Arte japonés

El arte japonés cubre una amplia gama de estilos artísticos y medios, incluida la cerámica antigua, la escultura, la pintura con tinta y la caligrafía sobre seda y papel, las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera, la cerámica, el origami y, más recientemente, el manga y el anime. Tiene una larga historia, que va desde los comienzos de la ocupación humana en Japón, en algún momento del décimo milenio antes de Cristo, hasta el país actual.

Japón ha sido objeto de invasiones repentinas de nuevas ideas seguidas de largos períodos de contacto mínimo con el mundo exterior. Con el tiempo, los japoneses desarrollaron la capacidad de absorber, imitar y finalmente asimilar aquellos elementos de la cultura extranjera que complementaron sus preferencias estéticas. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo. En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollaron formas de expresión indígenas, las artes seculares se volvieron cada vez más importantes; hasta finales del siglo XV, florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra de Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de perturbación política, social y económica que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa, la religión organizada jugó un papel mucho menos importante en la vida de las personas, y las artes que sobrevivieron fueron principalmente seculares. El Período Meiji (1868-1912) vio una afluencia abrupta de estilos occidentales, que han seguido siendo importantes.

La pintura es la expresión artística preferida en Japón, practicada tanto por aficionados como por profesionales. Hasta la época moderna, los japoneses escribían con pincel en lugar de bolígrafo, y su familiaridad con las técnicas del pincel los ha hecho particularmente sensibles a los valores y la estética de la pintura. Con el surgimiento de la cultura popular en el período Edo, un estilo de grabados en madera se convirtió en una forma importante y sus técnicas se perfeccionaron para producir estampados coloridos. Los japoneses, en este período, encontraron en la escultura un medio mucho menos comprensivo para la expresión artística; la mayoría de las grandes esculturas japonesas están asociadas con la religión, y el uso del medio disminuyó con la disminución de la importancia del budismo tradicional.

La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo e incluye los primeros artefactos japoneses conocidos; La porcelana de exportación japonesa ha sido una industria importante en varios puntos. La laca japonesa también es una de las artes y artesanías más importantes del mundo, y las obras magníficamente decoradas con maki-e se exportaron a Europa y China, siendo exportaciones importantes hasta el siglo XIX. En arquitectura, las preferencias japonesas por los materiales naturales y la interacción del espacio interior y exterior se expresan claramente.

Historia del arte japonés

Arte jomon

Los primeros pobladores de Japón fueron los Jōmon (c. 10500 - c. 300 a. C.), llamados así por las marcas de cordón que decoraban las superficies de sus vasijas de arcilla, eran cazadores-recolectores nómadas que más tarde practicaron la agricultura organizada y construyeron ciudades con poblaciones de cientos si no miles. Construyeron casas sencillas de madera y paja colocadas en pozos de tierra poco profundos para obtener calor del suelo. Elaboraron recipientes de almacenamiento de cerámica lujosamente decorados, figurillas de arcilla llamadas dogū y joyas de cristal.

Período temprano de Jōmon

Durante el período Early Jōmon (5000-2500 a. C.), se comenzaron a descubrir aldeas y se encontraron objetos cotidianos comunes, como ollas de cerámica destinadas a hervir agua. Las vasijas que se encontraron durante este tiempo tenían fondos planos y diseños elaborados hechos de materiales como el bambú. Además, otro hallazgo importante fueron las primeras figurillas de Jōmon que podrían haber sido utilizadas como objetos de fertilidad debido a los senos y las caderas hinchadas que exhibían.

Período Jōmon medio

El período Jōmon medio (2500-1500 a. C.), contrasta con el período Jōmon temprano en muchos aspectos. Estas personas se volvieron menos nómadas y comenzaron a establecerse en aldeas. Crearon herramientas útiles que podían procesar los alimentos que recolectaban y cazaban, lo que les facilitaba la vida. A través de las numerosas cerámicas estéticamente agradables que se encontraron durante este período de tiempo, es evidente que estas personas tenían una economía estable y más tiempo libre para establecer hermosas piezas. Además, la gente del período Jōmon medio se diferenciaba de sus antepasados ​​anteriores porque desarrollaban vasijas de acuerdo con su función, por ejemplo, producían vasijas para almacenar artículos.Las decoraciones de estas vasijas comenzaron a tener un aspecto más realista en comparación con las primeras cerámicas Jōmon. En general, la producción de obras no solo aumentó durante este período, sino que estos individuos las hicieron más decorativas y naturalistas.

Período Jōmon tardío y final

Durante el período Jōmon tardío y final (1500-300 a. C.), el clima comenzó a enfriarse, lo que los obligó a alejarse de las montañas. La principal fuente de alimentación durante este tiempo fue el pescado, lo que hizo que mejoraran sus suministros y herramientas de pesca. Este avance fue un logro muy importante durante este tiempo. Además, el número de vasijas aumentó en gran medida, lo que posiblemente podría concluir que cada casa tenía su propia figura exhibida en ellas. Aunque se encontraron varias vasijas durante el período Jōmon tardío y final, estas piezas se encontraron dañadas, lo que podría indicar que las usaron para rituales. Además, también se encontraron figurillas que se caracterizaban por sus cuerpos carnosos y ojos saltones.

Figuritas de Dogū

Dogū ("figura de tierra") son pequeñas figuras humanoides y animales hechas durante la última parte del período Jōmon. Se fabricaron en todo Japón, excepto en Okinawa. Algunos eruditos teorizan que los dogū actuaron como efigies de personas, que manifestaron algún tipo de magia simpática. Los dogū están hechos de arcilla y son pequeños, típicamente de 10 a 30 cm de alto. La mayoría de las figurillas parecen estar modeladas como mujeres y tienen ojos grandes, cintura pequeña y caderas anchas. Son considerados por muchos como representantes de las diosas. Muchas tienen grandes abdómenes asociados con el embarazo, lo que sugiere que los Jomon las consideraban diosas madres.

Arte yayoi

La siguiente ola de inmigrantes fue el pueblo Yayoi, llamado así por el distrito de Tokio donde se encontraron por primera vez los restos de sus asentamientos. Estas personas, que llegaron a Japón alrededor del año 300 a. C., aportaron su conocimiento sobre el cultivo de arroz en los humedales, la fabricación de armas de cobre y campanas de bronce (dōtaku) y la cerámica cocida en horno y arrojada a la rueda.

• Una campana dōtaku del período Yayoi, siglo III d.C.
• Espejo de bronce excavado en Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto
• Jarra carmaica del periodo Yayoi
• Varias cerámicas rituales Yayoi del sitio Yoshinogari
• Frasco de almacenamiento Yayoi de 500 a. C. - 200 d. C.

Arte Kofun

La tercera etapa de la prehistoria japonesa, el período Kofun (c. 300 - 710 d. C.), representa una modificación de la cultura Yayoi, atribuible al desarrollo interno oa una fuerza externa. Este período es más notable por su cultura de tumbas y otros artefactos como espejos de bronce y esculturas de arcilla llamadas haniwa que se erigieron fuera de estas tumbas. A lo largo del período Kofun, las características de estas tumbas evolucionaron desde tumbas más pequeñas erigidas en cimas de colinas y cerros hasta tumbas mucho más grandes construidas en terreno llano. La tumba más grande de Japón, la tumba del emperador Nintoku, alberga 46 túmulos funerarios y tiene forma de ojo de cerradura, una característica distintiva que se encuentra en las tumbas Kofun posteriores.

Arte de Asuka y Nara

Durante los períodos Asuka y Nara, llamados así porque la sede del gobierno japonés estuvo ubicada en el valle de Asuka desde el 542 al 645 y en la ciudad de Nara hasta el 784, tuvo lugar en Japón la primera afluencia significativa de la cultura asiática continental.

La transmisión del budismo proporcionó el impulso inicial para los contactos entre China y Japón. Los japoneses reconocieron las facetas de la cultura china que podrían incorporarse provechosamente a la suya: un sistema para convertir ideas y sonidos en escritura; historiografía; teorías complejas de gobierno, como una burocracia efectiva; y, lo que es más importante para las artes, nuevas tecnologías, nuevas técnicas de construcción, métodos más avanzados de fundición en bronce y nuevas técnicas y medios para pintar.

Sin embargo, a lo largo de los siglos VII y VIII, el foco principal de los contactos entre Japón y el continente asiático fue el desarrollo del budismo. No todos los eruditos están de acuerdo sobre las fechas significativas y los nombres apropiados para aplicar a varios períodos de tiempo entre 552, la fecha oficial de la introducción del budismo en Japón, y 784, cuando la capital japonesa fue trasladada desde Nara. Las designaciones más comunes son el período Suiko, 552–645; el período Hakuhō, 645–710, y el período Tenpyō, 710–784.

• Pagoda y Kondō en Hōryū-ji, siglo VIII
• Hokkedō en Tōdai-ji, siglo VIII

Las primeras esculturas japonesas de Buda datan de los siglos VI y VII. En última instancia, se derivan del arte greco-budista de Gandhara de los siglos I a III d. C., caracterizado por patrones de vestimenta fluidos y una representación realista, en la que se superpusieron rasgos artísticos chinos. Después de que el arte budista chino Northern Wei se infiltrara en la península de Corea, varios grupos de inmigrantes trajeron íconos budistas a Japón. En particular, la forma semisentada de Maitreya se adaptó a un estilo de arte griego antiguo altamente desarrollado que se transmitió a Japón, como lo demuestran las estatuas Kōryū-ji Miroku Bosatsu y Chūgū-ji Siddhartha. Muchos historiadores retratan a Corea como un mero transmisor del budismo. Los Tres Reinos, y particularmente Baekje, jugaron un papel decisivo como agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552. Ilustran el punto final de la transmisión del arte de la Ruta de la Seda durante los primeros siglos de nuestra era. Se pueden encontrar otros ejemplos en el desarrollo de la iconografía del dios japonés del viento Fūjin, los guardianes Niō y los patrones florales casi clásicos en las decoraciones de los templos.

Las estructuras budistas más antiguas que aún existen en Japón y los edificios de madera más antiguos del Lejano Oriente se encuentran en Hōryū-ji, al suroeste de Nara. Construido por primera vez a principios del siglo VII como templo privado del príncipe heredero Shōtoku, consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, el salón de culto principal, o Kondō (Salón Dorado), y Gojū-no-tō (Pagoda de cinco pisos), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro techado. El Kondō, al estilo de los salones de culto chinos, es una estructura de dos pisos construida con postes y vigas, coronada por una irimoya, o techo a cuatro aguas de tejas de cerámica.

En el interior del Kondō, sobre una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes de la época. La imagen central es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas, escultura fundida en bronce por el escultor Tori Busshi (floreció a principios del siglo VII) en homenaje al recientemente fallecido Príncipe Shōtoku. En las cuatro esquinas de la plataforma se encuentran los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones, tallados en madera alrededor del año 650. En Hōryū-ji también se encuentra el Santuario Tamamushi, una réplica de madera de un Kondō, que se encuentra sobre una base alta de madera que es decorado con pinturas figurativas ejecutadas en un medio de pigmentos minerales mezclados con laca.

La construcción del templo en el siglo VIII se centró en el Tōdai-ji en Nara. Construido como sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos del culto budista en Japón. Apropiadamente, el Buda de 16,2 m (53 pies) (completado en 752) consagrado en la sala principal de Buda, o Daibutsuden, es un Buda Rushana, la figura que representa la esencia de la Budeidad, al igual que el Tōdaiji representó el centro para el patrocinio imperial. El budismo y su difusión por todo Japón. Solo sobreviven unos pocos fragmentos de la estatua original, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo.

Agrupados alrededor del Daibutsuden en una ladera de suave pendiente hay varios salones secundarios: el Hokke-dō (Salón del Sutra del Loto), con su imagen principal, el Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, el bodhisattva más popular), hecho de madera seca laca (tela sumergida en laca y moldeada sobre una armadura de madera); el Kaidanin (戒壇院, Sala de Ordenaciones) con sus magníficas estatuas de arcilla de los Cuatro Reyes Guardianes; y el almacén, llamado Shōsōin. Esta última estructura es de gran importancia como alijo histórico-artístico, ya que en ella se guardan los utensilios que se usaron en la ceremonia de dedicación del templo en el año 752, el ritual de revelación de la imagen de Rushana, así como documentos gubernamentales y muchos documentos seculares. objetos propiedad de la familia imperial.

Se cree que Choukin (o chōkin), el arte del grabado o la escultura en metal, comenzó en el período Nara.

Arte heian

En 794 la capital de Japón se trasladó oficialmente a Heian-kyō (actual Kioto), donde permaneció hasta 1868. El término período Heian se refiere a los años entre 794 y 1185, cuando se estableció el shogunato Kamakura a finales de la Guerra Genpei. El período se divide además en el Heian temprano y el Heian tardío, o era Fujiwara, siendo la fecha fundamental 894, el año en que se suspendieron oficialmente las embajadas imperiales en China.

Arte Heian temprano: en reacción a la creciente riqueza y poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kūkai (mejor conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774–835) viajó a China para estudiar Shingon, una forma de budismo Vajrayana, que él introducido en Japón en 806. En el centro de la adoración de Shingon están los mandalas, diagramas del universo espiritual, que luego comenzaron a influir en el diseño del templo. La arquitectura budista japonesa también adoptó la estupa, originalmente una forma arquitectónica india, en su pagoda de estilo chino.

Los templos levantados para esta nueva secta se construyeron en las montañas, lejos de la corte y los laicos de la capital. La topografía irregular de estos sitios obligó a los arquitectos japoneses a repensar los problemas de la construcción de templos y, al hacerlo, a elegir elementos de diseño más autóctonos. Los techos de corteza de ciprés reemplazaron a los de tejas de cerámica, se usaron tablones de madera en lugar de pisos de tierra y se agregó un área de culto separada para los laicos frente al santuario principal.

El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos de Heian Shingon es el Murō-ji (principios del siglo IX), ubicado en lo profundo de un grupo de cipreses en una montaña al sureste de Nara. La imagen de madera (también de principios del siglo IX) de Shakyamuni, el Buda "histórico", consagrado en un edificio secundario en el Murō-ji, es típica de la escultura temprana de Heian, con su cuerpo pesado, cubierto por gruesos pliegues tallados en el estilo honpa-shiki (ondas rodantes), y su expresión facial austera y retraída.

Arte de Fujiwara: en el período de Fujiwara, el budismo de la Tierra Pura, que ofrecía una fácil salvación a través de la creencia en Amida (el Buda del Paraíso Occidental), se hizo popular. Este período lleva el nombre de la familia Fujiwara, entonces la más poderosa del país, que gobernó como regentes del Emperador, convirtiéndose, de hecho, en dictadores civiles. Al mismo tiempo, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a las búsquedas estéticas elegantes. Tan seguro y hermoso era su mundo que no podían concebir el Paraíso como algo muy diferente. Crearon una nueva forma de salón de Buda, el salón Amida, que combina lo secular con lo religioso y alberga una o más imágenes de Buda dentro de una estructura que se asemeja a las mansiones de la nobleza.

El Hō-ō-dō (Phoenix Hall, terminado en 1053) del Byōdō-in, un templo en Uji al sureste de Kioto, es el ejemplo de los salones Fujiwara Amida. Consiste en una estructura principal rectangular flanqueada por dos corredores laterales en forma de L y un corredor de cola, ubicado al borde de un gran estanque artificial. En el interior, una sola imagen dorada de Amida (c. 1053) está instalada en una plataforma alta. La escultura Amida fue ejecutada por Jōchō, quien utilizó un nuevo canon de proporciones y una nueva técnica (yosegi), en el que se tallan múltiples piezas de madera a modo de conchas y se unen desde el interior. En las paredes de la sala hay pequeños relieves tallados de celestiales, se cree que la hueste acompañó a Amida cuando descendió del Paraíso Occidental para reunir las almas de los creyentes en el momento de la muerte y transportarlas en flores de loto al Paraíso. Las pinturas Raigō en las puertas de madera del Hō-ō-dō, que representan el Descenso del Buda Amida, son un ejemplo temprano de Yamato-e, pintura de estilo japonés, y contienen representaciones del paisaje alrededor de Kioto.

E-maki: en el último siglo del período Heian, el rollo manual narrativo ilustrado y horizontal, conocido como e-maki (絵巻, literalmente "pergamino de imágenes"), pasó a primer plano. Datado alrededor de 1130, el Genji Monogatari Emaki, un famoso cuento ilustrado de Genji, representa el pergamino de yamato-e más antiguo que se conserva y uno de los puntos culminantes de la pintura japonesa. Escrita sobre el año 1000 por Murasaki Shikibu, una dama de honor de la emperatriz Shōshi, la novela trata sobre la vida y los amores de Genji y el mundo de la corte Heian después de su muerte. Los artistas del e-maki del siglo XIIversión ideó un sistema de convenciones pictóricas que transmiten visualmente el contenido emocional de cada escena. En la segunda mitad del siglo se popularizó un estilo diferente y más vivo de ilustración narrativa continua. El Ban Dainagon Ekotoba (finales del siglo XII), un pergamino que trata sobre una intriga en la corte, enfatiza figuras en movimiento activo representadas con pinceladas ejecutadas rápidamente y colores delgados pero vibrantes.

E-maki también sirve como uno de los primeros y mejores ejemplos de los estilos de pintura otoko-e ("imágenes de hombres") y onna-e ("imágenes de mujeres"). Hay muchas diferencias finas en los dos estilos, apelando a las preferencias estéticas de los géneros. Pero quizás lo más fácilmente perceptible son las diferencias en el tema. Onna-e, personificado por el pergamino de Tale of Genji, generalmente trata sobre la vida de la corte, particularmente las damas de la corte, y con temas románticos. Otoko-e a menudo registraba eventos históricos, particularmente batallas. El asedio del Palacio Sanjō (1160), representado en la sección "Ataque nocturno al Palacio Sanjō" del rollo manual de Heiji Monogatari, es un ejemplo famoso de este estilo.

Arte kamakura

En 1180 estalló una guerra entre los dos clanes guerreros más poderosos: los Taira y los Minamoto; cinco años después, los Minamoto salieron victoriosos y establecieron una sede de gobierno de facto en el pueblo costero de Kamakura, donde permaneció hasta 1333. Con el cambio de poder de la nobleza a la clase guerrera, las artes tuvieron que satisfacer a una nueva audiencia: hombres dedicados a las habilidades de la guerra, sacerdotes comprometidos con hacer que el budismo esté disponible para los analfabetos, y los conservadores, la nobleza y algunos miembros del sacerdocio que lamentaron la disminución del poder de la corte. Así, el realismo, una tendencia popularizadora y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período Kamakura. En el período Kamakura, Kioto y Nara siguieron siendo los centros de producción artística y alta cultura.

Escultura:La escuela de escultores Kei, particularmente Unkei, creó un nuevo estilo de escultura más realista. Las dos imágenes del guardián Niō (1203) en la Gran Puerta Sur del Tōdai-ji en Nara ilustran el estilo suprarrealista dinámico de.Unkei. Las imágenes, de unos 8 m (unos 26 pies) de altura, se tallaron en varios bloques en un período de unos tres meses, una hazaña indicativa de un sistema de estudio desarrollado de artesanos que trabajan bajo la dirección de un maestro escultor. Las esculturas de madera policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji, Nara) de dos sabios indios, Muchaku y Seshin, los legendarios fundadores de la secta Hossō, se encuentran entre las obras realistas más logradas de la época; tal como las presenta Unkei, son imágenes notablemente individualizadas y creíbles. Una de las obras más famosas de este período es Amitabha Triad (terminada en 1195), en Jōdo-ji in Ono,

Caligrafía y pintura: El Kegon Engi Emaki, la historia ilustrada de la fundación de la secta Kegon, es un excelente ejemplo de la tendencia popularizadora de la pintura Kamakura. La secta Kegon, una de las más importantes del período Nara, atravesó tiempos difíciles durante el ascenso de las sectas de la Tierra Pura. Después de la guerra de Genpei (1180-1185), el sacerdote Myōe de Kōzan-ji buscó revivir la secta y también proporcionar un refugio para las mujeres que enviudaron a causa de la guerra. Se había disuadido a las esposas de los samuráis de aprender más que un sistema silabario para transcribir sonidos e ideas (ver kana), y la mayoría eran incapaces de leer textos que empleaban ideogramas chinos (kanji).

Así, el Kegon Engi Emaki combina pasajes de texto, escritos con un máximo de sílabas fáciles de leer, e ilustraciones que tienen el diálogo entre personajes escrito junto a los hablantes, una técnica comparable a las tiras cómicas contemporáneas. La trama de e-maki, las vidas de los dos sacerdotes coreanos que fundaron la secta Kegon, tiene un ritmo rápido y está llena de hazañas fantásticas, como un viaje al palacio del Rey del Océano y una conmovedora historia de mamá.

Una obra de corte más conservador es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu. Se siguieron produciendo versiones E-maki de su novela, pero la nobleza, sintonizada con el nuevo interés por el realismo pero nostálgica por los días pasados ​​de riqueza y poder, revivió e ilustró el diario para recuperar el esplendor de la época de la autora. Uno de los pasajes más bellos ilustra el episodio en el que Murasaki Shikibu es prisionera en broma en su habitación por dos jóvenes cortesanos, mientras, justo afuera, la luz de la luna brilla en las orillas cubiertas de musgo de un riachuelo en el jardín imperial.

Arte Muromachi

Durante el período Muromachi (1338-1573), también llamado período Ashikaga, se produjo un cambio profundo en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su cuartel general a Kioto, al distrito Muromachi de la ciudad. Con el regreso del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. El budismo zen, la secta Ch'an que tradicionalmente se cree que se fundó en China en el siglo VI, se introdujo por segunda vez en Japón y echó raíces.

Pintura: debido a las empresas seculares y las misiones comerciales a China organizadas por los templos zen, muchas pinturas y objetos de arte chinos fueron importados a Japón e influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos zen y el shogunato. Estas importaciones no solo cambiaron el tema de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; los colores brillantes de Yamato-e dieron paso a los monocromos de la pintura a la manera china, donde las pinturas generalmente solo tienen blanco y negro o diferentes tonos de un solo color.

Típico de la pintura temprana de Muromachi es la representación del sacerdote-pintor Kao (activo a principios del siglo XV) del legendario monje Kensu (Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación. Este tipo de pintura se ejecutó con pinceladas rápidas y un mínimo de detalle. Atrapar un bagre con una calabaza(principios del siglo XV, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), del sacerdote-pintor Josetsu (activo c. 1400), marca un punto de inflexión en la pintura de Muromachi. Ejecutado originalmente para una pantalla baja, se ha vuelto a montar como un rollo colgante con inscripciones de figuras contemporáneas arriba, una de las cuales se refiere a la pintura como de "nuevo estilo". En primer plano, se representa a un hombre en la orilla de un arroyo que sostiene una pequeña calabaza y mira un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el término medio y las montañas de fondo parecen estar muy lejos. En general, se supone que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutado alrededor de 1413, se refiere a un sentido más chino del espacio profundo dentro del plano de la imagen.

Los artistas más destacados del período Muromachi son los sacerdotes-pintores Shūbun y Sesshū. Shūbun, un monje en el templo de Kyoto de Shōkoku-ji, creó en la pintura Lectura en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china desde su origen. Paisaje de las cuatro estaciones (Sansui Chokan; c. 1486) es una de las obras más logradas de Sesshu y representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.

Arte Azuchi-Momoyama

En el período Azuchi-Momoyama (1573-1603), una sucesión de líderes militares, como Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, intentaron llevar la paz y la estabilidad política a Japón después de una era de casi 100 años de guerra. Oda, un cacique menor, adquirió poder suficiente para tomar el control de facto del gobierno en 1568 y, cinco años más tarde, para derrocar al último shōgun Ashikaga. Hideyoshi tomó el mando después de la muerte de Oda, pero sus planes para establecer un gobierno hereditario fueron frustrados por Ieyasu, quien estableció el shogunato Tokugawa en 1603.

Pintura: La escuela de pintura más importante del período Momoyama fue la escuela Kanō, y la mayor innovación del período fue la fórmula, desarrollada por Kanō Eitoku, para la creación de paisajes monumentales en las puertas correderas que cerraban una habitación. La decoración de la sala principal que da al jardín del Jukō-in, un subtemplo de Daitoku-ji (un templo zen en Kioto), es quizás el mejor ejemplo existente del trabajo de Eitoku. Un enorme árbol de ume y pinos gemelos están representados en pares de pantallas deslizantes en esquinas diagonalmente opuestas, sus troncos repiten las verticales de los postes de las esquinas y sus ramas se extienden a izquierda y derecha, unificando los paneles contiguos. La pantalla de Eitoku, Leones chinos, también en Kioto, revela el estilo de pintura audaz y de colores brillantes preferido por los samuráis.

Hasegawa Tōhaku, un contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para las pinturas de pantalla a gran escala. En su Maple Screen (楓図), ahora en el templo de Chishaku-in (ja:智積院), Kioto, colocó el tronco del árbol en el centro y extendió las ramas casi hasta el borde de la composición, creando una un trabajo más plano y menos arquitectónico que Eitoku, pero una pintura visualmente hermosa. Su biombo séxtuple, Pine Wood (松林図), es una representación magistral en tinta monocromática de una arboleda envuelta en niebla.

Arte del periodo Edo

El shogunato Tokugawa obtuvo el control indiscutible del gobierno en 1603 con el compromiso de traer paz y estabilidad económica y política al país; en gran medida tuvo éxito. El shogunato sobrevivió hasta 1867, cuando se vio obligado a capitular debido a su incapacidad para hacer frente a la presión de las naciones occidentales para abrir el país al comercio exterior. Uno de los temas dominantes en el período Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas por escapar de estas restricciones. El más importante de ellos fue el cierre del país a los extranjeros y los atavíos de sus culturas, y la imposición de estrictos códigos de conducta que afectaban todos los aspectos de la vida, la ropa que se vestía, la persona con la que se casaba y las actividades que podía o debía hacer. no perseguir

En los primeros años del período Edo, sin embargo, aún no se había sentido el impacto total de las políticas de Tokugawa, y se produjeron algunas de las mejores expresiones arquitectónicas y pictóricas de Japón: el Palacio Katsura en Kioto y las pinturas de Tawaraya Sōtatsu, pionero de la escuela Rinpa.

Impresión en madera:Los grabados en madera se utilizaron originalmente para traducir las escrituras budistas en el siglo VIII en Japón. La impresión xilográfica consiste en grabar imágenes o dibujos en una pieza de madera, que luego se presiona contra una hoja de papel. En el siglo VIII, el bloque de madera se consideró un método conveniente para la reproducción de texto impreso hasta que las innovaciones posteriores permitieron que el color se tradujera en papel o mejor conocido como impresiones Nishik-e. La impresión con bloques de madera fue el método común de impresión desde el siglo XI hasta el siglo XIX. Las impresiones de Nishiki-e produjeron productos como calendarios que comúnmente se vendían a miembros adinerados de la sociedad durante el período Edo. En el período Edo, estos grabados representaban eventos y escenas de actores destacados. Ukiyo luego se asoció con la impresión en madera a principios del período Edo. Estas pinturas de Ukiyo representaban la vida cotidiana de miembros destacados de la sociedad. Ukiyo comenzó como pergaminos esculpidos a mano que representaban la vida de un plebeyo normal.

Arquitectura: El Palacio Independiente de Katsura, construido a imitación del palacio de Genji, contiene un grupo de edificios shoin que combinan elementos de la arquitectura japonesa clásica con reformulaciones innovadoras. Todo el complejo está rodeado por un hermoso jardín con senderos para caminar. Muchos de los poderosos daimyōs (señores feudales) construyeron un jardín japonés estilo circuito en el territorio del país y compitieron por la belleza.

Pintura: Sōtatsu desarrolló un soberbio estilo decorativo al recrear temas de la literatura clásica, utilizando figuras y motivos de colores brillantes del mundo natural sobre fondos de pan de oro. Una de sus mejores obras es el par de pantallas The Waves at Matsushima en la Freer Gallery en Washington, DC. Un siglo más tarde, Kōrin reelaboró ​​el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente magníficas exclusivamente suyas. Quizás sus mejores son las pinturas de pantalla de Red and White Plum Blossoms.

Escultura: el monje budista Enkū esculpió 120.000 imágenes budistas en un estilo tosco e individual.

Ukiyo-e y nanga (bunjinga): La escuela de arte más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y xilografías del demimonde, el mundo del teatro kabuki y los distritos del placer. Las impresiones de Ukiyo-e comenzaron a producirse a fines del siglo XVII; en 1765 Harunobu produjo la primera impresión policromada. Los diseñadores de grabados de la próxima generación, incluidos Torii Kiyonaga y Utamaro, crearon representaciones elegantes y, a veces, perspicaces de cortesanas.

En el siglo XIX las figuras dominantes fueron Hokusai e Hiroshige, este último creador de grabados paisajísticos románticos y algo sentimentales. Los extraños ángulos y formas a través de los cuales Hiroshige a menudo veía el paisaje, y el trabajo de Kiyonaga y Utamaro, con su énfasis en planos planos y fuertes contornos lineales, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh. A través de obras de arte que se encuentran en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían más tarde una poderosa influencia en las imágenes y los enfoques estéticos utilizados por los primeros poetas modernistas como Ezra Pound, Richard Aldington y HD.

Una escuela de pintura contemporánea con ukiyo-e fue nanga, o bunjinga, un estilo basado en pinturas ejecutadas por pintores eruditos chinos. Así como los artistas de ukiyo-e optaron por representar figuras de la vida fuera de las restricciones del shogunato Tokugawa, los artistas de bunjin recurrieron a la cultura china. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).

Cerámica

Los estilos tradicionales, en su mayoría de gres, continuaron en muchas partes de Japón, pero la cerámica japonesa se transformó alrededor del comienzo del período Edo, por una gran afluencia de alfareros coreanos, capturados o persuadidos de emigrar en el curso de las invasiones japonesas de Corea en el 1590s. Muchos de estos se asentaron en la isla sureña de Kyushu, y trajeron consigo la experiencia de las versiones del horno trepador de cámara de estilo chino, llamado noborigama en Japón, que permitía un control más preciso de las altas temperaturas. Alrededor de 1620 habían descubierto depósitos de caolinita y comenzaron a hacer porcelana por primera vez en Japón. Los primeros productos (llamados "Early Imari") eran relativamente pequeños e imitaban la porcelana china azul y blanca bajo vidriado, que Japón había estado importando durante algún tiempo.

La industria de la porcelana se expandió enormemente a fines de la década de 1650, ya que el colapso de la industria china debido a la guerra civil provocó pedidos muy grandes de los comerciantes chinos y la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, para entonces los comerciantes solo tenían permitido hacer negocios en Japón. El primer gran período de exportación de porcelana japonesa duró hasta aproximadamente la década de 1740, y la mayor parte de la porcelana japonesa se fabricó para la exportación, principalmente a Europa, pero también al mundo islámico al oeste y sur de Japón.

• Ko-Kutani (antiguo Kutani) jarra de sake tipo Iroe de cinco colores con diseño de pájaros y flores en esmalte overglaze, período Edo, siglo XVII
• Plato Ko-Imari, 1700-1740

Laca:

Con el desarrollo de la economía y la cultura, la calidad artística de los muebles lacados ha mejorado. Hon'ami Kōetsu y Ogata Kōrin llevaron los diseños de la escuela de pintura Rinpa a la laca. Después de la mitad del período Edo, el inrō para contenedores portátiles de medicamentos comenzó a decorarse magníficamente con maki-e y raden, y se hizo popular entre la clase samurái y los comerciantes adinerados de la clase chōnin, y al final del período Edo, pasó de accesorios prácticos a colecciones de arte. La exportación de artículos lacados continuó después del período Azuchi-Momoyama. María Antonieta y María Teresa son conocidas como coleccionistas de objetos lacados japoneses en este período.

• Inro y Netsuke, siglo XVIII
• Caja de escritura lacada con Iris en Yatsuhashi, de Ogata Kōrin. Tesoro Nacional

Arte de la preguerra

Cuando el Emperador de Japón recuperó el poder gobernante en 1868, Japón fue nuevamente invadido por formas de cultura nuevas y extrañas. Durante el período de preguerra, la introducción de los valores culturales occidentales condujo a una dicotomía en el arte japonés, así como en casi todos los demás aspectos de la cultura, entre los valores tradicionales y los intentos de duplicar y asimilar una variedad de nuevas ideas en conflicto. Esta división siguió siendo evidente a fines del siglo XX, aunque ya se había producido mucha síntesis, y creó una atmósfera cultural internacional y estimuló las artes japonesas contemporáneas hacia formas cada vez más innovadoras.

El gobierno se interesó activamente en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales, comenzando con la Feria Mundial de Viena de 1873. Además de financiar en gran medida las ferias, el gobierno asumió un papel activo en la organización de cómo se presentaba la cultura japonesa al mundo. Creó una empresa semipública, Kiritsu Kosho Kaisha (Primera empresa de fabricación industrial), para promover y comercializar las exportaciones de arte y estableció Hakurankai Jimukyoku (Oficina de exposiciones) para mantener los estándares de calidad. Para la Exposición Internacional del Centenario de 1876 en Filadelfia, el gobierno japonés creó una Oficina del Centenario y envió un enviado especial para asegurar el espacio para los 30.000 artículos que se exhibirían.La Casa Imperial también se interesó activamente en las artes y la artesanía, encargando obras ("mercancías de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. En 1890, se creó el sistema Teishitsu Gigeiin (Artista de la Casa Imperial) para reconocer a artistas distinguidos; setenta fueron nombrados entre 1890 y 1944. Entre ellos se encontraban el pintor y artista de laca Shibata Zeshin, el ceramista Makuzu Kōzan, el pintor Hashimoto Gahō y el artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki.

• Byōbu Dragón y tigre (竜虎図) lado izquierdo, 1895, por Hashimoto Gahō
• Dragón Byōbu y lado derecho del tigre, 1895, por Hashimoto Gahō

A medida que las importaciones occidentales se hicieron populares, la demanda de arte japonés disminuyó dentro del propio Japón. En Europa y América, la nueva disponibilidad del arte japonés provocó una fascinación por la cultura japonesa; una locura conocida en Europa como japonismo. El patrocinio imperial, el patrocinio del gobierno, la promoción a nuevas audiencias y la tecnología occidental se combinaron para fomentar una era de innovación artística japonesa. En las artes decorativas, los artistas japoneses alcanzaron nuevos niveles de sofisticación técnica.

En la actualidad, Masayuki Murata posee más de 10 000 obras de arte Meiji y es uno de los coleccionistas más entusiastas. Desde ese momento, la mayoría de las excelentes obras de Meiji Art fueron compradas por coleccionistas extranjeros y solo unas pocas permanecieron en Japón, pero debido a que compró muchas obras de países extranjeros y abrió el Museo Kiyomizu Sannenzaka, el estudio y la reevaluación de Meiji El arte avanzó rápidamente en Japón después del siglo XXI. Nasser Khalili es también uno de los coleccionistas de arte Meiji más dedicados del mundo, y su colección abarca muchas categorías de arte Meiji. La Familia Imperial Japonesa también posee excelentes obras de Arte Meiji, algunas de las cuales fueron donadas al estado y ahora se encuentran almacenadas en el Museo de las Colecciones Imperiales.

Arquitectura y Jardín

A principios del siglo XX, las formas de arte europeas se introdujeron bien y su unión produjo edificios notables como la estación de tren de Tokio y el edificio de la Dieta Nacional que aún existen en la actualidad. Estación de Tokio, un edificio de arquitectura Giyōfū, lleno de ladrillos y de estilo pseudoeuropeo. Este estilo de edificio fue construido en áreas urbanas.

Muchos nuevos jardines japoneses artísticos fueron construidos por Jihei Ogawa.

Cuadro

La primera respuesta de los japoneses a las formas de arte occidentales fue una aceptación sincera, y en 1876 se abrió la Escuela de Arte Tecnológico (ja:工部美術学校), empleando instructores italianos para enseñar métodos occidentales. La segunda respuesta fue un movimiento pendular en la dirección opuesta encabezado por Okakura Kakuzō y el estadounidense Ernest Fenollosa, quienes alentaron a los artistas japoneses a conservar los temas y técnicas tradicionales mientras creaban obras más acordes con el gusto contemporáneo. Esta fue una estrategia que eventualmente sirvió para extender la influencia del arte japonés hasta Calcuta, Londres y Boston en los años previos a la Primera Guerra Mundial. De estos dos polos de la teoría artística, derivados de Europa y Asia Oriental respectivamente —yoga desarrollado("pintura de estilo occidental") y Nihonga ("pintura japonesa"), categorías que se han mantenido vigentes.

Esmaltes

Durante la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó un pico técnico, produciendo artículos más avanzados que cualquiera que hubiera existido antes. El período de 1890 a 1910 fue conocido como la "edad de oro" de los esmaltes japoneses. Los artistas experimentaron con pastas y con el proceso de cocción para producir bloques de esmalte cada vez más grandes, con menos necesidad de cloisons (tiras de metal que encierran). Así, los esmaltes se convirtieron en un medio más pictórico, con diseños similares o copiados de las pinturas tradicionales. Se hicieron populares los esmaltes con un diseño exclusivo de Japón, en los que se usaban flores, pájaros e insectos como temas. En particular, las obras de Namikawa Yasuyuki y Namikawa Sōsuke se exhibieron en ferias mundiales y ganaron muchos premios.Junto con los dos Namikawa, Ando Cloisonné Company ha producido muchos cloisonné de alta calidad. Los esmaltes japoneses se consideraban inigualables gracias a los nuevos logros en diseño y coloración.

Laca

La era Meiji vio un interés renovado en la laca a medida que los artistas desarrollaban nuevos diseños y experimentaban con nuevas texturas y acabados. Maki-e (decorar la laca con polvo de oro o plata) fue la técnica más común para laca de calidad en este período. Shibata Zeshin fue un lacador que ganó una gran reputación por sus obras desde el período Bakumatsu hasta el período Meiji. La laca llamada Shibayama y Somada, creada en el período Edo, se hizo popular por su estilo llamativo, con incrustaciones de oro, plata, mariscos, marfil y metal y vidrio de colores, y alcanzó su apogeo durante este período. La laca de los talleres japoneses fue reconocida como técnicamente superior a lo que podría producirse en cualquier otro lugar del mundo.

Metalistería

Al comienzo de la era Meiji, la metalistería japonesa era casi totalmente desconocida fuera del país, a diferencia de la laca y la porcelana que anteriormente se exportaban. El trabajo del metal estaba relacionado con la práctica budista, por ejemplo, en el uso de bronce para las campanas de los templos y los calderos de incienso, por lo que hubo menos oportunidades para los trabajadores del metal una vez que el budismo fue desplazado como religión estatal. Las exhibiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a una nueva audiencia extranjera, atrayendo fuertes elogios.La historia pasada del armamento samurái equipó a los metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Combinando y terminando el cobre, la plata y el oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas que incluyen shakudō y shibuichi. Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color.

Talla de marfil

En el periodo Meiji, la ropa japonesa comenzó a occidentalizarse y disminuyó el número de personas que usaban kimono, por lo que los artesanos que hacían netsuke y kiseru con marfil y madera perdieron demanda. Por lo tanto, intentaron crear un nuevo campo, las esculturas de marfil para la decoración de interiores, y muchas obras elaboradas fueron exportadas a países extranjeros o compradas por la Familia Imperial. En particular, las obras de Ishikawa Komei y Asahi Gyokuzan ganaron elogios en Japón.

Porcelana y Loza

Las innovaciones técnicas y artísticas de la era Meiji convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. La cerámica de Satsuma era un nombre dado originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma, elaboradamente decorada con dorado y esmalte. Estos productos fueron muy elogiados en Occidente. Visto en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y las influencias occidentales, y se había creado pensando en la exportación. Los talleres en muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y económica. Entonces, el término "artículos de Satsuma" se asoció no con un lugar de origen sino con artículos de menor calidad creados exclusivamente para la exportación.A pesar de esto, artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan mantuvieron los más altos estándares artísticos mientras exportaban con éxito. De 1876 a 1913, Kōzan ganó premios en 51 exposiciones, incluidas la Feria mundial y la Exposición industrial nacional.

Textiles

La edición de 1902 de Encyclopædia Britannica escribió: "En ninguna rama de las artes aplicadas el genio decorativo de Japón muestra resultados más atractivos que el de las telas textiles, y en ninguna ha habido un progreso más conspicuo durante los últimos años". En Kioto se estaban produciendo obras pictóricas muy grandes y coloridas. El bordado se había convertido en una forma de arte por derecho propio, adoptando una gama de técnicas pictóricas como el claroscuro y la perspectiva aérea.

Arte de la posguerra

Inmediatamente después de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial en 1945, un gran número de artistas japoneses cayeron bajo la influencia del Partido Comunista de Japón, o incluso se unieron al mismo, que acababa de ser legalizado por la ocupación militar de Japón liderada por Estados Unidos después de muchos años de represión. por la policía japonesa de antes y durante la guerra. Esto tuvo que ver con el éxito del Partido Comunista al vender la idea en los primeros años de la posguerra de que el partido había sido el único grupo en Japón que resistió el militarismo en tiempos de guerra. Además, la palabra japonesa para "vanguardia" (前衛, zen'ei), como "vanguardia de la revolución comunista", resulta ser la misma palabra que se usa para "vanguardia" que en la vanguardia artística.El Partido Comunista de Japón pronto llegó a dominar las principales sociedades de arte y exposiciones en Japón y, por lo tanto, la forma de arte predominante inmediatamente después de la guerra fue el realismo socialista que representaba el sufrimiento de los pobres y la nobleza de la clase trabajadora, en en línea con la doctrina del Partido Comunista de que todo el arte debe servir al propósito de promover la causa de la revolución. En 1952, el Partido Comunista incluso ordenó a artistas como Hiroshi Katsuragawa y otros miembros de la recién formada Asociación de Arte de Vanguardia (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) salir a las montañas para producir arte realista socialista en apoyo de la "guerrilla de montaña". escuadrones" que intentaban fomentar una revolución violenta en Japón.

La década de 1950: luchando por liberarse del realismo socialista

En el transcurso de la década de 1950, muchos artistas japoneses se desilusionaron cada vez más con la definición rígida y limitada de "arte" impuesta por el Partido Comunista. Sin embargo, debido a la preeminencia continua de los miembros y simpatizantes del Partido Comunista en los rangos superiores de las sociedades artísticas y los jurados de exhibición, a los artistas les resultó extremadamente difícil incluso mostrar su arte a menos que se ajustaran a las pautas del Partido. Algunos artistas rehuyeron las exhibiciones públicas formales. Otros buscaron reconocimiento, apoyo financiero y oportunidades para mostrar su arte en el extranjero, como el grupo Gutai de artistas conceptuales, fundado en 1954. Otros artistas hicieron uso de las pocas exhibiciones "independientes" sin jurado en Japón, como el Yomiuri Indépendant. Exposición patrocinada por Yomiuri Shinbun,que cualquiera podía entrar.

La gota que colmó el vaso llegó con las protestas masivas de Anpo de 1960 contra el Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido como "Anpo" en japonés), debido al papel extremadamente pasivo que jugó el supuestamente "vanguardia" Partido Comunista. Cuando las protestas no lograron detenerse El tratado, una ronda de recriminaciones condujo a una mayor desilusión con el Partido Comunista y el arte realista socialista, lo que provocó que muchos más artistas rompieran con la influencia del Partido.

La década de 1960: una explosión de nuevos géneros

Con el desvanecimiento del dominio del realismo socialista, la década de 1960 fue testigo de una explosión de nuevas formas de arte en Japón, a medida que las artes se expandían en nuevas direcciones que podrían llamarse "posmodernas".Colectivos de artistas como Neo-Dada Organizers, Zero Dimension y Hi-Red Center exploraron conceptos como "no-arte" y "anti-arte" y llevaron a cabo una variedad de audaces "eventos", "happenings" y otras formas. de las artes escénicas diseñadas para erosionar los límites entre el arte y la vida cotidiana. De manera similar, el grupo Mono-ha amplió los límites que dividen el arte, el espacio, el paisaje y el medio ambiente. Otros artistas, como el diseñador gráfico Tadanori Yokoo, se inspiraron en la contracultura de la década de 1960 y la explosión de nuevas formas de cómics manga para adultos. En las artes escénicas, Tatsumi Hijikata fue pionera en una nueva forma de danza posmoderna llamada Butoh, y dramaturgos como Jūrō Kara y Satō Makoto crearon el estilo Angura de teatro radical "underground".Y en fotografía, fotógrafos como Daidō Moriyama fueron pioneros en una nueva escuela de fotografía de posguerra extremadamente influyente que enfatizaba la espontaneidad sobre la composición cuidadosamente escenificada y celebraba las características " are, bure, bokeh " (literalmente "áspero, borroso, desenfocado")..

La proliferación de nuevos tipos de arte fue apoyada por el tremendo crecimiento de la economía de Japón en la década de 1960, recordado como el "milagro económico japonés". En el transcurso de la década de 1960, la economía japonesa creció más del 10% anual. El aumento de la riqueza creó una nueva clase de consumidores que podían permitirse gastar dinero en arte y apoyar diferentes tipos de arte y artistas. Por primera vez en la historia moderna de Japón, un número significativo de artistas se volvió viable para ganarse la vida exclusivamente vendiendo su arte. El auge de la construcción en Japón en la década de 1960, que niveló la antigua arquitectura tradicional japonesa de madera y papel y la reemplazó con brillantes megaciudades de vidrio y acero, ayudó a inspirar nuevas escuelas de arquitectura japonesa, como el movimiento Metabolismo (arquitectura) liderado por Kenzo Tange,

Al mismo tiempo, sin embargo, el mundo del arte siguió dominado por camarillas que promovían las obras de ciertos artistas (generalmente hombres) sobre otros. A medida que se hizo mucho más fácil para los japoneses viajar al extranjero en la década de 1960, algunas artistas femeninas como Yayoi Kusama y Yoko Ono encontraron una mejor recepción en el extranjero y se marcharon a centros artísticos como Londres, París y Nueva York, al igual que muchos artistas masculinos como bien.

El triunfo de las nuevas formas de arte japonés se consolidó en la Exposición Universal de Osaka de 1970, donde se contrataron decenas de artistas conceptuales y de vanguardia para diseñar pabellones y experiencias artísticas para los asistentes a la feria. El arte de vanguardia japonés se había globalizado y se había convertido en algo que incluso el gobierno conservador se enorgullecía de mostrar al mundo.

Las décadas de 1970 y 1980: Montando la burbuja económica

Las décadas de 1970 y 1980 vieron al arte japonés continuar en muchas de las direcciones iniciadas en las décadas de 1950 y 1960, pero a menudo con presupuestos mucho más grandes y materiales más caros. A medida que la economía de Japón siguió expandiéndose rápidamente, y finalmente se convirtió en una de las burbujas económicas más grandes de la historia. Con la moneda japonesa volviéndose increíblemente fuerte a raíz del Acuerdo Plaza de 1985, las personas e instituciones japonesas se convirtieron en actores importantes en el mercado internacional del arte. Las megacorporaciones japonesas extraordinariamente ricas comenzaron a construir sus propios museos de arte privados y adquirieron colecciones de arte moderno y contemporáneo, y los artistas japoneses también se beneficiaron enormemente de estos gastos.

En particular, la producción artística continuó alejándose de la pintura y la escultura tradicionales hacia el diseño gráfico, el arte pop, el arte portátil, el arte escénico, el arte conceptual y el arte de instalación. Varios tipos de arte "híbrido" se pusieron cada vez más de moda. A medida que avanzaba la tecnología, los artistas incorporaron cada vez más la electrónica, el video, las computadoras, la música y los sonidos sintetizados y los videojuegos en su arte. La estética del manga y el anime, en la que tantos artistas jóvenes habían crecido inmersos, ejerció una influencia cada vez mayor, aunque a veces bastante sutil. Sobre todo, los artistas evitaron todo lo que oliera a "gran arte" o "bellas artes" en favor de lo personal, lo ecléctico, lo fantástico o fantasmagórico y lo lúdico. En edición,

Arte contemporáneo en Japón

El arte contemporáneo japonés adopta tantas formas y expresa tantas ideas diferentes como el arte contemporáneo mundial en general. Abarca desde anuncios, anime, videojuegos y arquitectura como ya se mencionó, hasta escultura, pintura y dibujo en todas sus innumerables formas. Los artistas japoneses han hecho contribuciones especialmente notables al arte contemporáneo global en los campos de la arquitectura, los videojuegos, el diseño gráfico, la moda y, quizás, sobre todo, la animación. Si bien el anime al principio se derivó principalmente de historias de manga, hoy en día abunda el anime diverso, y muchos artistas y estudios han alcanzado una gran fama como artistas; Generalmente, se considera que Hayao Miyazaki y los artistas y animadores de Studio Ghibli se encuentran entre los mejores que el mundo del anime tiene para ofrecer.

Al mismo tiempo, muchos artistas japoneses siguen utilizando técnicas y materiales artísticos japoneses tradicionales heredados de la época premoderna, como las formas tradicionales de papel y cerámica japoneses y la pintura con tinta negra y de color sobre papel o seda. Algunas de estas obras de arte representan temas tradicionales en estilos tradicionales, mientras que otras exploran motivos y estilos nuevos y diferentes, o crean híbridos de formas de arte tradicionales y contemporáneas, utilizando medios o materiales tradicionales. Aún otros evitan los medios y estilos nativos, adoptando pinturas al óleo occidentales o cualquier número de otras formas.

En la escultura ocurre lo mismo; algunos artistas se apegan a los modos tradicionales, otros lo hacen con un toque moderno, y algunos eligen modos, estilos y medios occidentales o completamente nuevos. Yo Akiyama es solo uno de los muchos escultores japoneses modernos. Trabaja principalmente en alfarería y cerámica de arcilla, creando obras que son muy simples y directas, pareciendo que fueron creadas a partir de la tierra misma. Otro escultor, usando hierro y otros materiales modernos, construyó una gran escultura de arte moderno en la ciudad portuaria israelí de Haifa, llamada Hanabi (Fuegos artificiales). Nahoko Kojima es una artista contemporánea de Kirie que ha sido pionera en la técnica de Paper Cut Sculpture que cuelga en 3D.

Takashi Murakami es posiblemente uno de los artistas modernos japoneses más conocidos en el mundo occidental. Murakami y los otros artistas en su estudio crean piezas en un estilo inspirado en el anime, que él ha denominado "superflat". Sus piezas adoptan una multitud de formas, desde la pintura hasta la escultura, algunas de tamaño verdaderamente masivo. Pero la mayoría, si no todos, muestran muy claramente esta influencia del anime, utilizando colores brillantes y detalles simplificados.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano y Tabaimo son considerados artistas importantes en el campo del arte japonés contemporáneo. El Grupo 1965, un colectivo de artistas, cuenta entre sus miembros a la artista contemporánea Makoto Aida.

Las artes escénicas

Muchas formas tradicionales de música, danza y teatro japoneses han sobrevivido en el mundo contemporáneo y disfrutan de cierta popularidad a través de la reidentificación con los valores culturales japoneses. La música y la danza tradicionales, cuyos orígenes se remontan al antiguo uso religioso (budista, sintoísta y folclórico), se han conservado en las representaciones dramáticas del teatro Noh, Kabuki y bunraku. Las antiguas formas de música y danza de la corte derivadas de fuentes continentales se preservaron a través de músicos de la casa imperial y grupos de templos y santuarios. Algunos de los instrumentos musicales más antiguos del mundo han estado en uso continuo en Japón desde el período Jōmon, como lo demuestran los hallazgos de flautas y cítaras de piedra y arcilla que tienen entre dos y cuatro cuerdas, a las que se agregaron campanas y gongs de metal del período Yayoi. crear los primeros conjuntos musicales. En el período histórico temprano (siglos VI a VII), había una variedad de tambores grandes y pequeños, gongs, campanillas, flautas e instrumentos de cuerda, como la biwa importada similar a una mandolina y la cítara plana de seis cuerdas, que evolucionaron en el koto de trece cuerdas. Estos instrumentos formaron las orquestas para la música ceremonial de la corte del siglo VII (gagaku), que, junto con el bugaku (un tipo de danza de la corte) que la acompaña, son las formas más antiguas de este tipo que aún se interpretan en la corte imperial, templos antiguos y santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, que todavía se utilizan, que sustentan el shigin, y que se unieron a las ideas nativas para sustentar el desarrollo de la música vocal, como el Noh. como el biwa parecido a una mandolina importada y la cítara plana de seis cuerdas, que evolucionó hasta convertirse en el koto de trece cuerdas. Estos instrumentos formaron las orquestas para la música ceremonial de la corte del siglo VII (gagaku), que, junto con el bugaku (un tipo de danza de la corte) que la acompaña, son las formas más antiguas de este tipo que aún se interpretan en la corte imperial, templos antiguos y santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, que todavía se utilizan, que sustentan el shigin, y que se unieron a las ideas nativas para sustentar el desarrollo de la música vocal, como el Noh. como el biwa parecido a una mandolina importada y la cítara plana de seis cuerdas, que evolucionó hasta convertirse en el koto de trece cuerdas. Estos instrumentos formaron las orquestas para la música ceremonial de la corte del siglo VII (gagaku), que, junto con el bugaku (un tipo de danza de la corte) que la acompaña, son las formas más antiguas de este tipo que aún se interpretan en la corte imperial, templos antiguos y santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, que todavía se utilizan, que sustentan el shigin, y que se unieron a las ideas nativas para sustentar el desarrollo de la música vocal, como el Noh. junto con el bugaku (un tipo de baile de la corte) que lo acompaña, son las formas más antiguas de este tipo que aún se realizan en la corte imperial, los templos antiguos y los santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, que todavía se utilizan, que sustentan el shigin, y que se unieron a las ideas nativas para sustentar el desarrollo de la música vocal, como el Noh. junto con el bugaku (un tipo de baile de la corte) que lo acompaña, son las formas más antiguas de este tipo que aún se realizan en la corte imperial, los templos antiguos y los santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, que todavía se utilizan, que sustentan el shigin, y que se unieron a las ideas nativas para sustentar el desarrollo de la música vocal, como el Noh.

Conceptos estéticos

El arte japonés se caracteriza por polaridades únicas. En la cerámica de los períodos prehistóricos, por ejemplo, la exuberancia fue seguida por un arte disciplinado y refinado. Otro ejemplo lo proporcionan dos estructuras del siglo XVI que son polos opuestos: el Palacio Independiente de Katsura es un ejercicio de simplicidad, con énfasis en los materiales naturales, ásperos y sin adornos, y una afinidad por la belleza lograda por accidente; Nikkō Tōshō-gū es una estructura rígidamente simétrica repleta de tallas en relieve de colores brillantes que cubren todas las superficies visibles. El arte japonés, valorado no solo por su sencillez sino también por su exuberancia colorida, ha influido considerablemente en la pintura occidental del siglo XIX y en la arquitectura occidental del siglo XX.

Las concepciones estéticas de Japón, derivadas de diversas tradiciones culturales, han sido formativas en la producción de formas de arte únicas. A lo largo de los siglos, se desarrolló y perfeccionó una amplia gama de motivos artísticos, imbuidos de un significado simbólico. Como una perla, adquirieron muchas capas de significado y un alto brillo. La estética japonesa proporciona una clave para comprender las obras artísticas perceptiblemente diferentes de las que provienen de las tradiciones occidentales.

Dentro de la tradición artística de Asia oriental, China ha sido el maestro reconocido y Japón el alumno devoto. Sin embargo, varias artes japonesas desarrollaron su propio estilo, que puede diferenciarse de varias artes chinas. El enfoque monumental, simétricamente equilibrado y racional de las formas artísticas chinas se volvió miniaturizado, irregular y sutilmente sugerente en manos japonesas. Los jardines de rocas en miniatura, las plantas diminutas (bonsái) y los ikebana (arreglos florales), en los que unos pocos seleccionados representaban un jardín, fueron las actividades favoritas de los aristócratas refinados durante un milenio y han permanecido como parte de la vida cultural contemporánea.

La diagonal, que refleja un flujo natural, en lugar del triángulo fijo, se convirtió en el dispositivo estructural favorito, ya sea en pintura, diseño arquitectónico o de jardines, pasos de baile o notaciones musicales. Los números impares reemplazan a los números pares en la regularidad de un patrón maestro chino, y un tirón hacia un lado permite que un motivo gire la esquina de un objeto tridimensional, dando así la continuidad y el movimiento que falta en un diseño frontal estático. Los pintores japoneses utilizaron los dispositivos de corte, primer plano y desvanecimiento en el siglo XII en yamato-e., o pintura de pergamino al estilo japonés, quizás una de las razones por las que el cine moderno ha sido una forma de arte tan natural y exitosa en Japón. Se usa sugerencia en lugar de declaración directa; indirectas poéticas oblicuas y melodías y pensamientos alusivos e inconclusos han resultado frustrantes para el occidental que intenta penetrar los significados de la literatura, la música, la pintura e incluso el lenguaje cotidiano.

Los japoneses comenzaron a definir tales ideas estéticas en una serie de frases evocadoras al menos en el siglo X u XI. Los refinamientos cortesanos del aristocrático período Heian evolucionaron hacia la elegante simplicidad vista como la esencia del buen gusto en el discreto arte que se llama shibui. Dos términos que se originan en las prácticas meditativas del budismo zen describen grados de tranquilidad: uno, el reposo que se encuentra en la humilde melancolía (wabi), el otro, la serenidad que acompaña al disfrute de la belleza tenue (sabi).). El pensamiento zen también contribuyó con una inclinación por combinar lo inesperado o sorprendente, que se utiliza para sacudir la conciencia de uno hacia la meta de la iluminación. En el arte, este enfoque se expresó en combinaciones de materiales tan inverosímiles como plomo incrustado en laca y en imágenes poéticas contrastantes. Imágenes y motivos inesperadamente humorísticos y, a veces, grotescos también provienen del kōan (acertijo) zen. Aunque las artes han sido principalmente seculares desde el período Edo, la estética y los métodos de formación tradicionales, que provienen generalmente de fuentes religiosas, siguen siendo la base de las producciones artísticas.

Conceptos modernos

Hoy en día, Japón ha desarrollado una estética cultural más moderna, a menudo asociada con el manga Shojo conocida como "kawaii", que de otro modo podría describirse como "lindo". Normalmente representado a través de dibujos animados y animación, kawaii ha tenido un impacto cultural poderoso y también es un agente poderoso para la publicidad y el consumo japoneses. El concepto de "ternura" que se muestra actualmente en kawaii ha sido venerado tradicionalmente en la cultura japonesa desde el período Edo del arte en el siglo XV.

• Estilo manga.
• Moda kawaii encontrada en Tokio, Japón
• Osaka Kawaii en Japan Expo 2014.
• Pegatinas Flo Kawaii.

Estética tradicional

La estética japonesa tradicional son formas de belleza en la cultura japonesa que se derivan de los primeros siglos. Hace al menos más de doscientos años. Algunas de estas primeras estéticas conforman la estética japonesa en su conjunto: arte budista sincrético, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui y Jo-ha-Kyu.

Arte budista sincrético

Ver arquitectura budista japonesa.

Wabi sabi

Esta estética en la cultura japonesa es conocida por muchas cosas, como la belleza en todas las cosas, incluso en aquellas que son imperfectas. La modestia y las cosas poco convencionales son lo que se considera la estética wabi-sabi. Wabi y sabi forman juntos la estética de la belleza en lo incompleto. Cuando se separan, ambos sirven como términos diferentes. Wabi representa un trabajo fresco y simple, que denota toda complicación y tiene un toque muy rústico en todo lo que se relaciona también. Estar hecho de la naturaleza y hecho del hombre mismo en un tándem. Si se hace por accidente, aporta cierta singularidad a la obra. Sabi es la belleza y cómo se origina en la edad. El ciclo de vida juega un gran papel en sabi, agregando a la estética ese sentido de belleza en obras que reciben daños reparadores por el paso del tiempo. Al juntar wabi y sabi, crea la estética de que cada pieza simple desarrollada no requiere un diseño complicado. Tampoco requiere una plenitud absoluta para que se encuentre belleza en él, y con la edad llega una belleza más delicada.

Wabi-sabi siempre ha estado relacionado con las ceremonias del té en la cultura japonesa. Se dice que estas ceremonias son eventos wabi-sabi profundos. Wabi-sabi también está relacionado con actividades como la arquitectura, la moda y la filosofía. Todas estas porciones de wabi-sabi comparten la creencia en el mismo tema: todas las imperfecciones, como el trabajo incompleto, tienen una belleza innegable. Sin embargo, no todos, por supuesto, favorecen la idea detrás de wabi-sabi. Si bien esto es cierto, hay muchos que desean mantener viva la creencia a pesar de lo que otros creen. En general, wabi-sabi parece ser un enfoque muy consciente de la vida cotidiana. Una forma tranquila de ver las cosas y una forma de vivir sin parecer crítico. Al comprender wabi-sabi, hay términos que también se relacionan fuertemente con la estética.Fukinsei: asimetría, irregularidad.Kanso: sencillez.Koko: básica, desgastada.Shizen: sin pretensiones, natural.Yugen: gracia sutilmente profunda, no obvia.Datsuzoku: ilimitado por convención, libre.Seijaku: tranquilidad, silencio.

Cada uno de estos términos se utiliza para desglosar la comprensión completa de wabi-sabi. Se relaciona más con el aspecto filosófico de toda la estética y con la forma de ver el entorno. Estos pueden aludir a varias cosas, incluidas las ideas en los humanos, los temas detrás de ciertos aspectos de la vida o la naturaleza misma. Cada término nos lleva al punto de que wabi-sabi es una estética que se trata de apreciar las pequeñas cosas que son imperfectas o incompletas.

Miyabi

En la historia actual de Japón, miyabi puede representar muchas cosas. Sin embargo, parece estar centrado en el concepto de elegancia, belleza, refinamiento y cortesía. Por esto, es una de las estéticas más antiguas entre la mayoría de las estéticas japonesas en la cultura. Eso explicaría por qué no es tan popular como el resto, que puede ser más nuevo en comparación con miyabi. Es un término que también se utiliza para expresar la cultura aristocrática. Miyabi elimina todas las formas de rudeza y crudeza de la cultura. Esto produce la imagen y la forma apropiadas de la cultura aristocrática. Miyabi provoca estos cambios. Miyabi se asegura de que el refinamiento del amor, la literatura, los sentimientos y el arte se celebre dentro de la cultura japonesa. El refinamiento es bienvenido.

Shibui

Shibui está llegando a comprender un objeto o una obra de arte por lo que es. Ubicar la belleza simple y sutil en ciertas cosas es un objetivo a la hora de diseñar o revisar ciertos diseños. En muchos sentidos, shibui es muy similar a wabi-sabi pero no es wabi-sabi. Shibui aprecia los artículos y objetos simplemente por ser. No hay complicaciones ni pensamientos irracionales cuando se trata de shibui. Similar a cierta estética en la cultura japonesa, hay un par de términos en relación con Shibui: shibumi es el sabor de shibui; Shibusa es el estado de shibui.

Ambos términos se relacionan con la belleza sutil y discreta. Hay varios artículos y objetos que pueden considerarse parte de la estética shibui, no solo arte o moda. También pueden ser personas, animales, canciones, películas, varios tipos diferentes de medios pueden verse como shibui. Por ejemplo, un par de zapatos, una cámara, un ciclomotor y varias obras de arte u objetos diferentes que se usan para la actividad diaria pueden considerarse shibui. Directo y simple es el camino del shibui. Nada exagerado o demasiado llamativo.

Jo-ha-kyu

Esta es una estética que se originó en el Teatro Noh e incluso apareció en el siglo XIV. Se utiliza en diferentes formas de arte en Japón, incluso hoy en día. Es un movimiento que se ha aplicado en varias artes diferentes con jo, ha y kyu representando cosas individuales para formar su definición: jo, 'comienzo'; ja, 'romper', 'crack'; kyu: 'rápido', 'terminado'

Esencialmente, lo que significa esta estética es que cuando se trata de piezas que se ocupan del movimiento, las cosas deben comenzar lentamente con la construcción adecuada. Casi similar a cómo se cuenta una historia. Luego, una vez que alcanza su clímax, se acelera. Cuando llega a su fin, entonces es cuando las cosas comienzan a acelerarse rápidamente hasta que, de repente, llega a su fin.

Artistas

Tradicionalmente, el artista era un vehículo de expresión y se mostraba personalmente reticente, en consonancia con el papel de un artesano o animador de baja condición social. El calígrafo, miembro de la clase de literatos confucianos, o clase de samuráis en Japón, tenía un estatus más alto, mientras que los artistas de gran genio a menudo eran reconocidos en el período Kamakura al recibir un nombre de un señor feudal y así ascender socialmente. Las artes escénicas, sin embargo, generalmente se tenían en menor estima, y ​​la supuesta inmoralidad de las actrices del teatro Kabuki temprano hizo que el gobierno de Tokugawa prohibiera a las mujeres subir al escenario; Los papeles femeninos en Kabuki y Noh a partir de entonces fueron interpretados por hombres.

Después de la Segunda Guerra Mundial, los artistas generalmente se reunían en asociaciones artísticas, algunas de las cuales eran sociedades profesionales establecidas desde hace mucho tiempo, mientras que otras reflejaban el movimiento artístico más reciente. La Liga de Artistas de Japón, por ejemplo, fue responsable de la mayor cantidad de exposiciones importantes, incluida la prestigiosa Nitten (Exposición de Arte de Japón) anual. El PEN Club de Japón (PEN significa prosa, ensayo y narrativa), una rama de una organización internacional de escritores, era la más grande de una treintena de importantes asociaciones de autores. Actores, bailarines, músicos y otros artistas escénicos se jactaban de sus propias sociedades, incluida la Sociedad Kabuki, organizada en 1987 para mantener los altos estándares tradicionales de este arte, que se pensaba que estaba en peligro por la innovación moderna. Para la década de 1980, sin embargo,

Escuelas de arte

Hay varias universidades especializadas en artes en Japón, dirigidas por las universidades nacionales. La más importante es la Universidad de Artes de Tokio, una de las universidades nacionales más difíciles de ingresar. Otro centro fundamental es la Universidad de Arte de Tama, que produjo muchos de los jóvenes artistas innovadores de Japón de finales del siglo XX. Permanece la formación tradicional en las artes, derivada de los métodos tradicionales chinos; los expertos enseñan desde sus casas o escuelas principales trabajando dentro de una relación maestro-alumno. Un alumno no experimenta con un estilo personal hasta que alcanza el más alto nivel de formación, o se gradúa de una escuela de artes, o se convierte en director de una escuela. Muchos artistas jóvenes han criticado este sistema por sofocar la creatividad y la individualidad. Una nueva generación de vanguardia ha roto con esta tradición, a menudo recibiendo su formación en Occidente. En las artes tradicionales, sin embargo, el sistema maestro-alumno conserva los secretos y las habilidades del pasado. Algunos linajes de maestro-alumno se remontan al período Kamakura, desde el cual continúan usando el estilo o tema de un gran maestro. Los artistas japoneses consideran el virtuosismo técnico como elcondición sine qua non de sus profesiones, hecho reconocido por el resto del mundo como una de las señas de identidad del arte japonés.

El gobierno nacional ha apoyado activamente las artes a través de la Agencia de Asuntos Culturales, creada en 1968 como un organismo especial del Ministerio de Educación. El presupuesto de la agencia para el año fiscal 1989 aumentó a 37.800 millones de yenes después de cinco años de recortes presupuestarios, pero todavía representaba mucho menos del 1 por ciento del presupuesto general. La División de Asuntos Culturales de la agencia difundió información sobre las artes dentro de Japón e internacionalmente, y la División de Protección de Bienes Culturales (文化財保護部, ahora 文化財部) protegió el patrimonio cultural de la nación. La División de Asuntos Culturales se ocupa de áreas tales como la promoción del arte y la cultura, los derechos de autor de las artes y las mejoras en el idioma nacional. También apoya festivales artísticos y culturales nacionales y locales, y financia eventos culturales itinerantes de música, teatro, danza, exposiciones de arte, y cine. Se ofrecen premios especiales para animar a los artistas jóvenes y profesionales establecidos, y cada año se otorgan algunas becas para que puedan formarse en el extranjero. La agencia financia museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben espectáculos tanto japoneses como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón, que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolos como miembros y ofreciendo 3,5 millones de yenes en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador, quien otorga personalmente el máximo galardón, la Orden de la Cultura. La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados. Se ofrecen premios especiales para animar a los artistas jóvenes y profesionales establecidos, y cada año se otorgan algunas becas para que puedan formarse en el extranjero. La agencia financia museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben espectáculos tanto japoneses como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón, que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolos como miembros y ofreciendo 3,5 millones de yenes en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador, quien otorga personalmente el máximo galardón, la Orden de la Cultura. La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados. Se ofrecen premios especiales para animar a los artistas jóvenes y profesionales establecidos, y cada año se otorgan algunas becas para que puedan formarse en el extranjero. La agencia financia museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben espectáculos tanto japoneses como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón, que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolos como miembros y ofreciendo 3,5 millones de yenes en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador, quien otorga personalmente el máximo galardón, la Orden de la Cultura. La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados. La agencia financia museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben espectáculos tanto japoneses como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón, que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolos como miembros y ofreciendo 3,5 millones de yenes en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador, quien otorga personalmente el máximo galardón, la Orden de la Cultura. La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados. La agencia financia museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben espectáculos tanto japoneses como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón, que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolos como miembros y ofreciendo 3,5 millones de yenes en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador, quien otorga personalmente el máximo galardón, la Orden de la Cultura. La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados. nombrándolos como miembros y ofreciendo ¥ 3,5 millones en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador, quien otorga personalmente el máximo galardón, la Orden de la Cultura. La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados. nombrándolos como miembros y ofreciendo ¥ 3,5 millones en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador, quien otorga personalmente el máximo galardón, la Orden de la Cultura. La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados.

Patrocinio privado y fundaciones

El patrocinio y la promoción de las artes por parte del gobierno se amplían para incluir un nuevo esfuerzo de cooperación con el Japón empresarial para proporcionar financiación más allá del ajustado presupuesto de la Agencia de Asuntos Culturales. Participan muchas otras instituciones públicas y privadas, especialmente en el floreciente campo de la concesión de premios artísticos. Un número creciente de grandes corporaciones se unen a los principales periódicos para patrocinar exhibiciones y actuaciones y para otorgar premios anuales. Los más importantes de los muchos premios literarios otorgados son el venerable Premio Naoki y el Premio Akutagawa, siendo este último el equivalente al Premio Pulitzer en los Estados Unidos.

En 1989, un esfuerzo por promover el intercambio intercultural condujo al establecimiento de un "Premio Nobel" japonés para las artes, el Premium Imperiale, por parte de la Asociación de Arte de Japón. Este premio de 100.000 dólares estadounidenses fue financiado en gran parte por el conglomerado de medios de comunicación de masas Fujisankei Communications Group y se otorgó por selección mundial.

Varias fundaciones que promueven las artes surgieron en la década de 1980, incluida la Fundación de Propiedades Culturales creada para preservar sitios históricos en el extranjero, especialmente a lo largo de la Ruta de la Seda en el interior de Asia y en Dunhuang en China. Otro acuerdo internacional se hizo en 1988 con la Institución Smithsonian de los Estados Unidos para el intercambio cooperativo de estudios de alta tecnología de artefactos asiáticos. El gobierno desempeña un papel importante al financiar la Fundación Japón, que otorga subvenciones institucionales e individuales, realiza intercambios académicos, otorga premios anuales, apoya publicaciones y exhibiciones, y envía grupos de artes tradicionales japonesas a actuar en el extranjero. El Festival de las Artes que se lleva a cabo durante dos meses cada otoño para todas las artes escénicas está patrocinado por la Agencia de Asuntos Culturales. Las principales ciudades también brindan un apoyo sustancial a las artes; un número creciente de ciudades en la década de 1980 había construido grandes centros para las artes escénicas y, estimuladas por la financiación del gobierno, ofrecían premios como el Premio Lafcadio Hearn iniciado por la ciudad de Matsue. Varios museos municipales nuevos también proporcionaban alrededor de un tercio más de instalaciones en la década de 1980 de las que estaban disponibles anteriormente. A fines de la década de 1980, Tokio agregó más de veinte nuevas salas culturales, en particular, el gran Bunkamura construido por Tokyu Group y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare. Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron en los mercados de arte occidentales a fines de la década de 1980, pagando máximos históricos por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares solo por un Picasso de época azul. estimulados por la financiación del gobierno, ofrecían premios como el Premio Lafcadio Hearn iniciado por la ciudad de Matsue. Varios museos municipales nuevos también proporcionaban alrededor de un tercio más de instalaciones en la década de 1980 de las que estaban disponibles anteriormente. A fines de la década de 1980, Tokio agregó más de veinte nuevas salas culturales, en particular, el gran Bunkamura construido por Tokyu Group y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare. Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron en los mercados de arte occidentales a fines de la década de 1980, pagando máximos históricos por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares solo por un Picasso de época azul. estimulados por la financiación del gobierno, ofrecían premios como el Premio Lafcadio Hearn iniciado por la ciudad de Matsue. Varios museos municipales nuevos también proporcionaban alrededor de un tercio más de instalaciones en la década de 1980 de las que estaban disponibles anteriormente. A fines de la década de 1980, Tokio agregó más de veinte nuevas salas culturales, en particular, el gran Bunkamura construido por Tokyu Group y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare. Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron en los mercados de arte occidentales a fines de la década de 1980, pagando máximos históricos por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares solo por un Picasso de época azul. Varios museos municipales nuevos también proporcionaban alrededor de un tercio más de instalaciones en la década de 1980 de las que estaban disponibles anteriormente. A fines de la década de 1980, Tokio agregó más de veinte nuevas salas culturales, en particular, el gran Bunkamura construido por Tokyu Group y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare. Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron en los mercados de arte occidentales a fines de la década de 1980, pagando máximos históricos por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares solo por un Picasso de época azul. Varios museos municipales nuevos también proporcionaban alrededor de un tercio más de instalaciones en la década de 1980 de las que estaban disponibles anteriormente. A fines de la década de 1980, Tokio agregó más de veinte nuevas salas culturales, en particular, el gran Bunkamura construido por Tokyu Group y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare. Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron en los mercados de arte occidentales a fines de la década de 1980, pagando máximos históricos por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares solo por un Picasso de época azul.