Arte medieval
El arte medieval del mundo occidental cubre una amplia gama de tiempo y lugar, más de 1000 años de arte en Europa y en ciertos períodos en Asia occidental y el norte de África. Incluye los principales movimientos y períodos artísticos, el arte nacional y regional, los géneros, los renacimientos, las artesanías de los artistas y los artistas mismos.
Los historiadores del arte intentan clasificar el arte medieval en períodos y estilos principales, a menudo con cierta dificultad. Un esquema generalmente aceptado incluye las fases posteriores del arte cristiano primitivo, el arte del período de migración, el arte bizantino, el arte insular, el prerrománico, el arte románico y el arte gótico, así como muchos otros períodos dentro de estos estilos centrales. Además, cada región, sobre todo durante el período en proceso de convertirse en naciones o culturas, tenía su propio estilo artístico distinto, como el arte anglosajón o el arte vikingo.
El arte medieval se produjo en muchos medios, y las obras sobreviven en gran número en escultura, manuscritos iluminados, vidrieras, trabajos en metal y mosaicos, todos los cuales han tenido una tasa de supervivencia más alta que otros medios, como pinturas murales al fresco, trabajo en metales preciosos o textiles, incluidos los tapices. Especialmente en la primera parte del período, las obras de las llamadas "artes menores" o artes decorativas, como la orfebrería, la talla de marfil, el esmalte y el bordado con metales preciosos, probablemente eran más valoradas que la pintura o la escultura monumental.
El arte medieval en Europa surgió de la herencia artística del Imperio Romano y las tradiciones iconográficas de la iglesia cristiana primitiva. Estas fuentes se mezclaron con la vigorosa cultura artística "bárbara" del norte de Europa para producir un notable legado artístico. De hecho, la historia del arte medieval puede verse como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico, cristiano primitivo y "bárbaro". Aparte de los aspectos formales del clasicismo, hubo una tradición continua de representación realista de objetos que sobrevivieron en el arte bizantino durante todo el período, mientras que en Occidente aparece de forma intermitente, combinándose y, en ocasiones, compitiendo con las nuevas posibilidades expresionistas desarrolladas en Europa occidental y el norte. legado de enérgicos elementos decorativos. El período terminó con la autopercibida recuperación renacentista de las habilidades y valores del arte clásico, y el legado artístico de la Edad Media fue luego menospreciado durante algunos siglos. Desde un resurgimiento del interés y la comprensión en el siglo XIX, se ha visto como un período de enormes logros que subyace en el desarrollo del arte occidental posterior.
Visión de conjunto
Los primeros siglos de la Edad Media en Europa, hasta aproximadamente el año 800 d. C., vieron una disminución en la prosperidad, la estabilidad y la población, seguida de un aumento bastante constante y general hasta el revés masivo de la Peste Negra alrededor de 1350, que se estima haber matado al menos a un tercio de la población total de Europa, con tasas generalmente más altas en el sur y más bajas en el norte. Muchas regiones no recuperaron sus niveles de población anteriores hasta el siglo XVII. Se estima que la población de Europa alcanzó un punto bajo de alrededor de 18 millones en 650, se duplicó alrededor del año 1000 y alcanzó más de 70 millones en 1340, justo antes de la Peste Negra. En 1450 todavía eran sólo 50 millones. A estas cifras, el norte de Europa, especialmente Gran Bretaña, contribuyó en menor proporción que en la actualidad, y el sur de Europa, El aumento de la prosperidad, para los que sobrevivieron, se vio mucho menos afectado por la Peste Negra. Hasta aproximadamente el siglo XI, la mayor parte de Europa carecía de mano de obra agrícola, con grandes cantidades de tierra sin utilizar, y el Período Cálido Medieval benefició a la agricultura hasta aproximadamente 1315.
El período medieval finalmente vio el declive de las invasiones e incursiones desde fuera del área que caracterizó el primer milenio. Las conquistas islámicas de los siglos VII y VIII sacaron repentina y permanentemente todo el norte de África del mundo occidental, y durante el resto del período los pueblos islámicos se apoderaron gradualmente del Imperio Bizantino, hasta el final de la Edad Media cuando la Europa católica, habiendo recuperó la península ibérica en el suroeste, estaba una vez más bajo la amenaza musulmana desde el sureste.
Al comienzo del período medieval, las obras de arte más significativas eran objetos muy raros y costosos asociados con las élites seculares, los monasterios o las principales iglesias y, si eran religiosos, en gran parte producidos por monjes. A fines de la Edad Media, se podían encontrar obras de considerable interés artístico en pequeños pueblos y en un número significativo de hogares burgueses en las ciudades, y su producción era en muchos lugares una importante industria local, siendo ahora la excepción los artistas del clero. Sin embargo, la Regla de San Benito permitía la venta de obras de arte por parte de los monasterios, y está claro que durante todo el período los monjes podían producir arte, incluidas obras seculares, comercialmente para un mercado laico, y los monasterios también contratarían especialistas laicos cuando fuera necesario.
Las obras supervivientes pueden dejar la impresión de que casi todo el arte medieval era religioso. Esto está lejos de ser el caso; aunque la iglesia se hizo muy rica durante la Edad Media y, en ocasiones, estaba preparada para gastar generosamente en arte, también había mucho arte secular de calidad equivalente que ha sufrido una tasa mucho mayor de desgaste, pérdida y destrucción. La Edad Media generalmente carecía del concepto de preservar obras más antiguas por su mérito artístico, en oposición a su asociación con un santo o figura fundadora, y los siguientes períodos del Renacimiento y el Barroco tendieron a menospreciar el arte medieval. La mayoría de los manuscritos iluminados de lujo de la Alta Edad Media tenían lujosas tapas de libros con encuadernación de tesoros en metales preciosos, marfil y joyas;
La mayoría de las iglesias se han reconstruido, a menudo varias veces, pero los palacios medievales y las casas grandes se han perdido a un ritmo mucho mayor, lo que también se aplica a sus accesorios y decoración. En Inglaterra, las iglesias sobreviven en gran parte intactas de todos los siglos desde el VII, y en cantidades considerables de las posteriores (solo la ciudad de Norwich tiene 40 iglesias medievales), pero de las docenas de palacios reales, ninguno sobrevive antes del siglo XI, y sólo un puñado de restos del resto del período. La situación es similar en la mayor parte de Europa, aunque el Palais des Papes del siglo XIV en Avignon sobrevive en gran parte intacto. Muchas de las disputas académicas más antiguas sobre la fecha y el origen de obras individuales se relacionan con piezas seculares, porque son mucho más raras: el Museo Británico rechazó el Fuller Brooch anglosajón como una falsificación inverosímil, y pequeñas piezas seculares independientes Las esculturas de bronce son tan raras que la fecha, el origen e incluso la autenticidad de los dos mejores ejemplos se ha discutido durante décadas.
El uso de materiales valiosos es una constante en el arte medieval; hasta el final del período, generalmente se gastaba mucho más en comprarlos que en pagar a los artistas, incluso si estos no eran monjes en el desempeño de sus funciones. El oro se utilizó para objetos de iglesias y palacios, joyas personales y accesorios de ropa y, fijado en la parte posterior de teselas de vidrio, como fondo sólido para mosaicos, o aplicado como pan de oro a miniaturas en manuscritos y pinturas sobre paneles. Muchos objetos que utilizan metales preciosos se fabricaron sabiendo que su valor en lingotes podría realizarse en un momento futuro; solo cerca del final del período se podía invertir dinero que no fuera en bienes raíces, excepto con gran riesgo o cometiendo usura.
El pigmento ultramar aún más caro, hecho de lapislázuli molido que solo se puede obtener de Afganistán, se usó profusamente en el período gótico, más a menudo para el tradicional manto azul exterior de la Virgen María que para los cielos. El marfil, a menudo pintado, fue un material importante hasta el final del período, lo que ilustra bien el cambio del arte de lujo a las obras seculares; al comienzo del período, la mayoría de los usos estaban cambiando de los dípticos consulares a los objetos religiosos como cubiertas de libros, relicarios y báculos, pero en el período gótico los estuches de espejos seculares, los ataúdes y las peinetas decoradas se vuelven comunes entre los acomodados. Como los delgados paneles de marfil tallados en relieve rara vez se pueden reciclar para otra obra, el número de sobrevivientes es relativamente alto; lo mismo ocurre con las páginas de los manuscritos, aunque a menudo se reciclaron raspando.
Incluso estos materiales básicos eran costosos: cuando la abadía anglosajona de Monkwearmouth-Jarrow planeó crear tres copias de la Biblia en 692, de las cuales una sobrevive como el Codex Amiatinus, el primer paso necesario fue planificar la cría del ganado para abastecer a la población. 1.600 terneros para dar la piel para la vitela necesaria.
El papel estuvo disponible en los últimos siglos del período, pero también era extremadamente caro para los estándares actuales; los grabados en madera vendidos a los peregrinos comunes en los santuarios a menudo eran del tamaño de una caja de cerillas o más pequeños. La dendrocronología moderna ha revelado que la mayor parte del roble para los paneles utilizados en la pintura holandesa temprana del siglo XV se taló en la cuenca del Vístula en Polonia, desde donde se envió río abajo y a través de los mares Báltico y del Norte a los puertos flamencos, antes de ser sazonado durante varios años.
El arte en la Edad Media es un tema amplio y los historiadores del arte tradicionalmente lo dividen en varias fases, estilos o períodos a gran escala. El período de la Edad Media no comienza ni termina claramente en una fecha particular, ni al mismo tiempo en todas las regiones, y lo mismo es cierto para las principales fases del arte dentro del período. Las fases principales se tratan en las siguientes secciones.
Arte paleocristiano y tardoantiguo
El arte paleocristiano, más generalmente descrito como arte antiguo tardío, abarca el período que va desde alrededor del año 200 (antes del cual no sobrevive ningún arte cristiano diferenciado), hasta el inicio de un estilo completamente bizantino alrededor del año 500. Continúa habiendo diferentes puntos de vista sobre cuándo El período medieval comienza durante este tiempo, tanto en términos de historia general como específicamente de historia del arte, pero con mayor frecuencia se ubica al final del período. En el transcurso del siglo IV, el cristianismo pasó de ser una secta popular perseguida a la religión oficial del Imperio, adaptando los estilos romanos existentes y, a menudo, la iconografía, tanto del arte popular como del imperial. Desde el comienzo del período, los principales sobrevivientes del arte cristiano son las pinturas de tumbas en estilos populares de las catacumbas de Roma,
Durante este período, el arte imperial tardorromano atravesó una fase sorprendentemente "barroca" y luego abandonó en gran medida el estilo clásico y el realismo griego en favor de un estilo más místico e hierático, un proceso que estaba en marcha mucho antes de que el cristianismo se convirtiera en una gran influencia en el arte imperial.. Las influencias de las partes orientales del Imperio: Egipto, Siria y más allá, y también una sólida tradición vernácula "cursiva", contribuyeron a este proceso.
Las figuras se ven principalmente mirando de frente al espectador, mientras que el arte clásico tendía a mostrar una vista de perfil; el cambio finalmente se vio incluso en las monedas. La individualidad de los retratos, una gran fortaleza del arte romano, decae considerablemente, y la anatomía y el drapeado de las figuras se muestran con mucho menos realismo. Los modelos a partir de los cuales la Europa del norte medieval en particular formó su idea del estilo "romano" eran casi todas obras portátiles de la Antigüedad tardía, y los sarcófagos tallados de la Antigüedad tardía encontrados en todo el antiguo Imperio Romano; la determinación de encontrar modelos clásicos anteriores "más puros" fue un elemento clave en el arte all'antica del Renacimiento.
Relieves de marfil
Ascensión de Cristo y Noli me tangere, c. 400, con muchos elementos de estilo clásico restantes. Ver Drogo Sacramentary para una Ascensión similar 450 años después.
Díptico consular, Constantinopla 506, en estilo totalmente antiguo tardío
Panel otoniano de los Marfiles de Magdeburgo, en un estilo monumental audaz con poco intento de clasicismo; Milán 962–973.
Tríptico gótico francés de finales del siglo XIV, probablemente para un propietario laico, con escenas de la Vida de la Virgen
Arte bizantino
El arte bizantino es el arte del Imperio Bizantino de habla griega formado después de la división del Imperio Romano entre las mitades oriental y occidental y, a veces, de partes de Italia bajo el dominio bizantino. Emerge de la Antigüedad tardía alrededor del año 500 EC y pronto formó una tradición distinta a la de la Europa católica pero con gran influencia sobre ella. En el período medieval temprano, el mejor arte bizantino, a menudo procedente de los grandes talleres imperiales, representaba un ideal de sofisticación y técnica que los mecenas europeos trataban de emular. Durante el período de iconoclastia bizantina en 730-843, la gran mayoría de los íconos (imágenes sagradas generalmente pintadas en madera) fueron destruidos; queda tan poco que hoy cualquier descubrimiento arroja una nueva comprensión, y la mayoría de las obras restantes se encuentran en Italia (Roma y Rávena, etc.), o Egipto en el Monasterio de Santa Catalina.
El arte bizantino era extremadamente conservador, por razones religiosas y culturales, pero conservaba una tradición continua del realismo griego, que competía con un fuerte impulso hierático y antirrealista. Después de la reanudación de la producción de iconos en 843 hasta 1453, la tradición del arte bizantino continuó con relativamente pocos cambios, a pesar o debido al lento declive del Imperio. Hubo un renacimiento notable del estilo clásico en obras de arte de la corte del siglo X como el Salterio de París, y durante todo el período la iluminación de los manuscritos muestra estilos paralelos, a menudo utilizados por el mismo artista, para figuras icónicas en miniaturas enmarcadas y escenas o figuras pequeñas más informales. añadido sin enmarcar en los márgenes del texto en un estilo mucho más realista.
La escultura monumental con figuras siguió siendo un tabú en el arte bizantino; apenas se conocen excepciones. Pero los pequeños relieves de marfil, casi todos en el modo icónico (el Tríptico de Harbaville es de fecha similar al Salterio de París, pero de estilo muy diferente), eran una especialidad, al igual que la decoración en relieve de cuencos y otros objetos de metal.
El Imperio Bizantino produjo gran parte del mejor arte de la Edad Media en términos de calidad de materiales y mano de obra, con la producción de la corte centrada en Constantinopla, aunque algunos historiadores del arte han cuestionado la suposición, aún comúnmente hecha, de que todo trabajo de la mejor calidad con en la capital no se presentó ninguna indicación sobre el origen. El logro supremo del arte bizantino fueron los frescos monumentales y los mosaicos dentro de las iglesias abovedadas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a los desastres naturales y la apropiación de las iglesias para las mezquitas.
El arte bizantino ejerció una influencia continua en el arte de Europa occidental, y el esplendor de la corte y los monasterios bizantinos, incluso al final del Imperio, proporcionó un modelo para los gobernantes occidentales y los mecenas seculares y clericales. Por ejemplo, los textiles bizantinos de seda, a menudo tejidos o bordados con diseños de figuras tanto animales como humanas, reflejando las primeras tradiciones que se originaron mucho más al este, no fueron superados en el mundo cristiano hasta casi el final del Imperio. Estos fueron producidos, pero probablemente no del todo, en talleres imperiales en Constantinopla, sobre cuyas operaciones sabemos casi nada; a menudo se conjeturan talleres similares para otras artes, con incluso menos evidencia. El estilo de fondo dorado en mosaicos, íconos y miniaturas manuscritas era común en toda Europa durante el período gótico. Algunas otras artes decorativas estaban menos desarrolladas; La cerámica bizantina rara vez se eleva por encima del nivel del atractivo arte popular, a pesar de la herencia griega antigua y el impresionante futuro en el período otomano de las mercancías de İznik y otros tipos de cerámica.
El arte copto de Egipto tomó un camino diferente; después de que la Iglesia copta se separó a mediados del siglo V, nunca más fue apoyada por el estado, y las influencias egipcias nativas dominaron para producir un estilo completamente irrealista y algo ingenuo de figuras de ojos grandes flotando en un espacio en blanco. Este fue capaz de una gran expresividad y llevó el componente "oriental" del arte bizantino a sus conclusiones lógicas. La decoración copta utilizaba intrincados diseños geométricos, a menudo anticipándose al arte islámico. Debido a la conservación excepcionalmente buena de los entierros egipcios, sabemos más sobre los textiles usados por los menos acomodados en Egipto que en cualquier otro lugar. Estos a menudo estaban elaboradamente decorados con diseños figurativos y estampados. Otras tradiciones locales en Armenia, Siria, Georgia y otros lugares mostraron en general menos sofisticación, pero a menudo más vigor que el arte de Constantinopla y, a veces, especialmente en arquitectura, parece haber tenido influencia incluso en Europa occidental. Por ejemplo, la escultura figurativa monumental en el exterior de las iglesias aparece aquí algunos siglos antes que en Occidente.
Período de migración a través de la cristianización
El arte del Período de Migración describe el arte de los pueblos germánicos y de Europa del Este "bárbaros" que estaban en movimiento y luego se establecieron dentro del antiguo Imperio Romano, durante el Período de Migración de aproximadamente 300-700; el término general cubre una amplia gama de estilos étnicos o regionales, incluido el arte anglosajón primitivo, el arte visigodo, el arte vikingo y el arte merovingio, todos los cuales hicieron uso del estilo animal, así como de motivos geométricos derivados del arte clásico. En este período, el estilo animal había alcanzado una forma mucho más abstracta que en el arte escita anterior o el estilo La Tène. La mayoría de las obras de arte eran pequeñas y portátiles y las que sobrevivieron son en su mayoría joyas y trabajos en metal, con el arte expresado en diseños geométricos o esquemáticos, a menudo hermosamente concebidos y hechos, con pocas figuras humanas y ningún intento de realismo.
A medida que los pueblos "bárbaros" se cristianizaron, estas influencias interactuaron con la tradición artística cristiana mediterránea posclásica y nuevas formas como el manuscrito iluminado y, de hecho, las monedas, que intentaron emular las monedas provinciales romanas y los tipos bizantinos. Las primeras acuñaciones, como el sceat, muestran a los diseñadores completamente desacostumbrados a representar una cabeza de perfil lidiando con el problema en una variedad de formas diferentes.
En cuanto a obras mayores, hay referencias a estatuas paganas de madera anglosajonas, todas hoy perdidas, y en el arte nórdico se mantuvo la tradición de las piedras rúnicas talladas tras su conversión al cristianismo. Los pictos celtas de Escocia también tallaron piedras antes y después de la conversión, y la tradición distintiva anglosajona e irlandesa de grandes cruces talladas al aire libre puede reflejar obras paganas anteriores. El arte vikingo de siglos posteriores en Escandinavia y partes de las Islas Británicas incluye obras tanto de trasfondo pagano como cristiano, y fue uno de los últimos florecimientos de este amplio grupo de estilos.
Sceat de plata anglosajón, Kent, c. 720. Cabeza diademada, sosteniendo cruz; reverso, serpiente con cabeza de lobo.
Partes de una puerta de madera noruega, siglo XII, estilo Urnes
Imagen-piedra de Suecia
Arte insular
El arte insular se refiere al estilo distintivo que se encuentra en Irlanda y Gran Bretaña desde aproximadamente el siglo VII hasta aproximadamente el siglo X, que perduró más tarde en Irlanda y partes de Escocia. El estilo vio una fusión entre las tradiciones del arte celta, el arte del período de migración germánica de los anglosajones y las formas cristianas del libro, cruces altas y orfebrería litúrgica.
Decoración animal extremadamente detallada, geométrica, entrelazada y estilizada, con formas derivadas de trabajos en metal seculares como broches, repartidos audazmente en manuscritos, por lo general libros evangélicos como el Libro de Kells, con páginas enteras de alfombras dedicadas a tales diseños, y el desarrollo de los grandes decorados e inicial historiada. Había muy pocas figuras humanas, la mayoría de las veces se trataba de retratos de evangelistas, y estos eran toscos, incluso cuando seguían de cerca los modelos de la Antigüedad tardía.
El estilo manuscrito insular fue transmitido al continente por la misión hiberno-escocesa, y su energía anticlásica fue de suma importancia en la formación de estilos medievales posteriores. En la mayoría de los manuscritos de la Antigüedad tardía, el texto y la decoración se mantuvieron claramente separados, aunque algunas iniciales comenzaron a ampliarse y elaborarse, pero los principales manuscritos insulares a veces toman una página completa para una sola inicial o las primeras palabras (ver ilustración) al comienzo de los evangelios o otras secciones de un libro. Permitir a la decoración un "derecho a deambular" iba a ser muy influyente en el arte románico y gótico en todos los medios.
Los edificios de los monasterios para los que se hicieron los libros de los evangelios insulares eran entonces pequeños y con razón podrían llamarse primitivos, especialmente en Irlanda. Había cada vez más otras decoraciones para las iglesias, donde era posible en metales preciosos, y un puñado de estos sobreviven, como el Cáliz de Ardagh, junto con una gran cantidad de piezas de joyería secular de alto estatus extremadamente ornamentadas y finamente hechas, los broches celtas probablemente usados. principalmente por hombres, de los cuales el Broche de Tara es el más espectacular.
"Francosajón" es un término para una escuela de iluminación carolingia tardía en el noreste de Francia que utilizó una decoración de estilo insular, incluidas iniciales muy grandes, a veces en combinación con imágenes figurativas típicas de los estilos franceses contemporáneos. El "más tenaz de todos los estilos carolingios", continuó hasta el siglo XI.
iniciales gigantes
Versión carolingia del estilo insular: compare el "Liber generationis..." anterior.
Francosajón "In principio", 871-3.
Entrelazado románico, "habitado" con figuras, Inglaterra, 1190-1200.
La típica pluma gótica florece en una copia de trabajo no ilustrada del evangelio de Juan en inglés, de finales del siglo XIV.
La influencia del arte islámico
El arte islámico durante la Edad Media queda fuera del alcance de este artículo, pero fue ampliamente importado y admirado por las élites europeas, y es necesario mencionar su influencia.El arte islámico cubre una amplia variedad de medios que incluyen caligrafía, manuscritos ilustrados, textiles, cerámica, metalistería y vidrio, y se refiere al arte de los países musulmanes en el Cercano Oriente, la España islámica y el norte de África, aunque de ninguna manera siempre son artistas o artistas musulmanes. artesanos La producción de vidrio, por ejemplo, siguió siendo una especialidad judía durante todo el período, y el arte cristiano, como en el Egipto copto, continuó, especialmente durante los primeros siglos, manteniendo algunos contactos con Europa. Hubo una etapa formativa temprana del 600 al 900 y el desarrollo de estilos regionales del 900 en adelante. El arte islámico primitivo utilizó artistas de mosaicos y escultores formados en las tradiciones bizantina y copta.En lugar de pinturas murales, el arte islámico utilizó azulejos pintados, desde 862-3 (en la Gran Mezquita de Kairouan en la actual Túnez), que también se extendió a Europa. Según John Ruskin, el Palacio Ducal de Venecia contiene "tres elementos en proporciones exactamente iguales: el romano, el lombardo y el árabe. Es el edificio central del mundo... la historia de la arquitectura gótica es la historia de la refinamiento y espiritualización del trabajo del norte bajo su influencia".
Los gobernantes islámicos controlaban en varios puntos partes del sur de Italia y la mayor parte de la España y Portugal modernas, así como los Balcanes, todos los cuales retuvieron grandes poblaciones cristianas. Los cruzados cristianos gobernaron igualmente a las poblaciones islámicas. El arte cruzado es principalmente un híbrido de estilos católico y bizantino, con poca influencia islámica, pero el arte mozárabe de los cristianos en Al Andaluz parece mostrar una influencia considerable del arte islámico, aunque los resultados se parecen poco a las obras islámicas contemporáneas. La influencia islámica también se puede rastrear en la corriente principal del arte medieval occidental, por ejemplo, en el portal románico de Moissac, en el sur de Francia, donde se muestra en ambos elementos decorativos, como los bordes festoneados de la entrada, las decoraciones circulares en el dintel de arriba, y también en tener a Cristo en Majestadrodeado de músicos, que se convertiría en una característica común de las escenas celestiales occidentales, y probablemente deriva de las imágenes de los reyes islámicos en su diván. La caligrafía, el ornamento y las artes decorativas en general eran más importantes que en Occidente.
Los artículos de cerámica hispano-moriscos de España se produjeron por primera vez en Al-Andaluz, pero los alfareros musulmanes parecen haber emigrado al área de la Valencia cristiana, donde produjeron trabajos que se exportaron a las élites cristianas de toda Europa; otros tipos de artículos de lujo islámicos, en particular los textiles de seda y las alfombras, procedían del propio mundo islámico oriental, generalmente más rico (los conductos islámicos hacia Europa al oeste del Nilo, sin embargo, no eran más ricos), y muchos pasaban por Venecia. Sin embargo, en su mayor parte, los productos de lujo de la cultura de la corte, como sedas, marfil, piedras preciosas y joyas, se importaron a Europa solo sin terminar y los artesanos medievales locales los fabricaron en el producto final etiquetado como "oriental".Estaban libres de representaciones de escenas religiosas y normalmente decoradas con adornos, lo que las hizo fáciles de aceptar en Occidente; de hecho, a finales de la Edad Media había una moda para las imitaciones pseudocúficas de la escritura árabe utilizadas decorativamente en el arte occidental.
Arte prerrománico
prerrománicoes un término para la arquitectura y, en cierta medida, el arte pictórico y portátil que se encuentra inicialmente en el sur de Europa (España, Italia y el sur de Francia) entre el período de la Antigüedad tardía hasta el comienzo del período románico en el siglo XI. El arte del norte de Europa poco a poco forma parte del movimiento posterior a la cristianización a medida que asimila los estilos posclásicos. El arte carolingio del Imperio franco, especialmente la Francia y Alemania modernas, de aproximadamente 780 a 900, toma su nombre de Carlomagno y es un arte del círculo de la corte y algunos centros monásticos bajo el patrocinio imperial, que conscientemente buscó revivir los estilos "romanos". y estándares como correspondía al nuevo Imperio de Occidente. Algunos centros de producción carolingia también fueron pioneros en estilos expresivos en obras como el Salterio de Utrecht y los Evangelios de Ebbo. La escultura monumental cristiana se registra por primera vez, y la representación de la figura humana en escenas narrativas se volvió segura por primera vez en el arte del norte. La arquitectura carolingia produjo edificios más grandes que los que se habían visto desde la época romana, y el trabajo occidental y otras innovaciones.
Después del colapso de la dinastía hubo una pausa antes de que una nueva dinastía trajera un renacimiento en Alemania con el arte otoniano, nuevamente centrado en la corte y los monasterios, con un arte que avanzaba hacia una gran expresividad a través de formas simples que logran monumentalidad incluso en obras pequeñas como el marfil. relieves y miniaturas manuscritas, sobre todo de la Escuela Reichenau, como las Perícopas de Enrique II (1002-1012). El arte anglosajón posterior en Inglaterra, de alrededor del año 900, fue expresivo de una manera muy diferente, con figuras agitadas e incluso ropajes que quizás se muestran mejor en los muchos dibujos a pluma en los manuscritos. El arte mozárabe de la España cristiana tuvo una fuerte influencia islámica y una total falta de interés por el realismo en sus miniaturas de colores brillantes, donde las figuras se presentan como patrones completamente planos.
Retrato del evangelista carolingio del Códice Aureus de Lorsch, utilizando un modelo antiguo tardío, finales del siglo VIII
Otro retrato de evangelista carolingio en estilo realista griego/bizantino, probablemente de un artista griego, también de finales del siglo VIII.
Miniatura de Beato mozárabe, finales del siglo X.
El Apocalipsis de Bamberg, de la escuela Ottonian Reichenau, logra monumentalidad en pequeña escala. 1000–1020.
Arte románico
El arte románico se desarrolló en el período comprendido entre aproximadamente el año 1000 y el surgimiento del arte gótico en el siglo XII, junto con el surgimiento del monacato en Europa occidental. El estilo se desarrolló inicialmente en Francia, pero se extendió a la España cristiana, Inglaterra, Flandes, Alemania, Italia y otros lugares para convertirse en el primer estilo medieval que se encuentra en toda Europa, aunque con diferencias regionales. La llegada del estilo coincidió con un gran aumento en la construcción de iglesias y en el tamaño de las catedrales e iglesias más grandes; muchos de estos fueron reconstruidos en períodos posteriores, pero a menudo alcanzaron aproximadamente su tamaño actual en el período románico. La arquitectura románica está dominada por gruesos muros, estructuras masivas concebidas como una sola forma orgánica, con techos abovedados y ventanas y arcos de cabeza redonda.
La escultura figurativa, originalmente pintada de colores, juega un papel integral e importante en estos edificios, en los capiteles de las columnas, así como alrededor de impresionantes portales, generalmente centrados en un tímpano sobre las puertas principales, como en la Abadía de Vézelay y la Catedral de Autun. Los relieves son mucho más comunes que las estatuas independientes en piedra, pero el relieve románico se volvió mucho más alto, con algunos elementos completamente separados de la pared de atrás. También cobraron importancia las grandes tallas, especialmente los crucifijos de madera pintada, como la Cruz de Gero, de principios de la época, y las figuras de la Virgen María, como la Virgen de Oro de Essen. La realeza y el alto clero comenzaron a encargar efigies de tamaño natural para los monumentos funerarios. Algunas iglesias tenían enormes pares de puertas de bronce decoradas con paneles narrativos en relieve, como las Puertas de Gniezno o las de Hildesheim,
La mayoría de las iglesias estaban pintadas al fresco extensamente; un esquema típico tenía a Cristo en Majestad en el extremo este (altar), un Juicio Final en el extremo oeste sobre las puertas y escenas de la Vida de Cristo frente a escenas tipológicamente coincidentes del Antiguo Testamento en las paredes de la nave. El "mayor monumento sobreviviente de la pintura mural románica", muy reducido de lo que estaba allí originalmente, se encuentra en la iglesia de la abadía de Saint-Savin-sur-Gartempe cerca de Poitiers, donde la bóveda de cañón redondo de la nave, la cripta, el pórtico y otros Las áreas conservan la mayoría de sus pinturas. Un ciclo equivalente en Sant'Angelo in Formis en Capua en el sur de Italia por pintores italianos formados por griegos ilustra el predominio continuo del estilo bizantino en gran parte de Italia.
La escultura y la pintura románicas son a menudo vigorosas y expresivas, e inventivas en términos de iconografía: los temas elegidos y su tratamiento. Aunque muchas características absorbidas del arte clásico forman parte del estilo románico, los artistas románicos rara vez intentaron lograr algún tipo de efecto clásico, excepto quizás en el arte mosano. A medida que el arte fue visto por un sector más amplio de la población, y debido a los desafíos de las nuevas herejías, el arte se volvió más didáctico y la iglesia local la "Biblia de los pobres". Al mismo tiempo, las bestias y los monstruos grotescos, y las peleas con ellos o entre ellos, eran temas populares a los que se les podía atribuir vagamente significados religiosos, aunque esto no impresionó a San Bernardo de Claraval, quien denunció tales distracciones en los monasterios:
Pero en el claustro, a la vista de los monjes lectores, ¿cuál es el sentido de una monstruosidad tan ridícula, el tipo extraño de informe informe? ¿Por qué estos feos monos, por qué estos feroces leones, por qué los monstruosos centauros, por qué los semihumanos, por qué los tigres moteados, por qué los soldados que luchan, por qué los cazadores que tocan la trompeta?... En resumen, hay tal variedad y tal diversidad de formas extrañas en todas partes que podemos preferir leer las canicas en lugar de los libros.
Bien podría haber conocido la miniatura de la izquierda, que se produjo en la abadía de Cîteaux antes de que el joven Bernard fuera trasladado desde allí en 1115.
Durante el período, la tipología se convirtió en el enfoque dominante en la literatura y el arte teológicos para interpretar la Biblia, con incidentes del Antiguo Testamento vistos como prefiguraciones de aspectos de la vida de Cristo, y mostrados junto con su correspondiente episodio del Nuevo Testamento. A menudo, la iconografía de la escena del Nuevo Testamento se basó en tradiciones y modelos originarios de la Antigüedad tardía, pero la iconografía del episodio del Antiguo Testamento tuvo que inventarse en este período, por falta de precedentes. Se idearon nuevos temas, como el Árbol de Jesé, y las representaciones de Dios Padre se hicieron más aceptables. La gran mayoría del arte sobreviviente es religioso. El arte mosano era un estilo regional especialmente refinado, sobreviviendo mucho trabajo en metal excelente, a menudo combinado con esmalte, y elementos de clasicismo raros en el arte románico.
Las vidrieras se convirtieron en una forma de arte importante en el período, aunque sobreviven pocas vidrieras románicas. En los manuscritos iluminados, la Biblia se convirtió en un nuevo foco de intensa decoración, y el salterio también siguió siendo importante. El fuerte énfasis en el sufrimiento de Cristo y otras figuras sagradas ingresó al arte occidental en este período, una característica que lo distingue fuertemente del arte bizantino y clásico durante el resto de la Edad Media y más allá. La Cruz Gero de 965-970, en la cúspide del arte otoniano y románico, ha sido llamada la primera obra en exhibir esto. El final del período románico vio el comienzo de un énfasis mucho mayor en la Virgen María en la teología, la literatura y también el arte que alcanzaría su máxima extensión en el período gótico.
El clasicismo del arte mosano; Relicario de Nicolás de Verdun en Tournai, 1205.
Techo pintado de una cripta española
Jonás tragado por la ballena, capitel de la nave de la abadía de Mozac
María Magdalena anunciando la Resurrección a los Apóstoles, Salterio de St Albans, inglés, 1120–1145.
Los frescos del siglo XII en la iglesia de St Botolph, Inglaterra, son parte del 'Grupo Lewes' de pinturas románicas creadas para el Priorato de Lewes.
Arte gótico
El arte gótico es un término variable según el oficio, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica que se desarrolló en Francia alrededor de 1137 con la reconstrucción de la iglesia de la abadía de St Denis. Al igual que con la arquitectura románica, esto incluía la escultura como parte integral del estilo, con portales aún más grandes y otras figuras en las fachadas de las iglesias la ubicación de la escultura más importante, hasta el período tardío, cuando grandes retablos y retablos tallados, generalmente en madera pintada y dorada, se convirtió en un foco importante en muchas iglesias. La pintura gótica no aparece hasta alrededor de 1200 (fecha que tiene muchas matizaciones), cuando se aparta del estilo románico. Un estilo gótico en la escultura se origina en Francia alrededor de 1144 y se extendió por toda Europa, convirtiéndose en el siglo XIII en el estilo internacional.
La mayoría de las catedrales románicas y las grandes iglesias fueron reemplazadas por edificios góticos, al menos en aquellos lugares que se beneficiaron del crecimiento económico de la época. La arquitectura románica ahora se ve mejor en áreas que luego estuvieron relativamente deprimidas, como muchas regiones del sur de Francia e Italia., o el norte de España. La nueva arquitectura permitió ventanas mucho más grandes, y las vidrieras de una calidad nunca superada es quizás el tipo de arte más asociado en la mente popular con el gótico, aunque las iglesias con casi todo su vidrio original, como la Sainte-Chapelle en París, son extremadamente raros en cualquier lugar y desconocidos en Gran Bretaña.
La mayoría de las pinturas murales góticas también han desaparecido; estos siguieron siendo muy comunes, aunque en las iglesias parroquiales a menudo se ejecutaron de manera bastante tosca. Los edificios seculares también solían tener pinturas murales, aunque la realeza prefería los tapices mucho más caros, que se transportaban en sus viajes entre sus muchos palacios y castillos, o se llevaban con ellos en campañas militares: la mejor colección de arte textil de la Baja Edad Media viene del botín suizo en la batalla de Nancy, cuando derrotaron y mataron a Carlos el Temerario, duque de Borgoña, y capturaron todo su tren de equipajes.
Como se mencionó en la sección anterior, el período gótico coincidió con un énfasis mucho mayor en la Virgen María, y fue en este período que la Virgen y el Niño se convirtieron en un sello distintivo del arte católico. Los santos también se retrataron con mucha más frecuencia, y aparecieron por primera vez muchos de los atributos desarrollados para identificarlos visualmente para un público todavía en gran parte analfabeto.
Durante este período, la pintura de paneles para retablos, a menudo polípticos y obras más pequeñas, cobraron nueva importancia. Anteriormente, los íconos en paneles habían sido mucho más comunes en el arte bizantino que en Occidente, aunque muchas pinturas en paneles ahora perdidas hechas en Occidente están documentadas en períodos mucho más antiguos, e inicialmente los pintores occidentales en paneles estaban en gran medida bajo la influencia de modelos bizantinos. especialmente en Italia, de donde provienen la mayoría de las primeras pinturas sobre paneles occidentales. Cimabue y Duccio iniciaron el proceso de establecer un estilo occidental distintivo, y lo completó Giotto, a quien tradicionalmente se considera el punto de partida para el desarrollo de la pintura renacentista. Sin embargo, la mayoría de las pinturas sobre paneles se mantuvieron más conservadoras que las pinturas en miniatura, en parte porque fue vista por un público amplio.
International Gothic describe el arte gótico cortesano desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después de lo cual el arte gótico comienza a fusionarse con el arte renacentista que había comenzado a formarse en Italia durante el Trecento, con un regreso a los principios clásicos de composición y realismo, con el escultor Nicola. Pisano y el pintor Giotto como figuras especialmente formativas. El Très Riches Heures du Duc de Berry es una de las obras más conocidas del gótico internacional. La transición al Renacimiento se produjo en diferentes momentos y en diferentes lugares: la pintura holandesa temprana se encuentra entre los dos, al igual que el pintor italiano Pisanello. Fuera de Italia, los estilos renacentistas aparecieron en algunas obras en las cortes y en algunas ciudades ricas, mientras que otras obras, y todas las obras más allá de estos centros de innovación, continuaron con los estilos del gótico tardío durante un período de algunas décadas.
La invención de un sistema integral de perspectiva lineal con base matemática es un logro definitorio del Renacimiento italiano de principios del siglo XV en Florencia, pero la pintura gótica ya había hecho grandes progresos en la representación naturalista de la distancia y el volumen, aunque por lo general no consideraba como rasgos esenciales de una obra si otros objetivos entraban en conflicto con ellos, y la escultura del gótico tardío fue cada vez más naturalista. En la miniatura borgoñona de mediados del siglo XV (derecha), el artista parece dispuesto a mostrar su habilidad para representar edificios y bloques de piedra oblicuamente, y manejar escenas a diferentes distancias. Pero su intento general de reducir el tamaño de elementos más distantes no es sistemático. Las secciones de la composición están a una escala similar, con la distancia relativa mostrada por superposición, escorzo, y otros objetos son más altos que los más cercanos, aunque los trabajadores de la izquierda muestran un ajuste de tamaño más fino. Pero este se abandona a la derecha donde la figura más importante es mucho más grande que el albañil.
El final del período incluye nuevos medios como impresos; junto con las pinturas de paneles pequeños, se usaron con frecuencia para el emotivo andachtsbilder ("imágenes devocionales") influenciadas por las nuevas tendencias religiosas de la época. Se trataba de imágenes de momentos desprendidos del relato de la Pasión de Cristo destinados a la meditación de sus sufrimientos, o de los de la Virgen: Varón de Dolores, Piedad, Velo de la Verónica o Arma Christi. El trauma de la Peste Negra a mediados del siglo XIV fue, al menos en parte, responsable de la popularidad de temas como la Danza de la Muerte y Memento mori. En los blockbooks baratos con texto (a menudo en lengua vernácula) e imágenes cortadas en una sola xilografía, obras como la ilustrada (izquierda), el Ars Moriendi (El arte de morir) y los resúmenes de versos tipológicos de la Biblia como el Speculum Humanae Salvationis (Espejo de la salvación humana) fueron los más populares.
El humanismo renacentista y el surgimiento de una clase media urbana acomodada, encabezada por comerciantes, comenzaron a transformar el antiguo contexto social del arte, con el resurgimiento del retrato realista y la aparición del grabado y el autorretrato, junto con la decadencia de formas como las vidrieras y el manuscrito iluminado. Los retratos de donantes, en el período medieval temprano en gran parte reservados a papas, reyes y abades, ahora mostraban a hombres de negocios y sus familias, y las iglesias se estaban llenando con los monumentos de las tumbas de los ricos.
El libro de horas, un tipo de manuscrito que normalmente pertenece a los legos, o incluso más a menudo, a las laicas, se convirtió en el tipo de manuscrito ilustrado con más frecuencia a partir del siglo XIV, y también en este período, el liderazgo en la producción de miniaturas había pasado a artistas laicos, también muy a menudo mujeres. En los centros de iluminación más importantes, París y en el siglo XV las ciudades de Flandes, existían grandes talleres, exportándose a otras partes de Europa. Otras formas de arte, como pequeños relieves de marfil, vidrieras, tapices y alabastros de Nottingham (paneles tallados baratos para retablos) se producían en condiciones similares, y los artistas y artesanos de las ciudades solían estar cubiertos por el sistema de gremios: el gremio de orfebres era típicamente entre los más ricos de una ciudad, y los pintores eran miembros de un gremio especial de San Lucas en muchos lugares.
Las obras seculares, que a menudo utilizaban temas relacionados con el amor cortés o el heroísmo caballeresco, se produjeron como manuscritos iluminados, cajas de espejos de marfil tallado, tapices y elaborados centros de mesa de oro como nefs. Empieza a ser posible distinguir un número mucho mayor de artistas individuales, algunos de los cuales tenían reputación internacional. Comienzan a aparecer coleccionistas de arte, de manuscritos entre los grandes nobles, como Juan, duque de Berry (1340-1416) y de grabados y otras obras entre los de riqueza moderada. En las áreas más ricas, pequeños grabados religiosos baratos trajeron arte en una aproximación del último estilo incluso a las casas de los campesinos a fines del siglo XV.
Virgen María
El icono bizantino más antiguo de María, c. 600, encáustica, en el Monasterio de Santa Catalina conserva gran parte del estilo realista griego.
Imagen románica de la Virgen como Trono de la Sabiduría, siglo XII
La "Ravensburger Schutzmantelmadonna", madera de tilo pintada de ca 1480, tipo Virgen de la Misericordia. Atribuido a Michel Erhart.
"Caza de la Anunciación del Unicornio" (ca. 1500) de un Libro de Horas holandés recopilado por John Pierpont Morgan. Para la iconografía complicada, ver Hortus conclusus
Reputación posterior
El arte medieval tenía poco sentido de su propia historia del arte, y este desinterés continuó en períodos posteriores. El Renacimiento generalmente lo descartó como un producto "bárbaro" de la "Edad Oscura", y el término "gótico" se inventó como uno deliberadamente peyorativo, utilizado por primera vez por el pintor Rafael en una carta de 1519 para caracterizar todo lo que se había interpuesto entre la desaparición del arte clásico y su supuesto 'renacimiento' en el Renacimiento. Posteriormente, el término fue adoptado y popularizado a mediados del siglo XVI por el artista e historiador florentino Giorgio Vasari, quien lo utilizó para denigrar la arquitectura del norte de Europa en general. Los manuscritos iluminados continuaron siendo coleccionados por anticuarios, o permanecieron sin consideración en las bibliotecas monásticas o reales. pero las pinturas eran principalmente de interés si tenían asociaciones históricas con la realeza u otros. El largo período de maltrato del Retablo de Westminster por parte de la Abadía de Westminster es un ejemplo; hasta el siglo XIX solo se consideraba una pieza de madera útil. Pero su gran retrato de Ricardo II de Inglaterra estaba bien cuidado, como otro retrato de Ricardo, el Díptico de Wilton (ilustrado arriba). Como en la propia Edad Media, otros objetos a menudo han sobrevivido principalmente porque se consideraban reliquias. el díptico de Wilton (ilustrado arriba). Como en la propia Edad Media, otros objetos a menudo han sobrevivido principalmente porque se consideraban reliquias. el díptico de Wilton (ilustrado arriba). Como en la propia Edad Media, otros objetos a menudo han sobrevivido principalmente porque se consideraban reliquias.
No había equivalente para el arte pictórico de la "supervivencia gótica" que se encuentra en la arquitectura, una vez que el estilo finalmente se extinguió en Alemania, Inglaterra y Escandinavia, y el Renacimiento gótico se centró durante mucho tiempo en la arquitectura gótica en lugar del arte. La comprensión de la sucesión de estilos era todavía muy débil, como sugiere el título del libro pionero de Thomas Rickman sobre arquitectura inglesa: Un intento de discriminar los estilos de la arquitectura inglesa desde la conquista hasta la reforma.(1817). Esto comenzó a cambiar con fuerza a mediados del siglo XIX, cuando la apreciación de la escultura medieval y su pintura, conocida como "primitivos" italianos o flamencos, se puso de moda bajo la influencia de escritores como John Ruskin, Eugène Viollet-le-Duc, y Pugin, así como el medievalismo romántico de obras literarias como Ivanhoe (1819) de Sir Walter Scott y El jorobado de Notre Dame (1831) de Victor Hugo. Los primeros coleccionistas de los "Primitivos", entonces todavía relativamente baratos, incluyeron al Príncipe Alberto.
Entre los artistas, el movimiento nazareno alemán de 1809 y la Hermandad Prerrafaelita inglesa de 1848 rechazaron los valores de al menos el Renacimiento posterior, pero en la práctica, y a pesar de que a veces representaban escenas medievales, su trabajo obtiene sus influencias principalmente del Renacimiento temprano en lugar de el gótico o períodos anteriores, siendo la obra gráfica temprana de John Millais algo así como una excepción. William Morris, también un coleccionista exigente de arte medieval, absorbió el estilo medieval más a fondo en su trabajo, al igual que William Burges.
A finales del siglo XIX, muchos ilustradores de libros y productores de arte decorativo de varios tipos habían aprendido a utilizar estilos medievales con éxito gracias a los nuevos museos, como el Victoria & Albert Museum, creado para este propósito. Al mismo tiempo, el nuevo campo académico de la historia del arte, dominado por Alemania y Francia, se concentró en gran medida en el arte medieval y pronto fue muy productivo en la catalogación y datación de las obras supervivientes y en el análisis del desarrollo de los estilos y la iconografía medievales; aunque el período antiguo tardío y precarolingio siguió siendo una "tierra de nadie" menos explorada hasta el siglo XX.
Franz Theodor Kugler fue el primero en nombrar y describir el arte carolingio en 1837; como muchos historiadores del arte de la época, buscó encontrar y promover el espíritu nacional de su propia nación en la historia del arte, una búsqueda iniciada por Johann Gottfried Herder en el siglo XVIII. El alumno de Kugler, el gran historiador del arte suizo Jacob Burckhardt, aunque no podía llamarse especialista en arte medieval, fue una figura importante en el desarrollo de la comprensión del mismo. El arte medieval ahora estaba fuertemente coleccionado, tanto por museos como por coleccionistas privados como George Salting, la familia Rothschild y John Pierpont Morgan.
Después del declive del Renacimiento gótico y el uso del Renacimiento celta de los estilos insulares, los elementos antirrealistas y expresivos del arte medieval aún han demostrado ser una inspiración para muchos artistas modernos.
Los historiadores del arte de habla alemana continuaron dominando la historia del arte medieval, a pesar de figuras como Émile Mâle (1862-1954) y Henri Focillon (1881-1943), hasta el período nazi, cuando un gran número de figuras importantes emigraron, principalmente a Gran Bretaña o Estados Unidos., donde aún se desarrollaba el estudio académico de la historia del arte. Estos incluyeron al anciano Adolph Goldschmidt y figuras más jóvenes como Nikolaus Pevsner, Ernst Kitzinger, Erwin Panofsky, Kurt Weitzmann, Richard Krautheimer y muchos otros. Meyer Schapiro había emigrado cuando era niño en 1907.
Representaciones judías en el arte cristiano medieval
La gran mayoría del arte medieval religioso narrativo representaba eventos de la Biblia, donde la mayoría de las personas mostradas habían sido judías. Pero la medida en que esto se enfatizó en sus representaciones varió mucho. Durante la Edad Media, se utilizó algo del arte cristiano como una forma de expresar prejuicios y puntos de vista negativos comunes.
En la Europa medieval, entre los siglos V y XV, muchos cristianos veían a los judíos como enemigos y forasteros debido a una variedad de factores. También tendían a odiarlos por ser cultural y religiosamente diferentes, así como por las enseñanzas religiosas que tenían puntos de vista negativos sobre los judíos, como las representaciones del Anticristo como judío.La posición económica del pueblo judío como prestamistas, junto con las protecciones reales que se les otorgaron, crearon una relación tensa entre judíos y cristianos. Esta tensión se manifestó de varias maneras, una de las cuales fue a través de la creación de arte y propaganda antisemita y antijudaísmo que sirvió para desacreditar tanto a los judíos y sus creencias religiosas como a difundir estas creencias aún más en la sociedad. Las imágenes medievales tardías de Ecclesia y Synagoga representaban la doctrina cristiana del supersesionismo, mediante la cual el Nuevo Pacto cristiano había reemplazado al pacto mosaico judío. Sara Lipton ha argumentado que algunas representaciones, como las representaciones de la ceguera judía en presencia de Jesús, estaban destinadas una forma de autorreflexión en lugar de ser explícitamente antisemita.
En su libro de 2013 Sarracenos, demonios y judíos, Debra Higgs Strickland argumenta que las representaciones negativas de los judíos en el arte medieval se pueden dividir en tres categorías: arte que se centraba en descripciones físicas, arte que presentaba signos de condenación e imágenes que representaban a los judíos como monstruos Las representaciones físicas del pueblo judío en el arte cristiano medieval eran a menudo hombres con sombreros judíos puntiagudos y barbas largas, lo que se hizo como un símbolo despectivo y para separar a los judíos de los cristianos de manera clara. Esta representación se volvería más virulenta con el tiempo, sin embargo, las mujeres judías carecían de descripciones físicas distintivas similares en el arte cristiano medieval alto.Se cree que el arte que representaba a personas judías en escenas que presentaban signos de condenación surgió de la creencia cristiana de que los judíos fueron responsables del asesinato de Cristo, lo que ha llevado a algunas representaciones artísticas que muestran a judíos crucificando a Cristo. A veces, los judíos eran vistos como extraños en las sociedades dominadas por cristianos, lo que, según Strickland, se convirtió en la creencia de que los judíos eran bárbaros, lo que finalmente se expandió a la idea de que los judíos eran monstruos que rechazaban la "verdadera fe". Parte del arte de este período combinó estos conceptos y transformó la barba judía estereotipada y las imágenes del sombrero puntiagudo con la de los monstruos, creando un arte que convirtió al judío en sinónimo de un monstruo.
Las razones de estas representaciones negativas de los judíos se remontan a muchas fuentes, pero se derivan principalmente de que los judíos fueron acusados de deicidio, sus diferencias religiosas y culturales con sus vecinos culturales, y cómo el anticristo a menudo se representaba como judío en escritos y escritos medievales. textos. Los judíos fueron culpados recientemente por la muerte de Cristo y, por lo tanto, los cristianos los representaron negativamente tanto en el arte como en las escrituras.Las tensiones entre judíos y cristianos eran increíblemente altas y esto hizo que se formaran varios estereotipos sobre los judíos y se convirtieran en algo común en su representación artística. Algunos de los atributos que distinguen a los judíos de sus contrapartes cristianas en las obras de arte son los sombreros puntiagudos, las narices ganchudas y torcidas y las barbas largas. Al incluir estos atributos en la representación de los judíos en el arte, los cristianos lograron "otroizar" a los judíos más de lo que ya eran y los hicieron parecer aún más excluidos y segregados de la población general de lo que ya estaban. Estos atributos no solo se agregaron a las representaciones del pueblo judío, sino que generalmente se los retrató como malvados y monstruosos debido a su supuesto asesinato de Cristo, así como a su rechazo de Cristo como el Mesías.Esto, sumado al hecho de que vivían en grupos mayoritariamente insulares, los separó mucho de sus vecinos cristianos y provocó una ruptura duradera entre los grupos que se refleja en el arte medieval.