Arte latinoamericano

El arte latinoamericano es la expresión artística combinada de México, América Central, el Caribe y América del Sur, así como de los latinoamericanos que viven en otras regiones.

El arte tiene sus raíces en las diferentes culturas indígenas que habitaron las Américas antes de la colonización europea en el siglo XVI. Cada cultura indígena desarrolló disciplinas artísticas sofisticadas, que estaban muy influenciadas por preocupaciones religiosas y espirituales. Su trabajo se conoce colectivamente como arte precolombino. La mezcla de culturas amerindias, europeas y africanas ha dado como resultado una tradición mestiza única.

Durante el período colonial, una mezcla de tradiciones indígenas e influencias europeas (debidas principalmente a las enseñanzas cristianas de los frailes franciscanos, agustinos y dominicos) produjo un arte cristiano muy particular conocido como arte indocristiano. Además del arte indígena, el desarrollo del arte visual latinoamericano estuvo significativamente influenciado por la pintura barroca española, portuguesa, francesa y holandesa. A su vez, la pintura barroca estuvo a menudo influenciada por los maestros italianos.

La Escuela Cuzqueña es considerada el primer centro de pintura de estilo europeo en América. En los siglos XVII y XVIII, los instructores de arte españoles enseñaron a los artistas quechuas a pintar imágenes religiosas basadas en estilos clásicos y renacentistas.

En la Nueva España del siglo XVIII, los artistas mexicanos, junto con algunos artistas españoles, produjeron pinturas de un sistema de jerarquía racial, conocidas como pinturas de castas. Era una forma casi exclusivamente mexicana, sin embargo, un conjunto se produjo en Perú. En una ruptura con las pinturas religiosas de los siglos anteriores, las pinturas de castas eran una forma de arte secular. Solo se conoce una pintura de castas de un pintor relativamente desconocido, Luis de Mena, que combina castas con la Virgen de Guadalupe de México; esta es una excepción. Algunos de los artistas más distinguidos de México pintaron obras de castas, incluido Miguel Cabrera. La mayoría de las pinturas de castas estaban en varios lienzos, con una agrupación familiar en cada uno. Había un puñado de pinturas de un solo lienzo, que mostraban toda la jerarquía racial. Las pinturas muestran agrupaciones familiares idealizadas, con el padre siendo de una categoría racial, la madre de otra categoría racial y su descendencia siendo una tercera categoría racial. Este género de pintura floreció durante aproximadamente un siglo, llegando a su fin con la independencia mexicana en 1821 y la abolición de las categorías raciales legales.

En el siglo XVII, los Países Bajos habían conquistado la rica zona azucarera de la colonia portuguesa de Brasil (1630-1654). Durante ese período, el artista holandés Albert Eckhout pintó una serie de importantes representaciones de personajes sociales de Brasil. Estas representaciones incluían imágenes de hombres y mujeres indígenas, así como naturalezas muertas.

Las expediciones científicas aprobadas por la corona española comenzaron a explorar la América española, donde se registraron su flora y fauna. El español José Celestino Mutis, médico y horticultor y seguidor del científico sueco Carl Linnaeus, dirigió una expedición que comenzó en 1784 al norte de Sudamérica, la expedición se conoce como la Expedición Botánica de Nueva Granada. Los artistas locales eran indígenas ecuatorianos, que produjeron cinco mil dibujos en color de la naturaleza, todos ellos publicados. La expedición autorizada por la corona, cuyo propósito era el registro científico de la belleza y la riqueza naturales de la Naturaleza, se alejó del arte religioso tradicional.

La expedición científica más importante fue la de Alexander von Humboldt y el botánico francés Aimé Bonpland. Viajaron durante cinco años por toda la América española (1799-1804), explorando y registrando información científica, así como la vestimenta y los estilos de vida de las poblaciones locales. El trabajo de Humboldt se convirtió en una inspiración y modelo para el trabajo científico que continuó en el siglo XIX, así como para los reporteros viajeros que registraron escenas de la vida cotidiana.

En 1818, se fundó en La Habana, Cuba, la Academia de San Alejandro, bajo la dirección del pintor francés Jean Baptiste Vermay. Es la academia de arte más antigua de América Latina.

La historia del arte latinoamericano ha sido escrita generalmente por personas con formación en departamentos de historia del arte. Sin embargo, el concepto de "cultura visual" ha llevado a académicos formados en otras disciplinas a escribir las historias del arte. Se hizo más frecuente a finales del siglo XX. Al igual que con la historia de los pueblos indígenas, durante muchos años se centró en la producción artística del período precolombino (olmeca, maya, azteca, inca), y luego se dio un salto al siglo XX. Más recientemente, la era colonial y el siglo XIX se han convertido en campos de interés. La cultura visual como campo cruza cada vez más los límites disciplinarios. La arquitectura colonial ha sido objeto de numerosos estudios importantes.

El arte colonial tiene una larga tradición, especialmente en México, con publicaciones de Manuel Toussaint. En los últimos años, ha habido un auge de publicaciones sobre arte colonial, habiéndose publicado algunas reseñas útiles en los últimos años. Muchas obras tratan exclusivamente de Hispanoamérica.

Las grandes exposiciones sobre arte colonial han dado lugar a catálogos de gran calidad que sirven como registro permanente.

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  Retrato oficial del Virrey Francisco de Toledo
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  Guaman Poma de Ayala ilustración del encuentro de Atahualpa y Francisco Pizarro
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  Virgin of Carmel Saving Souls in Purgatory,. Perú. Círculo de Diego Quispe Tito, siglo XVII, colección del Museo de Brooklyn
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  El matrimonio del capitán Martin de Loyola a Beatriz Ñusta, detalle, c. 1675-1690, Iglesia de la Compañía de Jesús, Cuzco, Perú.
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  Nuestra Señora de Bethelem, Perú, anónimo, siglo XVIII
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  Viceroy of Peru, Don José Manso de Velasco, 1er Conde de Superunda 18 c.
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  Vicente Alban. La mujer española y su esclavo negro. Quito, siglo XVIII
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  Mestizo, Mestiza, Mestizo Pintura de casta peruana, mostrando intermarriage dentro una categoría de casta. 18 c.
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  Miguel Cabrera (México) Casta pintura, de español y mulatta, Morisca. Óleo sobre lienzo. Colección privada. 18 c.
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  Albert Eckhout, Tupi (Brasil) bailando, 17 c.
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  Albert Eckhout Mujer Africana en Brasil, 17a c.
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  Aleijadinho (Brasil): Ángel de la Pasión, ca. 1799. Congonhas do Campo
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  Alexander von Humboldt (alemán) Dibujo de zonas volcánicas y climáticas

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  Johann Moritz Rugendas (alemán) Disfraces en Río, Brasil 1823
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  Johann Moritz Rugendas (alemán) Slave hunter, Brazil 1823
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  Johann Moritz Rugendas (alemán) Capoeira o la danza de la guerra Brasil 1835.
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  Johann Moritz Rugendas Baile brasileño Lundu Brasil 1835
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  Jean Baptiste Debret (francés) "L'execution de la Punition du Fouet" ("Execution of the Punishment of the Whip") (Brasil)
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  Jean Baptiste Debret (francés) "Feitors corrigeant des negres" ("supervisores de plantación que disciplinan a los negros") Brasil
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  Jean Baptiste Debret (francés) Comida familiar, Brasil
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  Claudio Linati (Italiano) Jefe Apache. México 1828.
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  Carl Nebel (Alemania) Las Tortilleras, Voyage pittoresque et archéologique dans la partie la plus intéressante du Mexique. México. Temprano 19 c.
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  Carl Nebel La Plaza de la Constitución durante la Guerra Mexicana-Americana (1846–48)
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  Frederick Catherwood (British). Templo principal en Tulum (México), desde Vistas de los monumentos antiguos.
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  Daniel Thomas Egerton (British), El acueducto de Zacatecas, México, 1838, ahora en el Museo Franz Mayer
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  Frederic Edwin Church (Estados Unidos) Escena tropical (1873)

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  Carmelo Fernández (Venezuela). Muleteer y Hat Weaver en Vélez. 1850. acuarela. Biblioteca Nacional de Colombia
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  Cristóbal Rojas. La taberna1887.
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  Arturo Michelena (Venezuela) La Joven Madre 1889
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  Ángel Della Valle (Argentina) El regreso del Malón (1892)
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  Carlos Morel (Argentina), Payada en una pulpería.
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  Prilidiano Pueyrredón (Argentina) Una parada en el campo
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  Juan Manuel Blanes (Uruguay) Paraguay: Imagen de su país desolado (1879)
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  Manuel Antonio Caro (Chile) La Abdicación de Bernardo O'Higgins
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  Alejandro Ciccarelli (Chile) Vista de Santiago de Chile desde Peñalolén".
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  Antonio Smith (Chile) Cordillera y Lago. A finales del siglo XIX.
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  Juan Francisco González (Chile), Calle de Limache. González es considerado uno de los mayores pintores de Chile.
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  José Gil de Castro (Perú) José Olaya (1828)
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  Pancho Fierro, Afro-Peruvian artist, Veiled womentapadasVoy a la iglesia
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  Francisco Laso (Perú) The Three Races or, Equality before the Law
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  Victor Meirelles: Primera misa en Brasil, 1861, Museu Nacional de Belas Artes, un ejemplo del arte académico brasileño
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  Agostinho José da Mota (Brasil) Fábrica en Barão de Capanema, 1862, Museu Nacional de Belas Artes
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  José Ferraz de Almeida Júnior (Brasil) Lectura mujer, 1892
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  Pedro Weingartner (Brasil). Después del diluvio Meseu Nacional de Belas Artes, Río de Janeiro
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  Victor Patricio de Landaluze (Cuba) Cuna de azúcar cortada, 1874
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  Agustín Arrieta, El Costeño. Colección privada. La pintura muestra a un niño de la costa, probablemente Veracruz, sosteniendo una canasta de frutas incluyendo mamey, atún y pitahaya
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  José María Velasco (México) Vista del Valle de México

Modernismo, movimiento artístico occidental caracterizado por el rechazo de los estilos clásicos tradicionales. Este movimiento ocupa una posición ambivalente en el arte latinoamericano. No todos los países desarrollaron centros urbanos modernizados al mismo tiempo, por lo que es difícil fechar la aparición del modernismo en América Latina. Si bien algunos lo acogieron con agrado, otros lo rechazaron. En términos generales, los países del Cono Sur fueron más abiertos a la influencia extranjera, mientras que los países con una presencia indígena más fuerte, como México, Perú, Ecuador y Bolivia, se resistieron a la cultura europea.

Un evento emblemático para el modernismo en la región fue la Semana de Arte Moderna, un festival que tuvo lugar en São Paulo, Brasil, en 1922, y que marcó el comienzo del movimiento modernista en Brasil. "Aunque varios artistas brasileños individuales estaban haciendo trabajos modernistas antes de la Semana, ésta unió y definió el movimiento y lo presentó a la sociedad brasileña en general".

En general, el eurocentrismo artístico asociado con el período colonial comenzó a desvanecerse a principios del siglo XX, cuando los latinoamericanos comenzaron a reconocer su identidad única y a seguir su propio camino.

Desde principios del siglo XX, el arte de América Latina se inspiró en gran medida en el constructivismo. Rápidamente se extendió de Rusia a Europa y luego a América Latina. Se atribuye a Joaquín Torres García y Manuel Rendón la introducción del constructivismo en América Latina.

Luego de una larga y exitosa carrera en Europa y Estados Unidos, Torres García regresó a su Uruguay natal en 1934, donde promovió el constructivismo y lo convirtió en un movimiento exclusivamente uruguayo: el constructivismo universal. En 1935, después de atraer a un círculo de colegas experimentados y jóvenes artistas como seguidores en Montevideo, fundó la Asociación de Arte Constructivo como centro de arte y espacio de exposición para su círculo. El lugar cerró en 1940 por falta de fondos. En 1943, abrió el Taller Torres-García, un taller y centro de formación que funcionó hasta 1962.

El muralismo es un importante movimiento artístico generado en América Latina. Está representado popularmente por el movimiento muralista mexicano de Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Rufino Tamayo. En Chile, José Venturelli y Pedro Nel Gómez fueron muralistas influyentes. Santiago Martínez Delgado abogó por el muralismo en Colombia, al igual que Gabriel Bracho en Venezuela. En la República Dominicana, el exiliado español José Vela Zanetti fue un muralista prolífico, pintando más de 100 murales en el país. También son dignos de mención el artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín (alumno de Orozco), el brasileño Cándido Portinari y el boliviano Miguel Alandia Pantoja. Algunas de las obras muralistas más impresionantes se pueden encontrar en México, Colombia, Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, Chicago y Filadelfia. El muralismo mexicano "gozó de un tipo de prestigio e influencia en otros países que ningún otro movimiento artístico estadounidense había experimentado jamás". A través del muralismo, los artistas de América Latina encontraron una forma de arte distintiva que les permitía expresarse política y culturalmente, centrándose a menudo en cuestiones de justicia social relacionadas con sus raíces indígenas.

Generación de la Ruptura (a veces conocida simplemente como "Ruptura") es el nombre que se le dio a un movimiento artístico en México en la década de 1960 en el que artistas más jóvenes se separaron del estilo nacional establecido del muralismo. Nacido del deseo de los artistas más jóvenes de una mayor libertad de estilo en el arte, este movimiento se caracteriza por estilos expresionistas y figurativos. Al artista mexicano José Luis Cuevas se le atribuye el inicio de la Ruptura. En 1958, Cuevas publicó un periódico llamado La Cortina del Nopal, que condenaba el muralismo mexicano por ser demasiado político, y lo calificaba de "periodismo barato y arenga" en lugar de arte. Entre los artistas representativos se encuentran José Luis Cuevas, Alberto Gironella y Rafael Coronel.

Nueva Presencia fue un grupo de artistas fundado por los artistas Arnold Belkin y Francisco Icaza a principios de los años 1960. En respuesta a las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, como el Holocausto y la bomba atómica, los artistas de Nueva Presencia compartían un rechazo antiestético de las tendencias contemporáneas en el arte y creían que el artista tenía una responsabilidad social. Sus creencias se describieron en el manifiesto de Nueva Presencia, que se publicó en el primer número de la revista de carteles del mismo nombre. "Nadie, especialmente el artista, tiene derecho a ser indiferente al orden social". Entre los miembros del grupo se encontraban Francisco Corzas (n. 1936), Emilio Ortiz (n. 1936), Leonel Góngora (n. 1933), Artemio Sepúlveda (n. 1936) y José Muñoz, y el fotógrafo Ignacio "Nacho" López.

El poeta francés y fundador del surrealismo, André Breton, tras visitar México en 1938, lo proclamó como "el país surrealista por excelencia". El surrealismo, movimiento artístico originado en la Europa posterior a la Primera Guerra Mundial, tuvo un fuerte impacto en el arte de América Latina. Es aquí donde la cultura mestiza, legado de la conquista europea sobre los pueblos indígenas, encarna la contradicción, un valor central del surrealismo.

La reconocida pintora mexicana Frida Kahlo pintó autorretratos y representaciones de la cultura tradicional mexicana en un estilo que combina el realismo, el simbolismo y el surrealismo. Aunque Kahlo no elogió esta etiqueta, una vez dijo: "Pensaban que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté sueños. Pinté mi propia realidad". La obra de Kahlo alcanza el precio de venta más alto de todas las pinturas latinoamericanas y el segundo más alto para cualquier artista femenina. Otras surrealistas mexicanas incluyen a Leonora Carrington (una mujer británica que se mudó a México) y Remedios Varo (una exiliada española). El artista mexicano Alberto Gironella, los artistas chilenos Roberto Matta, Mario Carreño Morales y Nemesio Antúnez, el artista cubano Wifredo Lam y el artista argentino Roberto Aizenberg también han sido clasificados como surrealistas.

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  Remedios Varo (México) Roulotte, 1956

Desde aproximadamente la década de 1970, artistas de todas partes de América Latina han hecho importantes contribuciones al arte contemporáneo internacional, desde escultores conceptuales como Doris Salcedo (de Colombia) y Daniel Lind-Ramos (de Puerto Rico), hasta pintores como Myrna Báez (de Puerto Rico), y artistas que trabajan en medios como la fotografía, como Vik Muniz (de Brasil).

Los estilos de arte clásico europeo han dejado una huella duradera en el arte de América Latina. En el siglo XX, muchos artistas latinoamericanos continuaron formándose en el estilo tradicional del siglo XIX, lo que dio como resultado un énfasis continuo en el trabajo figurativo. Debido al gran alcance de la figuración, la obra a menudo abarca varios estilos diferentes, como el realismo, el arte pop, el expresionismo y el surrealismo, por nombrar solo algunos. Si bien estos artistas abordan cuestiones que van desde lo personal hasta lo político, muchos tienen un interés compartido en las cuestiones indígenas y la herencia del imperialismo cultural europeo.

Un movimiento dedicado a la figuración fue Otra Figuración, un grupo de artistas argentinos y comuna formada en 1961 y disuelta en 1966. Sus miembros Rómulo Macció, Ernesto Deira, Jorge de la Vega y Luis Felipe Noé vivieron juntos y compartieron un estudio en Buenos Aires. Los artistas de Otra Figuración trabajaron en un estilo figurativo abstracto expresionista con colores vivos y collage. Aunque Otra Figuración fue contemporánea de Nueva Presencia, no hubo contacto directo entre los dos grupos. Las personas que a veces se asocian con el grupo son Raquel Forner, Antonio Berni, Alberto Heredia y Antonio Seguí.

El arte en América Latina se ha utilizado a menudo como medio de crítica social y política. El artista gráfico mexicano José Guadalupe Posada dibujó imágenes duras de las élites mexicanas como esqueletos, calaveras. Esto se hizo antes de la Revolución Mexicana, lo que influyó fuertemente en artistas posteriores, como Diego Rivera. Una práctica común entre los artistas figurativos latinoamericanos es parodiar las pinturas de los viejos maestros, especialmente las de la corte española producidas por Diego Velázquez en el siglo XVII. Estas parodias tienen un doble propósito: hacer referencia a la historia artística y cultural de América Latina y criticar el legado del imperialismo cultural europeo en las naciones latinoamericanas. Los artistas Fernando Botero, Herman Braun-Vega y Alberto Gironella emplearon con frecuencia esta técnica.

El artista figurativo colombiano Fernando Botero, cuya obra presenta figuras "hinchadas" únicas en diversas situaciones que abordan temas de poder, guerra y problemas sociales, ha utilizado esta técnica para establecer paralelismos entre los órganos de gobierno actuales y la monarquía española. Su cuadro de 1967 La familia presidencial, es un ejemplo temprano. La pintura, que recuerda al cuadro de la corte española de Diego Velázquez de 1656 Las meninas, contiene un autorretrato de Botero de pie detrás de un lienzo grande. La familia presidencial, gruesa y "hinchada", ataviada con elegantes trajes de moda y mirando insulsamente desde el lienzo, parece socialmente superior, llamando la atención sobre la desigualdad social. Según Botero, sus figuras "hinchadas" no tienen la intención de ser satíricas. Pintó una serie de lienzos muy impactantes, basados en fotografías de torturas infligidas por el ejército estadounidense a prisioneros iraquíes en la prisión de Abu Ghraib.

La deformación que ves es el resultado de mi participación en la pintura. Los volúmenes monumentales y, a mis ojos, sensualmente provocativos provienen de esto. Ya sea que parezcan gordos o no me interesa. No tiene ningún significado para mi pintura. Mi preocupación es con la plenitud formal, la abundancia. Y eso es algo completamente diferente.

Entre el pintor peruano Herman Braun-Vega, la apropiación de obras de los viejos maestros es casi sistemática a partir de los años 1970. Los personajes que toma prestados de la iconografía de la pintura europea se enfrentan a menudo a la situación social y política de América Latina. En su cuadro La lección... à la campagne (Rembrandt) de 1984, retoma la escena del cuadro de Rembrandt La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp, la transporta al campo y sustituye ciertos personajes del cuadro original por personajes latinoamericanos contemporáneos que hacen referencia a la situación social y política de América del Sur, como lo confirman los textos de los recortes de prensa del periódico Le Monde, que estructura los pies del cadáver a la manera cubista. En 1987, en su cuadro Doble foco sobre Occidente (Velázquez y Picasso), convirtió el cuadro de Velázquez Las Meninas en una crítica al poder de la Iglesia al sustituir a la pareja real del espejo del fondo de la sala por el Papa Juan Pablo II recibiendo a Kurt Waldheim en el Vaticano. Entre otros muchos ejemplos, todavía podemos citar el cuadro Los caprichos del F.M.I. (Goya) de 2003 donde aparecen El Tiempo y las viejas y algunos grabados de Los caprichos de Goya para criticar a los predicadores del Fondo Monetario Internacional.

El pintor y collagista mexicano Alberto Gironella, cuyo estilo mezcla elementos del surrealismo y el arte pop, también produjo parodias de las pinturas oficiales de la corte española. Completó docenas de versiones de la Reina Mariana de Velásquez de 1652. Las parodias de Gironella critican el dominio español de México incorporando imágenes subversivas. "La reina de los yugos" (1975-81) representa a Mariana con una falda hecha de yugos de buey al revés, lo que significa tanto el dominio español sobre los pueblos indígenas de México como la subversión de esos pueblos al dominio español. Los yugos se vuelven inútiles al estar al revés. "El sello distintivo de [Gironella] era el uso de determinadas latas de alimentos españoles (sardinas, mejillones, etc.) en sus obras, y tapas de botellas de refresco clavadas o pegadas alrededor del borde de sus pinturas".

Las pinturas, grabados, instalaciones, collages y animaciones digitales de la artista cubana Sandra Ramos abordan a menudo temas tabú en la sociedad cubana contemporánea, como el racismo, la migración masiva, el comunismo y las injusticias sociales.

Los fotógrafos capturaron en película a pueblos indígenas y a distintos tipos sociales, como los gauchos de Argentina. Varios latinoamericanos han hecho contribuciones significativas a la fotografía moderna. Guy Veloso y José Bassit fotografían la religiosidad brasileña. Guillermo Kahlo fotografió edificios e infraestructuras coloniales mexicanas, como el puente ferroviario de Metlac. El propio Agustín Casasola tomó muchas imágenes de la Revolución Mexicana y recopiló un extenso archivo de fotografías mexicanas. Otros fotógrafos incluyen al indígena peruano Martín Chambi, la mexicana Graciela Iturbide y el cubano Alberto Korda, famoso por su icónica imagen del Che Guevara. Mario Testino es un destacado fotógrafo de moda peruano. Además, varios fotógrafos no latinoamericanos se han centrado en la zona, entre ellos Tina Modotti y Edward Weston en México. La guatemalteca María Cristina Orive ha trabajado en Argentina con Sara Facio. El ecuatoriano Hugo Cifuentes ha llamado la atención.

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  Foto de un gaucho argentino. Courret Hermanos Fotogs., Lima, Perú (1868)
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  Martín Chambi (Perú) foto de un hombre en Machu Picchu, publicada en Inca Land. Exploraciones en las tierras altas del Perú, 1922
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  Alberto Korda tomando una foto del Che Guevara, con armas vinculadas a su esposa Aleida March.
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  Guy Veloso. Penitentes brasileños, 2002. Gelatin plate print

• Walker, John. "El Arte Latinoamericano". Glosario de Arte, Arquitectura y Diseño desde 1945, tercero. Ed.
• Museo de Arte Latinoamericano
• América Latina, el Caribe, las artes y la cultura
• Vistas: Cultura visual en España, 1520-1820