Arte inglés

El arte inglés es el conjunto de artes visuales realizadas en Inglaterra. Inglaterra tiene el arte rupestre de la edad de hielo más antiguo y más septentrional de Europa. El arte prehistórico en Inglaterra se corresponde en gran medida con el arte realizado en otros lugares de la Gran Bretaña contemporánea, pero el arte anglosajón de principios de la Edad Media vio el desarrollo de un estilo claramente inglés y, a partir de entonces, el arte inglés continuó teniendo un carácter distinto. El arte inglés realizado después de la formación en 1707 del Reino de Gran Bretaña puede considerarse en la mayoría de los aspectos simultáneamente como arte del Reino Unido.

La pintura inglesa medieval, principalmente religiosa, tenía una fuerte tradición nacional y era influyente en Europa. La Reforma Inglesa, que era antipática con el arte, no solo detuvo abruptamente esta tradición, sino que resultó en la destrucción de casi todas las pinturas murales. Solo los manuscritos iluminados sobreviven ahora en buen número.

En el arte del Renacimiento inglés hay un gran interés por el retrato, y el retrato en miniatura era más popular en Inglaterra que en cualquier otro lugar. La escultura del Renacimiento inglés fue principalmente arquitectónica y para tumbas monumentales. El interés por la pintura de paisajes inglesa había comenzado a desarrollarse en el momento del Acta de Unión de 1707.

El erudito de arte Nikolaus Pevsner (en su libro de 1956 The Englishness of English Art), el historiador de arte Roy Strong (en su libro de 2000 The Spirit of Britain: A narrativa history of the arts) han intentado definiciones sustantivas del arte inglés. y el crítico Peter Ackroyd (en su libro Albion de 2002).

Arte más antiguo

El arte inglés más antiguo, también el arte rupestre más antiguo y más septentrional de Europa, se encuentra en Creswell Crags en Derbyshire, con una antigüedad estimada entre 13.000 y 15.000 años. En 2003, se encontraron allí más de 80 grabados y bajorrelieves que representan ciervos, bisontes, caballos y lo que pueden ser pájaros o personas con cabeza de pájaro. El famoso y gran paisaje ritual de Stonehenge data del Neolítico; alrededor del 2600 a. Desde alrededor de 2150 a. C., la gente de Beaker aprendió a hacer bronce y usó tanto estaño como oro. Se volvieron hábiles en el refinado de metales y sus obras de arte, colocadas en tumbas o fosas de sacrificio, han sobrevivido.En la Edad del Hierro, llegó un nuevo estilo artístico como cultura celta y se extendió por las islas británicas. Aunque la orfebrería, especialmente los adornos de oro, seguía siendo importante, también se usaba piedra y, muy probablemente, madera. Este estilo continuó en el período romano, comenzando en el siglo I a. C., y encontró un renacimiento en el período medieval. La llegada de los romanos trajo el estilo clásico del que se han conservado numerosos monumentos, especialmente funerarios, estatuas y bustos. También trajeron cristalería y mosaicos. En el siglo IV, se introdujo un nuevo elemento cuando se hizo el primer arte cristiano en Gran Bretaña. Se han conservado varios mosaicos con símbolos e imágenes cristianos.Inglaterra cuenta con algunas figuras de colinas prehistóricas notables; un ejemplo famoso es el Uffington White Horse en Oxfordshire, que "durante más de 3.000 años... ha sido celosamente guardado como una obra maestra del arte minimalista".

Arte más antiguo: galería

• Ilustración de caballo ocre de Creswell Crags; 11000-13000 a.C.
• Stonehenge; 2600 a.C.
• Caballo Blanco de Uffington; C. 1000 aC
• artículos del tesoro de Winchester; 75-25 a.C.
• Mosaico de Hinton St Mary; siglo IV d.C.

Arte medieval

Tras el dominio romano, el arte anglosajón trajo consigo la incorporación de tradiciones germánicas, como puede verse en la orfebrería de Sutton Hoo. La escultura anglosajona sobresalió para su época, al menos en las pequeñas obras en marfil o hueso que son casi todas las que se conservan. Especialmente en Northumbria, el estilo de arte insular compartido en las Islas Británicas produjo el mejor trabajo producido en Europa, hasta que las incursiones e invasiones vikingas reprimieron en gran medida el movimiento; el Libro de Lindisfarne es un ejemplo ciertamente producido en Northumbria. El arte anglosajón desarrolló una variación muy sofisticada de los estilos continentales contemporáneos, que se ve especialmente en la orfebrería y los manuscritos iluminados como el Benedictional de San Etelwoldo.Ninguna de las pinturas y esculturas anglosajonas a gran escala que sabemos que existieron ha sobrevivido.

En la primera mitad del siglo XI, el arte inglés se benefició del generoso patrocinio de una rica élite anglosajona, que valoraba sobre todo las obras en metales preciosos. pero la conquista normanda en 1066 detuvo repentinamente este auge del arte y, en cambio, las obras se fundieron o se trasladaron a Normandía. El llamado Tapiz de Bayeux, la gran tela bordada de fabricación inglesa que representa los eventos que llevaron a la conquista normanda, data de finales del siglo XI. Algunas décadas después de la conquista normanda, la pintura manuscrita en Inglaterra pronto volvió a estar entre las mejores de Europa; en obras románicas como la Biblia de Winchester y el Salterio de St. Albans, y luego en obras góticas tempranas como el Salterio de Tickhill. El iluminador inglés más conocido de la época es Matthew Paris (c. 1200-1259).Algunos de los raros ejemplos sobrevivientes de pinturas de paneles medievales ingleses, como el retablo de Westminster y el díptico de Wilton, son de la más alta calidad. Desde finales del siglo XIV hasta principios del siglo XVI, Inglaterra tuvo una industria considerable en los relieves de alabastro de Nottingham para retablos y estatuas pequeñas de mercado medio, que se exportaron a todo el norte de Europa. Otra forma de arte introducida a través de la iglesia fue el vitral, que también se adoptó para usos seculares.

Arte medieval: galería

• casco Sutton Hoo; C. 625.
• Evangelios de Lindisfarne; C. 700.
• Evangelios de Lichfield; C. 730.
• Detalle del llamado Tapiz de Bayeux; C. 1070s.
• María Magdalena anunciando la Resurrección, del Salterio de St. Albans; 1120-1145.
• El Salterio de Fitzwilliam Peterborough; antes de 1222.
• el retablo de Westminster; C. 1270s.
• el Rey Arturo en Flores Historiarum de Matthew Paris; 1306–1326.
• El Salterio de la Reina María; 1310-1320.
• la muerte de Becket en el Salterio de Luttrell; 1320-1345.
• Salterio de Gorleston; siglo 14.
• Salterio Tickhill; siglo 14.
• El díptico de Wilton (derecha); C. 1395–1399.
• Nottingham Alabastro de Santo Tomás Becket; siglo 15.
• Vitral en York Minster por John Thornton (fl. 1405-1433).

Siglos XVI y XVII

Nicholas Hilliard (c. 1547–7 de enero de 1619), "el primer genio nativo de la pintura inglesa", inició una fuerte tradición inglesa en el retrato en miniatura. La tradición fue continuada por el alumno de Hilliard, Isaac Oliver (c. 1565-bur. 2 de octubre de 1617), cuyos padres hugonotes franceses habían escapado a Inglaterra en la infancia del artista.

Otros artistas ingleses notables a lo largo del período incluyen: Nathaniel Bacon (1585-1627); John Bettes the Elder (activo c. 1531-1570) y John Bettes the Younger (fallecido en 1616); George Gower (c. 1540–1596), William Larkin (principios de la década de 1580–1619) y Robert Peake el Viejo (c. 1551–1619). Los artistas de la corte Tudor y sus sucesores hasta principios del siglo XVIII incluían una serie de influyentes talentos importados: Hans Holbein el Joven, Anthony van Dyck, Peter Paul Rubens, Orazio Gentileschi y su hija Artemisia, Sir Peter Lely (un súbdito inglés naturalizado desde 1662), y Sir Godfrey Kneller (un súbdito inglés naturalizado en el momento de su título de caballero en 1691).

El siglo XVII vio una serie de importantes pintores ingleses de retratos de tamaño completo, sobre todo William Dobson 1611 (bapt. 1611-bur. 1646); otros incluyen a Cornelius Johnson (bapt. 1593–bur. 1661) y Robert Walker (1599–1658). Samuel Cooper (1609–1672) fue un consumado miniaturista en la tradición de Hilliard, al igual que su hermano Alexander Cooper (1609–1660) y su tío, John Hoskins (1589/1590–1664). Otros retratistas notables de la época son: Thomas Flatman (1635–1688), Richard Gibson (1615–1690), el disoluto John Greenhill (c. 1644–1676), John Riley (1646–1691) y John Michael Wright (1617). –1694). Francis Barlow (c. 1626-1704) es conocido como "el padre de la pintura deportiva británica";fue el primer pintor de vida silvestre de Inglaterra, iniciando una tradición que alcanzó un punto culminante un siglo después, en la obra de George Stubbs (1724–1806). Las mujeres inglesas comenzaron a pintar profesionalmente en el siglo XVII; ejemplos notables incluyen a Joan Carlile (c. 1606-1679) y Mary Beale (de soltera Cradock; 1633-1699).

En la primera mitad del siglo XVII, la nobleza inglesa se convirtió en importantes coleccionistas de arte europeo, encabezada por el rey Carlos I y Thomas Howard, vigésimo primer conde de Arundel. A fines del siglo XVII, el Grand Tour, un viaje por Europa que da a conocer el legado cultural de la antigüedad clásica y el Renacimiento, era de rigor para los jóvenes ingleses adinerados.

Siglos XVI y XVII: galería

• la miniatura de Hoskins de Ana Bolena (c. 1501-1536); Dakota del Norte
• el retrato en tamiz de Isabel I de George Gower; 1579.
• el retrato de Isabel I de John Bettes el Joven; C. 1585.
• El joven entre rosas de Nicholas Hilliard; 1587.
• Un joven sentado bajo un árbol, de Isaac Oliver; 1590-1595.
• Detalle del retrato de procesión de Isabel I de Robert Peake el Viejo; C. 1601.
• El retrato de Chandos de Shakespeare, atribuido a John Taylor; 1600-1610.
• el retrato de William Larkin de Sir Francis Bacon; C. 1610.
• el retrato de Dobson de Carlos II cuando era Príncipe de Gales; 1644.
• el rey Carlos I de Edward Bower en su juicio; 1648.
• el retrato de Robert Walker del cronista John Evelyn; 1648.
• el retrato de Carlos II de John Michael Wright; C. 1676.
• el retrato de John Greenhill de John Locke; C. 1672–1676.
• El curso de la liebre, de Francis Barlow; 1686.
• el retrato de John Riley de Samuel Pepys; C. 1690.

Siglos XVIII y XIX

En el siglo XVIII, el estilo y la tradición distintivos de la pintura inglesa continuaron concentrándose con frecuencia en el retrato, pero aumentó el interés por los paisajes y se puso un nuevo enfoque en la pintura de historia, que se consideraba la más alta de la jerarquía de géneros, y se ejemplifica en la extraordinaria obra de Sir James Thornhill (1675/1676–1734). El pintor de historia Robert Streater (1621–1679) fue muy apreciado en su época.

William Hogarth (1697–1764) reflejó el floreciente temperamento de la clase media inglesa: inglés en hábitos, disposición y temperamento, así como también por nacimiento. Sus obras satíricas, llenas de humor negro, señalan a la sociedad contemporánea las deformidades, debilidades y vicios de la vida londinense. La influencia de Hogarth se puede encontrar en la tradición satírica distintivamente inglesa continuada por James Gillray (1756–1815) y George Cruikshank (1792–1878). Uno de los géneros en los que trabajó Hogarth fue la pieza de conversación, una forma en la que también sobresalieron algunos de sus contemporáneos: Joseph Highmore (1692-1780), Francis Hayman (1708-1776) y Arthur Devis (1712-1787).

Los retratos eran en Inglaterra, como en Europa, la forma más fácil y rentable de ganarse la vida para un artista, y la tradición inglesa continuó mostrando la elegancia relajada del estilo de retrato que se remonta a Van Dyck. Los principales retratistas son: Thomas Gainsborough (1727–1788); Sir Joshua Reynolds (1723–1792), fundador de la Royal Academy of Arts; Jorge Romney (1734–1802); Lemuel "Francisco" Abbott (1760/61–1802); Richard Westall (1765–1836); Sir Thomas Lawrence (1769–1830); y Thomas Phillips (1770–1845). También se destacan Jonathan Richardson (1667-1745) y su alumno (y desafiante yerno) Thomas Hudson (1701-1779). Joseph Wright of Derby (1734–1797) era bien conocido por sus cuadros a la luz de las velas; George Stubbs (1724–1806) y, más tarde, Edwin Henry Landseer (1802–1873) por sus pinturas de animales. A fines del siglo,

William Blake (1757–1827), de Londres, produjo un cuerpo de trabajo diverso y visionario que desafiaba la clasificación directa; el crítico Jonathan Jones lo considera "de lejos, el mejor artista que Gran Bretaña haya producido". Los amigos artistas de Blake incluían al neoclásico John Flaxman (1755–1826) y Thomas Stothard (1755–1834), con quien Blake se peleó.

En la imaginación popular, la pintura de paisajes inglesa del siglo XVIII en adelante tipifica el arte inglés, inspirado en gran medida por el amor por lo pastoral y reflejando el desarrollo de casas de campo más grandes ubicadas en un paisaje rural pastoral. Dos románticos ingleses son en gran parte responsables de elevar el estatus de la pintura de paisajes en todo el mundo: John Constable (1776-1837) y JMW Turner (1775-1851), a quien se le atribuye haber elevado la pintura de paisajes a una eminencia que rivaliza con la pintura de historia.Otros pintores paisajistas notables de los siglos XVIII y XIX incluyen: George Arnald (1763–1841); John Linnell (1792–1882), rival de Constable en su época; George Morland (1763–1804), quien desarrolló la tradición de pintura rústica y animal de Francis Barlow; Samuel Palmer (1805–1881); Paul Sandby (1731–1809), a quien se reconoce como el padre de la acuarela inglesa; y los acuarelistas posteriores John Robert Cozens (1752–1797), el amigo de Turner Thomas Girtin (1775–1802) y Thomas Heaphy (1775–1835).

El siglo XIX vio el surgimiento de la escuela de pintores de Norwich, el primer movimiento artístico provincial fuera de Londres. De corta duración debido al escaso patrocinio y la disidencia interna, sus miembros destacados fueron el "padre fundador" John Crome (1768–1821), John Sell Cotman (1782–1842), James Stark (1794–1859) y Joseph Stannard (1797– 1830).

El movimiento de la Hermandad Prerrafaelita, establecido en la década de 1840, dominó el arte inglés en la segunda mitad del siglo XIX. Sus miembros, William Holman Hunt (1827–1910), Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), John Everett Millais (1828–1896) y otros, se concentraron en obras religiosas, literarias y de género ejecutadas en un colorido y minuciosamente detallado, casi estilo fotográfico. Ford Madox Brown (1821–1893) compartió los principios de los prerrafaelitas.

El destacado crítico de arte inglés John Ruskin (1819-1900) tuvo una gran influencia en la segunda mitad del siglo XIX; desde la década de 1850 defendió a los prerrafaelitas, quienes fueron influenciados por sus ideas. William Morris (1834–1896), fundador del Movimiento de Artes y Oficios, enfatizó el valor de las habilidades artesanales tradicionales que parecían estar en declive en la era industrial masiva. Sus diseños, al igual que la obra de los pintores prerrafaelitas con los que estuvo asociado, se referían con frecuencia a motivos medievales. El pintor narrativo inglés William Powell Frith (1819-1909) ha sido descrito como el "pintor británico más grande de la escena social desde Hogarth", y el pintor y escultor George Frederic Watts (1817-1904) se hizo famoso por su obra simbolista.

El espíritu galante del arte militar inglés del siglo XIX ayudó a moldear la imagen que la Inglaterra victoriana tenía de sí misma. Los artistas militares ingleses notables incluyen: John Edward Chapman 'Chester' Mathews (1843–1927); señora mayordomo (1846-1933); Frank Dadd (1851-1929); Edward Matthew Hale (1852-1924); Charles Edwin Fripp (1854-1906); Richard Caton Woodville, Jr. (1856-1927); Harry Payne (1858-1927); George Delville Rowlandson (1861-1930); y Edgar Alfred Holloway (1870-1941). Thomas Davidson (1842-1919), que se especializó en escenas navales históricas, incorporó notables reproducciones de obras relacionadas con Nelson realizadas por Arnald, Westall y Abbott en England's Pride and Glory (1894).

A finales del siglo XIX, el arte de Aubrey Beardsley (1872–1898) contribuyó al desarrollo del Art Nouveau y sugirió, entre otras cosas, un interés por las artes visuales de Japón.

Siglos XVIII y XIX: galería

• Pared oeste de Painted Hall de James Thornhill en el Old Royal Naval College; 1707–1726.
• el retrato de Richardson de Alexander Pope; C. 1736.
• Matrimonio A-la-Mode de Hogarth : 2, The Tête à Tête; C. 1743.
• el retrato de Highmore del general James Wolfe; 1749.
• el Sr. y la Sra. Andrews de Gainsborough; C. 1750.
• el retrato de "pieza de conversación" de Arthur Devis de Robert James y su familia de la Compañía de las Indias Orientales; 1751.
• Robert Clive y Mir Jafar de Francis Hayman después de la batalla de Plassey; 1757.
• Whistlejacket de George Stubbs; C. 1762.
• el retrato de Sir Joshua Reynolds de Warren Hastings; 1766–1768.
• Joseph Wright of Derby's An Experiment on a Bird in the Air Pump; 1768.
• Emma Hart con un sombrero de paja de George Romney; 1785.
• el retrato de Lemuel Francis Abbott del vicealmirante Horatio Nelson; 1797.
• The Ancient of Days de William Blake, frontispicio de Europe a Prophecy; 1794.
• el retrato de Thomas Heaphy de Palmerston; 1802.
• Nelson de Richard Westall en conflicto con una lancha española, 3 de julio de 1797; 1806.
• La procesión de los peregrinos de Canterbury de Thomas Stothard; 1806–7.
• El Plumb-pudding en peligro de Gillray; 1805.
• Saludando a la bomba del regente, de Cruikshank; 1816.
• el retrato posterior a Waterloo de Lawrence de Wellington; 1816.
• The Destruction of 'L'Orient' de George Arnald en la Batalla del Nilo, 1 de agosto de 1798; 1825–27.
• el retrato de Phillips de Lord Byron; C. 1835.
• El rey Jorge IV representado vistiendo túnicas de coronación y cuatro collares de órdenes caballerescas: el Vellocino de Oro, Royal Guelphic, Bath and Garter de Thomas Lawrence; C. 1821
• El carro de heno de John Constable; C. 1821
• la catedral de Salisbury de Constable desde los terrenos del obispo; C. versión de 1826
• The Fighting Temeraire de Turner; 1839.
• la Ofelia de Millais; 1851–1852.
• Nuestras costas inglesas de Holman Hunt; 1852.
• Los últimos de Inglaterra, de Ford Madox Brown; 1852–1855.
• el retrato de Dickens de William Powell Frith; 1859.
• John Ruskin, destacado crítico de arte inglés de la época victoriana; 1867.
• Julia, el retrato del general Gordon realizado por Lady Abercromby; después de 1885.
• El orgullo y la gloria de Inglaterra de Thomas Davidson; 1894.
• The Charge of the 21st Lancers at the Battle of Omdurman, de Woodville, 2 de septiembre de 1898; 1898.

Siglo 20

El impresionismo encontró un enfoque en el New English Art Club, fundado en 1886. Los miembros notables incluyeron a Walter Sickert (1860-1942) y Philip Wilson Steer (1860-1942), dos pintores ingleses con vidas colindantes que se volvieron influyentes en el siglo XX. Sickert pasó al grupo posimpresionista de Camden Town, activo entre 1911 y 1913, y se destacó en la transición al modernismo. Las pinturas de paisajes y mares de Steer lo convirtieron en un destacado impresionista, pero su trabajo posterior muestra un estilo inglés más tradicional, influenciado tanto por Constable como por Turner.

Paul Nash (1889–1946) jugó un papel clave en el desarrollo del Modernismo en el arte inglés. Fue uno de los paisajistas más importantes de la primera mitad del siglo XX, y las obras de arte que produjo durante la Primera Guerra Mundial se encuentran entre las imágenes más icónicas del conflicto. Nash asistió a la Slade School of Art, donde la notable generación de artistas que estudió con el influyente Henry Tonks (1862–1937) también incluía a Harold Gilman (1876–1919), Spencer Gore (1878–1914), David Bomberg (1890 –1957), Stanley Spencer (1891–1959), Mark Gertler (1891–1939) y Roger Hilton (1911–1975).

El talento inglés más controvertido del modernismo fue el escritor y pintor Wyndham Lewis (1882-1957). Co-fundó el movimiento Vorticista en el arte, y después de volverse más conocido por su escritura que por su pintura en la década de 1920 y principios de la de 1930, volvió a un trabajo más concentrado en el arte visual, con pinturas de las décadas de 1930 y 1940 que constituyen algunos de sus mejores. obra conocida. Walter Sickert llamó a Wyndham Lewis: "el mejor retratista de este o cualquier otro tiempo". La escultura modernista fue ejemplificada por los artistas ingleses Henry Moore (1898–1986), bien conocido por su mármol tallado y sus esculturas abstractas de bronce fundido a gran escala, y Barbara Hepworth (1903–1975), quien fue una figura destacada en la colonia de artistas que residió en St Ives, Cornualles durante la Segunda Guerra Mundial.

Lancasteriano LS Lowry (1887–1976) se hizo famoso por sus escenas de la vida en los distritos industriales del noroeste de Inglaterra a mediados del siglo XX. Desarrolló un estilo distintivo de pintura y es mejor conocido por sus paisajes urbanos poblados de figuras humanas a las que a menudo se hace referencia como "hombres de cerillas".

Los artistas ingleses notables de mediados del siglo XX y posteriores incluyen: Graham Sutherland (1903–1980); Peso Carel (1908-1997); Lanza Ruskin (1911-1990); los pioneros del arte pop Richard Hamilton (1922–2011), Peter Blake (n. 1932) y David Hockney (n. 1937); y la ejemplar de op art Bridget Riley (n. 1931).

Siguiendo el desarrollo del posmodernismo, el arte inglés se convirtió en cierto sentido en sinónimo hacia fines del siglo XX con el Premio Turner; el premio, establecido en 1984 y nombrado con intenciones ostensiblemente creíbles en honor a JMW Turner, ganó para el arte inglés de la actualidad una reputación posiblemente en su detrimento. Las exhibiciones premiadas han incluido un tiburón en formaldehído y una cama desaliñada. El crítico Matthew Collings observa que: "El arte del Premio Turner se basa en una fórmula en la que algo parece sorprendente al principio y luego expresa algún tipo de idea banal, que alguien se asegurará de contarte. Las ideas nunca son importantes o incluso realmente ideas, más nociones, como las nociones en la publicidad. Nadie las persigue de todos modos, porque no hay nada que perseguir".

Si bien el establecimiento del Premio Turner se conformó con débiles homenajes conceptuales a auténticos iconoclastas como Duchamp y Manzoni, rechazó talentos originales como Beryl Cook (1926-2008). La ceremonia de premiación ha atraído desde el año 2000 demostraciones anuales de los "Stuckists", un grupo que pide un retorno al arte figurativo y la autenticidad estética. Observando irónicamente que "el único artista que no estaría en peligro de ganar el Premio Turner es Turner", los Stuckists organizaron en 2000 una exposición "Real Turner Prize 2000", prometiendo (por el contrario) "sin basura".

Siglo XX: galería

• Niñas corriendo de Philip Wilson Steer , muelle de Walberswick; 1888-1894.
• Balcón de Spencer Gore en la Alhambra; 1910–11.
• el mercado de Leeds de Harold Gilman; C. 1913.
• Brighton Pierrots de Walter Sickert; 1915.
• Tiovivo de Mark Gertler; 1916.
• Estamos haciendo un mundo nuevo de Paul Nash; 1918.
• Zapadores de David Bomberg en el trabajo: Canadian Tunneling Company, R14, St Eloi; 1918.
• A Battery Shelled de Wyndham Lewis; 1919.
• Los pacientes de Ruskin Spear esperando fuera de un puesto de primeros auxilios en una fábrica; 1942.
• Progreso del recluta de Carel Weight; 1942.
• Shipbuilding on the Clyde: The Furnaces, de Stanley Spencer; 1946.
• Going to Work de LS Lowry; 1959.
• el tapiz de Cristo de Graham Sutherland en la catedral de Coventry reconstruida; 1962.
• Four-Square (Recorrido) de Barbara Hepworth; 1966.

Siglo 21

El escultor Antony Gormley (n. 1950) expresó dudas una década después de ganar el Premio Turner sobre su "utilidad para la raza humana", y el trabajo que incluye Another Place (2005) y Event Horizon (2012) ha logrado tanto reconocimiento como popularidad. El arte urbano pseudosubversivo de Banksy, ha sido muy discutido en los medios.

Una obra de arte público muy visible y muy elogiada, vista durante un breve período en 2014, fue Blood Swept Lands and Seas of Red, una colaboración entre el artista Paul Cummins (n. 1977) y el diseñador de teatro Tom Piper. La instalación en la Torre de Londres entre julio y noviembre de 2014 conmemoró el centenario del estallido de la Primera Guerra Mundial; consistía en 888.246 amapolas rojas de cerámica, cada una destinada a representar a un militar británico o colonial muerto en la guerra.

Los principales grabadores contemporáneos incluyen a Norman Ackroyd y Richard Spare.

Arte inglés en exhibición

• Museo Británico
• Museo de Arte de Delaware
• galería Nacional
• Galería Nacional de Retratos
• tate gran bretaña
• Museo de Victoria y Alberto
• Galería de arte Walker
• Centro de Arte Británico de Yale