígenas aparecieron en pinturas y esculturas. Una figura indígena representada en estilo neoclásico es Tlahuicole, realizada por el artista catalán Manuel Vilar en 1851.

Había dos razones para este cambio en el tema preferido. La primera fue que la sociedad mexicana denigraba la cultura colonial: el pasado indígena se consideraba más verdaderamente mexicano. El otro factor fue un movimiento mundial de artistas para confrontar a la sociedad, que comenzó alrededor de 1830. En México, este sentimiento antisistema se dirigió a la Academia de San Carlos y su enfoque europeo.

En la primera mitad del siglo XIX, el estilo romántico de pintura fue introducido en México y el resto de América Latina por viajeros extranjeros interesados ​​en el país recién independizado. Uno de ellos fue el artista bávaro Johann Moritz Rugendas, quien residió en el país entre 1831 y 1834. Pintó escenas de composición dinámica y colores vivos de acuerdo con el estilo romántico, buscando imágenes llamativas, sublimes y bellas en México y otros áreas de América Latina. Sin embargo, gran parte de las obras de Rugendas son bocetos para lienzos importantes, muchos de los cuales nunca se ejecutaron. Otros incluyen al inglés Daniel Egerton, que pintó paisajes en la tradición romántica británica, y al alemán Carl Nebel, que principalmente creó litografías de las diversas poblaciones sociales y étnicas del país.

Varios artistas nativos de la época siguieron a los pintores románticos europeos en su deseo de documentar las diversas culturas de México. Estos pintores fueron llamados costumbristas, una palabra que deriva de costumbre(disfraz). Los estilos de estos pintores no siempre fueron estrictamente románticos, involucrando también otros estilos. La mayoría de estos pintores eran de las clases altas y educados en Europa. Mientras que los pintores europeos veían los temas como exóticos, los costumbristas tenían un sentido más nacionalista de sus países de origen. Uno de estos pintores fue Agustín Arrieta de Puebla, quien aplicó técnicas realistas a escenas de su ciudad natal, plasmando sus azulejos y cerámicas pintadas de vivos colores. Sus escenas a menudo involucraban la vida cotidiana, como mujeres que trabajan en la cocina, y representaban a vendedores negros y afromexicanos.

Galería

• Entrada de Agustín de Iturbide a la Ciudad de México en 1821. Artista desconocido, sin fecha.
• Claudio Linati, Aguador mexicano
• Claudio Linati - Milicia de Guazacualco
• Claudio Linati jefe apache
• Carl Nebel Las Tortilleras, una de 50 placas en su recorrido Pintoresco y arqueológico por lo más interesante de México
• Representación de Carl Nebel de los indios de la Sierra.
• The Plaza de la Constitución during the Mexican–American War. Carl Nebel
• Cristóbal Colón en la Corte de los Reyes Católicos (pintado en Italia, 1850/1) de Juan Cordero
• Agustín Arrieta, Tertulia de pulquería, 1851
• Agustín Arrieta, Cuadro de comedor, pintado entre 1857 y 1859, oleo sobre tela
• Bodegón, óleo sobre lienzo pintado por José Agustín Arrieta (mexicano), c. 1870, Museo de Arte de San Diego
• Niña con flores de José Salomé Pina
• Frederick Catherwood, Templo principal de Tulum, de Vistas de monumentos antiguos.
• Litografía de Frederick Catherwood de Stela D. Copan (1844), de Vistas de monumentos antiguos.
• Pedro Gualdi, Gran Teatro Nacional de México/Teatro Santa Anna, Ciudad de México
• Pedro Gualdi, Interior de la Real y Pontificia Universidad de México
• Juan Cordero, Portrait of General Antonio López de Santa Anna's wife, Doña Dolores Tosta de Santa Anna. (1855)
• The hacienda owner and his mayordomo (painting by Carl Nebel, litografía de Lemercier y Lassalle).
• Da. Francisca Valdivia de Chávez and sons. (1862) by Hermenegildo Bustos
• Pintura de indios de Oaxaca por Felipe Santiago Gutiérrez
• Mexicanos en una escena rural en las afueras de la Ciudad de México (1855) de Casimiro Castro

A mediados y finales del siglo XIX, las academias latinoamericanas comenzaron a alejarse del neoclasicismo severo al "realismo académico". Las representaciones idealizadas y simplificadas se volvieron más realistas, con énfasis en los detalles. Las escenas de este estilo solían ser retratos de las clases altas, escenas bíblicas y batallas, especialmente las del período de la Independencia. Cuando se reabrió la Academia de San Carlos después de un breve cierre en 1843, su nueva facultad española e italiana impulsó este estilo realista. A pesar del apoyo del gobierno y los temas nacionalistas, los artistas nativos generalmente se quedaron cortos a favor de los europeos.

Uno de los pintores más importantes de México a mediados del siglo XIX fue el catalán Pelegrí Clavé, quien pintó paisajes pero fue más conocido por sus representaciones de la élite intelectual de la Ciudad de México. Los pintores realistas también intentaron retratar la cultura y el pueblo azteca representando escenarios habitados por indígenas, usando modelos indígenas vivos y trajes basados ​​en los códices de la época de la conquista. Uno de ellos fue Félix Parra, cuyas representaciones de la conquista empatizaron con el sufrimiento de los indígenas. En 1869, José Obregón pintó El descubrimiento del pulque; basó sus representaciones de la arquitectura en códices mixtecos, pero tergiversó los templos como escenario de un trono.

Se considera que el arte del siglo XIX posterior a la Independencia ha decaído, especialmente a fines del siglo XIX y principios del XX, durante el régimen de Porfirio Díaz (1876-1911). Aunque durante este tiempo, la pintura, la escultura y las artes decorativas a menudo se limitaban a la imitación de estilos europeos, el surgimiento de artistas jóvenes, como Diego Rivera y Saturnino Herrán, aumentó el enfoque en obras de temática mexicana. Esto significó que después de la fase militar de la Revolución Mexicana en la década de 1920, los artistas mexicanos dieron grandes pasos para forjar un fuerte nacionalismo artístico.

De este siglo existen ejemplos de murales de estilo folclórico creados entre 1855 y 1867 en La Barca, Jalisco.

Destacados en este momento: Pelegrin Clave, John Lamb, Philip Santiago Gutierrez y Jose Augustine Arrieta. En México, en 1846 fue contratado para dirigir la reinauguración de la Academia de San Carlos de Pelegrín Clavé, organismo desde el cual impulsó temas históricos y paisajísticos con una visión europeísta.

Galería

• Orizaba desde el Puente de Paso del Toro by Casimiro Castro, from Album of the Mexican Railway (1877)
• José María Jara (1867–1939), Fundación de la Ciudad de México Museo Nacional de Arte. (1889)
• El Velorio by José María Jara. (1889)
• La inspiración de Cristóbal Colón de José Obregón. (1856)
• El descubrimiento del pulque por José Obregón en el Museo Nacional de Arte. (1869)
• Félix Parra, Fray Bartolomé de las Casas (1875) exhibited at the Centennial International Exposition of Philadelphia in 1876.
• Matanza de Cholula, by Félix Parra. (1875)
• Leandro Izaguirre Torture of Cuauhtémoc (1892)
• Patio del Exconvento de San Agustín, José María Velasco
• Pintura al óleo de Vicente Guerrero, líder de la independencia y presidente de México. Ramón Sagredo (1865)
• Pintura de Miguel Hidalgo y Costilla, considerado el padre de la independencia mexicana, por Antonio Fabres
• Joaquín Clausell, Campo con bosque y río.
• Saturnino Herrán La cosecha ("La cosecha"), 1909
• Saturnino Herrán La ofrenda ("The Offering"), 1913
• Saturnino Herrán Mujer en Tehuantepec ("Woman of Tehuantepec) 1914
• Julio Ruelas Crítica
• José Guadalupe Posada, 1903, Calavera oaxaqueña. Posada published
• Jesús en el Templo, Juan Cordero
• 2 de abril de 1867. Entrada del general Porfirio Díaz en Puebla, por Francisco de Paula Mendoza,

Monumentos y escultura

En la segunda mitad del siglo XIX se erigieron monumentos a hechos históricos en muchas ciudades mexicanas, muy especialmente en la capital. Uno de los primeros fue un monumento a Cristóbal Colón, en el amplio Paseo de la Reforma, encargado por Antonio Escandón, quien hizo fortuna construyendo el ferrocarril Ciudad de México-Veracruz. Escandón “decidió conmemorar la era del ferrocarril en México con un monumento a un hecho igualmente trascendental, el Descubrimiento del Nuevo Mundo”. Durante el Porfiriato (1876-1910), el Paseo de la Reforma se convirtió en un lugar clave para exhibir estatuas de héroes mexicanos, teniendo las glorietas un lugar de honor particular.En 1887, Porfirio Díaz encargó la estatua del último emperador azteca, Cuauhtémoc, que se puede ver en el Paseo de la Reforma. Cuauhtémoc está representado con una capa similar a una toga con un tocado de plumas similar a un guerrero etrusco o troyano en lugar de un emperador azteca. La base tiene elementos que recuerdan a Mitla y la arquitectura romana. Esta base contiene placas de bronce que representan escenas de la conquista española, pero centrándose en las figuras indígenas. En 1884 se erigió un modesto obelisco en conmemoración de los Niños Héroes, cadetes que murieron defendiendo su puesto durante la toma de la Ciudad de México por Estados Unidos durante la Guerra México-Estadounidense (1847). A mediados del siglo XX se construyó uno mucho más grande en la entrada. al Parque de Chapultepec. Podría decirse que el monumento más famoso de la época es el Monumento a la Independencia, a menudo llamado "el Ángel de la independencia" por su victoria alada. Fue encargado por el centenario de la independencia en 1910 e inaugurado por Porfirio Díaz durante las fiestas de septiembre de 1910.

Galería

• Monumento a Colón, Ciudad de México, 1877.
• Monument to Cuauhtémoc, Paseo de la Reforma, Mexico City. 1887.
• Cuauhtemoc's torture on the Cuauhtémoc monument.Gabriel Guerra (1847–1893).
• Fundición en bronce (1888–1889) de Nezahualcóyotl, por Jesús F. Contreras, en el Jardín de la Triple Alianza, calle Filomeno Mata, Ciudad de México.
• Obelisco a los Héroes de los Niños. Parque Chapultepec. Ciudad de México. Ramón Rodríguez Arangoity. 1884
• Monumento a la Independencia, "el Ángel". 1910.
• Hemiciclo Benito Juárez. Ciudad de México. 1910.

Siglo 20

La Academia de San Carlos continuó defendiendo la formación clásica al estilo europeo hasta 1913. En este año, la academia se integró parcialmente con la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Entre 1929 y la década de 1950, el programa de arquitectura de la academia se dividió como departamento de la universidad; los programas de pintura, escultura y grabado pasaron a llamarse Escuela Nacional de Artes Expresivas, ahora Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Ambos se mudaron al sur de la ciudad a mediados del siglo XX, a Ciudad Universitaria y Xochimilco respectivamente, dejando solo algunos programas de posgrado en bellas artes en el edificio original de la academia en el centro histórico. ENAP se mantiene como uno de los principales centros de formación de artistas de México.

Muralismo mexicano y arte revolucionario

Si bien en el siglo XIX apareció un cambio hacia temas más indígenas y mexicanos, la Revolución Mexicana de 1910 a 1920 tuvo un efecto dramático en el arte mexicano. El conflicto resultó en el surgimiento del Partido Revolucionario Nacional (rebautizado como Partido Revolucionario Institucional), que llevó al país en una dirección socialista. El gobierno se convirtió en aliado de muchos de los intelectuales y artistas de la Ciudad de México y encargó murales para edificios públicos para reforzar sus mensajes políticos, incluidos aquellos que enfatizaban temas mexicanos en lugar de europeos. Estos no fueron creados para gustos populares o comerciales; sin embargo, ganaron reconocimiento no solo en México, sino en Estados Unidos. “Los grandes muralistas mexicanos de la posrevolución desarrollaron, con la pintura mural, el concepto de 'arte público', un arte para ser visto por las masas en los principales edificios públicos de la época, y que no podía ser comprado y transportado fácilmente a otros lugares., como con la pintura de caballete."

Esta producción de arte en conjunto con la propaganda del gobierno se conoce como Escuela Modernista Mexicana o Movimiento Muralista Mexicano, y redefinió el arte en México. Octavio Paz le da crédito a José Vasconcelos por iniciar el movimiento muralista en México al encargar a los pintores más conocidos en 1921 que decoraran las paredes de los edificios públicos. Las comisiones tenían motivaciones políticas: tenían como objetivo glorificar la Revolución Mexicana y redefinir al pueblo mexicano vis-à-vis literalmente "cara a cara (con)" su pasado indígena y español.

Las primeras de estas pinturas encargadas fueron en San Ildefonso realizadas por Fernando Leal, Fermín Revueltas, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. El primer fresco verdadero en el edificio fue obra de Jean Charlot. Sin embargo, se cometieron errores técnicos en la construcción de estos murales: varios de ellos comenzaron a ampollarse y se cubrieron con cera para su conservación. Roberto Montenegro pintó la antigua iglesia y monasterio de San Pedro y San Pablo, pero el mural de la iglesia estaba pintado al temple y empezó a desconcharse. En el área del monasterio, Montenegro pintó la Fiesta de la Santa Cruz, que representa a Vasconcelos como el protector de los muralistas. Posteriormente, Vasconcelos fue borrado y sobre él se pintó la figura de una mujer.

El primer protagonista en la producción de murales modernos en México fue el Dr. Atl. Dr Atl nació "Gerard Murillo" en Guadalajara en 1875. Cambió su nombre para identificarse como mexicano. Atl trabajó para promover el arte popular y las artesanías de México. Si bien tuvo cierto éxito como pintor en Guadalajara, sus ideas radicales contra la academia y el gobierno lo impulsaron a mudarse a la Ciudad de México, más liberal. En 1910, meses antes del inicio de la Revolución Mexicana, Atl pintó el primer mural moderno en México. Enseñó a grandes artistas a seguirlo, incluidos los que llegaron a dominar la pintura mural mexicana.

El movimiento muralista alcanzó su apogeo en la década de 1930 con cuatro protagonistas principales: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Fernando Leal. Es la parte más estudiada de la historia del arte de México. Todos eran artistas formados en técnicas clásicas europeas y muchas de sus primeras obras son imitaciones de estilos de pintura europeos de moda en ese momento, algunos de los cuales fueron adaptados a temas mexicanos. La situación política en México entre los años 20 y 50 y la influencia del Dr. Atl impulsó a estos artistas a romper con las tradiciones europeas, utilizando imágenes indígenas audaces, mucho colorido y representaciones de la actividad humana, especialmente de las masas, en contraste con la solemnidad. y el arte desprendido de Europa.

Los medios preferidos generalmente excluyeron los lienzos tradicionales y los pórticos de las iglesias y en su lugar fueron los grandes muros, entonces sin decoración, de los edificios gubernamentales de México. El objetivo principal de muchas de estas pinturas fue la glorificación del pasado prehispánico de México como una definición de la identidad mexicana. Tuvieron éxito tanto en México como en los Estados Unidos, lo que les trajo fama y riqueza, así como estudiantes mexicanos y estadounidenses.

Estos muralistas recuperaron la técnica del fresco para su obra mural, aunque Siqueiros se pasó a técnicas y materiales industriales como la aplicación de piroxilina, un esmalte comercial utilizado para aviones y automóviles. Uno de los primeros esfuerzos murales de Rivera adornó el patio de la Secretaría de Educación con una serie de tehuanas danzantes (nativos de Tehuantepec en el sur de México). Este proyecto de cuatro años pasó a incorporar otros temas indígenas contemporáneos, y finalmente abarcó 124 frescos que se extendían por tres pisos de alto y dos cuadras de largo. El Mercado Abelardo Rodríguez fue pintado en 1933 por alumnos de Diego Rivera, uno de los cuales fue Isamu Noguchi.

Otra figura importante de este período fue Frida Kahlo, la esposa de Diego Rivera. Si bien pintó lienzos en lugar de murales, todavía se la considera parte de la Escuela Modernista Mexicana, ya que su trabajo enfatizó la cultura y los colores populares mexicanos. Los autorretratos de Kahlo durante las décadas de 1930 y 1940 contrastaban con los lujosos murales que artistas como su esposo estaban creando en ese momento. Habiendo sufrido un accidente de autobús paralizante antes en su vida adolescente, comenzó a desafiar la obsesión de México con el cuerpo femenino. Sus retratos, deliberadamente pequeños, abordaron una amplia gama de temas que el mundo del arte convencional no abordaba en ese momento. Estos incluían la maternidad, la violencia doméstica y el egoísmo masculino.

Sus pinturas nunca tuvieron sujetos que usaran lujosas joyas o ropa elegante como las que se encuentran en las pinturas muralistas. En cambio, se vestía escasamente, y cuando había accesorios, les añadía mucha más importancia. También se representaría a sí misma en escenarios muy surrealistas e inquietantes como en The Two Fridas, donde representa dos versiones de sí misma, una con el corazón roto y otra con un corazón sano que infunde sangre "esperanzada" al corazón roto., o el Hospital Henry Ford donde se representa a sí misma teniendo un aborto y la lucha que tuvo en la vida real para aceptarlo.

Aunque era la esposa de Diego Rivera, sus autorretratos permanecieron bastante ocultos del ojo público hasta mucho después de su fallecimiento en 1954. Su arte ha ganado popularidad y muchos la consideran una de las primeras y más influyentes feministas. artistas del siglo XX.

Galería

• José Clemente Orozco, Miguel Hidalgo y Costilla, Palacio de Gobierno de Jalisco, Guadalajara
• José Clemente Orozco, Colegio La Trinchera San Ildefonso, Ciudad de México
• Diego Rivera Tenochtitlán, Palacio Nacional, Ciudad de México.
• Mural de Diego Rivera en la escalera principal del Palacio Nacional
• David Alfaro Siqueiros, Mural en Tecpan
• Jean Charlot, Águila y serpiente, Colegio San Ildefonso
• Part of the mural Presencia de América Latina by Jorge González Camarena

Otras expresiones artísticas 1920-1950

El primero en romper con el tono nacionalista y político del movimiento muralista fue Rufino Tamayo. Por esta razón fue apreciado por primera vez fuera de México. Tamayo fue contemporáneo de Rivera, Siqueiros y Orozco, y se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Como ellos, exploró la identidad mexicana en su obra posterior a la Revolución Mexicana. Sin embargo, rechazó el realismo social político popularizado por los otros tres artistas y fue rechazado por el nuevo establecimiento.

Partió a Nueva York en 1926 donde el éxito le permitió exponer en su México natal. Su falta de apoyo al gobierno posrevolucionario fue controvertida. Debido a esto, permaneció mayormente en Nueva York, continuando con su éxito allí y luego en Europa. Su rivalidad con los tres principales muralistas mexicanos continuó tanto en México como a nivel internacional durante la década de 1950. Incluso un honorífico tardío de "The Fourth Great Ones" fue controvertido.

A pesar de mantener una escena artística nacional activa, los artistas mexicanos después del período muralista tuvieron dificultades para ingresar al mercado internacional del arte. Una de las razones de esto es que en las Américas, la Ciudad de México fue reemplazada por Nueva York como el centro de la comunidad artística, especialmente para el patrocinio. Dentro de México, el patrocinio gubernamental del arte en el siglo XX (dominado hasta 2000 por el PRI) significó que los temas religiosos y las críticas al gobierno fueran efectivamente censurados. Esto fue en su mayoría pasivo, con el gobierno otorgando subvenciones a los artistas que cumplían con sus requisitos. En la década de 1940, Wolfgang Paalen publicó el extremadamente influyente DYNrevista en la Ciudad de México, que se centró en un movimiento de transición entre el surrealismo y el expresionismo abstracto. Fumiko Nakashima, una artista japonesa que vive en México, trabaja principalmente en piezas surrealistas en acuarela.

En 1953 se inauguró el Museo Experimental El Eco (en la Ciudad de México); fue creado por Mathias Goeritz.

El movimiento de ruptura

El primer gran movimiento después de los muralistas fue el Movimiento de Ruptura, que se inició en las décadas de 1950 y 1960 con pintores como José Luis Cuevas, Gilberto Navarro, Rafael Coronel, Alfredo Casaneda y el escultor Juan Soriano. Rechazaron el realismo social y el nacionalismo e incorporaron el surrealismo, las paradojas visuales y elementos de los estilos pictóricos del Viejo Mundo. Esta ruptura significó que los artistas mexicanos posteriores generalmente no fueron influenciados por el muralismo o por el arte popular mexicano.

José Luis Cuevas creó autorretratos en los que reconstruyó escenas de pinturas famosas de artistas españoles como Diego Velázquez, Francisco de Goya y Picasso. Al igual que Kahlo antes que él, se dibujó a sí mismo, pero en lugar de estar centrado, su imagen a menudo está a un lado, como un observador. El objetivo era enfatizar la transformación de la cultura visual recibida.

Otra figura importante durante este período de tiempo fue el suizo-mexicano Gunther Gerzso, pero su trabajo fue una "variante de bordes duros" del expresionismo abstracto, basado en formas geométricas claramente definidas y colores, con un efecto que los hace parecer bajorrelieve. Su trabajo fue una mezcla de abstracción europea e influencias latinoamericanas, incluidas las mesoamericanas. En el campo de la acuarela podemos distinguir a Edgardo Coghlan e Ignacio Barrios quienes no estaban alineados a un movimiento artístico específico pero no menos importantes.

Los Juegos Olímpicos de la Ciudad de México (1968) y posteriores

"Diseñada por Mathias Goeritz, una serie de esculturas... [alinearon] la "Ruta de la Amistad" (Ruta de la Amistad) en celebración de las Olimpiadas... En oposición a la exhibición artística aprobada por el gobierno para las Olimpiadas, una Un grupo de diversos artistas visuales independientes organizan una contrapresentación titulada Salón Independiente , la exposición significa un evento clave en la resistencia de los artistas a las políticas culturales controladas por el Estado. Esta muestra de esfuerzos antigubernamentales de los artistas también se expresaría en un mural. en apoyo a las protestas del movimiento estudiantil; la obra pasó a conocerse como el Mural Efímero (o Mural Efímero)" en la UNAM".

El tercer Salón Independiente se realiza en 1970. En 1976 "Fernando Gamboa encabeza la organización de una exposición de arte abstracto titulada El Geometrismo Mexicano Una Tendencia Actual ".

“En un intento de revalorizar… el arte mexicano posterior a 1968, el Museo de Ciencias y Arte de la UNAM” organizó en 2007, la exposición La Era de la Discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968-1997

En 1990 la exposición México: Esplendor de Treinta Siglos, inició su gira mundial en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Neoexpresionismo

Desde la década de 1960 hasta la década de 1980, el arte neoexpresionista estuvo representado en México por Manuel Felguerez, Teresa Cito, Alejandro Pinatado y Jan Hendrix.

El artista suizo-alemán Mathias Goeritz creó en la década de 1950 esculturas públicas, incluidas las Satellite Towers en Satellite City. En la década de 1960, se convirtió en el centro del desarrollo del arte abstracto y moderno junto con José Luis Cuevas y Pedro Friedeberg.

Nuevo mexicanismo

A mediados de la década de 1980, el siguiente gran movimiento en México fue el neomexicanismo, una versión ligeramente surrealista, algo kitsch y posmoderna del realismo social que se enfocaba en la cultura popular más que en la historia. El nombre neomexicanismo fue utilizado originalmente por los críticos para menospreciar el movimiento. Las obras no eran necesariamente murales: utilizaban otros medios como el collage y, a menudo, parodiaban y alegorizaban íconos culturales, medios de comunicación, religión y otros aspectos de la cultura mexicana. Esta generación de artistas estaba interesada en los valores tradicionales mexicanos y exploraba sus raíces, a menudo cuestionándolos o subvirtiéndolos. Otro tema común fue la cultura mexicana frente a la globalización.

Posmoderno

El arte desde la década de 1990 hasta el presente se clasifica aproximadamente como posmoderno, aunque este término se ha utilizado para describir obras creadas antes de la década de 1990. Los principales artistas asociados con este sello incluyen a Betsabeé Romero, Mónica Castillo, Francisco Larios, Martha Chapa y Diego Toledo.

• Escultura del artista jalisciense Juan Soriano
• Homenaje a Wirikuta de Betsabeé Romero
• Mexican artist Mauricio García Vega at his workshop in Nezahualcoyotl
• Plenitud de Sandra Pani

El éxito de los artistas mexicanos se demuestra con su inclusión en galerías de Nueva York, Londres y Zúrich.

Colecciones de arte y galerías

• En 1974 se inauguró el Museo de Arte Carrillo Gil (MACG), una galería y museo.
• El Museo Tamayo de Arte Contemporáneo abrió sus puertas en la Ciudad de México en
• En 1994, se estableció la fundación detrás de la Colección Jumex y su colección de arte contemporáneo; Está ubicado en la periferia industrial de la Ciudad de México.
• Kurimanzutto, una galería privada fundada en 1999.
• En 1994 se abrió al público el Museo Olmedo.
• En 1996 la colección Gelman fue donada al Metropolitan Museum of Art (en Nueva York); parte de la colección de los Gelman se exhibe en el Museo Muros de Cuernavaca.
• Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) inaugurado en
• La exhibición de arte privado se concentra en los principales centros urbanos, en particular Monterrey, Nuevo León, Guadalajara, la ciudad de Oaxaca y Puebla.

Crítica de arte

Octavio Mercado dijo en 2012 que la actividad de crítica de arte aún se puede encontrar en revistas especializadas y periódicos de circulación nacional; además, una nueva generación de críticos de arte incluye a Daniela Wolf, Ana Elena Mallet, Gabriella Gómez-Mont y Pablo Helguera. (Antes de eso, se afirmaron en 2004 que un déficit de escritura nativa sobre el arte, el simbolismo y las tendencias mexicanas resultó en que el arte mexicano moderno exhibido en el extranjero haya sido mal etiquetado o descrito de manera deficiente, ya que las instituciones extranjeras no comprenden o aprecian suficientemente el circunstancias políticas y sociales detrás de las piezas.)

Artistas mexicanos del siglo XX.

Pintores más destacados con reputación internacional

• José Clemente Orozco
• Diego Rivera
• David Alfaro Siqueiros
• Rufino Tamayo
• Frida Kahlo

Otros de nota

• Raúl Anguiano, geometría armónica, muralista y grabador.
• Gustavo Arias Murueta
• Ignacio Barrios, watercolorist.
• Federico Cantú, muralista, grabador y escultor.
• Leonora Carrington, pintora y novelista de origen inglés.
• Mario Orozco Rivera, muralista y caballete.
• Joaquín Clausell, oil, Impresionista.
• Miguel Condé, pintor, dibujante y grabador figurativo.
• Vladimir Cora, pintor y escultor, óleo, acrílico y esmalte.
• Pedro Coronel, pintor, escultor, dibujante y grabador abstracto.
• Rafael Coronel óleo, pintura melancólica.
• Miguel Covarrubias, Art Deco cartoon.
• José Luis Cuevas, painter, sculptor.
• Gunther Gerzso, óleo, pionero del expresionismo mexicano (surrealismo abstracto).
• Francisco Goitia, óleo
• Jorge González Camarena, painter, sculptor and muralist.
• Dibujo de Saturnino, pintura al óleo, friso en el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México.
• María Izquierdo, pintura al óleo, surrealista, muralista, primera pintora mexicana en exponer en EE.UU.
• Gerardo Murillo Dr. Atl, Óleo, (pionero del "mural" en México). casino de la selva
• Gilberto Aceves Navarro, painter, muralist, professor.
• Leonardo Nierman, pintor y escultor.
• Luis Nishizawa, artista (varias técnicas).
• Juan O'Gorman, mural (murales en la UNAM, México).
• Pablo O'Higgins, muralista mexicano-estadounidense (Murales SEP y Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo).
• Rodrigo R. Pimentel pintor.
• José Guadalupe Posada, engraving.
• Alfredo Ramos Martínez, painter and muralist.
• Verónica Ruiz de Velasco, neofigurative painter and muralist.
• Juan Soriano "El Mozart de la pintura mexicana".
• Francisco Toledo, pintor, escultor y ceramista.
• Remedios Varo, surrealist painter.
• Alfredo Zalce, muralista, grabador y escultor.
• roberto montenegro.
• Desiderio Hernández Xochitiotzin Tlaxcala muralist painter.

• Canal de Xochimilco. Joaquín Clausell
• "Paisaje de Zacatecas con ahorcados II" de Francisco Goitia, hacia 1914, óleo sobre lienzo, 194 × 109,7 cm. Museo Nacional de Arte
• Portrait of Belinda Palavicini. 1915. Pastel on paper. 187 × 87 cm. Museo Nacional de Arte by Alfredo Ramos Martínez
• Por Gustavo Arias Murueta, "Cosmogonía"
• "Chivo" (Cabra)
• Mural en Cerámica II en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Siglo 21

Al igual que muchas otras partes del mundo, México ha adoptado algunas técnicas modernas, como la existencia de artistas callejeros que representan pinturas populares de México a lo largo de la historia o contenido original.

Artistas visuales mexicanos modernos

Algunos de los pintores de este siglo son:

• Eliseo Garza Aguilar, pintor y artista de performance. Considerado entre los máximos exponentes del arte provocador y reflexivo del Tercer Milenio. En busca de una respuesta crítica de los espectadores, combina sus pinturas en las representaciones con el histrionismo teatral.
• Emanuel Espintla, pintor y performer. Considerado entre los máximos exponentes del arte naif mexicano y la fridamanía.
• Pilar Goutas, pintora que utiliza el óleo sobre soporte de amate, fuertemente influenciada por Pollock y la caligrafía china.
• Rafael Torres Correa, se radicó en México en 2001 e ingresó al taller de arte contemporáneo, “La Polilla” en Guadalajara, realizando diversos proyectos artísticos y escenográficos. En México trabaja con los pintores José Luis Malo, Rafael Sáenz, Eduardo Realzado y el escultor Javier Malo. Participó en talleres grabados por la pintora Margarita Pointelin. En 2003 realizó una formación de Washi Zoo Kei con el maestro salvadoreño Addis Soriano.
• Enrique Pacheco, escultor, pintor, caracterizado por fusionar pintura y escultura con reconocimiento mundial.
• Pilar Pacheco Méndez, visual artist and sound.
• Daniel Lezama, artista visual. Funciona en todos los principales formatos de aceite. Nacido en 1968 de padres mexicoamericanos.
• Roberto Cortazar, artista visual, pintor.
• Margaret Orozco Pointelín
• Jazzamoart, artista visual, Guanajuato.
• Rafael Cauduro, pintor, escultor, muralista.
• Arturo Rivera, Pintor.
• Germán Montalvo, Pintor.
• Omar Rodríguez-Graham, Pintor. Nacido en la Ciudad de México en 1978.
• Vicente Rojo, Painter.
• Sebastián, pintor, escultor.
• Miguel Sanchez Lagrieta, Painter, visual artist.
• Gabriel Orozco, Pintor, Escultor Veracruzano.

Artes y artesanías populares

Las artesanías mexicanas y el arte popular, llamado artesanía en México, es una categoría compleja de artículos hechos a mano o en pequeños talleres con fines utilitarios, decorativos u otros. Estos incluyen cerámica, tapices, ciertos tipos de pinturas y textiles. Al igual que las artes más formales, la artesanía tiene raíces indígenas y europeas y se considera una parte valiosa de la herencia étnica de México.

Este vínculo entre las artes y la identidad cultural fue forjado con mayor fuerza por la élite política, intelectual y artística del país en la primera mitad del siglo XX, después de la Revolución Mexicana. Artistas como Diego Rivera, Rufino Tamayo y Frida Kahlo utilizaron la artesanía como inspiración para varios de sus murales y otras obras. A diferencia de las bellas artes, la artesanía es creada por personas comunes y de herencia indígena, que aprenden su oficio a través del aprendizaje formal o informal. La vinculación de la artesanía y la identidad mexicana continúa a través de la televisión, el cine y la promoción turística.

La mayor parte de la artesanía producida en México consiste en cosas ordinarias hechas para el uso diario. Se consideran artísticas porque contienen detalles decorativos o están pintadas en colores vivos, o ambas cosas. El uso audaz de colores en artesanías y otras construcciones se remonta a tiempos prehispánicos. A estos se unieron otros colores introducidos por el contacto europeo y asiático, siempre en tonos llamativos.

Los motivos de diseño varían de puramente indígenas a mayormente europeos con otros elementos agregados. Prevalecen los diseños geométricos conectados con el pasado prehispánico de México, y los artículos están hechos por las restantes comunidades puramente indígenas del país. Los motivos de la naturaleza son populares, posiblemente más que los patrones geométricos en los diseños prehispánicos y europeos. Son especialmente frecuentes en tapices de pared y cerámica.

Una de las mejores artesanías de México es la cerámica de Talavera producida en Puebla. Tiene una mezcla de influencias de diseño chino, árabe, español e indígena. Las pinturas populares más conocidas son las pinturas exvoto o retablo. Estas son pequeñas pinturas conmemorativas u otras obras de arte creadas por un creyente, en honor a la intervención de un santo u otra figura. El estilo inexperto de la pintura exvoto fue apropiado a mediados del siglo XX por Kahlo, quien creía que eran la expresión más auténtica del arte latinoamericano.

Cine

La cinematografía llegó a México durante la Revolución Mexicana desde Estados Unidos y Francia. Inicialmente se utilizó para documentar las batallas de la guerra. El propio general revolucionario Pancho Villa protagonizó algunas películas mudas. En 2003, HBO emitió Y protagonizada por Pancho Villa como él mismo, con Antonio Banderas como Villa; la película se centra en la realización de la película La vida del general Villa. Villa utilizó conscientemente el cine para dar forma a su imagen pública.

La primera película sonora en México se realizó en 1931, llamada Desde Santa. El primer género cinematográfico mexicano apareció entre 1920 y 1940, llamado ranchero.

México ha ganado dos veces el más alto honor en el Festival de Cine de Cannes, habiendo ganado el Grand Prix du Festival International du Film para María Candelaria en 1946 y la Palma de Oro en 1961 para Viridiana, más que cualquier otra nación latinoamericana.

Si bien la Edad de Oro del cine en México se considera las décadas de 1940 y 1950, dos películas de mediados a fines de la década de 1930, Allá en el Rancho Grande (1936) y Vámonos con Pancho Villa (1935), establecieron el estándar de esta época temática, estética, e ideológicamente. Estas películas presentaban figuras y símbolos estelares arquetípicos basados ​​en amplias mitologías nacionales. Parte de la mitología según Carlos Monsiváis incluye a los participantes de los melodramas familiares, los charros masculinos de las películas rancheras, las mujeres fatales (a menudo interpretadas por María Félix y Dolores del Río), los pueblos indígenas de las películas de Emilio Fernández y el peladito urbano de Cantinflas. sinvergüenza).

Los escenarios eran a menudo ranchos, los campos de batalla de la revolución y cabarets. Las películas sobre la Revolución Mexicana se centraron en el derrocamiento inicial del gobierno de Porfirio Díaz en lugar de la lucha posterior entre las distintas facciones. También tendían a enfocarse en temas rurales como "mexicanos", a pesar de que la población era cada vez más urbana.

México tuvo dos ventajas en el cine durante este período. La primera fue una generación de talentosos actores y cineastas. Estos incluyeron actores como María Félix, Jorge Negrete, Pedro Armendáriz, Pedro Infante, Cantinflas y directores como Emilio "El Indio" Fernández y el director de fotografía Gabriel Figueroa. Muchos de estos estrenos tuvieron éxito en Estados Unidos y en el Festival de Cine de Cannes. En la esquina de La Brea y Hollywood Boulevard, hay una escultura de cuatro mujeres que representan los cuatro pilares de la industria del cine, una de ellas es la actriz mexicana Dolores del Río. Gabriel Figueroa es conocido por su trabajo de cámara en blanco y negro que generalmente es austero y expresionista, con un movimiento de cámara simple pero sofisticado.La segunda ventaja fue que México no estuvo muy involucrado en la Segunda Guerra Mundial y, por lo tanto, tenía una mayor oferta de celuloide para películas, que luego también se usaba para bombas.

En la década de 1930, el gobierno se interesó en la industria para promover valores culturales y políticos. Gran parte de la producción durante la Edad de Oro se financió con una combinación de dinero público y privado, y el gobierno finalmente asumió un papel más importante. En 1942, el Banco Cinematográfico financió casi toda la industria, quedando bajo el control del gobierno en 1947. Esto le dio al gobierno amplios derechos de censura al decidir qué proyectos financiar. Si bien el gobernante Partido Revolucionario Institucional (PRI) censuró las películas de muchas maneras en las décadas de 1940 y 1950, no fue tan represivo como otros países de habla hispana, pero desempeñó un papel importante en la forma en que se retrató el gobierno y la cultura de México.

La Edad de Oro terminó a fines de la década de 1950, con la década de 1960 dominada por imitaciones mal hechas de comedias y westerns de Hollywood. Estas películas se filmaron cada vez más al aire libre y las películas populares presentaban estrellas de la lucha libre. La producción de cine artístico y experimental en México tiene sus raíces en el mismo período, que comenzó a dar sus frutos en la década de 1970. El director Paul Leduc surgió en la década de 1970, especializándose en películas sin diálogo. Su primer gran éxito fue con Reed: Insurgent Mexico (1971), seguido de una biografía de Frida Kahlo llamada Frida (1984). Es el más consistentemente político de los directores mexicanos modernos. En la década de 1990 filmó Latino Bar (1991) y Dollar Mambo(1993). Sus películas mudas generalmente no han tenido éxito comercial.

A fines del siglo XX, el principal impulsor del cine de arte mexicano fue Arturo Ripstein Jr. Su carrera comenzó con una película tipo spaghetti western llamada Tiempo de morir en 1965 y a quien algunos consideran el sucesor de Luis Buñuel, quien trabajó en México en la década de 1940. Algunas de sus películas clásicas incluyen El Castillo de la pureza (1973), Lugar sin límites (1977) y La reina de la noche (1994) explorando temas como los lazos familiares e incluso la homosexualidad, tratando la crueldad, la ironía y la tragedia. La censura estatal fue relativamente laxa en la década de 1960 y principios de la de 1970, pero retornó a finales de la década de 1970 y 1980, monopolizando la producción y la distribución.

Otro factor fue que muchas instalaciones cinematográficas mexicanas fueron ocupadas por productoras de Hollywood en la década de 1980, desplazando a la producción local. La calidad de las películas fue tan mermada que durante algunos de estos años, el premio Ariel de cine de México fue suspendido por falta de candidatos calificados. El cine popular disminuyó, pero el sector del arte creció, a veces produciendo obras fuera de la vista de los censores, como la película Rojo Amanecer de Jorge Fons de 1989 sobre la masacre de Tlatelolco de 1968. La película fue prohibida por el gobierno pero recibió apoyo en México y el extranjero. La película se proyectó aunque no ampliamente. Fue el comienzo de más libertad editorial para los cineastas en México.

A partir de la década de 1990, el cine mexicano comenzó a reaparecer, principalmente a través de la coproducción con intereses extranjeros. Una de las razones del interés internacional por el cine mexicano fue el gran éxito de la película de 1992 Como agua para chocolate. En 1993, esta película fue la película en lengua extranjera más taquillera en la historia de los Estados Unidos y se proyectó en un total de 34 países. Desde entonces, el cine mexicano se dividió en dos géneros. Las destinadas a un público más doméstico suelen ser más personales y ambiguamente políticas, como Pueblo de Madera, La vida conyugal y Ángel de fuego. Los dirigidos a audiencias internacionales tienen imágenes mexicanas más estereotipadas e incluyenSólo con Tu Pareja, La Invencion de Cronos along with Como Agua para Chocolate.

La nueva generación de directores exitosos de México incluye a Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, conocidos como "Los tres amigos del cine". Las películas de este director incluyen Gravity de Cuarón, The Shape of Water de Del Toro y Birdman de Iñárritu. Los profesionales del cine de principios del siglo XXI tienden a ser al menos bilingües (español e inglés) y están mejor capacitados para participar en el mercado mundial de películas que sus predecesores.

Fotografía en México

La fotografía llegó a México en forma de daguerrotipo unos seis meses después de su descubrimiento y se difundió rápidamente. Inicialmente se utilizó para retratos de personas adineradas (por su alto costo), y para fotografiar paisajes y ruinas prehispánicas. Otro tipo relativamente común de primeros retratos fotográficos fueron los de niños recién fallecidos, llamados angelitos, que persistieron hasta la primera mitad del siglo XX. Esta costumbre se deriva de una tradición católica de celebrar la aceptación inmediata de un niño muerto en el cielo, sin pasar por el purgatorio. Esta fotografía reemplazó la práctica de hacer dibujos y otras representaciones de ellos, ya que se consideraba una "ocasión feliz".Los retratos formales fueron la forma más común de fotografía comercial hasta finales del siglo XIX.

La fotografía moderna en México no comenzó como una forma de arte, sino más bien como documentación, asociada a publicaciones periódicas y proyectos gubernamentales. Data del período de gobierno de Porfirio Díaz, o el Porfiriato, desde finales del siglo XIX hasta 1910. La fotografía de la era porfiriana estaba muy inclinada hacia la presentación de la modernización de la nación al resto del mundo, con la Ciudad de México como su obra maestra cultural.. Esta imagen tenía una base europea con algunos elementos indígenas para su distinción.

Las imágenes estilizadas de los indígenas durante el Porfirato fueron realizadas principalmente por Ybañez y Sora en el estilo de pintura costumbrista, que era popular fuera de México. Uno de los fotógrafos más importantes del Porfiriato fue Guillermo Kahlo, né Wilhelm. Kahlo estableció su propio estudio en la primera década del siglo XX y fue contratado por empresas y el gobierno para documentar la arquitectura, los interiores, los paisajes y las fábricas. Otro fotógrafo nacido en Alemania fue Hugo Brehme, que trabajaba al mismo tiempo que Kahlo. Aparentemente, los dos no se llevaban bien, posiblemente porque eran rivales para producir imágenes de edificios de la época colonial.

El estilo de Kahlo reflejó las narrativas de la época, centrándose únicamente en las principales construcciones y eventos, y evitando a la población común, rara vez apareciendo personas en sus fotos. Evitó temas que insinuaran la inestabilidad política del país en ese momento, como las acciones de huelga. Uno de los principales proyectos de Kahlo fue el Inventario fotográfico de la arquitectura de la iglesia colonial española en México (1910), que constaba de veinticinco álbumes patrocinados por el gobierno federal para documentar la arquitectura colonial restante. La fotografía de Kahlo se utilizó para vincular el pasado prehispánico y colonial de México en su arquitectura con el progreso actual de México, como se muestra en sus fotos de la industria y la infraestructura.

Otro pionero de la fotografía mexicana fue Agustín Víctor Casasola. Al igual que Kahlo, comenzó su carrera en el Porfirato, pero su carrera se centró en la fotografía para publicaciones periódicas. Nuevamente, como Kahlo, el trabajo de Casasola antes de la Revolución Mexicana se centró en fotografías no controvertidas, centrándose en la vida de la élite. El estallido de la guerra civil hizo cambiar la elección del tema por parte de Casasola. Comenzó a centrarse no solo en los retratos de los principales protagonistas (como Francisco Villa) y las escenas generales de batalla, sino también en las ejecuciones y los muertos. Se centró en personas cuyos rostros mostraban expresiones como dolor, amabilidad y resignación.

Su trabajo durante este tiempo produjo una gran colección de fotografías, muchas de las cuales son familiares para los mexicanos, ya que han sido ampliamente reimpresas y reutilizadas, a menudo sin el crédito de Casasola. Después de la guerra, Casasola continuó fotografiando a la gente común, especialmente a los inmigrantes a la Ciudad de México durante las décadas de 1920 y 1930. Sus archivos conocidos totales comprenden alrededor de medio millón de imágenes con muchas de sus obras archivadas en el antiguo monasterio de San Francisco en Pachuca.

Kahlo y Casasola son considerados los dos fotógrafos más importantes para desarrollar el medio en México, con Kahlo definiendo la fotografía arquitectónica y Casasolas estableciendo el fotoperiodismo. Ninguno de los dos se consideraba un artista —especialmente Casasolas— que se consideraba un historiador de tradición positivista, pero las fotografías de ambos muestran atención al detalle, la iluminación y la ubicación de los sujetos para lograr un efecto emocional o dramático.

Durante el resto del siglo XX, la mayor parte de la fotografía estuvo relacionada con la documentación. Sin embargo, las corrientes artísticas tanto de dentro como de fuera del país surtieron efecto. En la década de 1920, el estilo fotográfico dominante era el pictorialismo, en el que las imágenes tenían un carácter romántico o onírico debido al uso de filtros y otras técnicas. El estadounidense Edward Weston rompió con esta tradición, eliminando estos efectos para obtener imágenes más realistas y detalladas. Esto provocó una división en el mundo de la fotografía entre pictorialistas y realistas tanto dentro como fuera de México.

Weston y su asistente italiana Tina Modotti estuvieron en México de 1923 a 1926, aliándose con los fotógrafos realistas mexicanos Manuel Álvarez Bravo y muralistas como Gabriel Fernández Ledesma. Las aspiraciones políticas y sociales de estos fotógrafos coincidían con las del movimiento muralista y el nuevo gobierno posrevolucionario. Mariana Yampolsky, originaria de Estados Unidos, se convirtió en una importante fotógrafa en México. La fotografía y otras artes cambiaron a representaciones de la herencia indígena del país y la glorificación de la gente común mexicana. Esto fue principalmente para rechazar los valores elitistas y fuertemente europeos del Porfiriato, junto con la creciente influencia cultural de los Estados Unidos a favor de una identidad mexicana "auténtica" y distinta.Otro fue la decisión del gobierno de utilizar estas imágenes, en lugar de los recuerdos aún frescos de las batallas y atrocidades de la Revolución para promocionarse.

Manuel Álvarez Bravo experimentó con la abstracción en su fotografía y formó un estilo propio y personal preocupado por los ritos y costumbres mexicanas. Estuvo activo desde la década de 1920 hasta su muerte en la década de 1990. Al igual que otros artistas del siglo XX, se preocupó por equilibrar las tendencias artísticas internacionales con la expresión de la cultura y el pueblo mexicano. Sus técnicas fotográficas se preocuparon por transformar lo ordinario en fantástico. Desde finales de la década de 1930 hasta la década de 1970, su fotografía se desarrolló junto con nuevas tecnologías como el color, utilizando los mismos temas. En la década de 1970, experimentó con desnudos femeninos.

Estos fotógrafos posteriores a la Revolución influyeron en las generaciones posteriores, pero el énfasis permaneció en el periodismo documental, especialmente para los periódicos. Por esta razón, el foco se mantuvo en los temas sociales. Esto incluyó el trabajo de Nacho López y Héctor García, mejor conocido por su fotografía del levantamiento estudiantil de 1968.

Durante la década de 1970, una fusión de varios estilos mantuvo un enfoque social. Durante el mismo período se establecieron instituciones que se dedicaron a la promoción de la fotografía y la conservación de fotografías, como el Centro de la Imagen, la Fototeca Nacional del INAH y la publicación Luna Córnea.

La fotografía en México desde finales del siglo XX en adelante sigue estando mayormente enfocada en el fotoperiodismo y otros tipos de documentales. Francisco Mata de Rosas es considerado el fotógrafo más destacado del México contemporáneo que trabaja principalmente con documentales. Ha publicado varios libros, incluidos México Tenochtitlan y Tepito, Bravo el Barrio. Eniac Martínez es especialista en panorámicas. Patricia Aridjis trabaja con temas sociales, principalmente para ilustrar libros. El trabajo de Gerardo Montiel Klint ha sido descrito como un "mundo sombrío y oscuro", centrándose en la angustia y la violencia de los adolescentes. La generación más reciente de fotógrafos trabaja con tecnologías nuevas y digitales. Uno de ellos es Javier Orozco que se especializa en interiores.

Sin embargo, la fotografía puramente artística ha tenido un impacto. En 2002, una exhibición fotográfica de Daniela Rossell presentó imágenes de multimillonarios mexicanos posando en sus casas ostentosas, llenas de pinturas costosas, trofeos de caza, candelabros de cristal, papel tapiz de lamé dorado y ayuda doméstica. Las fotografías desencadenaron una ola de crítica social y chismes de tabloide.

Galería

• El Túnel y Puente del Cañón del Infiernillo está ubicado en el Ferrocarril Mexicano.
• Porfirio Díaz con la Piedra del Sol, fotógrafo desconocido
• General Emiliano Zapata, líder de los revolucionarios en Morelos desde 1911 hasta su asesinato en 1919
• Siqueiros por Héctor García Cobo en el penal de Lecumberri, Ciudad de México,
• Niño soldado durante la Revolución Mexicana, Archivo Casasola.
• Centro Fotografico Álvarez Bravo del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca.
• Foto del desfile del Día de la Independencia (16 de septiembre) en la Ciudad de México en el Museo Archivo de la Fotografía.
• Universidad Nacional Autónoma, Ciudad de México. Vista a la Biblioteca Central 1974.