Arte indígena australiano

Arte indígena australiano incluye arte realizado por aborígenes australianos e isleños del Estrecho de Torres, incluidas colaboraciones con otros. Incluye obras en una amplia gama de medios que incluyen pintura sobre hojas, pintura en corteza, tallado en madera, tallado en roca, pintura en acuarela, escultura, ropa ceremonial y pintura con arena; arte de indígenas australianos que es anterior a la colonización europea por miles de años, hasta el día de hoy.

Arte indígena tradicional

Hay varios tipos y métodos utilizados para hacer arte aborigen, como pintura rupestre, pintura de puntos, grabados rupestres, pintura de corteza, tallas, esculturas, tejido y arte con hilos. El arte aborigen australiano es la tradición artística ininterrumpida más antigua del mundo.

Arte de piedra

El arte rupestre, incluida la pintura y el grabado o el tallado (petroglifos), se puede encontrar en sitios de toda Australia. Se han encontrado ejemplos de arte rupestre que se cree que representan megafauna extinta como Genyornis y Thylacoleo en la era del Pleistoceno, así como eventos históricos más recientes como la llegada de los europeos. buques.

Se estima que los ejemplos más antiguos de arte rupestre, en la región de Pilbara de Australia Occidental y el distrito de Olary en Australia Meridional, tienen unos 40.000 años de antigüedad. La evidencia más antigua de pintura rupestre con fecha firme en Australia es un dibujo al carbón en un pequeño fragmento de roca encontrado durante la excavación del refugio rocoso Narwala Gabarnmang en el suroeste de Arnhem Land en el Territorio del Norte. Con una fecha de 28.000 años, es una de las piezas de arte rupestre más antiguas conocidas en la Tierra con una fecha confirmada. Se cree que este fragmento decorado pudo haber formado parte de una obra de arte de techo más grande, sin embargo, se desconoce la forma del motivo original. El motivo de arte rupestre in situ inequívoco fechado de manera confiable más antiguo en Australia es una gran pintura de un macrópodo de un refugio rocoso en la región de Kimberley en Australia Occidental, fechado radiométricamente en un estudio de febrero de 2021 en aproximadamente 17,300 años.

Gwion El arte rupestre de Gwion (las "pinturas rupestres de Bradshaw", también conocidas como Giro Giro"), inicialmente llamado así por Joseph Bradshaw, quien las informó por primera vez en 1891, consiste en una serie de pinturas rupestres pinturas en cuevas en la región de Kimberley en Australia Occidental. Un estudio de 2020 sitúa este arte en unos 12.000 años.

Las figuras de Maliwawa se documentaron en un estudio dirigido por Paul Taçon y se publicaron en Arqueología australiana en septiembre de 2020. El arte incluye 572 imágenes en 87 sitios en el noroeste de Arnhem Land., desde el área de Awunbarna (Monte Borradaile) hasta Wellington Range. Se estima que se dibujaron hace entre 6.000 y 9.400 años. El hallazgo se describe como muy raro, no solo en estilo, sino también en su representación de bilbies (no conocidos históricamente en Arnhem Land) y la primera representación conocida de un dugongo. El arte, todas las pinturas en color rojo a morado excepto un dibujo, y en un estilo naturalista, no había sido descrito en la literatura antes de este estudio. Son grandes y representan relaciones entre personas y animales, un tema raro en el arte rupestre. Bilbies, tilacinos y dugongos se han extinguido en la tierra de Arnhem durante milenios. El arte fue visto por primera vez por los investigadores de 2008-2009, pero solo se estudió en una investigación de campo que duró de 2016 a 2018. Las figuras fueron nombradas por Ronald Lamilami, un propietario tradicional principal. Según Tacon, "las figuras adosadas de Maliwawa son las más antiguas que se conocen en el oeste de Arnhem Land y parece que esta convención pictórica comenzó con el estilo Maliwawa". Continúa hasta la actualidad con pinturas en corteza y pinturas sobre papel". Taçon establece comparaciones entre las figuras de Maliwawa y el estilo de figuras dinámicas de George Chaloupka, donde el tema consiste en aproximadamente un 89 por ciento de humanos, en comparación con el 42 por ciento de las figuras de Maliwawa. Sin embargo, existe mucha complejidad y debate con respecto a la clasificación del estilo de arte rupestre en Arnhem Land.

Otros sitios de arte rupestre pintado incluyen Laura, Queensland, Ubirr, en el Parque Nacional Kakadu, Uluru y Carnarvon Gorge.

Los grabados en roca, o petroglifos, se crean mediante métodos que varían según el tipo de roca que se utilice y otros factores. Hay varios tipos diferentes de arte rupestre en Australia, el más famoso de los cuales es Murujuga en Australia Occidental, los grabados rupestres de Sydney alrededor de Sydney en Nueva Gales del Sur y el arte rupestre Panaramitee en Australia Central. Los grabados de Toowoomba, que representan animales y humanos tallados, tienen su propio estilo peculiar que no se encuentra en ningún otro lugar de Australia.

Se dice que los grabados rupestres de Murujuga son la colección de petroglifos más grande del mundo e incluyen imágenes de animales extintos como el tilacino. Se registra la actividad antes de la última edad de hielo hasta la colonización.

Arreglos de piedras

Los arreglos de piedra aborígenes son una forma de arte rupestre construido por los aborígenes australianos. Por lo general, consisten en piedras, cada una de las cuales puede tener un tamaño de unos 30 cm, dispuestas en un patrón que se extiende a lo largo de varios metros o decenas de metros. Cada piedra está bien incrustada en el suelo y muchas tienen "piedras desencadenantes" para apoyarlos. Los ejemplos particularmente buenos se encuentran en el estado de Victoria, donde algunos ejemplos tienen piedras muy grandes. Por ejemplo, el arreglo de piedras en Wurdi Youang consta de unas 100 piedras dispuestas en un óvalo en forma de huevo de unos 50 metros (160 pies) de ancho. La apariencia del sitio es similar a la de los círculos de piedra megalíticos que se encuentran en toda Gran Bretaña (aunque la función y la cultura son presumiblemente completamente diferentes). Aunque su asociación con los aborígenes australianos está bien autenticada y fuera de toda duda, el propósito no está claro, aunque puede tener una conexión con los ritos de iniciación. También se ha sugerido que el sitio puede haber sido utilizado con fines astronómicos. Los arreglos de piedra más pequeños se encuentran en toda Australia, como los que están cerca de Yirrkala, que representan imágenes precisas del praus utilizado por los pescadores y lanzadores de Macassan Trepang.

Tallas en madera

El tallado en madera siempre ha sido una parte esencial de la cultura aborigen, requiriendo madera, piedra afilada para tallar, alambre y fuego. El alambre y el fuego se usaron para crear patrones en el objeto calentando el alambre con el fuego y colocándolo sobre la talla de madera.

Las tallas de madera, como las del artista de Australia Central Erlikilyika, con forma de animales, a veces se cambiaban a los europeos a cambio de mercancías. La razón por la que los aborígenes hicieron tallas de madera fue para ayudar a contar sus historias de sueños y transmitir la tradición e información esencial de su grupo sobre su país y sus costumbres. También se usaban en ceremonias, como la ilma.

Los aborígenes de las islas Tiwi tallaban tradicionalmente pukumani postes para tumbas, y desde la década de 1960 han estado tallando y pintando figuras de hierro y madera.

Textiles

En la mayoría de las áreas del Pacífico, los hombres supervisan el arte y la arquitectura; las mujeres supervisan el arte en tela de fieltro que harían con corteza de árbol y plantas. El arte de la confección es supervisado por la jefa a cargo de la producción. Estas ropas detalladas se usaban para los rituales; cada uno representaba riqueza y rango en el grupo. La vestimenta sagrada también se utiliza en el comercio de bienes y relaciones sociales y políticas. Usar el tejido y luego quitárselo y dárselo a otra persona ayudó a vincular o reforzar la amistad o las alianzas.

Canastas y tejidos

Las cestas, a veces cestas enrolladas, se creaban retorciendo corteza, hojas de palma y plumas; algunas de las canastas eran sencillas y otras se crearon con colgantes de plumas o plumas tejidas en el marco de la canasta. Los artistas utilizaron tintes minerales y vegetales para colorear las hojas de palma y la corteza del hibisco. Estas bolsas y canastas de hilo se usaban en ceremonias para necesidades religiosas y rituales; las cestas también podrían haber sido utilizadas para llevar cosas al pueblo.

La cestería ha sido practicada tradicionalmente por las mujeres de muchos pueblos aborígenes australianos en todo el continente durante siglos.

Joyería

Los aborígenes crearon colgantes de concha que se consideraban de alto valor y que a menudo se usaban para intercambiar bienes. Estas conchas estaban unidas a una cuerda, que estaba hecha a mano con cabello humano y, a veces, se cubría con un tipo de grasa y ocre rojo. Estas joyas a veces se colgaban alrededor del cuello o la cintura de un hombre para usarlas durante las ceremonias.

Kalti paarti

El tallado de Kalti paarti es una forma de arte tradicional hecha tallando huevos de emú. No es tan antigua como algunas otras técnicas, ya que se originó en el siglo XIX.

Símbolos

Ciertos símbolos dentro del movimiento de arte moderno aborigen conservan el mismo significado en todas las regiones, aunque el significado de los símbolos puede cambiar dentro del contexto de una pintura. Cuando se ven en monocromo, otros símbolos pueden verse similares, como los círculos dentro de círculos, a veces representados solos, de forma dispersa o en grupos agrupados. Dependiendo del grupo al que pertenezca el artista, los símbolos como fogata, árbol, colina, hoyo de excavación, pozo de agua o manantial pueden variar en significado. El uso del símbolo se puede aclarar aún más mediante el uso del color, como el agua que se representa en azul o negro.

Muchas pinturas de artistas aborígenes, como las que representan una historia de ensueño, se muestran desde una perspectiva aérea. La narración sigue la mentira de la tierra, tal como la crearon los seres ancestrales en su viaje o durante la creación. La versión moderna es una reinterpretación de canciones, ceremonias, arte rupestre, arte corporal y ceremonias (como el awelye) que fueron la norma durante muchos miles de años.

Cualquiera que sea el significado, las interpretaciones de los símbolos deben hacerse en el contexto de toda la pintura, la región de donde es originario el artista, la historia detrás de la pintura y el estilo de la pintura.

Aspectos religiosos y culturales del arte aborigen

Algunos sitios naturales eran sagrados para ellos y también eran el lugar donde se realizaban los rituales estacionales. Durante estos rituales, los aborígenes crearon arte como objetos de plumas y fibras, pintaron y crearon grabados rupestres, y también pintaron sobre la corteza de los árboles Eucalyptus tetrodonta. Si bien las historias diferían entre los clanes, los grupos lingüísticos y los grupos más amplios, el Ensueño (o Jukurrpa) es común a todos los pueblos aborígenes. Como parte de estas creencias, durante la antigüedad, los espíritus de los ancestros aborígenes míticos fueron los creadores de la tierra y el cielo, y eventualmente se convirtieron en parte de ellos. Los pueblos aborígenes' las creencias espirituales sustentan sus leyes, formas de arte y ceremonias. El arte aborigen tradicional casi siempre tiene un trasfondo mitológico relacionado con el Sueño.

Wenten Rubuntja, un paisajista indígena, dice que es difícil encontrar un arte que carezca de significado espiritual:

No importa qué tipo de pintura hacemos en este país, todavía pertenece a la gente, a toda la gente. Esto es adoración, trabajo, cultura. Todo está soñando. Hay dos formas de pintar. Ambas formas son importantes, porque eso es cultura. – fuente The Weekend Australian Magazine, abril de 2002

La narración de historias y la representación de tótem ocupan un lugar destacado en todas las formas de arte aborigen. Además, la forma femenina, particularmente el útero femenino en estilo de rayos X, ocupa un lugar destacado en algunos sitios famosos de Arnhem Land. Los estilos de rayos X datan de 2000 a 1000 a. Es una técnica indígena en la que el artista crea imágenes transparentes de rayos X conceptualizadas. Los mimi, espíritus que enseñaron el arte de pintar a los aborígenes, y antepasados son "liberados" a través de este tipo de obras de arte.

Graffiti y otras influencias destructivas

Muchos sitios culturalmente significativos de pinturas rupestres aborígenes han sido profanados y destruidos gradualmente por la invasión de los primeros colonos y los visitantes de hoy en día. Esto incluye la destrucción de obras de arte por trabajos de limpieza y construcción, la erosión causada por el contacto excesivo con los sitios y el grafiti. Muchos sitios que ahora pertenecen a Parques Nacionales tienen que ser monitoreados estrictamente por guardabosques o cerrados al público de forma permanente.

Arte isleño del Estrecho de Torres

La mitología y la cultura, profundamente influenciadas por el océano y la vida natural alrededor de las islas, siempre han informado las formas de arte tradicionales. Destacan con fuerza tortugas, peces, dugongos, tiburones, aves marinas y cocodrilos de agua salada, que son considerados seres totémicos.

Se crean tocados elaborados o dhari (también deletreado dari), como se muestra en la bandera isleña del Estrecho de Torres, con el propósito de danzas ceremoniales. Históricamente, el dari fue usado por los guerreros del Estrecho de Torres en la batalla. Es visto como un poderoso símbolo del pueblo isleño del Estrecho de Torres, que hoy representa paz y armonía. El artista de renombre mundial Ken Thaiday Snr ha creado dharis elaborados utilizando materiales modernos en su obra de arte contemporánea.

Los isleños del Estrecho de Torres son la única cultura en el mundo que fabrica máscaras de caparazón de tortuga, conocidas como krar (concha de tortuga) en las Islas Occidentales y le-op (cara humana).) en las islas orientales.

Did you mean:

Prominent among the artforms is came (alt. wameya), many different string figures.

Las islas tienen una larga tradición de tallado en madera, creación de máscaras y tambores, y tallado de elementos decorativos en estos y otros artículos para uso ceremonial. A partir de la década de 1970, los jóvenes artistas comenzaban sus estudios aproximadamente al mismo tiempo que se producía una importante reconexión con los mitos y leyendas tradicionales. Las publicaciones de Margaret Lawrie, Myths and Legends of the Torres Strait (1970) y Tales from the Torres Strait (1972), reviven historias que habían sido casi olvidadas, influenció mucho a los artistas. Si bien Haddon escribió algunas de estas historias después de su expedición de 1898 al Estrecho de Torres, muchas quedaron en desuso o se olvidaron posteriormente.

En la década de 1990, un grupo de artistas jóvenes, incluido el galardonado Dennis Nona (n. 1973), comenzó a traducir estas habilidades en formas más portátiles de grabado, linóleo y grabado, así como esculturas de bronce a mayor escala. Otros artistas destacados incluyen a Billy Missi (1970–2012), conocido por sus grabados en linóleo en blanco y negro decorados de la vegetación y los ecosistemas locales, y Alick Tipoti (n. 1975). Estos y otros artistas del Estrecho de Torres han expandido enormemente las formas de arte indígena dentro de Australia, aportando excelentes habilidades de tallado melanesio, así como nuevas historias y temas. La Facultad de Educación Técnica y Superior de Thursday Island fue un punto de partida para que los jóvenes isleños siguieran estudios de arte. Muchos continuaron sus estudios de arte, especialmente en grabado, inicialmente en Cairns, Queensland y luego en la Universidad Nacional de Australia en lo que ahora es la Escuela de Arte y Diseño. Otros artistas como Laurie Nona, Brian Robinson, David Bosun, Glen Mackie, Joemen Nona, Daniel O'Shane y Tommy Pau son conocidos por su trabajo de grabado.

Did you mean:

An exhibition of Alick Tipoti 's work, titled Zugubal, was mounted at the Cairns Regional Gallery in July 2015.

Arte indígena contemporáneo

Artistas aborígenes modernos

En 1934, el pintor australiano Rex Battarbee enseñó al artista aborigen Albert Namatjira la pintura de paisajes con acuarela de estilo occidental, junto con otros artistas aborígenes en la misión de Hermannsburg en el Territorio del Norte. Se convirtió en un estilo popular, conocido como Escuela de Hermannsburg, y se agotó cuando las pinturas se exhibieron en Melbourne, Adelaida y otras ciudades australianas. Namatjira se convirtió en el primer ciudadano australiano aborigen, como resultado de su fama y popularidad con estas acuarelas.

En 1966, uno de los diseños de David Malangi se produjo en el billete de un dólar australiano, originalmente sin su conocimiento. El pago posterior que le hizo el Banco de la Reserva marcó el primer caso de derechos de autor aborígenes en la ley de derechos de autor de Australia.

En 1988, se inauguró el Monumento aborigen en la Galería Nacional de Australia en Canberra, hecho con 200 ataúdes de troncos huecos, que son similares a los que se usan para las ceremonias mortuorias en Arnhem Land. Se hizo para el bicentenario de la colonización de Australia y recuerda a los aborígenes que murieron protegiendo su tierra durante el conflicto con los colonos. Fue creado por 43 artistas de Ramingining y comunidades cercanas. El camino que atraviesa el centro representa el río Glyde.

Did you mean:

In that same year, the new Parliament House in Canberra opened with a forecourt featuring a design by Michael Nelson Jagamara, laid as a mosaic.

El difunto Rover Thomas es otro artista aborigen australiano moderno muy conocido. Nacido en Australia Occidental, representó a Australia en la Bienal de Venecia de 1990. Conoció y alentó a otros artistas ahora conocidos a pintar, incluida Queenie McKenzie de la región de East Kimberley / Warmun, además de tener una fuerte influencia en las obras de Paddy Bedford y Freddy Timms.

A fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, el trabajo de Emily Kngwarreye, de la comunidad de Utopia al noreste de Alice Springs, se volvió muy popular. Aunque había estado involucrada en la artesanía durante la mayor parte de su vida, fue solo cuando tenía 80 años que fue reconocida como pintora. Sus obras incluyen La creación de la Tierra. Sus estilos, que cambian cada año, se han visto como una mezcla de aborígenes tradicionales y australianos contemporáneos. Su ascenso en popularidad ha prefigurado el de muchos artistas indígenas del centro, norte y oeste de Australia, como la sobrina de Kngwarreye, Kathleen Petyarre, Angelina Pwerle, Minnie Pwerle, Dorothy Napangardi, Lena Pwerle y docenas de otros, todos cuyos Las obras se han vuelto muy buscadas. La popularidad de estos artistas, a menudo ancianos, y la presión resultante sobre ellos y su salud se ha convertido en un problema tal que algunos centros de arte han dejado de vender estos artistas. pinturas en línea, en lugar de colocar a los posibles clientes en una lista de espera para el trabajo.

Los artistas actuales en boga incluyen a Jacinta Hayes, popular por su representación icónica de "Bush Medicine Leaves" y 'Honey Ants', Rex Sultan (que estudió con Albert Namatjira), Trephina Sultan y Reggie Sultan, Bessie Pitjara y Joyce Nakamara, entre otros.

A pesar de las preocupaciones sobre la oferta y la demanda de pinturas, la lejanía de muchos de los artistas y la pobreza y los problemas de salud experimentados en las comunidades, hay estimaciones generalizadas de una industria que vale cerca de quinientos millones de dólares australianos cada año, y creciendo rápidamente.

Did you mean:

Papunya Tula and "dot painting "

En 1971–1972, el profesor de arte Geoffrey Bardon animó a los aborígenes de Papunya, al noroeste de Alice Springs, a plasmar sus sueños en lienzo. Estas historias se habían dibujado previamente en la arena del desierto y ahora se les dio una forma más permanente.

Los puntos se usaban para cubrir ceremonias secretas-sagradas. Originalmente, los artistas de Tula lograron formar su propia compañía con un nombre aborigen, Papunya Tula Artists Pty Ltd, sin embargo, siguió un tiempo de desilusión cuando los artistas fueron criticados por sus compañeros por haber revelado demasiado de su herencia sagrada. Los diseños secretos restringidos a un contexto ritual estaban ahora en el mercado, hechos visibles para la pintura aborigen australiana. Gran parte del arte aborigen que se exhibe en las tiendas para turistas se remonta a este estilo desarrollado en Papunya. El más famoso de los artistas que surgieron de este movimiento fue Clifford Possum Tjapaltjarri. También pertenece a este movimiento Johnny Warangkula Tjupurrula, cuyo Sueños acuáticos en Kalipinya se vendió dos veces a un precio récord, la segunda vez por 486.500 dólares en 2000.

La Colección Papunya del Museo Nacional de Australia contiene más de 200 artefactos y pinturas, incluidos ejemplos de pinturas de puntos de la década de 1970.

Problemas

Ha habido casos de algunos comerciantes explotadores (conocidos como carpetbaggers) que han tratado de sacar provecho del éxito de los movimientos artísticos aborígenes. Desde la época de Geoffrey Bardon y en los primeros años del movimiento Papunya, ha habido preocupaciones sobre la explotación de los artistas, en su mayoría analfabetos y que no hablan inglés.

Una de las principales razones por las que el movimiento Yuendumu se estableció y luego floreció, se debió al sentimiento de explotación entre los artistas:

Many of the artists who played crucial roles in the founding of the art centre were aware of the increasing interest in Aboriginal art during the 1970s and had looked with concern andious the developments of the art movement at Papunya among people to whom they were closely related. También existe un creciente mercado privado para el arte aborigen en Alice Springs. Las experiencias de los artistas del mercado privado estaban marcadas por sentimientos de frustración y un sentido de desempoderamiento cuando los compradores se negaron a pagar precios que reflejaban el valor del Jukurrpa o mostraban poco interés en entender la historia. El establecimiento de Warlukurlangu fue una forma de asegurar que los artistas tuvieran algún control sobre la compra y distribución de sus pinturas.

Otros casos de explotación incluyen:

• pintura para un limón (car): "Los artistas han venido a mí y sacado fotos de coches con números de teléfono móvil en la parte posterior. Se les pide que pinten 10-15 lienzos a cambio de un coche. Cuando las 'Toyotas' se materializan, a menudo llegan con un neumático plano, sin repuestos, sin gato, sin combustible."
• presa de un artista enfermo: "Incluso viniendo a la ciudad para el tratamiento médico, como la diálisis, puede hacer un artista fácil presa para los distribuidores que quieren hacer un beneficio rápido que se congregan en Alice Springs"
• persiguiendo a un artista famoso: "El tardío (grande) Emily Kngwarreye... fue perseguido implacablemente por los moquetas hacia el final de su carrera y produjo un gran pero inconsistente cuerpo de trabajo." Según Sotheby's "Tomamos una de cada 20 pinturas suyas, y con las que buscamos la procedencia podemos estar 100% seguros".

En marzo de 2006, ABC informó que el fraude artístico había afectado a los movimientos de arte aborigen de Australia Occidental. Se hicieron denuncias de condiciones similares a las de los talleres clandestinos, obras falsas de mochileros ingleses, precios excesivos y artistas que posaban para fotografías de obras de arte que no eran de ellos. Un detective del caso dijo:

La gente está claramente aprovechando... Especialmente los ancianos. Es decir, son personas que, no son educadas; no han tenido mucho contacto con la gente blanca. No tienen un verdadero entendimiento básico, ya sabes, de la ley e incluso de la ley de negocios. Obviamente no tienen sentido de negocio real. Un dólar no tiene mucho significado para ellos, y creo que tratar a alguien así es sólo... No está en este país.

En agosto de 2006, tras las preocupaciones planteadas sobre prácticas poco éticas en el sector del arte indígena, el Senado australiano inició una investigación sobre los problemas del sector. Se escuchó de la ministra de Arte del Territorio del Norte, Marion Scrymgour, que los mochileros eran a menudo los artistas del arte aborigen que se vendían en las tiendas turísticas de Australia:

El material que llaman arte aborigen es casi exclusivamente obra de falsificadores, falsificadores y estafadores. Su trabajo se esconde detrás de descripciones falsas y diseños dudosos. La abrumadora mayoría de los que ves en tiendas por todo el país, sin mencionar a Darling, son falsos, puros y simples. Hay alguna evidencia anécdota aquí en Darwin por lo menos, han sido pintados por mochileros trabajando en la producción de madera a escala industrial.

Did you mean:

The inquiry 's final report made recommendations for changed funding and governance of the sector, including a code of practice.

Movimientos de arte aborigen y cooperativas

Los movimientos y cooperativas de arte indígena australiano han sido fundamentales para el surgimiento del arte indígena australiano. Mientras que muchos artistas occidentales buscan una formación formal y trabajan como individuos, la mayor parte del arte indígena contemporáneo se crea en grupos comunitarios y centros de arte.

Muchos de los centros operan galerías de arte en línea donde los visitantes locales e internacionales pueden comprar obras directamente de las comunidades sin la necesidad de pasar por un intermediario. Las cooperativas reflejan la diversidad del arte en la Australia indígena de la región noroeste, donde el ocre se usa de manera significativa; al norte tropical donde prevalece el uso del sombreado cruzado; al estilo de arte Papunya de las cooperativas del desierto central. El arte se está convirtiendo cada vez más en una importante fuente de ingresos y de sustento para algunas de estas comunidades.

Premios

Los ganadores de los Premios a las Artes Indígenas de Australia Occidental se anunciaron el 22 de agosto de 2013. De más de 137 nominaciones de toda Australia, Churchill Cann ganó la Mejor Pieza de Australia Occidental (10.000 dólares australianos) y el artista de North Queensland, Brian Robinson, ganó el premio a la Mejor Obra General. (50.000 dólares australianos).

Expresiones culturales tradicionales

Los conocimientos tradicionales y las expresiones culturales tradicionales son tipos de conocimientos indígenas, según las definiciones y la terminología utilizadas en la Declaración de las Naciones Unidas sobre los Derechos de los Pueblos Indígenas y por el Comité Intergubernamental de Derechos de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (OMPI). Propiedad Intelectual y Recursos Genéticos, Conocimiento Tradicional y Folclore. "Expresiones culturales tradicionales" es utilizado por la OMPI para referirse a "cualquier forma de expresión artística y literaria en la que se encarnan la cultura y los conocimientos tradicionales. Se transmiten de una generación a la siguiente, e incluyen tejidos hechos a mano, pinturas, cuentos, leyendas, ceremonias, música, canciones, ritmos y danzas.

La abogada australiana Terri Janke, autoridad internacional líder en propiedad cultural e intelectual indígena, dice que dentro de las comunidades indígenas australianas, "el uso de la palabra 'tradicional' tiende a no ser preferido ya que implica que la cultura indígena está encerrada en el tiempo".

Arte aborigen en museos internacionales

El arte indígena australiano ha sido muy estudiado en los últimos años y ha ganado mucho reconocimiento internacional.

El Museo de Arte Aborigen Australiano "La grange" (en Neuchâtel, Suiza) es uno de los pocos museos de Europa que se dedica por completo a este tipo de arte. Durante las exposiciones de temporada, se muestran obras de arte de artistas de renombre internacional. Además, el Musée du Quai Branly, París, tiene un "Oceanía" colección, que incluye obras de los artistas aborígenes australianos Lena Nyadbi, Paddy Nyunkuny Bedford, Judy Watson, Gulumbu Yunupingu, John Mawurnjul, Tommy Watson, Ningura Napurrula y Michael Riley.

Dos museos que exhiben únicamente arte aborigen australiano son el AAMU Museum voor hedendaagse Aboriginal kunst [nl] (Museo de Arte Aborigen Contemporáneo, cerrado en 2017) en Utrecht, Países Bajos, y la Colección de Arte Aborigen Kluge-Ruhe de la Universidad de Virginia.