Arte marginal

El arte outsider o arte marginal es el arte realizado por artistas autodidactas o supuestamente ingenuos con poco o ningún contacto con las convenciones del mundo del arte. En muchos casos, su trabajo se descubre solo después de su muerte. A menudo, el arte outsider ilustra estados mentales extremos, ideas poco convencionales o elaborados mundos de fantasía.

El término outsider art fue acuñado en 1972 como título de un libro del crítico de arte Roger Cardinal. Es un equivalente en inglés de art brut (francés: [aʁ bʁyt], "arte crudo" o "arte rudo"), una etiqueta creada en la década de 1940 por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial. Dubuffet se centró particularmente en el arte de aquellos que estaban fuera de la escena artística establecida, utilizando como ejemplos a pacientes de hospitales psiquiátricos, ermitaños y espiritistas.

El arte outsider se ha convertido en una categoría exitosa de marketing de arte; Desde 1993 se lleva a cabo en Nueva York una Feria de Arte Outsider anual, y hay al menos dos revistas publicadas regularmente dedicadas al tema. El término a veces se aplica incorrectamente como una etiqueta de marketing general para el arte creado por personas que están fuera del "mundo del arte" o "sistema de galería de arte" convencional, independientemente de sus circunstancias o el contenido de su trabajo. Posteriormente se adaptó un término más específico, "música marginal", para los músicos.

El arte de los enfermos mentales

El interés por el arte de los enfermos mentales, junto con el de los niños y los creadores del "arte campesino", fue demostrado por primera vez por el grupo "Der Blaue Reiter": Wassily Kandinsky, August Macke, Franz Marc, Alexej von Jawlensky y otros. Lo que los artistas percibieron en el trabajo de estos grupos fue un poder expresivo nacido de su aparente falta de sofisticación. Ejemplos de esto se reprodujeron en 1912 en el primer y único número de su publicación, Der Blaue Reiter Almanac. Durante la Primera Guerra Mundial, Macke fue asesinado en Champagne en 1914 y Marc fue asesinado en Verdun en 1916; el vacío dejado por estas muertes fue llenado en cierta medida por Paul Klee, quien siguió inspirándose en estos 'primitivos'.

El interés en el arte de los reclusos de manicomio siguió creciendo en la década de 1920. En 1921, el Dr. Walter Morgenthaler publicó su libro Ein Geisteskranker als Künstler (Un paciente psiquiátrico como artista) sobre Adolf Wölfli, un paciente mental psicótico a su cargo. Wölfli había comenzado a dibujar espontáneamente y esta actividad parecía calmarlo. Su obra más destacada fue una epopeya ilustrada de 45 volúmenes en los que narraba su propia historia de vida imaginaria. Con 25.000 páginas, 1.600 ilustraciones y 1.500 collages, es una obra monumental. Wölfli también produjo una gran cantidad de obras más pequeñas, algunas de las cuales se vendieron o regalaron. Su trabajo se exhibe en la Fundación Adolf Wölfli en el Museo de Bellas Artes de Berna.

Un momento decisivo fue la publicación de Bildnerei der Geisteskranken (El arte de los enfermos mentales) en 1922, por Hans Prinzhorn. Este fue el primer estudio formal de trabajos psiquiátricos, basado en una compilación de miles de ejemplos de instituciones europeas. El libro y la colección de arte llamaron mucho la atención de los artistas de vanguardia de la época, incluidos Paul Klee, Max Ernst y Jean Dubuffet.

Las personas con alguna formación artística formal, así como los artistas bien establecidos, no son inmunes a las enfermedades mentales y también pueden ser institucionalizados. Por ejemplo, William Kurelek, más tarde galardonado con la Orden de Canadá por el trabajo de su vida artística, cuando era joven ingresó en el Hospital Psiquiátrico Maudsley donde fue tratado por esquizofrenia. En el hospital pintó, produciendo The Maze, una representación oscura de su torturada juventud. Fue trasladado del Maudsley al Netherne Hospital desde noviembre de 1953 hasta enero de 1955, para trabajar con Edward Adamson (1911-1996), pionero de la terapia del arte y creador de la Colección Adamson.

Jean Dubuffet y el arte bruto

El artista francés Jean Dubuffet quedó particularmente impresionado por Bildnerei der Geisteskranken y comenzó su propia colección de este tipo de arte, al que llamó art brut o arte crudo. En 1948 formó la Compagnie de l'Art Brut junto con otros artistas, incluido André Breton. La colección que estableció se hizo conocida como Collection de l'art brut y el curador fue Slavko Kopač durante casi tres décadas. Contiene miles de obras y ahora se encuentra permanentemente en Lausana, Suiza.

Dubuffet caracterizó el art brut como:“Aquellas obras creadas desde la soledad y desde puros y auténticos impulsos creativos –donde no interfieren las preocupaciones de la competencia, la aclamación y la promoción social– son, por eso mismo, más preciadas que las producciones de los profesionales. Después de cierta familiaridad con estas florecimientos de una fiebre exaltada, vividos tan plena y tan intensamente por sus autores, no podemos evitar la sensación de que en relación con estas obras, el arte cultural en su conjunto parece ser el juego de una sociedad fútil, un desfile falaz.” —Jean Dubuffet. Place à l'incivisme (Abran paso al incivismo). Arte y Texto no.27 (diciembre 1987 – febrero 1988). p.36 Los escritos de Dubuffet sobre art brut fueron el tema de un destacado programa en el Art Club of Chicago a principios de los años cincuenta.

Dubuffet argumentó que la "cultura", es decir, la cultura dominante, logró asimilar cada nuevo desarrollo en el arte y, al hacerlo, le quitó cualquier poder que pudiera haber tenido. El resultado fue asfixiar la expresión genuina. El art brut fue su solución a este problema: solo el art brut era inmune a las influencias de la cultura, inmune a ser absorbido y asimilado, porque los propios artistas no querían o no podían ser asimilados.

Contexto cultural

El interés en las prácticas "forasteras" entre los artistas y críticos del siglo XX puede verse como parte de un mayor énfasis en el rechazo de los valores establecidos dentro del medio del arte modernista. La primera parte del siglo XX dio lugar al cubismo y a los movimientos artísticos dadá, constructivista y futurista, todos los cuales implicaron un movimiento dramático que se alejaba de las formas culturales del pasado. El dadaísta Marcel Duchamp, por ejemplo, abandonó la técnica "pictórica" ​​para permitir que las operaciones aleatorias desempeñaran un papel en la determinación de la forma de sus obras, o simplemente para recontextualizar objetos "prefabricados" existentes como arte. Los artistas de mediados de siglo, incluido Pablo Picasso, buscaron inspiración fuera de las tradiciones de la alta cultura, extrayendo de los artefactos de las sociedades "primitivas", el arte no escolarizado hecho por niños, y gráficos publicitarios vulgares. La defensa de Dubuffet de laart brut, de los locos y otros en los márgenes de la sociedad, es otro ejemplo de arte de vanguardia que desafía los valores culturales establecidos.

Terminología

Se utilizan varios términos para describir el arte que se entiende vagamente como "fuera" de la cultura oficial. Las definiciones de estos términos varían y se superponen. Los editores de Raw Vision, una revista líder en el campo, sugieren que "Sean cuales sean las opiniones que tengamos sobre el valor de la controversia en sí misma, es importante mantener una discusión creativa a través de un vocabulario acordado". En consecuencia, lamentan el uso de "artista externo" para referirse a casi cualquier artista sin formación. "No basta con ser inexperto, torpe o ingenuo. El Arte Outsider es virtualmente sinónimo de Art Brut tanto en espíritu como en significado, a esa rareza del arte producido por aquellos que no conocen su nombre".

• Art Brut: traducido literalmente del francés significa "arte en bruto"; 'crudo' en el sentido de que no ha pasado por el proceso de 'cocción': el mundo de las escuelas de arte, las galerías, los museos. Originalmente arte de individuos psicóticos que existían casi completamente fuera de la cultura y la sociedad. Estrictamente hablando, se refiere únicamente a la Collection de l'art brut.
• Arte folclórico: el arte folclórico sugirió originalmente artesanías y habilidades decorativas asociadas con las comunidades campesinas en Europa, aunque presumiblemente podría aplicarse igualmente a cualquier cultura indígena. Se ha ampliado para incluir cualquier producto de artesanía práctica y habilidad decorativa, desde animales de motosierra hasta edificios con tapacubos. Una distinción clave entre el arte popular y el arte marginal es que el arte popular generalmente encarna formas tradicionales y valores sociales, donde el arte marginal se encuentra en una relación marginal con la corriente principal de la sociedad.
• Arte intuitivo/arte visionario: los términos generales preferidos de la revista Raw Vision para el arte externo. Los describe como términos generales deliberados. Sin embargo, el arte visionario, a diferencia de otras definiciones aquí, a menudo puede referirse al tema de las obras, que incluye imágenes de naturaleza espiritual o religiosa. El arte intuitivo es probablemente el término más general disponible. Intuit: El Centro de Arte Intuitivo y Ajeno con sede en Chicago opera un museo dedicado al estudio y exhibición de arte intuitivo y atípico. El Museo de Arte Visionario Estadounidense en Baltimore, Maryland, está dedicado a la colección y exhibición de arte visionario.
• Marginal art/Art singulier: Esencialmente lo mismo que Neuve Invention; se refiere a artistas en los márgenes del mundo del arte.
• Arte ingenuo: Otro término comúnmente aplicado a artistas sin formación que aspiran a un estatus artístico "normal", es decir, tienen una interacción mucho más consciente con el mundo del arte convencional que los artistas externos.
• Nueva invención: se utiliza para describir artistas que, aunque marginales, tienen alguna interacción con la cultura dominante. Pueden estar haciendo arte a tiempo parcial, por ejemplo. La expresión también fue acuñada por Dubuffet; estrictamente hablando, se refiere sólo a una parte especial de la Colección de l'art brut.
• Entornos visionarios: edificios y parques de esculturas construidos por artistas visionarios, que van desde casas decoradas hasta grandes áreas que incorporan una gran cantidad de esculturas individuales con un tema estrechamente asociado. Los ejemplos incluyen Watts Towers de Simon Rodia, Buddha Park y Sala Keoku de Bunleua ​​Sulilat, y The Palais Ideal de Ferdinand Cheval.