Arte indio

El arte indio o arte de la India (a veces arte hindú) consiste en una variedad de formas de arte, que incluyen pintura, escultura, cerámica y artes textiles como la seda tejida. Geográficamente, abarca todo el subcontinente indio, incluyendo lo que ahora es India, Pakistán, Bangladesh, Sri Lanka, Nepal y, en ocasiones, el este de Afganistán. Un fuerte sentido del diseño es característico del arte indio y se puede observar en sus formas modernas y tradicionales.

El origen del arte indio se remonta a los asentamientos prehistóricos en el tercer milenio antes de Cristo. En su camino hacia los tiempos modernos, el arte indio ha tenido influencias culturales, así como influencias religiosas como el hinduismo, el budismo, el jainismo, el sijismo y el Islam. A pesar de esta compleja mezcla de tradiciones religiosas, en general, el estilo artístico predominante en cada momento y lugar ha sido compartido por los principales grupos religiosos.

En el arte histórico, la escultura en piedra y metal, principalmente religiosa, ha sobrevivido al clima indio mejor que otros medios y proporciona la mayor parte de los mejores restos. Muchos de los hallazgos antiguos más importantes que no están en piedra tallada provienen de las regiones circundantes más secas en lugar de la India misma. Las tradiciones funerarias y filosóficas indias excluyen el ajuar funerario, que es la principal fuente de arte antiguo en otras culturas.

Históricamente, los estilos de artistas indios siguieron a las religiones indias fuera del subcontinente, teniendo una influencia especialmente grande en el Tíbet, el sudeste asiático y China. El arte indio en sí mismo ha recibido influencias en ocasiones, especialmente de Asia Central, Irán y Europa.

Arte indio temprano

Arte roquero

Pintura rupestre en uno de los refugios rocosos de Bhimbetka.

Petroglifos prehistóricos en las cuevas de Edakkal, Wayanad

El arte rupestre de la India incluye tallas en relieve, grabados y pinturas rupestres, algunos (pero no todos) de la Edad de Piedra del sur de Asia. Se estima que hay alrededor de 1300 sitios de arte rupestre con más de un cuarto de millón de figuras y figurillas. Los primeros grabados rupestres de la India fueron descubiertos por Archibald Carlleyle, doce años antes que la Cueva de Altamira en España, aunque su obra no salió a la luz mucho más tarde a través de J Cockburn (1899).

El Dr. VS Wakankar descubrió varios refugios rocosos pintados en la India central, situados alrededor de la cordillera de Vindhya. De estos, el c. 750 sitios que componen los refugios rocosos de Bhimbetka han sido inscritos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO; las primeras pinturas tienen unos 10.000 años. Las pinturas en estos sitios comúnmente representaban escenas de la vida humana junto con animales y cacerías con implementos de piedra. Su estilo variaba según la región y la edad, pero la característica más común era un lavado rojo hecho con un mineral en polvo llamado geru, que es una forma de óxido de hierro (hematita).

Civilización del valle del Indo (c.  3300 a. C. - c.  1750 a. C.)

La

bailarina de Mohenjo-daro"

A pesar de su difusión y sofisticación, la civilización del valle del Indo parece no haberse interesado por el arte público a gran escala, a diferencia de muchas otras civilizaciones tempranas. Varias figurillas de oro, terracota y piedra de niñas en poses de baile revelan la presencia de algunas formas de danza. Además, las figurillas de terracota incluían vacas, osos, monos y perros.

La forma más común de arte figurativo que se encuentra son pequeños sellos tallados. Se han recuperado miles de sellos de esteatita y su carácter físico es bastante consistente. Su tamaño varía de ³ ⁄ ₄ pulgadas a 1 ¹ ⁄ ₂ pulgadas cuadradas. En la mayoría de los casos tienen una protuberancia perforada en la parte posterior para acomodar un cordón para su manipulación o para usar como adorno personal. Se han encontrado focas en Mohenjo-Daro que representan una figura de pie sobre su cabeza y otra, en el Sello Pashupati, sentada con las piernas cruzadas en una postura similar al yoga. Esta figura ha sido identificada de diversas formas. Sir John Marshall identificó un parecido con el dios hindú, Shiva.

El animal representado en la mayoría de las focas en sitios del período de madurez no ha sido claramente identificado. Parte toro, parte cebra, con un cuerno majestuoso, ha sido motivo de especulación. Hasta el momento, no hay pruebas suficientes para corroborar las afirmaciones de que la imagen tenía un significado religioso o cultista, pero la prevalencia de la imagen plantea la cuestión de si los animales en las imágenes del IVC son o no símbolos religiosos. La pieza más famosa es la Bailarina de bronce de Mohenjo-Daro, que muestra un modelado de la figura humana notablemente avanzado para esta fecha temprana.

Tras el fin de la Civilización del Valle de Is, hay una sorprendente ausencia de arte de gran sofisticación hasta la era budista. Se cree que esto refleja en parte el uso de materiales orgánicos perecederos como la madera.

Período védico

El milenio que siguió al colapso de la civilización del valle del Indo, coincidiendo con la migración indo-aria durante el período védico, está desprovisto de representaciones antropomórficas. Se ha sugerido que la religión védica temprana se centró exclusivamente en la adoración de puras "fuerzas elementales de la naturaleza por medio de elaborados sacrificios", que no se prestaban fácilmente a representaciones antropomorfológicas. Varios artefactos pueden pertenecer a la Cultura del Tesoro de Cobre (segundo milenio a. C.), algunos de los cuales sugieren características antropomorfológicas. Las interpretaciones varían en cuanto al significado exacto de estos artefactos, o incluso la cultura y la periodización a la que pertenecieron.Algunos ejemplos de expresión artística también aparecen en diseños abstractos de cerámica durante la cultura de la cerámica negra y roja (1450-1200 a. C.) o la cultura de la cerámica pintada gris (1200-600 a. C.), con hallazgos en un área amplia, incluida el área de Mathura.

Después de un intervalo de unos mil años, la mayoría de los primeros hallazgos corresponden a lo que se denomina el "segundo período de urbanización" a mediados del primer milenio a. La representación antropomórfica de varias deidades aparentemente comenzó a mediados del primer milenio a. C., posiblemente como consecuencia de la afluencia de estímulos extranjeros iniciada con la conquista aqueménida del valle del Indo, y el surgimiento de religiones locales alternativas que desafiaron el vedismo, como el budismo., jainismo y cultos populares locales.

Arte Maurya (c.  322 a. C. - c.  185 a. C.)

El Imperio Maurya del norte de la India floreció desde el 322 a. C. hasta el 185 a. C., y en su máxima extensión controló todo el subcontinente excepto el extremo sur, así como las influencias de las antiguas tradiciones indias y la antigua Persia, como lo muestra la capital de Pataliputra.

El emperador Ashoka, que murió en 232 a. C., adoptó el budismo aproximadamente a la mitad de su reinado de 40 años y patrocinó varias estupas grandes en sitios clave de la vida de Buda, aunque sobrevive muy poca decoración del período Maurya, y hay Puede que no haya sido mucho en primer lugar. Hay más de varios sitios tempranos de la arquitectura excavada en la roca de la India.

Las supervivencias más famosas son los grandes animales que superan varios de los Pilares de Ashoka, que mostraron un estilo y una artesanía confiados y audazmente maduros, y la primera fundición de hierro de su tipo sin óxido hasta la fecha, que estaba en uso por los pueblos védicos en las zonas rurales del país, aunque nos quedan muy pocos restos que muestren su desarrollo. El famoso capitel del león separado de Ashoka, con cuatro animales, fue adoptado como el emblema oficial de la India después de la independencia india. La escultura y la arquitectura de Maurya se caracterizan por un pulido muy fino de Maurya que se le da a la piedra, que rara vez se encuentra en períodos posteriores.

Muchas pequeñas estatuillas de terracota populares se recuperan en arqueología, en una variedad de estilos a menudo vigorosos aunque algo toscos. Se encuentran tanto animales como figuras humanas, generalmente mujeres que se supone que son deidades.

Estatua colosal de Yaksha (siglo II a. C.)

Los yakshas parecen haber sido objeto de un culto importante en los primeros periodos de la historia india, siendo muchos de ellos conocidos como Kubera, rey de los yakshas, ​​Manibhadra o Mudgarpani. Los Yakshas son una clase amplia de espíritus de la naturaleza, generalmente benévolos, pero a veces traviesos o caprichosos, relacionados con el agua, la fertilidad, los árboles, el bosque, el tesoro y la naturaleza, y eran objeto de adoración popular. Muchos de ellos se incorporaron más tarde al budismo, al jainismo o al hinduismo.

En el siglo II a. C., los yakshas se convirtieron en el foco de la creación de imágenes de culto colosales, típicamente de alrededor de 2 metros o más de altura, que se consideran probablemente las primeras producciones antropomórficas indias en piedra. Aunque pocas estatuas antiguas de Yaksha permanecen en buenas condiciones, el vigor del estilo ha sido aplaudido y expresa cualidades esencialmente indias. Suelen ser barrigones, de dos brazos y de aspecto feroz. Los Yashas a menudo se representan con armas o atributos, como el Yaksha Mudgarpani que en la mano derecha sostiene una maza de mudgar, y en la mano izquierda la figura de un pequeño devoto de pie o un niño que se da la mano en oración.A menudo se sugiere que el estilo de la estatua colosal de Yaksha tuvo una influencia importante en la creación de imágenes divinas y figuras humanas posteriores en la India. El equivalente femenino de las Yashas eran las Yashinis, a menudo asociadas con árboles y niños, y cuyas voluptuosas figuras se hicieron omnipresentes en el arte indio.

Se ha sugerido alguna influencia helenística, como los pliegues geométricos de las cortinas o la postura al caminar de las estatuas. Según John Boardman, el dobladillo del vestido en las monumentales estatuas tempranas de Yaksha se deriva del arte griego. Al describir las cortinas de una de estas estatuas, John Boardman escribe: "No tiene antecedentes locales y se parece más a un manierismo arcaico tardío griego", y sugiere que posiblemente se derive del arte helenístico de la cercana Bactria, donde se conoce este diseño.

En la producción de colosales estatuas de Yaksha talladas en redondo, que se pueden encontrar en varios lugares del norte de la India, el arte de Mathura se considera el más avanzado en calidad y cantidad durante este período.

Arte budista (c.  150 a. C. - c.  500 d. C.)

Las principales supervivencias del arte budista comienzan en el período posterior a los Maurya, del cual sobrevive una buena cantidad de escultura. Algunos sitios clave son Sanchi, Bharhut y Amaravati, algunos de los cuales permanecen in situ, otros en museos de la India o de todo el mundo. Las estupas estaban rodeadas por cercas ceremoniales con cuatro toranas profusamente talladas o puertas ornamentales que miraban hacia los puntos cardinales. Son de piedra, aunque adoptando claramente formas desarrolladas en madera. Ellos y las paredes de la estupa en sí pueden estar fuertemente decorados con relieves, que en su mayoría ilustran la vida de Buda. Gradualmente se esculpieron figuras de tamaño natural, inicialmente en relieve profundo, pero luego independientes. Mathura fue el centro más importante de este desarrollo, que se aplicó tanto al arte hindú y jainista como al budista. Las fachadas y los interiores de las salas de oración chaitya excavadas en la roca y los viharas monásticos han sobrevivido mejor que estructuras independientes similares en otros lugares, que durante mucho tiempo fueron en su mayoría de madera. Las cuevas de Ajanta, Karle, Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores, como figuras icónicas de Buda y bodhisattvas, que no se encuentran antes del año 100 EC como mínimo.

El budismo desarrolló un énfasis creciente en las estatuas de Buda, que estuvo muy influenciado por el arte figurativo religioso hindú y jainista. Las figuras de este período también fueron influenciadas por el arte greco-budista de los siglos posteriores a las conquistas de Alejandro Magno. Esta fusión se desarrolló en el extremo noroeste de la India, especialmente en Gandhara en los modernos Afganistán y Pakistán. El Imperio Kushan indio se extendió desde Asia Central para incluir el norte de la India en los primeros siglos EC, y encargó brevemente grandes estatuas que eran retratos de la dinastía real.

Dinastía Shunga (c. 185 a. C. - 72 a. C.)

Con la caída del Imperio Maurya, el control de la India volvió a la antigua costumbre de las dinastías regionales, una de las más significativas fue la Dinastía Shunga (c. 185 a. C. - 72 a. C.) de la India central. Durante este período, así como durante la dinastía Satavahana que ocurrió al mismo tiempo que la dinastía Shunga en el sur de la India, se crearon algunas de las arquitecturas budistas tempranas más significativas. Podría decirse que la arquitectura más importante de esta dinastía es la estupa, un monumento religioso que suele albergar una reliquia sagrada del budismo. Estas reliquias estaban a menudo, pero no siempre, de alguna manera directamente conectadas con el Buda. Debido al hecho de que estas estupas contenían restos del mismo Buda, cada estupa fue venerada como una extensión del cuerpo de Buda, su iluminación y su logro del nirvana.

Uno de los ejemplos más notables de la estupa budista de la dinastía Shunga es La Gran Estupa en Sanchi, que se cree que fue fundada por el emperador Maurya Ashoka c. 273 a. C. - 232 a. C. durante el Imperio Maurya. La Gran Estupa se amplió a su diámetro actual de 120 pies, se cubrió con una cubierta de piedra, se remató con un balcón y una sombrilla, y se rodeó con una barandilla de piedra durante la dinastía Shunga c. 150 a. C. - 50 a. C.

Además de la arquitectura, otra forma de arte importante de la dinastía Shunga son las placas de terracota elaboradamente moldeadas. Como se vio en ejemplos anteriores del Imperio Maurya, un estilo en el que los detalles superficiales, la desnudez y la sensualidad continúan en las placas de terracota de la dinastía Shunga. Las representaciones figurativas más comunes que se ven en estas placas son mujeres, algunas de las cuales se cree que son diosas, que en su mayoría se muestran con el torso desnudo y con elaborados tocados.

Dinastía Satavahana (c. Siglo I/III a. C. - c. Siglo III d. C.)

La dinastía Satavahana gobernó en el centro de la India y patrocinó muchos grandes monumentos budistas, estupas, templos y salas de oración, incluida la estupa Amaravati, las cuevas de Karla y la primera fase de las cuevas de Ajanta.

Las estupas son monumentos religiosos construidos sobre túmulos funerarios, que contienen reliquias debajo de una cúpula sólida. Las estupas en diferentes áreas de la India pueden variar en estructura, tamaño y diseño; sin embargo, sus significados representativos son bastante similares. Están diseñados en base a un mandala, un gráfico del cosmos propio del budismo. Una estupa tradicional tiene una barandilla que proporciona un camino sagrado para que los seguidores budistas practiquen la circunvalación devocional en escenarios rituales. Además, los antiguos indios consideraban las cuevas como lugares sagrados ya que estaban habitadas por hombres santos y monjes. Se construyó un chaitya a partir de una cueva.

Las esculturas en relieve de figuras budistas y epígrafes escritos en caracteres Brahmi se encuentran a menudo en lugares divinos específicos del budismo. Para celebrar lo divino, la gente de Satavahana también hizo imágenes de piedra como decoración en las arquitecturas budistas. Con base en el conocimiento de la geometría y la geología, crearon imágenes ideales utilizando un conjunto de técnicas y herramientas complejas, como cinceles, martillos y compases con puntas de hierro.

Además, delicadas monedas Satavahana muestran la capacidad de crear arte en ese período. Los Satavahanas emitieron monedas principalmente en cobre, plomo y potin. Más tarde, la plata entró en uso para producir monedas. Las monedas suelen tener retratos detallados de gobernantes e inscripciones escritas en el idioma tamil y telugu.

Imperio Kushan (c. 30 d. C. - c. 375 d. C.)

Establecido oficialmente por Kujula Kadphises, el primer emperador Kushan que unió a las tribus Yuezhi, el imperio Kushan era un imperio sincrético en el centro y sur de Asia, incluidas las regiones de Gandhara y Mathura en el norte de la India. Del 127 al 151 EC, Gandharan alcanzó su apogeo bajo el reinado de Kanishka el Grande. En este período, el arte Kushan heredó el arte greco-budista.El budismo Mahayana floreció y las representaciones de Buda como forma humana aparecieron por primera vez en el arte. Con una túnica de monje y una tela larga sobre el hombro izquierdo y alrededor del cuerpo, el Buda fue representado con 32 lakshanas principales (marcas distintivas), incluido un cuerpo de color dorado, una ushnisha (una protuberancia) en la parte superior de su cabeza, aretes pesados, lóbulos alargados, brazos largos, la impresión de un chakra (rueda) en las palmas de las manos y las plantas de los pies, y la urna (una marca entre las cejas).Uno de los sellos distintivos del arte de Gandharan es su relación con el naturalismo del arte helenístico. Las características naturalistas que se encuentran en las esculturas de Gandhara incluyen el tratamiento tridimensional de las cortinas, con pliegues irregulares que tienen patrones realistas de forma y grosor aleatorios. La forma física del Buda y sus bodhisattvas es bien definida, sólida y musculosa, con pechos, brazos y abdómenes hinchados. El budismo y el arte del budismo se extendieron a Asia Central y el Lejano Oriente a través de Bactria y Sogdia, donde el Imperio Kushan se reunió con la Dinastía Han de China.

Arte Gupta (c.  320 d. C. - c.  550 d. C.)

El período Gupta generalmente se considera un pico clásico del arte del norte de la India para todos los principales grupos religiosos. Aunque la pintura evidentemente estaba muy extendida y sobrevive en las cuevas de Ajanta, las obras supervivientes son casi todas esculturas religiosas.

El período vio el surgimiento de la icónica deidad de piedra tallada en el arte hindú, así como la figura de Buda y las figuras Jain tirthankara, estas últimas a menudo a gran escala. Los principales centros de escultura fueron Mathura Sarnath y Gandhara, este último el centro del arte greco-budista.

El período Gupta marcó la "edad de oro" del hinduismo clásico y vio la arquitectura de templo hindú construida más antigua, aunque las supervivencias no son numerosas.Arte Gupta durante la Edad de Oro de la India

• Buda sentado, siglo V d.C., Museo Sarnath
• Mahishasuramardini, Templo Dashavatara
• Krishna matando al caballo-demonio Keshi, c. siglo V d.C. Museo Metropolitano de Arte
• Pilar de hierro de Delhi conocido por su composición de metales resistentes a la oxidación, c. Siglo III-IV d.C.
• Fresco de las cuevas de Ajanta

Reinos medios y el período medieval tardío (c.  600 d. C. - c.  1300 d. C.)

Durante este período, la arquitectura de los templos hindúes maduró en una serie de estilos regionales, y una gran proporción del registro histórico del arte de este período consiste en esculturas de templos, muchas de las cuales permanecen en su lugar. La historia política de los reinos intermedios de la India vio a la India dividida en muchos estados, y dado que gran parte del edificio más grandioso fue encargado por los gobernantes y su corte, esto ayudó al desarrollo de diferencias regionales. La pintura, tanto a gran escala en las paredes como en formas en miniatura, sin duda fue una práctica muy extendida, pero las supervivencias son raras. Los bronces medievales han sobrevivido más comúnmente del sur de Tamil o de las estribaciones del Himalaya.

Dinastías del sur de la India (c.  Siglo III d. C. - c.  1300 d. C.)

Las inscripciones en los Pilares de Ashoka mencionan la coexistencia de los reinos del norte con el triunvirato de las dinastías Chola, Chera y Pandya Tamil, situadas al sur de las montañas Vindhya. El período medieval fue testigo del auge y la caída de estos reinos, junto con otros reinos de la zona. Es durante la decadencia y el resurgimiento de estos reinos que se renovó el hinduismo. Fomentó la construcción de numerosos templos y esculturas.

• Cueva 3 en los templos de la cueva de Badami (dinastía Chalukya temprana, c.  Siglo VI d.C.)
• Templo de la costa de Mamallapuram (dinastía Pallava, 700–728 d. C.)
• Jóvenes en un estanque de lotos, fresco en el techo de Sittanvasal, 850 d.C.
• Chola escultura de bronce de Shiva como Nataraja, el Señor de la Danza

El Templo Shore en Mamallapuram construido por los Pallava simboliza la arquitectura hindú temprana, con su relieve monolítico en roca y esculturas de deidades hindúes. Fueron sucedidos por gobernantes Chola que fueron prolíficos en su búsqueda de las artes. Los Grandes Templos Chola Vivientes de este período son conocidos por su madurez, grandeza y atención al detalle, y han sido reconocidos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.El período Chola también es conocido por sus esculturas de bronce, la técnica de fundición a la cera perdida y las pinturas al fresco. Gracias a los reyes hindúes de la dinastía Chalukya, el jainismo floreció junto con el Islam, como lo demuestra el cuarto templo de la cueva de Badami, que es jainista en lugar de védico. Los reinos del sur de la India continuaron gobernando sus tierras hasta las invasiones musulmanas que establecieron allí sultanatos y destruyeron gran parte de los templos y maravillosos ejemplos de arquitecturas y esculturas.

Templos de Khajuraho (c.  800 d. C. - c.  1000 d. C.)

Reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, el grupo de monumentos Khajuraho fue construido por el clan Chandela de las dinastías Rajput. Aparte de los templos hindúes habituales, el 10% de las esculturas representan cuerpos retorcidos de hombres y mujeres que arrojan luz sobre las prácticas socioculturales y religiosas cotidianas en la India medieval. Desde su descubrimiento, el grado de sexualidad representado en estas esculturas ha generado críticas positivas y negativas por parte de los estudiosos.

Los templos de Khajuraho estuvieron en uso activo bajo los reinos hindúes, hasta el establecimiento de los sultanatos de Delhi en el siglo XIII. Bajo el dominio musulmán hasta el siglo XVIII, muchos de los monumentos de Khajuraho fueron destruidos, pero aún quedan algunas ruinas.

Decán

Otros estados hindúes ahora se conocen principalmente a través de sus templos sobrevivientes y su escultura adjunta. Estos incluyen la arquitectura Badami Chalukya (siglos V al VI), la arquitectura Chalukya occidental (siglos XI al XII) y la arquitectura Hoysala (siglos XI al XIV), todas centradas en la Karnataka moderna.

Este de la India

En el este de la India, Odisha y Bengala Occidental, la arquitectura Kalinga era el estilo de templo amplio, con variantes locales, antes de la conquista musulmana.

En la antigüedad, Bengala fue pionera de la pintura en Asia bajo el Imperio Pala. La pintura en miniatura y en pergamino floreció durante el Imperio mogol. La pintura de Kalighat o Kalighat Pat se originó en la Bengala del siglo XIX, en las cercanías del Templo Kalighat Kali de Kolkata, y de ser artículos de recuerdo llevados por los visitantes al templo de Kali, las pinturas durante un período de tiempo se desarrollaron como una escuela distinta de pintura india. A partir de la representación de dioses hindúes y otros personajes mitológicos, las pinturas de Kalighat se desarrollaron para reflejar una variedad de temas.

• Rasmancha, Bishnupur. Construido por el rey Bir Hambir, el templo tiene una inusual torre piramidal alargada, rodeada de torretas en forma de cabaña, que eran muy típicas de las estructuras de techo bengalíes de la época.
• Obra de terracota en el templo Shyamrai, Bishnupur, que representa a Raas-Leela.
• Búhos de madera de Natungram, Bengala Occidental, India. El búho de madera es una parte integral de una tradición y forma de arte antigua e indígena en Bengala.
• Yama, Escuela de Arte de Kalighat.
• Ídolos de Balabhadra, Subhadra y Jagannath en Odhisa.

Primera era moderna y colonial (c.  1400 d. C. - c.  1800 d. C.)

Arte mogol

Aunque las conquistas islámicas en la India se realizaron ya en la primera mitad del siglo X, no fue hasta el Imperio mogol que se observan emperadores con patrocinio de las bellas artes. El emperador Humayun, durante su restablecimiento del Sultanato de Delhi en 1555, trajo consigo a Mir Sayyid Ali y Abd al-Samad, dos de los mejores pintores del renombrado taller del persa Shah Tahmasp.

Durante el reinado de Akbar (1556-1605), el número de pintores aumentó de alrededor de 30 durante la creación de Hamzanama a mediados de la década de 1560, a alrededor de 130 a mediados de la década de 1590. Según el historiador de la corte Abu'l-Fazal, Akbar era práctico en su interés por las artes, inspeccionando a sus pintores con regularidad y premiando a los mejores.Es durante este tiempo que los artistas persas se sintieron atraídos por traer su estilo único al imperio. Los elementos indios estuvieron presentes en sus obras desde el principio, con la incorporación de la flora y la fauna indias locales que, de otro modo, estaban ausentes en el estilo persa tradicional. Las pinturas de esta época reflejaron la vitalidad y la inclusión del reino de Akbar, con la producción de miniaturas persas, las pinturas Rajput (incluida la escuela Kangra) y el estilo Pahari del norte de la India. También influyeron en las pinturas de acuarela de estilo Company creadas durante el dominio británico muchos años después.Arte mogol del norte de la India (anterior a 1600) y sus influencias

• Arghan Div trae el cofre de la armadura a Hamza, del Volumen 7 de Hamzanama, supervisado por Samad, ca. 1562-1577. Acuarela opaca y oro sobre algodón.
• Abu'l-Fazl presentando Akbarnama a Akbar. Miniatura mogol.
• Krishna tocando la flauta, ca. 1790—1800, región de Guler/Kangra. Acuarela opaca y oro sobre papel.
• Jama Masjid, Delhi, Willam Carpenter, 1852. Acuarela.

Con la muerte de Akbar, su hijo Jahangir (1605-1627) subió al trono. Prefería que cada pintor trabajara en una sola pieza en lugar de la colaboración fomentada durante la época de Akbar. Este período marca el surgimiento de distintos estilos individuales, en particular Bishan Das, Manohar Das, Abu al-Hasan, Govardhan y Daulat. El mismo Jahangir tenía la capacidad de identificar el trabajo de cada artista individual, incluso si el trabajo no tenía nombre. El Razmnama (traducción persa de la epopeya hindú Mahabharata) y una memoria ilustrada de Jahangir, llamada Tuzuk-i Jahangiri, fueron creados bajo su gobierno. Jahangir fue sucedido por Shah Jahan (1628-1658), cuya contribución arquitectónica más notable es el Taj Mahal. Las pinturas bajo su gobierno eran más formales, con escenas de la corte, en contraste con los estilos personales de la época de su predecesor. Aurangzeb (1658-1707), que tenía creencias sunitas cada vez más ortodoxas, tomó por la fuerza el trono de manos de su padre, Shah Jahan. Con la prohibición de la música y la pintura en 1680, su reinado vio el declive del patrocinio mogol de las artes.

A medida que la pintura declinó en la corte imperial, los artistas y la influencia general de la pintura mogol se extendieron a las cortes principescas y las ciudades del norte de la India, donde tanto el retrato como la ilustración de las epopeyas indias y la pintura religiosa hindú se desarrollaron en muchas escuelas y estilos locales. Notable entre estos fueron las escuelas de pintura Rajput, Pahari, Deccan, Kangra.Arte mogol del norte de la India (posterior a 1600)

• Jahangir en Darbar, del Jahangir-nama, c. 1620. Gouache sobre papel.
• Retrato del emperador Shah Jahan, entronizado. California. siglo 17.
• Una escena durbar con el recién coronado emperador Aurangzeb.

Otros reinos indios medievales

El último imperio en el sur de la India ha dejado restos espectaculares de la arquitectura de Vijayanagara, especialmente en Hampi, Karnataka, a menudo muy decorados con esculturas. Estos desarrollaron la tradición Chola. Después de la conquista de Mughal, la tradición del templo continuó desarrollándose, principalmente en la expansión de los templos existentes, que agregaron nuevas paredes exteriores con gopurams cada vez más grandes, a menudo eclipsando los edificios más antiguos en el centro. Por lo general, estos se cubrieron densamente con estatuas de yeso de deidades y otras figuras religiosas, cuya pintura de colores brillantes debe renovarse a intervalos para que no se erosione.

En el centro-sur de la India, a fines del siglo XV después de los reinos medios, el sultanato de Bahmani se desintegró en los sultanatos de Deccan centrados en Bijapur, Golconda, Ahmadnagar, Bidar y Berar. Utilizaron técnicas védicas de fundición de metal, tallado en piedra y pintura, así como un estilo arquitectónico distintivo con la adición de ciudadelas y tumbas de la arquitectura mogol. Por ejemplo, la dinastía Baridi (1504-1619) de Bidar vio la invención de bidricerámica, que fue adoptada de los pilares ashoka de los períodos védico y maurya de zinc mezclado con cobre, estaño y plomo e incrustaciones de plata o latón, luego cubierto con una pasta de barro que contenía sal amoniacal, que ennegrecía el metal base, resaltando el color y brillo del metal con incrustaciones. Solo después de la conquista mogol de Ahmadnagar en 1600, la influencia persa patrocinada por los mogoles turco-mongoles comenzó a afectar el arte de Deccan.Arte Deccan del centro-sur de la India

• La mezquita Char Minar en Hyderabad. Terminado en 1591
• Base de pipa de agua Bidriware, c. siglo 18. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• El mausoleo de Gol Gumbaz en Bijapur, Karnataka. Terminado en 1656
• Retrato de Abu'l Hasan, el último sultán de Golconda, c. finales del siglo XVII-principios del siglo XVIII
• Chand Bibi hawking, una pintura de Deccan del siglo XVIII, gouache realzado con oro sobre papel

Período británico (1841-1947)

El dominio colonial británico tuvo un gran impacto en el arte indio, especialmente a partir de mediados del siglo XIX. Muchos antiguos mecenas del arte se volvieron menos ricos e influyentes, y el arte occidental se volvió más omnipresente a medida que el Imperio Británico estableció escuelas de arte en las principales ciudades. El más antiguo, el Government College of Fine Arts, Chennai, se estableció en 1850. En las principales ciudades con muchos europeos, el estilo de la Compañía de pinturas pequeñas se hizo común, creado por artistas indios que trabajaban para patrocinadores europeos de la Compañía de las Indias Orientales. El estilo utilizaba principalmente la acuarela para transmitir texturas y tonos suaves, en un estilo que combinaba influencias de los grabados occidentales y la pintura mogol.En 1858, el gobierno británico asumió la tarea de administrar la India bajo el Raj británico. Muchos encargos de príncipes indios ahora estaban total o parcialmente en estilos occidentales, o en la arquitectura híbrida indo-sarracena. La fusión de las tradiciones indias con el estilo europeo en este momento es evidente en las pinturas al óleo de Raja Ravi Varma de mujeres vestidas con sari de una manera elegante.Arte indio anterior a la independencia

• Pintura de la compañía de Dip Chand (c.  1760 - c.  1764) que representa a un funcionario de la Compañía de las Indias Orientales, quizás William Fullerton de Rosemount, cirujano y alcalde de Calcuta en 1757
• Tipu's Tiger, un autómata del siglo XVIII con su teclado visible. Museo Victoria and Albert, Londres.
• Shakuntala de Raja Ravi Varma (1870). Óleo sobre lienzo.
• La reina de Asoka por Abanindranath Tagore (c.  1910). Croxilógrafo.

Escuela de arte de Bengala

La Escuela de Arte de Bengala, comúnmente conocida como Escuela de Bengala, fue un movimiento artístico y un estilo de pintura india que se originó en Bengala, principalmente Calcuta y Shantiniketan, y floreció en todo el subcontinente indio, durante el Raj británico a principios del siglo XX. También conocido como "estilo de pintura indio" en sus inicios, se asoció con el nacionalismo indio (swadeshi) y fue dirigido por Abanindranath Tagore (1871-1951), pero también fue promovido y apoyado por administradores artísticos británicos como EB Havell, el principal del Government College of Art and Craft, Kolkata desde 1896; eventualmente condujo al desarrollo de la pintura india moderna.

Tagore luego intentó desarrollar vínculos con artistas japoneses como parte de una aspiración de construir un modelo de arte panasiático. A través de las pinturas de 'Bharat Mata', Abanindranath estableció el patrón del patriotismo. Los pintores y artistas de la escuela de Bengala fueron Nandalal Bose, MAR Chughtai, Sunayani Devi (hermana de Abanindranath Tagore), Manishi Dey, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Asit Kumar Haldar, Sudhir Khastgir, Kshitindranath Majumdar, Sughra Rababi.

Entre 1920 y 1925, Gaganendranath fue pionero en experimentos de pintura modernista. Partha Mitter lo describe como "el único pintor indio antes de la década de 1940 que utilizó el lenguaje y la sintaxis del cubismo en su pintura". A partir de 1925, el artista desarrolla un complejo estilo poscubista.

Con el Movimiento Swadeshi ganando impulso en 1905, los artistas indios intentaron resucitar las identidades culturales suprimidas por los británicos, rechazando el estilo romántico de las pinturas de la Compañía y el trabajo amanerado de Raja Ravi Varma y sus seguidores. Así se creó lo que hoy se conoce como la Escuela de Arte de Bengala, liderada por los estilos asiáticos reelaborados (con énfasis en el nacionalismo indio) de Abanindranath Tagore (1871-1951), a quien se hace referencia como el padre del arte indio moderno.Otros artistas de la familia Tagore, como Rabindranath Tagore (1861–1941) y Gaganendranath Tagore (1867–1938), así como nuevos artistas de principios del siglo XX, como Amrita Sher-Gil (1913–1941), fueron los responsables de presentar Avant. -garde estilos occidentales en el arte indio. Muchos otros artistas como Jamini Roy y más tarde SH Raza se inspiraron en las tradiciones populares. En 1944, KCS Paniker fundó la Asociación de Pintores Progresistas (PPA), dando así origen al "movimiento madrás" en el arte.

• Bharat Mata de Abanindranath Tagore.
• El fin del viaje de Abanindranath Tagore.
• Dos gatos sujetando una gran gamba de Jamini Roy.
• Pratima Visarjan de Gaganendranath Tagore.
• Gaganendranath Tagore - Reunión en la escalera.
• Fresco de Nandalal Bose en Dinantika - Ashram Complex - Santiniketan.

Arte contemporáneo (c.  1900 CE -presente)

En 1947, India se independizó del dominio británico. Un grupo de seis artistas - KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza y Francis Newton Souza - fundaron el Grupo de Artistas Progresistas de Bombay en el año 1952, para establecer nuevas formas de expresar la India en la era poscolonial.. Aunque el grupo se disolvió en 1956, influyó profundamente en el cambio del idioma del arte indio. Casi todos los principales artistas de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que son bien conocidos hoy en día son Bal Chabda, Manishi Dey, VS Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, KG Subramanyan, A. Ramachandran, Devender Singh, Akbar Padamsee, John Wilkins, Himmat Shah y Manjit Bawa.El arte indio actual es variado como nunca antes. Entre los artistas más conocidos de la nueva generación se encuentran Bose Krishnamachari y Bikash Bhattacharjee. Otro destacado modernista paquistaní fue Ismail Gulgee, quien después de 1960 adoptó un idioma abstracto que combina aspectos de la caligrafía islámica con una sensibilidad expresionista abstracta (o abstraccionista gestual).

La pintura y la escultura siguieron siendo importantes en la segunda mitad del siglo XX, aunque en el trabajo de artistas destacados como Nalini Malani, Subodh Gupta, Narayanan Ramachandran, Vivan Sundaram, Jitish Kallat, Jamini Roy a menudo encontraron nuevas direcciones radicales. Bharti Dayal eligió manejar la pintura tradicional de Mithila de la manera más contemporánea y creó su propio estilo a través de los ejercicios de su propia imaginación, parecen frescos e inusuales.

El aumento del discurso sobre el arte indio, tanto en inglés como en lenguas vernáculas indias, cambió la forma en que se percibía el arte en las escuelas de arte. El enfoque crítico se volvió riguroso; críticos como Geeta Kapur, R. Siva Kumar, Shivaji K. Panikkar, Ranjit Hoskote, entre otros, contribuyeron a repensar la práctica del arte contemporáneo en la India.

• Grupo de tres chicas de Amrita Sher-Gil
• Navegación por Jamini Roy.
• Pintura india pseudorrealista. Pareja, Niños y Confusión. por Devajyoti Ray.
• Mural de Satish Gujral.

Historia material del arte indio

Escultura

La primera escultura conocida en el subcontinente indio es de la civilización del valle del Indo (3300-1700 a. C.), encontrada en sitios en Mohenjo-Daro y Harappa en el actual Pakistán. Estos incluyen el famoso pequeño bailarín masculino de bronce Nataraja. Sin embargo, estas figuras en bronce y piedra son raras y superadas en número por las figurillas de cerámica y los sellos de piedra, a menudo de animales o deidades muy finamente representadas. Después del colapso de la civilización del valle del Indo, hay pocos registros de escultura hasta la era budista, aparte de un tesoro de figuras de cobre de (algo controvertido) c. 1500 a. C. de Daimabad.Por lo tanto, la gran tradición de la escultura monumental india en piedra parece comenzar relativamente tarde, con el reinado de Ashoka del 270 al 232 a. C., y los Pilares de Ashoka que erigió alrededor de la India, llevando sus edictos y coronados por famosas esculturas de animales, en su mayoría leones., de los cuales sobreviven seis. Grandes cantidades de escultura figurativa, principalmente en relieve, sobreviven de las primeras estupas de peregrinación budistas, sobre todo Sanchi; estos probablemente se desarrollaron a partir de una tradición en el uso de la madera. De hecho, la madera siguió siendo el principal medio escultórico y arquitectónico en Kerala a lo largo de todos los períodos históricos hasta décadas recientes.

Durante el siglo II al I a. C. en el extremo norte de la India, en el arte greco-budista de Gandhara de lo que ahora es el sur de Afganistán y el norte de Pakistán, las esculturas se volvieron más explícitas, representando episodios de la vida y las enseñanzas de Buda. Aunque India tenía una larga tradición escultórica y un dominio de la rica iconografía, el Buda nunca fue representado en forma humana antes de este tiempo, sino solo a través de algunos de sus símbolos. Esto puede deberse a que la escultura budista de Gandhara en el Afganistán moderno muestra una influencia artística griega y persa. Artísticamente, se dice que la escuela de escultura de Gandhara contribuyó con cabello ondulado, ropa que cubría ambos hombros, zapatos y sandalias, decoraciones con hojas de acanto, etc.

Las esculturas hindúes, jainistas y budistas de arenisca rosa de Mathura de los siglos I a III d.C. reflejaron tanto las tradiciones indias nativas como las influencias occidentales recibidas a través del arte greco-budista de Gandhara, y establecieron efectivamente la base para la escultura religiosa india posterior. El estilo se desarrolló y difundió en la mayor parte de la India bajo el Imperio Gupta (c. 320-550), que sigue siendo un período "clásico" para la escultura india, que cubre las primeras cuevas de Ellora, aunque las cuevas de Elefanta probablemente sean un poco posteriores. La escultura a gran escala posterior sigue siendo casi exclusivamente religiosa y, en general, bastante conservadora, a menudo volviendo a simples poses frontales de pie para las deidades, aunque los espíritus asistentes, como apsaras y yakshi, a menudo tienen poses sensualmente curvas. El tallado suele ser muy detallado, con un intrincado respaldo detrás de la figura principal en alto relieve. Los célebres bronces a la cera perdida de la dinastía Chola (c. 850-1250) del sur de la India, muchos diseñados para ser llevados en procesiones, incluyen la forma icónica de Shiva como Nataraja, con las enormes tallas de granito de Mahabalipuram que datan de la anterior dinastía Pallava.. El período Chola también es notable por sus esculturas y bronces.Entre los especímenes existentes en los diversos museos del mundo y en los templos del sur de la India, se pueden ver muchas bellas figuras de Siva en diversas formas, Vishnu y su esposa Lakshmi, santos de Siva y muchos más.

Pintura mural

La tradición y los métodos de la pintura de los acantilados de la India evolucionaron gradualmente a lo largo de muchos miles de años: se encuentran múltiples lugares con arte prehistórico. Las primeras cuevas incluían rocas sobresalientes decoradas con arte excavado en la roca y el uso de cuevas naturales durante el período Mesolítico (6000 a. C.). Su uso ha continuado en algunas áreas en tiempos históricos. Los refugios rocosos de Bhimbetka se encuentran en el borde de la meseta de Deccan, donde la profunda erosión ha dejado enormes afloramientos de arenisca. Las numerosas cuevas y grutas que se encuentran allí contienen herramientas primitivas y pinturas rupestres decorativas que reflejan la antigua tradición de la interacción humana con su paisaje, una interacción que continúa hasta el día de hoy.

Los frescos más antiguos que se conservan del período histórico se han conservado en las cuevas de Ajanta, y la cueva 10 tiene algunos del siglo I d.C., aunque los grupos más grandes y famosos son del siglo V. A pesar de las condiciones climáticas que tienden a ir en contra de la supervivencia de las pinturas más antiguas, en total se conocen más de 20 lugares en la India con pinturas y rastros de pinturas antiguas de la época antigua y medieval temprana (hasta los siglos VIII al X EC),aunque estos son solo una pequeña fracción de lo que alguna vez habría existido. Los frescos más significativos del período antiguo y medieval temprano se encuentran en las cuevas de Ajanta, Bagh, Ellora y Sittanavasal, siendo el último Jain de los siglos VII-X. Aunque muchos muestran evidencia de ser de artistas principalmente acostumbrados a decorar palacios, no sobreviven pinturas murales seculares tempranas.

Las pinturas al fresco de Chola se descubrieron en 1931 dentro del pasaje circunvalatorio del Templo Brihadisvara en Thanjavur, Tamil Nadu, y son los primeros especímenes de Chola descubiertos. Los investigadores han descubierto la técnica utilizada en estos frescos. Se aplica una masa suave de mezcla de piedra caliza sobre las piedras, que tardó de dos a tres días en asentarse. En ese corto lapso, cuadros tan grandes fueron pintados con pigmentos orgánicos naturales. Durante el período de Nayak, las pinturas de Chola fueron pintadas. Los frescos de Chola que se encuentran debajo tienen un espíritu ardiente de saivismo que se expresa en ellos. Probablemente se sincronizaron con la finalización del templo por Rajaraja Cholan el Grande.

La pintura mural de Kerala tiene frescos, murales o pinturas murales bien conservados en las paredes de los templos en Pundarikapuram, Ettumanoor y Aymanam y en otros lugares.

Pintura en miniatura

Aunque pocas miniaturas indias sobreviven antes del año 1000 EC, y algunas de los siglos siguientes, probablemente hubo una tradición considerable. Los que sobreviven son inicialmente ilustraciones para textos budistas, seguidos más tarde por equivalentes jainistas e hindúes, y el declive del budismo, así como el material de apoyo vulnerable del manuscrito de hoja de palma, probablemente explican la rareza de los primeros ejemplos.

La pintura mogol en miniaturas sobre papel se desarrolló muy rápidamente a fines del siglo XVI a partir de la influencia combinada de la tradición en miniatura existente y los artistas formados en la tradición persa en miniatura importada por la corte del emperador mogol. Los nuevos ingredientes del estilo fueron un realismo mucho mayor, especialmente en los retratos, y un interés por los animales, las plantas y otros aspectos del mundo físico. La pintura de Deccan se desarrolló casi al mismo tiempo en las cortes de los sultanatos de Deccan hacia el sur, de alguna manera más vital, aunque menos equilibrada y elegante.

Las miniaturas ilustraban libros o eran obras individuales para muraqqas o álbumes de pintura y caligrafía islámica. El estilo se extendió gradualmente en los siguientes dos siglos para influir en la pintura sobre papel en las cortes principescas tanto musulmanas como hindúes, y se convirtió en una serie de estilos regionales a menudo llamados "sub-mogoles", que incluyen la pintura Rajput, la pintura Pahari y, finalmente, la pintura Company, un estilo híbrido de acuarela influenciado por el arte europeo y patrocinado en gran medida por la gente del raj británico. En los centros "pahari" ("montaña") como el de la pintura de Kangra, el estilo siguió siendo vital y continuó desarrollándose en las primeras décadas del siglo XIX. Desde mediados del siglo XIX, las pinturas de caballete de estilo occidental fueron pintadas cada vez más por artistas indios formados en las escuelas de arte del gobierno.

Joyería

El subcontinente indio tiene el legado continuo más largo de fabricación de joyas, con una historia de más de 5000 años. El uso de joyas como depósito de capital sigue siendo más común en la India que en la mayoría de las sociedades modernas, y parece que siempre se prefirió el oro como metal. India y las áreas circundantes eran fuentes importantes de piedras preciosas de alta calidad, y las joyas de la clase dominante se caracterizan por su uso espléndido. Uno de los primeros en comenzar a hacer joyas fue la gente de la civilización del valle del Indo. Los primeros restos son escasos, ya que no fueron enterrados con sus dueños.

Otros materiales

La madera fue, sin duda, extremadamente importante, pero rara vez sobrevive mucho tiempo en el clima de la India. Las religiones dhármicas desaconsejaban los materiales orgánicos de animales como el marfil o el hueso, aunque existen ejemplos budistas, como los marfiles de Begram, muchos de fabricación india, pero encontrados en Afganistán, y algunos colmillos tallados relativamente modernos. En entornos musulmanes son más comunes.

Historia contextual del arte indio

Arte del templo

La oscuridad envuelve el período entre el declive de los Harappans y el período histórico definido que comienza con los Mauryas, y en el período histórico, la religión india más antigua que inspiró importantes monumentos artísticos fue el budismo. Aunque puede haber habido estructuras anteriores en madera que se han transformado en estructuras de piedra, no hay evidencias físicas de estas, excepto referencias textuales. Poco después de que los budistas iniciaran las cuevas excavadas en la roca, los hindúes y los jainistas comenzaron a imitarlos en Badami, Aihole, Ellora, Salsette, Elephanta, Aurangabad y Mamallapuram y Mughals. Parece ser una constante en el arte indio que las diferentes religiones compartieron un estilo artístico muy similar en un período y lugar en particular, aunque naturalmente adaptaron la iconografía para que coincidiera con la religión que los encargó.Probablemente los mismos grupos de artistas trabajaron para las diferentes religiones independientemente de sus propias afiliaciones.

El arte budista se desarrolló por primera vez durante el período Gandhara y los períodos Amaravati alrededor del siglo I a. Floreció mucho durante los períodos Gupta y Pala que comprenden la Edad de Oro de la India. Aunque el arte más glorioso de estos imperios indios era principalmente de naturaleza budista, posteriormente los imperios hindúes como los imperios Pallava, Chola, Hoysala y Vijayanagara también desarrollaron sus propios estilos de arte hindú.

No existe una línea de tiempo que divida la creación de templos excavados en la roca y los templos independientes construidos con piedra tallada a medida que se desarrollaron en paralelo. La construcción de estructuras independientes comenzó en el siglo V, mientras que los templos excavados en la roca continuaron siendo excavados hasta el siglo XII. Un ejemplo de un templo estructural independiente es el Templo de la Orilla, una parte del Patrimonio de la Humanidad de Mahabalipuram, con su esbelta torre, construida en la orilla de la Bahía de Bengala con rocas de granito finamente talladas cortadas como ladrillos y que data del siglo VIII. siglo.

Arte popular y tribal

El arte popular y tribal en la India adopta diferentes manifestaciones a través de diversos medios, como la cerámica, la pintura, el trabajo en metal, el arte en papel, el tejido y el diseño de objetos como joyas y juguetes. Estos no son solo objetos estéticos sino que, de hecho, tienen un significado importante en la vida de las personas y están ligados a sus creencias y rituales. Los objetos pueden ir desde esculturas, máscaras (utilizadas en rituales y ceremonias), pinturas, textiles, cestos, utensilios de cocina, brazos y armas, y el propio cuerpo humano (tatuajes y piercings). Hay un profundo significado simbólico que se adjunta no solo a los objetos en sí, sino también a los materiales y técnicas utilizados para producirlos.

A menudo, los dioses y las leyendas puránicos se transforman en formas contemporáneas e imágenes familiares. Ferias, festivales, héroes locales (en su mayoría guerreros) y deidades locales juegan un papel vital en estas artes (Ejemplo: el arte Nakashi de Telangana o Cherial Scroll Painting).

El arte popular también incluye las expresiones visuales de los nómadas errantes. Este es el arte de las personas que están expuestas a paisajes cambiantes mientras viajan por los valles y las tierras altas de la India. Llevan consigo las experiencias y recuerdos de diferentes espacios y su arte consiste en el patrón transitorio y dinámico de la vida. Las artes rurales, tribales y de los nómadas constituyen la matriz de la expresión popular. Ejemplos de artes populares son Warli, Madhubani Art, Manjusha Art, Tikuli Art, Gond art y Bhil art, etc.

Si bien la mayoría de las tribus y las comunidades tradicionales de artistas folclóricos se asimilan al tipo familiar de vida civilizada, aún continúan practicando su arte. Desafortunadamente, sin embargo, las fuerzas económicas y del mercado han asegurado que el número de estos artistas esté disminuyendo. Varias ONG y el Gobierno de la India están haciendo un gran esfuerzo para preservar y proteger estas artes y promoverlas. Varios eruditos en la India y en todo el mundo han estudiado estas artes y se encuentran disponibles algunas becas valiosas sobre ellas.

El espíritu popular tiene un papel tremendo que desempeñar en el desarrollo del arte y en la conciencia general de las culturas indígenas.

Modernismo Contextual

El año 1997 fue testigo de dos gestos paralelos de formación canónica. Por un lado, el influyente Baroda Group, una coalición cuyos miembros originales incluían a Vivan Sundaram, Ghulam Mohammed Sheikh, Bhupen Khakhar y Nalini Malani, y que había dejado su huella en la historia con la exposición de 1981 “Place for People”. —se historizó definitivamente en 1997 con la publicación de Contemporary Art in Baroda, una antología de ensayos editada por Sheikh. Por otro lado, la exposición de referencia del historiador de arte R. Siva Kumar y la publicación relacionada, A Contextual Modernism, devolvió a los artistas de Santiniketan (Rabindranath Tagore, Nandalal Bose, Benode Behari Mukherjee y Ramkinkar Baij) al lugar que les corresponde como creadores de un el modernismo autóctono logrado pero transcultural en la década de 1930, mucho antes de que los progresistas compusieran su manifiesto a fines de la década de 1940. De los artistas de Santiniketan, Siva Kumar observó que ellos “revisaron los antecedentes tradicionales en relación con las nuevas vías abiertas por los contactos interculturales. También lo vieron como un imperativo histórico. Se dieron cuenta de que la insularidad cultural tenía que dar paso al eclecticismo y la impureza cultural”.

La idea del Modernismo Contextual surgió en 1997 de Santiniketan: The Making of a Contextual Modernism de R. Siva Kumar como una herramienta crítica poscolonial en la comprensión de un modernismo alternativo en las artes visuales de las antiguas colonias como India, específicamente la de los artistas de Santiniketan..

Se han utilizado varios términos, incluidos la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow, para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall argumenta que 'Modernismo Contextual' es un término más adecuado porque “lo colonial en la modernidad colonialno da cabida a la negativa de muchos en situaciones colonizadas a internalizar la inferioridad. El rechazo a la subordinación de los maestros artistas de Santiniketan incorporó una visión contraria de la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsaba y caracterizaba la modernidad y el modernismo occidentales imperiales. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de un poder colonial británico triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares.”

Según R. Siva Kumar, "los artistas de Santiniketan fueron uno de los primeros en desafiar conscientemente esta idea de modernismo al optar por no participar tanto del modernismo internacionalista como del historicismo indígena y tratar de crear un modernismo sensible al contexto". Había estado estudiando el trabajo de los maestros de Santiniketan y pensando en su enfoque del arte desde principios de los años 80. La práctica de incluir a Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee en la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa. Esto sucedió porque los primeros escritores se guiaron por genealogías de aprendizaje en lugar de sus estilos, cosmovisiones y perspectivas sobre la práctica del arte.

El Modernismo Contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos de estudio relacionados, especialmente en Arquitectura.

Museos de arte de la India

Ciudades importantes

• Museo Nacional, Nueva Delhi
• Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya (CSMVS), Mumbai (anteriormente Museo Príncipe de Gales de la India occidental)
• Museo Indio, Calcuta
• Museo Salar Jung, Hyderabad
• Museo del Gobierno (Bangalore)
• Museo del Gobierno, Chennai
• Museo y Galería de Arte del Gobierno, Chandigarh

Museos arqueológicos

• Museo Estatal de Arqueología AP, Hyderabad
• Museo Arqueológico, Thrissur
• Museo de la ciudad, Hyderabad
• Museo del Gobierno, Mathura
• Museo del Gobierno, Tiruchirappalli
• Palacio de la colina, Tripunithura, Ernakulam
• Museo Estatal de Odisha, Bhubaneswar
• Museo Patna
• Museo Arqueológico Pazhassi Raja, Kozhikode
• Museo Sanghol
• Museo Sarnath
• Galería Arqueológica Estatal, Kolkata
• Museo del Jubileo de Victoria, Vijayawada

Museos de arte moderno

• Galería Nacional de Arte Moderno, Nueva Delhi - establecida en 1954.
• Galería Nacional de Arte Moderno, Mumbai - establecida en 1996.
• Galería Nacional de Arte Moderno, Bangalore - inaugurada en 2009.
• Museo de Arte Moderno de Kolkata: fundación establecida en 2013.

Otros museos

• Museo Albert Hall, Jaipur
• Museo de Allahabad
• Museo Asutosh de Arte Indio, Kolkata
• Museo y galería de imágenes de Baroda
• Museo Estatal de Goa, Panaji
• Museo Napier, Thiruvananthapuram
• Museo Nacional de Artesanía y Telares Manuales, Nueva Delhi
• Museos sánscritos, Delhi
• Museo Watson, Rajkot
• Museo Gubernamental Conmemorativo Srimanthi Bai, Mangalore