Arte francés del siglo XX
El arte francés del siglo XX se desarrolló a partir del impresionismo y el posimpresionismo que dominaron el arte francés a fines del siglo XIX. La primera mitad del siglo XX en Francia vio los experimentos aún más revolucionarios del cubismo, el dadaísmo y el surrealismo, movimientos artísticos que tendrían un gran impacto en el arte occidental y eventualmente mundial. Después de la Segunda Guerra Mundial, mientras los artistas franceses exploraban tendencias como el tachismo, el fluxus y el nuevo realismo, la preeminencia de Francia en las artes visuales se vio eclipsada progresivamente por los desarrollos en otros lugares (en particular, Estados Unidos).
Del impresionismo a la Segunda Guerra Mundial
Los primeros años del siglo XX estuvieron dominados por el neoimpresionismo y el divisionismo, experimentos de color y contenido que habían desencadenado el impresionismo, el posimpresionismo y el simbolismo. Los productos del Lejano Oriente también trajeron nuevas influencias. Les Nabis exploró un arte decorativo en llanuras planas con un enfoque gráfico de estampado japonés. A partir de 1904, Les Fauves explotaron en color (al igual que el expresionismo alemán).
La influencia de las máscaras tribales africanas llevó a Pablo Picasso a sus Demoiselles d'Avignonde 1907. Picasso y Georges Braque (trabajando de forma independiente) retoman y refinan la forma de Cézanne de entender racionalmente los objetos en un medio plano; pero sus experimentos en el cubismo también les llevarían a integrar todos los aspectos de la vida cotidiana: periódicos, instrumentos musicales, cigarrillos, vino. Picasso y Braque exhibieron su cubismo analítico bajo un contrato de exclusividad en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, ubicada en una calle tranquila detrás de La Madeleine en el distrito 8 de París. Al mismo tiempo, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay y Fernand Léger exhibieron formas alternativas de cubismo en el Salon des Indépendants y el Salon d'Automne; exposiciones masivas que llamaron la atención del público en general sobre el cubismo.El cubismo en todas sus fases y diversos estilos dominaría Europa y América durante los próximos diez años.
La Primera Guerra Mundial no detuvo la dinámica creación de arte en Francia. En 1916 un grupo de descontentos se reúnen en un bar de Zúrich (el Cabaret Voltaire) y crean el gesto más radical posible: el antiarte dadaísta. Al mismo tiempo, Francis Picabia y Marcel Duchamp exploraban nociones similares. En una muestra de arte en Nueva York en 1917, Duchamp presentó un urinario de porcelana blanca firmado por R. Mutt como obra de arte, convirtiéndose en el padre del "ready made".
Los campos de exterminio de la guerra (casi una décima parte de la población masculina adulta francesa había resultado muerta o herida) habían hecho ver a muchos lo absurdo de la existencia. Este fue también el período en el que se afianzó la Generación Perdida: los estadounidenses ricos disfrutaban de las libertades de la Francia libre de la Prohibición en la década de 1920 y los soldados pobres se marchaban al extranjero por primera vez. París también fue, para los afroamericanos, sorprendentemente libre de las restricciones raciales que se encuentran en Estados Unidos (James Baldwin, Richard Wright, Josephine Baker).
Cuando Dada llegó a París, fue acogido con avidez por un grupo de jóvenes artistas y escritores que estaban fascinados con los escritos de Sigmund Freud, y en particular con la noción de la mente inconsciente. El espíritu provocador del dadá se vinculó a la exploración de la mente inconsciente mediante el uso de la escritura automática, operaciones al azar y, en algunos casos, estados alterados. Los surrealistas se volcaron rápidamente a la pintura y la escultura. El choque de elementos inesperados, el uso de Frottage, el collage y la decalcomanía, la representación de paisajes misteriosos y oníricos se convertirían en las técnicas clave durante el resto de la década de 1930.
La Segunda Guerra Mundial puso fin a la fiesta. Muchos surrealistas como Yves Tanguy, Max Ernst, André Breton y André Masson huyeron de la Francia ocupada hacia Nueva York y los Estados Unidos (Duchamp ya había estado en los Estados Unidos desde 1936), pero la cohesión y la vitalidad se perdieron en la ciudad estadounidense.
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Posterior a la Segunda Guerra Mundial
La escena artística francesa inmediatamente después de la guerra tomó varias direcciones. Algunos continuaron los experimentos artísticos de las décadas de 1930 y 1940, especialmente el surrealismo y la abstracción geométrica, y otros asociados con la abstracción lírica, el tachismo, el nuagismo, el informalismo y el paysagismo abstracto (modos de expresión similares al expresionismo abstracto o la pintura de acción de Nueva York).. Estos artistas incluyeron a Wols, Jean Fautrier, Hans Hartung, Jean-Paul Riopelle, Jean Degottex, Gérard Ernest Schneider, Pierre Soulages, Jean Messagier y Georges Mathieu.
Al mismo tiempo, Jean Dubuffet dominó los primeros años de la posguerra mientras exploraba dibujos infantiles, grafitis y caricaturas en una variedad de medios en lo que llamó "Art Brut" (ver Arte marginal). Mientras tanto, François Fiedler buscaba la combinación perfecta de color y textura entre las multitudinarias capas de pintura que se abrían paso en su lienzo.
En 1960, Pierre Restany e Yves Klein fundaron el movimiento Nuevo Realismo (en francés: Nouveau Réalisme), y el 27 de octubre de 1960 firmaron una declaración conjunta nueve personas: Yves Klein, Arman, Francois Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely y Jacques de la Villeglé; en 1961 se unieron a ellos César, Mimmo Rotella, luego Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps. El artista Christo se unió al grupo en 1963. Los miembros del grupo veían el mundo como una imagen, de la que tomarían partes y las incorporarían a sus obras. Buscaban acercar la vida y el arte, y a menudo se ha comparado con el Pop Art.. Yves Klein hizo que mujeres desnudas rodaran en pintura azul y se arrojaran a los lienzos; Niki de Saint-Phalle creó figuras de plástico hinchadas y vibrantes; Arman reunió objetos encontrados en ensamblajes en cajas o recubiertos de resina; César Baldaccini produjo una serie de grandes esculturas de objetos comprimidos (similares a los automóviles aplastados de Chamberlain); Daniel Spoerri utilizó las comidas y los alimentos como material artístico.
Asociados de diversas maneras con el Nuevo Realismo, los artistas del movimiento internacional Fluxus, nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-1978), un artista estadounidense nacido en Lituania, alentaron una estética del hágalo usted mismo y valoraron la simplicidad sobre la complejidad.. Al igual que antes Dada, Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad antiarte, menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas. La subcontratación de parte del proceso creativo a fabricantes comerciales generalmente no formaba parte de la práctica de Fluxus. El artista francés más importante de Fluxus,
Otro artista en el período incluye a Victor Vasarely, quien inventó Op-Art al diseñar patrones ópticos sofisticados.
En mayo de 1968, el movimiento juvenil radical, a través de su atelier populaire, produjo una gran cantidad de carteles de protesta contra las políticas moribundas del presidente Charles de Gaulle.
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Arte contemporáneo en Francia
Muchos artistas contemporáneos siguen siendo perseguidos por los horrores de la guerra y el espectro del holocausto. Las desgarradoras instalaciones de Christian Boltanski sobre lo perdido y lo anónimo son particularmente poderosas.
El trabajo de su esposa Annette Messager, quien representó a Francia en la Bienal de Venecia de 2005, trata temas de identidad y feminismo.
El trabajo de la fotógrafa, artista de instalaciones y artista conceptual Sophie Calle se distingue por el uso de conjuntos arbitrarios de restricciones y evoca el movimiento literario francés de la década de 1960 conocido como Oulipo. Su trabajo frecuentemente representa la vulnerabilidad humana y examina la identidad y la intimidad. Es reconocida por su habilidad de detective para seguir a extraños e investigar su vida privada. Su trabajo fotográfico a menudo incluye paneles de texto de su propia escritura.
A partir de la década de 1980, el movimiento Figuration Libre se constituyó en torno a figuras francesas como Remi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé Di Rosa, Richard Di Rosa y Louis Jammes. Entre 1982 y 1985, estos artistas expusieron en varias ocasiones con sus homólogos estadounidenses: Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf, Tseng Kwong Chi y, entre otros, Crash (exposiciones en Nueva York, Londres, Pittsburgh y París). La Figuración Libre se inscribe en la prolongación de artistas y movimientos históricos cuya especificidad fue la apertura a formas de expresión marginadas, como se había abierto el cubismo con el arte africano y oceánico (entre otras influencias), y el "art brut" con el dibujo infantil, Arte pop con publicidad y tiras cómicas.
Pierre et Gilles (Pierre Commoy y Gilles Blanchard) son parejas artísticas y románticas francesas homosexuales. Producen fotografías muy estilizadas, construyen sus propios decorados y vestuarios y retocan las fotografías. Su trabajo a menudo presenta imágenes de la cultura popular, la cultura gay, incluida la pornografía (especialmente James Bidgood) y la religión.
Otros artistas franceses contemporáneos importantes incluyen a Jean-Pierre Raynaud, Orlan, Ernest Pignon-Ernest, Daniel Buren, Jean-Marc Bustamante, Pierre Huyghe, Valérie Mréjen.