Arte mariano en la Iglesia Católica

María ha sido uno de los principales temas del arte occidental durante siglos. Se han producido numerosas piezas de arte mariano en la Iglesia Católica que cubren una variedad de temas, desde maestros como Miguel Ángel y Botticelli hasta obras de artistas desconocidos.

El arte mariano forma parte del tejido de la cultura mariana católica a través de su impacto emocional en la veneración de la Santísima Virgen. Imágenes como la de Nuestra Señora de Guadalupe y las numerosas representaciones artísticas de la misma como estatuas no son simplemente obras de arte, sino elementos centrales de la vida cotidiana del pueblo mexicano. Tanto Hidalgo como Zapata enarbolaron banderas guadalupanas y las representaciones de la Virgen de Guadalupe continúan siendo un elemento unificador clave en la nación mexicana. El estudio de María a través del campo de la mariología está inherentemente entrelazado con el arte mariano.

El cuerpo de enseñanzas que constituyen la mariología católica consta de cuatro dogmas marianos básicos: la virginidad perpetua, la Madre de Dios, la Inmaculada Concepción y la Asunción al cielo, derivados de las Escrituras bíblicas, los escritos de los Padres de la Iglesia y las tradiciones de la Iglesia. Otras influencias en el arte mariano han sido las fiestas de la Iglesia, las apariciones marianas, los escritos de los santos y las devociones populares como el rosario, el vía crucis o la consagración total, y también las iniciativas papales, y las encíclicas papales y apostólicas marianas. Letras.

Cada una de estas creencias mariológicas fundamentales ha dado lugar al arte mariano católico que se ha convertido en parte de la mariología, al enfatizar la veneración mariana, celebrarse en fiestas marianas específicas o convertirse en parte de iglesias marianas católicas clave. El enfoque de este artículo se centra principalmente en cómo el componente artístico de la mariología católica ha representado las doctrinas marianas fundamentales de la Iglesia católica y, por lo tanto, ha interactuado con ellas, creando una fuerza que ha dado forma a la mariología católica a lo largo de los siglos.

Fusión de arte, teología y espiritualidad

El arte ha sido un elemento integral de la identidad católica desde el principio. El catolicismo medieval apreciaba las reliquias y las peregrinaciones para visitarlas eran comunes. Se encargaron iglesias y obras de arte específicas para honrar a los santos y la Virgen María siempre ha sido vista como la intercesora más poderosa entre todos los santos; sus representaciones son objeto de veneración entre los católicos de todo el mundo.

La mariología católica no consiste simplemente en un conjunto de escritos teológicos, sino que también se basa en el impacto emocional del arte, la música y la arquitectura. La música mariana católica y las iglesias marianas católicas interactúan con el arte mariano como componentes clave de la mariología, por ejemplo, la construcción de iglesias marianas importantes da lugar a obras de arte importantes para la decoración de la iglesia.

En el siglo XVI, el Discurso sobre las imágenes sagradas y profanas de Gabriele Paleotti pasó a ser conocido como el "Catecismo de las imágenes" para los católicos, dado que establecía conceptos clave para el uso de las imágenes como forma de instrucción religiosa y adoctrinamiento a través de la predicación silenciosa (muta predicatio). El enfoque de Paleotti fue implementado por su poderoso contemporáneo San Carlos Borromeo y su enfoque en "la transformación de la vida cristiana a través de la visión" y las "reglas no verbales del lenguaje" dieron forma a las reinterpretaciones católicas de la Virgen María en los siglos XVI y XVII y fomentaron y promovieron Devociones marianas como el Rosario.

Un ejemplo de la interacción del arte, la cultura y las iglesias marianas es Salus Populi Romani, un ícono mariano clave en Roma en Santa Maria Maggiore, la iglesia mariana más antigua de Roma. La práctica de coronar las imágenes de María comenzó en Santa Maria Maggiore en Roma por el Papa Clemente VIII en el siglo XVII. En 1899 Eugenio Pacelli (luego Papa Pío XII) dijo su primera Santa Misa frente a él en Santa Maria Maggiore. Cincuenta años después, coronó físicamente este cuadro como parte del primer año mariano en la historia de la Iglesia, al proclamar el Reinado de María. La imagen fue llevada desde Santa Maria Maggiore por Roma como parte de la celebración del año mariano y la proclamación del Reinado de María.

Otro ejemplo es Nuestra Madre del Perpetuo Socorro. Los católicos, durante siglos, han rezado ante este icono, generalmente en reproducciones, para interceder en su nombre ante Cristo. A lo largo de los siglos se han construido varias iglesias dedicadas a Nuestra Madre del Perpetuo Socorro. El Papa Juan Pablo II celebró una misa en el Santuario Nacional de Nuestra Madre del Perpetuo Socorro en Filipinas, donde la devoción es muy popular y muchas iglesias católicas celebran una novena y una misa en honor a ella todos los miércoles con una réplica del icono, que también se exhibe ampliamente. en casas, autobuses y transporte público en Filipinas. Las devociones al ícono se han extendido desde Filipinas hasta los Estados Unidos y siguen siendo populares entre los asiático-estadounidenses en California. Recientemente, en 1992, la canciónLa dama que viste de azul y oro se compuso en California y luego se presentó en la iglesia St. Alphonsus Liguori en Roma, donde reside el ícono. Esto ilustra cómo una obra de arte medieval puede dar lugar a fiestas, catedrales y música mariana.

El uso del arte mariano por parte de los católicos de todo el mundo acompaña formas específicas de devoción y espiritualidad mariana. El uso católico generalizado de réplicas de la estatua de Nuestra Señora de Lourdes enfatiza la devoción a la Inmaculada Concepción y al Rosario, ambos informados en los mensajes de Lourdes. Para los católicos, las distintivas estatuas azules y blancas de Lourdes son un recordatorio del énfasis de Lourdes en las devociones del Rosario y los millones de peregrinaciones a la Basílica del Rosario en Lourdes muestran cómo las iglesias, las devociones y el arte se entrelazan dentro de la cultura católica. El Rosario sigue siendo la oración preferida entre los católicos que visitan Lourdes o veneran las estatuas de Lourdes en todo el mundo.

Históricamente, el arte mariano no solo ha impactado la imagen de María entre los católicos, sino la de Jesús. La "imagen de Kyrios" temprana de Jesús como "el Señor y Maestro" fue especialmente enfatizada en las Epístolas Paulinas. Las representaciones de la Natividad de Jesús en el arte del siglo XIII y el desarrollo franciscano de una "imagen tierna de Jesús" a través de la construcción de belenes cambiaron esa percepción y fueron fundamentales para retratar una imagen más suave de Jesús que contrastaba con la imagen poderosa y radiante. en la Transfiguración. El énfasis en la humildad de Jesús y la pobreza de su nacimiento representada en el arte de la Natividad reforzó la imagen de Dios no como severo y castigador, sino humilde en el nacimiento y sacrificado en la muerte.A medida que las tiernas alegrías de la Natividad se sumaron a la agonía de la Crucifixión (como se representa en escenas como Stabat Mater), se introdujo una gama completamente nueva de emociones religiosas aprobadas a través del arte mariano, con un amplio impacto cultural durante los siglos posteriores.

La difusión de la devoción a la Virgen de la Merced es otro ejemplo de la fusión del arte y la devoción entre los católicos. En el siglo XII, la abadía de Cîteaux en Francia utilizó el motivo del manto protector de la Virgen María que protegía a los abades y abadesas arrodillados. En el siglo XIII, Cesáreo de Heisterbach también fue consciente de este motivo, lo que eventualmente condujo a la iconografía de la Virgen de la Misericordia y a un mayor enfoque en el concepto de protección mariana. A principios del siglo XVI, las representaciones de la Virgen de la Merced se encontraban entre los artículos artísticos preferidos en los hogares del área de París. En el siglo XVIII, San Alfonso de Ligorio atribuyó su propia recuperación de la muerte cercana a una estatua de la Virgen de la Misericordia que le llevaron junto a su cama.

En su carta apostólica Archicoenobium Casinense en 1913, el Papa Pío X se hizo eco del mismo sentimiento con respecto a la fusión del arte, la música y la religión al comparar los esfuerzos artísticos de los monjes benedictinos de la Escuela de Arte Beuron (quienes previamente habían producido la "Vida de la Virgen "), a la recuperación del canto gregoriano por los benedictinos de la abadía de Solesmes y escribió: "...junto con la música sacra, este arte demuestra ser una poderosa ayuda para la liturgia".

Diversidad del arte mariano

El arte mariano católico ha expresado una amplia gama de temas teológicos que se relacionan con María, a menudo de maneras que están lejos de ser obvias y cuyo significado solo puede recuperarse mediante un análisis académico detallado. Se han escrito libros enteros, tesis académicas o extensos trabajos académicos sobre diversos aspectos del arte mariano en general y sobre temas específicos como la Virgen Negra, Nuestra Señora de San Juan de los Lagos, la Virgen de la Merced, la Virgen de Ocotlán o el Hortus. conclusus y sus implicaciones doctrinales.

Algunos de los principales temas marianos incluyen:

La tradición del arte mariano católico ha continuado en el siglo XXI de la mano de artistas como Miguel Bejarano Moreno y Francisco Cárdenas Martínez.

Veneración temprana

La veneración temprana de María está documentada en las Catacumbas de Roma. En las pinturas de las catacumbas se muestra a la Santísima Virgen con su hijo. Más inusual e indicativo del cementerio de San Pedro, fue el hecho de que las excavaciones en la cripta de San Pedro descubrieron un fresco muy antiguo de María junto con San Pedro. Las catacumbas romanas de Priscilla contienen las pinturas marianas más antiguas conocidas, que datan de mediados del siglo II. En uno, se muestra a María con el niño Jesús en su regazo. La catacumba de Priscilla también incluye el fresco más antiguo conocido de la Anunciación, que data del siglo IV.

Después del Edicto de Milán en 313, a los cristianos se les permitió adorar y construir iglesias abiertamente. El patrocinio generoso y sistemático del emperador romano Constantino I cambió la suerte de la iglesia cristiana y resultó en un desarrollo tanto arquitectónico como artístico. La veneración de María se hizo pública y floreció el arte mariano. Algunas de las iglesias marianas más antiguas de Roma datan del siglo V, como Santa Maria in Trastevere, Santa Maria Antiqua y Santa Maria Maggiore, y estas iglesias a su vez fueron decoradas con importantes obras de arte a lo largo de los siglos. La interacción del arte mariano y la construcción de iglesias influyó así en el desarrollo del arte mariano.

Desde entonces, la Virgen María se ha convertido en un tema importante del arte occidental. Maestros como Miguel Ángel, Botticelli, Leonardo da Vinci, Giotto, Duccio y otros produjeron obras maestras con temas marianos.

Madre de Dios

El estatus de María como Madre de Dios no quedó claro en los Evangelios y las Epístolas Paulinas, pero las implicaciones teológicas de esto fueron definidas y confirmadas por el Concilio de Éfeso (431). Diferentes aspectos de la posición de María como madre han sido objeto de un gran número de obras de arte católico.

Hubo una gran expansión del culto a María después del Concilio de Éfeso en 431, cuando se confirmó su estatus como Theotokos; esto había sido objeto de cierta controversia hasta entonces, aunque principalmente por razones relacionadas con los argumentos sobre la naturaleza de Cristo. En los mosaicos de Santa Maria Maggiore de Roma, que datan del 432 al 40, justo después del concilio, aún no aparece con nimbo, y tampoco aparece en los belenes de esta fecha, aunque está incluida en la Adoración de los magos.

En el siglo siguiente se estableció la representación icónica de la Virgen entronizada cargando al niño Cristo, como en el ejemplo del único grupo de iconos que sobrevive de este período, en el Monasterio de Santa Catalina en Egipto. Este tipo de representación, con diferencias de énfasis sutilmente cambiantes, ha seguido siendo el pilar de las representaciones de María hasta el día de hoy. La imagen del Monte Sinaí logra combinar dos aspectos de María descritos en el Magníficat, su humildad y su exaltación por encima de los demás humanos.

En este período toma la forma la iconografía de la Natividad, centrada en María, que ha conservado hasta el día de hoy en la ortodoxia oriental, y en la que se han basado las representaciones occidentales hasta la Alta Edad Media. Se estaban desarrollando otras escenas narrativas de los ciclos bizantinos sobre la vida de la Virgen, basándose en fuentes apócrifas para completar su vida antes de la Anunciación a María. En ese momento, el colapso político y económico del Imperio Romano Occidental significó que la iglesia latina occidental no pudo competir en el desarrollo de una iconografía tan sofisticada y se basó en gran medida en los desarrollos bizantinos.

La imagen más antigua que se conserva en un manuscrito occidental iluminado de la Virgen y el Niño proviene del Libro de Kells de alrededor de 800 y, aunque está magníficamente decorado al estilo del arte insular, el dibujo de las figuras solo puede describirse como bastante tosco en comparación con el bizantino. obra de la época. De hecho, esta fue una inclusión inusual en un libro de los Evangelios, y las imágenes de la Virgen tardaron en aparecer en grandes cantidades en el arte manuscrito hasta que se ideó el libro de horas en el siglo XIII.

Natividad de Jesús

La Natividad de Jesús ha sido un tema importante del arte cristiano desde principios del siglo IV. Se ha representado en muchos medios diferentes, tanto pictóricos como escultóricos. Las formas pictóricas incluyen murales, pinturas sobre paneles, iluminaciones de manuscritos, vidrieras y pinturas al óleo. Las representaciones más antiguas de la Natividad en sí son muy simples, y solo muestran al niño, bien envuelto, acostado cerca del suelo en un abrevadero o canasta de mimbre.

Una nueva forma de la imagen, que según las raras versiones tempranas parece haber sido formulada en la Palestina del siglo VI, establecería la forma esencial de las imágenes ortodoxas orientales hasta nuestros días. El escenario es ahora una cueva, o más bien la cueva específica de la Natividad en Belén, ya debajo de la Iglesia de la Natividad, y bien establecida como lugar de peregrinación, con la aprobación de la Iglesia.

Los artistas occidentales adoptaron muchos de los elementos iconográficos bizantinos, pero prefirieron el establo de las escrituras a la cueva, aunque la versión Maestà de influencia bizantina de Duccio intenta tener ambos. Durante el período gótico, en el norte antes que en Italia, se desarrolla una creciente cercanía entre madre e hijo, y María comienza a sostener a su bebé, o él la mira. El amamantamiento es muy inusual, pero a veces se muestra.

La imagen en el norte de Europa medieval posterior a menudo estuvo influenciada por la visión de la Natividad de Santa Brígida de Suecia (1303-1373), una mística muy popular. Poco antes de su muerte, describió una visión del niño Jesús acostado en el suelo y emitiendo luz él mismo.

Desde el siglo XV en adelante, la Adoración de los Reyes Magos se convirtió cada vez más en una representación más común que la Natividad propiamente dicha. A partir del siglo XVI las Natividades sencillas con sólo la Sagrada Familia, pasan a ser una clara minoría, aunque Caravaggio propició una vuelta a un tratamiento más realista de la Adoración de los Pastores.

El carácter perpetuo de la virginidad de María, es decir, que fue virgen toda su vida y no sólo en su concepción virginal de Jesucristo en la Anunciación (que fue virgen antes, durante y después de dar a luz) se alude en algunos formas del arte de la Natividad: Salomé, quien según la historia de la Natividad de María del siglo II recibió pruebas físicas de que María permaneció virgen incluso al dar a luz a Jesús, se encuentra en muchas representaciones de la Natividad de Jesús en el arte.

Virgen

La representación de la Virgen tiene sus raíces en antiguas tradiciones pictóricas y escultóricas que informaron a las primeras comunidades cristianas de Europa, el norte de África y Oriente Medio. Importantes para la tradición italiana son los íconos bizantinos, especialmente los creados en Constantinopla (Estambul), la capital de la civilización medieval más duradera, cuyos íconos, como Odigitria, participaron en la vida cívica y fueron celebrados por sus propiedades milagrosas. Las representaciones occidentales siguieron dependiendo en gran medida de los tipos bizantinos hasta al menos el siglo XIII. A finales de la Edad Media, la escuela cretense, bajo el dominio veneciano, fue la fuente de un gran número de íconos exportados a Occidente, y los artistas allí podían adaptar su estilo a la iconografía occidental cuando era necesario.

En el período románico, las estatuas independientes, típicamente de la mitad del tamaño natural, de la Virgen y el Niño entronizados fueron un desarrollo occidental original, ya que la ortodoxia prohibió la escultura monumental. La Virgen de Oro de Essen de c. 980 es uno de los primeros de estos, hecho de oro aplicado a un núcleo de madera, y sigue siendo objeto de considerable veneración local, al igual que la Virgen de Montserrat del siglo XII en Cataluña, un tratamiento más desarrollado.

Con el crecimiento de la pintura de paneles monumentales en Italia durante los siglos XII y XIII, este tipo se pintó con frecuencia y la imagen de la Virgen ganó prominencia fuera de Roma, especialmente en toda la Toscana. Si bien los miembros de las órdenes mendicantes de las órdenes franciscana y dominicana son algunos de los primeros en encargar paneles que representen este tema, tales obras se hicieron populares rápidamente en monasterios, iglesias parroquiales y hogares posteriores. Algunas imágenes de la Virgen fueron pagadas por organizaciones laicas llamadas cofradías, que se reunían para cantar alabanzas a la Virgen en capillas que se encontraban dentro de las amplias iglesias recién reconstruidas que a veces estaban dedicadas a ella.

Algunas madonas clave

Varias pinturas y estatuas de Madonna han reunido seguidores como importantes íconos religiosos y obras de arte notables en varias regiones del mundo.

Algunas Madonnas son conocidas por un nombre general y un concepto interpretado o representado por varios artistas. Por ejemplo, Nuestra Señora de los Dolores es la santa patrona de varios países como Eslovaquia y Filipinas. Se representa como la Virgen María herida por siete espadas en el corazón, en referencia a la profecía de Simeón en la Presentación de Jesús. Nuestra Señora de los Dolores, Reina de Polonia, ubicada en el Santuario de Nuestra Señora de Licheń (la iglesia más grande de Polonia) es un ícono importante en Polonia. El término Nuestra Señora de los Dolores también se usa en otros contextos, sin una Virgen, por ejemplo, para las apariciones de Nuestra Señora de Kibeho.

Algunas vírgenes se convierten en objeto de devoción generalizada, y los santuarios marianos dedicados a ellas atraen a millones de peregrinos al año. Un ejemplo es Nuestra Señora de Aparecida en Brasil, cuyo santuario es superado en tamaño solo por la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano, y recibe más peregrinos por año que cualquier otra iglesia mariana católica en el mundo.

America latina

Existe una rica tradición de construcción de estatuas de la Virgen en América del Sur, una muestra de la cual se muestra en la sección de galerías de este artículo. La tradición sudamericana del arte mariano se remonta al siglo XVI, cuando la Virgen de Copacabana ganó fama en 1582. Algunos ejemplos dignos de mención son:

• Nuestra Señora de San Juan de los Lagos se encuentra en el pequeño pueblo de San Juan de los Lagos en México. Es el segundo santuario de peregrinación más visitado de México, después de Nuestra Señora de Guadalupe.

• La Virgen de Ocotlán es una estatua de la Virgen María en Ocotlán, Tlaxcala, México.

• Nuestra Señora de los Navegantes es una Virgen muy venerada en Brasil. La devoción comenzó con los navegantes portugueses del siglo XV, rezando por un regreso seguro a sus hogares y luego se extendió en Brasil.

Imágenes y devociones a vírgenes como Nuestra Señora de San Juan de los Lagos se han extendido desde México a los Estados Unidos.

Italia y España

• La Virgen de la humildad de Domenico di Bartolo, 1433, es considerada una de las imágenes devocionales más innovadoras de principios del Renacimiento.

• La Madonna Sixtina de Rafael. La pintura, encargada originalmente para la iglesia de San Sisto, Piacenza, se encuentra ahora en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde (Alemania). Se considera un ejemplo clave del arte del alto Renacimiento.

• Madonna della Strada en la Iglesia del Gesu en Roma es un icono histórico y la santa patrona de los jesuitas.

• La estatua de la Virgen en el altar de la Catedral de Milán es un ejemplo destacado del arte mariano barroco.

• La Virgen Dolorosa de Murillo en Sevilla, España, es un ejemplo clave de una Virgen dolorosa

• La Virgen del Pilar de Zaragoza, España, es una estatua muy venerada basada en una visión legendaria de Santiago el Mayor.

• La Virgen de Montserrat en el monasterio de Santa María de Montserrat en España es una estatua muy venerada y la santa patrona de Cataluña.

Centro y norte de Europa

• La Virgen Negra de Częstochowa es la reliquia más sagrada de Polonia y uno de los símbolos nacionales del país.

• Lucca Madonna del pintor holandés Jan van Eyck en el Museo Städel en Frankfurt es un buen ejemplo de iconografía donde la Virgen María es retratada como el Trono de la Sabiduría, con Jesús sentado en su regazo.

• La estatua de Miguel Ángel de la Virgen María y un Jesús de pie conocido como la Virgen de Brujas en la Iglesia de Nuestra Señora, Brujas, Bélgica, comparte algunas similitudes con su Piedad, que se completó algún tiempo antes.

• La Virgen Refugium Peccatorum de 1898 del artista italiano Luigi Crosio ha reunido un gran número de seguidores en Europa central y desde entonces ha sido llamada la Virgen Madre Tres Veces Admirable, como símbolo del Movimiento de Schoenstatt.

María en la vida de Cristo

Las escenas de María y Jesús juntas se dividen en dos grupos principales: aquellas con un niño Jesús y aquellas del último período de su vida. Después de los episodios de la Natividad, hay una serie de escenas narrativas adicionales de María y el niño Jesús juntos que a menudo se representan: la Circuncisión de Cristo, la Presentación de Jesús en el Templo, la Huida a Egipto y escenas menos específicas de María y Jesús con su primo Juan el Bautista, a veces con la madre de Juan, Isabel. La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci es un ejemplo famoso. Las reuniones de toda la familia extendida de Jesús forman un tema conocido como el Santo Parentesco, popular en el Renacimiento del Norte. María aparece en el trasfondo del único incidente en los Evangelios de la última infancia de Jesús, el Hallazgo en el Templo.

Por lo tanto, María suele estar ausente de las escenas del período de la vida de Cristo entre su Bautismo y su Pasión, excepto en las Bodas de Caná, donde se la ubica en los Evangelios. Un tema no bíblico de Cristo despidiéndose de su Madre (antes de ir a Jerusalén al comienzo de su Pasión) se pintó a menudo en la Alemania del siglo XV y principios del XVI. Los evangelios colocan a María en la crucifixión de Jesús, y se la muestra casi invariablemente, con San Juan el evangelista, en obras totalmente representadas, además de mostrarse a menudo en el fondo de escenas anteriores de la Pasión de Cristo. La cruz de la cruz común en las iglesias occidentales medievales tenía estatuas de María y Juan flanqueando un crucifijo central. María se muestra presente en la Deposición de Cristo y su Sepultura; a finales de la Edad Media, la Piedad surgió en Alemania como un tema aparte, especialmente en la escultura. María también está incluida, aunque esto no se menciona en ninguno de los relatos de las Escrituras, en las representaciones de la Ascensión de Jesús. Después de la Ascensión, ella es la figura central en las representaciones de Pentecostés, que es su última aparición en los Evangelios.

Las escenas principales de arriba, que muestran incidentes celebrados como días festivos por la iglesia, formaron parte de ciclos de la Vida de la Virgen (aunque la selección de escenas en estos varió considerablemente), así como la Vida de Cristo.

Virginidad perpetua

El dogma de la virginidad perpetua de María es el primero de los cuatro dogmas marianos y la liturgia católica se ha referido repetidamente a María como "siempre virgen" durante siglos. El dogma significa que María fue virgen antes, durante y después de dar a luz a Jesucristo. La obra del siglo II originalmente conocida como la Natividad de María presta especial atención a la virginidad de María.

Este dogma se representa a menudo en el arte católico en términos de la anunciación a María por parte del Arcángel Gabriel de que ella concebirá un niño que nacerá Hijo de Dios, y en belenes que incluyen la figura de Salomé. La Anunciación es una de las escenas representadas con mayor frecuencia en el arte occidental. Las escenas de anunciación también constituyen las apariciones más frecuentes de Gabriel en el arte medieval. La representación de José alejándose en algunos belenes es una discreta referencia a la paternidad del Espíritu Santo y la doctrina del nacimiento virginal.

Los frescos que representan esta escena han aparecido en las iglesias marianas católicas durante siglos y ha sido un tema abordado por muchos artistas en múltiples medios, desde vidrieras hasta mosaicos, relieves, esculturas y pinturas al óleo. El fresco más antiguo de la anunciación es una representación del siglo IV en la Catacumba de Priscila en Roma. En la mayoría (pero no en todas) las representaciones católicas, y de hecho occidentales, Gabriel se muestra a la izquierda, mientras que en la Iglesia oriental se lo representa con más frecuencia a la derecha.

Ha sido uno de los temas más frecuentes del arte cristiano, particularmente durante la Edad Media y el Renacimiento. Las figuras de la Virgen María y el Arcángel Gabriel, siendo emblemas de pureza y gracia, fueron temas favoritos de muchos pintores como Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Caravaggio, Duccio y Murillo entre otros. En muchas representaciones, el ángel puede estar sosteniendo un lirio, símbolo de la virginidad de María. Los mosaicos de Pietro Cavallini en Santa Maria in Trastevere en Roma (1291), los frescos de Giotto en la Capilla Scrovegni en Padua (1303), el fresco de Domenico Ghirlandaio en la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia (1486) y la escultura dorada de Donatello en la iglesia de Santa Croce, Florencia (1435) son ejemplos famosos.

La composición natural de la escena, formada por dos figuras enfrentadas, también la hacía adecuada para arcos decorados sobre portales.

Inmaculada Concepción

Dado que hasta el siglo XIII una serie de santos, incluidos Bernardo de Claraval, Buenaventura, Tomás de Aquino y los dominicos en general, se opusieron o cuestionaron esta doctrina, el arte católico sobre el tema data principalmente de períodos posteriores al siglo XV y está ausente. del arte renacentista. Pero con el apoyo de la opinión popular, los franciscanos y teólogos como el beato Duns Scotus, la popularidad de la doctrina aumentó y se promovió una fiesta para ella.

El Papa Pío V, el Papa dominicano que en 1570 estableció la Misa Tridentina, incluyó la fiesta (pero sin el adjetivo "Inmaculada") en el Calendario Tridentino, pero suprimió la Misa especial existente para la fiesta, ordenando que la Misa de la Natividad de María (con la palabra "Natividad" reemplazada por "Concepción") en su lugar. Parte de esa Misa anterior fue revivida en la Misa que el Papa Pío IX ordenó usar en la fiesta y que todavía está en uso.

En el siglo XVI hubo una moda intelectual generalizada de emblemas tanto en contextos religiosos como seculares. Estos consistían en una representación visual del símbolo (pictura) y generalmente un lema latino; con frecuencia se añadía un epigrama explicativo. Los libros de emblemas eran muy populares.

Basándose en la tradición del emblema, Francisco Pacheco estableció una iconografía que influyó en artistas como Murillo, Diego Velázquez y otros. Este estilo de representación de la Inmaculada Concepción luego se extendió al resto de Europa y desde entonces se ha mantenido como la representación habitual.

La definición dogmática de la Inmaculada Concepción fue realizada por el Papa Pío IX en su Constitución Apostólica Ineffabilis Deus, en 1854. El dogma adquirió un significado adicional a partir de las apariciones de Nuestra Señora de Lourdes en 1858, con la dama en la aparición identificándose a sí misma como "la Inmaculada". Concepción" y los fieles creyéndola la Santísima Virgen María.

Representación de la Inmaculada Concepción

Desde una perspectiva histórica del arte, la representación de la Inmaculada Concepción implica una serie de cuestiones interesantes. Muchos artistas del siglo XV se enfrentaron al problema de cómo representar una idea abstracta como la Inmaculada Concepción, y el problema no se resolvió por completo durante 150 años.

Dado que un texto bíblico clave señalado en apoyo de la doctrina era "Tota pulchra es...", "Toda eres hermosa, mi amor; no hay mancha en ti", versículo 4.7 del Cantar de los Cantares, una serie de objetos simbólicos extraídos de la imaginería del Cantar, y a menudo ya asociados con la Anunciación y la Virginidad Perpetua, se combinaron en versiones del tema Hortus conclusus ("jardín cerrado"). Esto dio un tema bastante desordenado y, por lo general, era imposible combinarlo con la perspectiva correcta, por lo que nunca tuvo éxito fuera de Alemania y los Países Bajos. Piero di Cosimo fue uno de los artistas que probaron nuevas soluciones, pero ninguna de ellas fue adoptada en general para que el tema fuera inmediatamente reconocible para los fieles.

La iconografía definitiva de la Inmaculada Concepción, inspirada en la tradición del emblema, parece haber sido establecida por el maestro y luego suegro de Diego Velázquez, el pintor y teórico Francisco Pacheco (1564-1644), a quien la Inquisición en Sevilla también contrató la aprobación de nuevas imágenes. Describió su iconografía en su Arte de la pintura (Arte de la Pintura, publicado póstumamente en 1649):

"La versión que sigo es la que más se acerca a la santa revelación del evangelista y aprobada por la Iglesia Católica sobre la autoridad de los sagrados y santos intérpretes... En este hermosísimo de los misterios Nuestra Señora debe ser pintada como una hermosa jovencita, de 12 o 13 años, en la flor de su juventud... Y así es alabada por el Esposo: tota pulchra es amica mea, un texto que siempre está escrito en este cuadro. Debería pintarse con túnica blanca y manto azul... Está rodeada por el sol, un sol ovalado de blanco y ocre, que se funde dulcemente con el cielo. Rayos de luz emanan de su cabeza, alrededor de la cual hay un anillo de doce estrellas. Una corona imperial adorna su cabeza, sin por ello ocultar las estrellas. Bajo sus pies está la luna. Aunque es un globo sólido, me tomo la libertad de hacerlo transparente para que se vea el paisaje".

Artistas españoles como Bartolomé Murillo (especialmente), Diego Velázquez y otros adoptaron esta fórmula, con variaciones, y luego se extendió al resto de Europa, desde donde se ha mantenido como la representación habitual.

Desde entonces, esta representación particular de La Inmaculada Concepción sigue siendo la representación artística más conocida del concepto: en un reino celestial, momentos después de su creación, el espíritu de María (en la forma de una mujer joven) mira con asombro (o se inclina) su cabeza a) Dios. La luna está debajo de sus pies y un halo de doce estrellas rodea su cabeza, posiblemente una referencia a "una mujer vestida del sol" de Apocalipsis 12:1-2. Las imágenes adicionales pueden incluir nubes, una luz dorada y querubines. En algunas pinturas, los querubines sostienen lirios y rosas, flores que a menudo se asocian con María.

Asunción de María

La doctrina católica de la Asunción de María al Cielo establece que María fue transportada al Cielo con su cuerpo y alma unidos. Aunque la Asunción solo fue declarada oficialmente dogma por el Papa Pío XII en su Constitución Apostólica Munificentissimus Deus en 1950, sus raíces en la cultura y el arte católico se remontan a muchos siglos. Mientras que el Papa Pío XII deliberadamente dejó abierta la cuestión de si María murió antes de su Asunción, la enseñanza más común de los primeros Padres es que sí lo hizo.

Uno de los primeros partidarios de la Asunción fue San Juan de Damasco (676–794), un Doctor de la Iglesia a quien a menudo se le llama el Doctor de la Asunción. San Juan no solo se interesó por la Asunción, sino que también apoyó el uso de imágenes sagradas en respuesta al edicto del emperador bizantino León III, que prohibía el culto o la exhibición de imágenes sagradas. Él escribió: "En este día, el arca sagrada y llena de vida del Dios viviente, la que concibió a su Creador en su seno, reposa en el templo del Señor que no está hecho a mano. David, su padre, salta, y con él los ángeles dirigen la danza".

La Iglesia Oriental celebró la fiesta de la Asunción ya en la segunda mitad del siglo VI, y el Papa Sergio I (687–701) ordenó su celebración en Roma.

La tradición ortodoxa es clara en que María murió normalmente, antes de ser asumida corporalmente. El término ortodoxo para la muerte es la Dormición de la Virgen. Las representaciones bizantinas de esto fueron la base de las imágenes occidentales, siendo el tema conocido como la Muerte de la Virgen en Occidente. Como la naturaleza de la Asunción se volvió controvertida durante la Alta Edad Media, el tema a menudo se evitó, pero la representación siguió siendo común hasta la Reforma. La última gran representación católica es la Muerte de la Virgen de Caravaggio de 1606.

Mientras tanto, las representaciones de la Asunción se habían vuelto más frecuentes durante la Baja Edad Media, con la escuela gótica sienesa como fuente particular. En el siglo XVI se habían convertido en la norma, inicialmente en Italia y luego en otros lugares. A veces se combinaban con la Coronación de la Virgen, mientras la Trinidad esperaba en las nubes. El tema era muy adecuado para el tratamiento barroco.

Reina del cielo

La enseñanza católica de que María está muy por encima de todas las demás criaturas en dignidad, y después de que Jesucristo posee la primacía sobre todo, se remonta a la iglesia primitiva. San Sofronio dijo: "Has superado a toda criatura" y Saint Germain de París (496-576) afirmó: "Tu honor y dignidad superan a toda la creación; tu grandeza te coloca por encima de los ángeles". San Juan de Damasco fue más allá: "Ilimitada es la diferencia entre los siervos de Dios y su Madre".

La fiesta del Reinado de María fue establecida formalmente en 1954 por el Papa Pío XII en su encíclica Ad Caeli Reginam. Pío XII también declaró el primer año mariano y se llevaron a cabo una serie de rededicaciones de la Iglesia Católica, por ejemplo, la rededicación de 1955 de la iglesia de Santiago el Grande en Montreal con el nuevo título Catedral de María, Reina del Mundo, un título proclamado por Pío XII.

Sin embargo, mucho antes de 1954 la Coronación de la Virgen había sido objeto de un buen número de obras artísticas. Algunas de estas pinturas se basan en la tercera fase de la Asunción de María en la que tras su Asunción es coronada como Reina del Cielo.

Nuestra Señora de las Llaves y del fin de los Tiempos

Este icono tiene escritos dos pasajes del Evangelio. El primero es, Marcos 14:72.

Inmediatamente el gallo cantó por segunda vez. Entonces Pedro se acordó de la palabra que Jesús le había dicho: "Antes de que el gallo cante dos veces, me negarás tres veces". Y se derrumbó y lloró.

El segundo es, Juan 21:15-19.

Cuando terminaron de desayunar, Jesús le dijo a Simón Pedro: “Simón, hijo de Jonás, ¿me amas más que estos?”. Él le dijo: “Sí, Señor; Sabes que te amo." Jesús le dijo: “Apacienta mis corderos. Le dijo por segunda vez: Simón, hijo de Jonás, ¿me amas? Él le dijo: “Sí, Señor; Sabes que te amo." Jesús le dijo: “Apacienta mis ovejas. Le dijo la tercera vez: Simón, hijo de Jonás, ¿me amas? Pedro se sintió herido porque le dijo por tercera vez “¿Me amas?” Y le dijo: “Señor, tú lo sabes todo; Sabes que te amo." Jesús le dijo: “Apacienta mis ovejas. En verdad te digo que cuando eras más joven, solías abrocharte el cinturón e ir a donde querías. Pero cuando seas viejo, extenderás tus manos, y otro te ceñirá el cinturón y te llevará a donde no quieras. Dijo esto para indicar la clase de muerte por la cual glorificaría a Dios. Después de esto, le dijo: “Sígueme”.

Como sabemos por tradición, el apóstol Pedro estuvo a cargo del resto de los once apóstoles desde el principio incluso antes cuando Jesús le dijo: “Y yo te digo que tú eres Pedro, y sobre esta roca edificaré mi iglesia, y las puertas del Hades no la vencerán.” Mateo 16:18.

Esto quiere decir que desde que Pedro negó a Jesús y el gallo cantó el Jueves Santo, hasta que Jesús se apareció a sus discípulos por tercera vez después de haber resucitado de entre los muertos y le preguntó tres veces si lo amaba, nadie estaba a cargo de la iglesia caracterizada por los fieles y los apóstoles, pero en lugar de Pedro, María, la Madre de Jesús, estaba a cargo de ella, y es por eso que este ícono la representa con dos llaves en sus manos que le entregó el mismo Jesús. representado como un niño para mostrar que esto ya estaba planeado por Dios Padre de antemano.

El otro título de Nuestra Señora del Fin de los Tiempos, se le da porque debido a la confusión en la iglesia que estamos viviendo hoy, ella no es solo la encargada de la iglesia en lugar de la sucesora de Pedro como lo era antes después de Pedro. negación de Jesús, pero tiene este doble título debido al fin de los tiempos profetizado por muchos místicos y en la misma Biblia.

Apariciones

La devoción católica a María a veces ha sido impulsada por experiencias religiosas y visiones de personas sencillas y modestas (en muchos casos niños) en colinas remotas que con el tiempo han creado fuertes emociones entre un gran número de católicos. Los ejemplos incluyen a San Juan Diego en 1531 como Nuestra Señora de Guadalupe, Santa Bernardita Soubirous como Nuestra Señora de Lourdes en 1858 y Lucía dos Santos, Jacinta Marto y Francisco Marto como Nuestra Señora de Fátima en 1917.

Aunque cada año más de cinco millones de peregrinos visitan Lourdes y Guadalupe cada una, el volumen de arte católico que acompaña este entusiasmo se ha restringido esencialmente a las imágenes populares. Por lo tanto, aunque las apariciones han resultado en la construcción de iglesias marianas muy grandes en Lourdes y Guadalupe, hasta ahora no han tenido un impacto similar en el arte mariano. Sin embargo, imágenes como Nuestra Señora de Guadalupe y sus representaciones artísticas como estatuas no son simplemente obras de arte, sino elementos centrales de la vida cotidiana del pueblo mexicano. Tanto Miguel Hidalgo como Emiliano Zapata enarbolaron banderas guadalupanas como su protector, y los hombres de Zapata llevaban la imagen guadalupana alrededor del cuello y en sus sombreros.Las representaciones de la Virgen de Guadalupe continúan siendo un elemento unificador clave en la nación mexicana y como el principal símbolo nacional de México.

El arte basado en apariciones a veces es considerado milagroso por los católicos. Las réplicas de la distintiva estatua azul y blanca de Nuestra Señora de Lourdes son ampliamente utilizadas por los católicos en sus devociones, y se construyen pequeñas grutas con ella en casas y barrios católicos de todo el mundo y son objeto de oraciones y peticiones. En Ad Caeli Reginam, el Papa Pío XII llamó a la estatua de Nuestra Señora de Fátima "milagrosa" y el Papa Juan Pablo II atribuyó su supervivencia después del intento de asesinato de 1981 a su intercesión, donando una de las balas que lo hirieron al Santuario de Fátima.

Características distintivas

El enfoque católico del arte mariano es bastante distinto de la forma en que otros cristianos (como los protestantes y los ortodoxos orientales) tratan las representaciones de la Virgen María. Desde el comienzo mismo de la Reforma protestante, sus líderes expresaron su malestar con las representaciones de santos en general. Si bien con el tiempo se desarrolló una tradición de arte protestante, las representaciones de la Virgen María dentro de ella se han mantenido mínimas, dado que la mayoría de los protestantes rechazan la veneración mariana y la ven como un exceso católico.

A diferencia de la mayoría de los protestantes, la Iglesia Ortodoxa Oriental venera las imágenes marianas, pero de manera diferente y con un énfasis diferente a la tradición católica. Si bien las estatuas de la Virgen María abundan en las iglesias católicas, existen prohibiciones específicas contra todas las representaciones tridimensionales (de María o cualquier otro santo) dentro de la Iglesia ortodoxa, ya que se consideran restos de la idolatría pagana. Por lo tanto, los ortodoxos solo producen y veneran imágenes bidimensionales.

Las imágenes marianas católicas son representaciones casi en su totalidad devocionales y no tienen una posición oficial dentro de la liturgia, pero los íconos orientales son una parte inherente de la liturgia ortodoxa. De hecho, hay una interacción de tres vías cuidadosamente coordinada de oraciones, íconos e himnos a María dentro de la liturgia ortodoxa, a veces con fiestas específicas que se relacionan con los íconos de Theotokos y los Akathists.

Si bien existe la tradición de que los artistas occidentales más conocidos, desde Duccio hasta Tiziano, representen a la Virgen María, la mayoría de los pintores de íconos ortodoxos orientales han permanecido en el anonimato porque la producción de un ícono no se considera una "obra de arte" sino una " oficio sagrado" practicado y perfeccionado en los monasterios. Para algunos ortodoxos orientales, las representaciones renacentistas de aspecto natural utilizadas en el arte católico no conducen a la meditación, ya que carecen de la kenosis necesaria para la contemplación ortodoxa. La rica representación de fondo de flores o jardines que se encuentra en el arte católico no está presente en las representaciones ortodoxas cuyo enfoque principal es la Theotokos, a menudo con el Niño Jesús.Las imágenes basadas en apariciones, como las estatuas de Nuestra Señora de Lourdes, acentúan las diferencias en que se basan en apariciones que son puramente católicas, además de ser representaciones tridimensionales. Y la presencia de sacramentales como el Rosario y el Escapulario marrón en las estatuas de Nuestra Señora de Fátima enfatizan una forma totalmente católica de arte mariano.

Aparte de las cuestiones estilísticas, importantes diferencias doctrinales separan el arte mariano católico de otros enfoques cristianos. Tres ejemplos son las representaciones que involucran a la Inmaculada Concepción, Reina del Cielo y la Asunción de María. Dado que la Inmaculada Concepción es una doctrina mayoritariamente católica, sus representaciones dentro de otras tradiciones cristianas siguen siendo raras. Lo mismo se aplica a la Reina del Cielo, durante mucho tiempo un elemento de la tradición católica (y, finalmente, el tema de la encíclica Ad Caeli Reginam), pero su representación dentro de temas como la Coronación de la Virgen sigue siendo mayoritariamente católica.Si bien los ortodoxos orientales apoyan la Dormición de la Theotokos, no apoyan las doctrinas católicas de la Asunción de María y, por lo tanto, sus representaciones de la dormición son distintas y, por lo general, se muestra a la Virgen María durmiendo rodeada de santos, mientras que las representaciones católicas a menudo muestran a María. ascendiendo al cielo.

Galerías de arte mariano

Virginidad perpetua

• virginidad perpetua
• Anunciación de Mariotto Albertinelli, siglo XV.
• Anunciación de Murillo, 1655
• Felipe de Champaigne, 1644
• Anunciación de Pietro Perugino, 1489
• Rubens Anunciación 1628 Amberes
• Anunciación de Cestello de Botticelli, 1490
• Francesco Albani Anunciación El Hermitage
• Mikhail Nesterov, Rusia, siglo XIX

Nacimiento de jesus

• nacimiento de cristo
• Adoración de los Reyes Magos, marfil, siglo XV
• Marta de Vos, 1577
• Lorenzo Lotto, 1523
• Pietro Perugino, siglo XV
• Pedro Berruguete, siglo XV
• Jorge, c1507
• Gregorio Fernández, 1614
• Gauguin, 1896

Adoración de los pastores

• Adoración de los pastores
• Caravaggio, siglo XVI
• Bronzino, siglo XVI
• Guido Reni, 1630–1642
• Gaudencio Ferrari c1533
• Gérard van Honthorst, 1622
• Domenico Ghirlandaio, 1485
• Jorge, 1510

Adoración de los Magos

• Adoración de los Magos
• Rembrandt, 1632
• Rubén, 1634
• Botticelli, 1475
• Murillo, siglo XVII
• Gentile da Fabriano, 1423
• Jacopo da Ponte, 1563–1564
• Diego Velázquez, 1619

Pinturas de madonna

Antes del siglo XV

• Antes del siglo XV
• Virgen, siglo VI, Monasterio de Santa Catalina
• Vatopedi, Monte Athos, Grecia, antes de 870
• Ícono de la Theotokos rusa, siglo X
• Madonna, Cimabue siglo XIII
• Madonna y ángeles, Duccio, 1282
• Virgen de Giotto, c1300
• Giacomo di Miño, 1342
• Nado Ceccarelli, 1347

Siglo 15-16

• siglo 15-16
• Tadeo di Bartolo 1400-1405
• Lucca Madonna de Jan van Eyck, como trono de la sabiduría, 1430
• Virgen con el Niño, Filippo Lippi 1440-1445
• Madonna, con Dios Padre en evidencia, Filippo Lippi, 1459
• Virgen de Benois, Leonardo da Vinci, 1475
• Madonna del Magníficat, Botticelli, 1481
• Madonna y cinco ángeles, Botticelli, c1485–1490
• La glorificación de la Virgen, Geertgen tot Sint Jans, c. 1490-1495
• Madonna del Granduca, Rafael, 1505
• Tempi Madonna, Rafael, 1508
• Tiziano, 1520

Posterior al siglo XVI

• Posterior al siglo XVI
• Virgen con el Niño de Sassoferrato, siglo XVII
• Nuestra Señora de Rokitno [ pl ], Polonia, 1671
• Dolorosa, Murillo, 1665
• Virgen, Pompeo Batoni, 1742
• Virgen de la Hostia, Dominique Ingres, 1852
• Francisco Ittenbach, 1855
• Refugio de los pecadores Madonna, Luigi Crosio, 1898
• Reina de los Ángeles, Bouguereau, 1900

Frescos de la virgen

• Antes del siglo XV
• Fontignano. Pedro Perugino, 1522
• Saturnia, Toscana. Benvenuto di Giovanni, siglo XV.
• Virgen Negra, Axum, Etiopía
• Catedral de Spoleto, Perugia. Pinturicchio, finales del siglo XV.

Estatuas de madonna

• estatuas de madonna
• Estatua de la Asunción, Attard, Malta
• Nuestra Señora de los Navegantes, Porto Alegre, Brasil
• Nuestra Señora de Aparecida, patrona de Brasil
• Nuestra Señora de Saúde, Portugal
• Nuestra Señora de los Dolores en Warfhuizen, vestida de octubre
• Virgen de Oro de Essen, Essen, Alemania
• Virgen Azul, Lleida, Cataluña, España
• Estatua de la Asunción, Għaxaq, Malta, 1808
• Altar barroco de Madonna en la catedral de Milán
• Estatua de 31 metros, Haskovo, Bulgaria

María en la vida de Cristo

• María en la vida de Cristo
• Rubens, Lamentación 1614/1615
• Bodas de Caná, Giotto.
• Cristo y María, mosaico, Iglesia de Chora, siglo XVI
• Cristo despidiéndose de su madre, Correggio, 1517-1518
• Deposición de Cristo, Regnault, 1789
• La Piedad de Miguel Ángel, 1498
• Pietro Lorenzetti, Basílica de Asís, 1310–1329
• Resurrección de Cristo, Fra Angelico, 1437

Inmaculada Concepción

• Inmaculada Concepción
• Inmaculada Concepción de Murillo, 1650
• Inmaculada Concepción de Murillo, 1678
• Inmaculada Concepción de Velázquez, 1618
• di Cosimo Inmaculada Concepción, 1505
• Inmaculada Concepción de Zurbarán, 1630
• Carlos Maratta, 1689
• Estatua, Porto Alegre, Brasil, siglo XIX.
• Gregorio Fernández, siglo XVII

Asunción al cielo

• Suposición
• Andrea Mantegna Dormición 1461
• Rubens Asunción, 1626
• Asunción de Tiziano, 1516
• Mateo Cerezo Asunción, 1650
• Asunción de Guercino, 1655
• Andrea del Sarto Asunción, 1526
• Rubens Asunción de la Virgen, siglo XVII
• Carlos Le Brun, 1835

Reina del cielo

• reina del cielo
• Martino de Bartolomeo, 1400
• Coronación de la Virgen por Rubens, siglo XVII
• Velázquez, Coronación de la Virgen, 1645
• Gregorio di Cecco Madonna entronizada
• Giacomo di Mino, 1340-1350
• Rafael, 1502-1504
• Pedro Perugino, 1504
• Giulio Cesare Procaccini, siglo XVII

Apariciones

• Apariciones
• La visión de San Bernardo de Fra Bartolommeo c. 1504
• Santo Domingo recibiendo el Rosario de la Virgen María de Caravaggio, siglo XVII
• La Virgen dando Escapulario a San Simón por Pierre Puget del siglo XVII.
• Estatua de la Virgen María entregando el Escapulario a San Simón, de Alfonso Balzico, Roma, siglo XIX
• Aparición a San Jacinto por Lodovico Carracci 1594
• Padre Eterno pintando a la Virgen de Guadalupe anónimo, siglo XVIII
• Estatua de Nuestra Señora de Lourdes, Lourdes, Francia