Arte francés

El arte francés consiste en las artes visuales y plásticas (incluida la arquitectura francesa, la carpintería, los textiles y la cerámica) que se originan en el área geográfica de Francia. La Francia moderna fue el centro principal del arte europeo del Paleolítico superior, luego dejó muchos monumentos megalíticos y, en la Edad del Hierro, muchos de los hallazgos más impresionantes del arte celta primitivo. El período galo-romano dejó un estilo de escultura provincial distintivo, y la región alrededor de la moderna frontera franco-alemana lideró al imperio en la producción en masa de cerámica antigua romana finamente decorada, que se exportaba a Italia y a otros lugares a gran escala. Con el arte merovingio comienza la historia de los estilos franceses como un elemento distintivo e influyente en el desarrollo más amplio del arte de la Europa cristiana.

Se puede decir con justicia que Francia ha sido un líder en el desarrollo del arte románico y el arte gótico, antes de que el Renacimiento llevara a Italia a convertirse en la principal fuente de desarrollo estilístico hasta que Francia igualó la influencia de Italia durante los períodos rococó y neoclasicismo y luego recuperó el papel principal. en las Artes desde el siglo XIX hasta mediados del XX.

Resumen histórico

Prehistoria

Actualmente, el arte europeo más antiguo conocido es del período Paleolítico superior de hace entre 40 000 y 10 000 años y Francia tiene una gran selección de arte prehistórico existente de las culturas chatelperroniana, auriñaciense, solutrense, gravetiense y magdaleniense. Este arte incluye pinturas rupestres, como las famosas pinturas de Pech Merle en el Lot en Languedoc que datan del 16.000 a., del 25 000 a. C., la cueva de Cosquer, la cueva de Chauvet que data del 29 000 a. C. y la cueva de Trois-Frères; y arte portátil, como tallas de animales y grandes estatuillas de diosas llamadas figurillas de Venus, como la "Venus de Brassempouy" del 21.000 a. C., descubierta en las Landas, ahora en el museo del Château de Saint-Germain-en-Laye o la Venus de Lespugue en el Musée de l'Homme. Cuentas ornamentales, alfileres de hueso, tallas, así como puntas de flecha de pedernal y piedra también se encuentran entre los objetos prehistóricos del área de Francia.

Existen especulaciones de que solo el Homo sapiens es capaz de expresión artística, sin embargo, un hallazgo reciente, la Máscara de la Roche-Cotard, un artefacto musteriense o neandertal, encontrado en 2002 en una cueva cerca de las orillas del río Loira, que data de aproximadamente 33.000 a. C., ahora sugiere que los humanos de Neanderthal pueden haber desarrollado una tradición artística sofisticada y compleja.

En el Neolítico (verEuropa neolítica), comienzan a aparecer monumentos megalíticos (piedras grandes), como los dólmenes y menhires de Carnac, Saint-Sulpice-de-Faleyrens y otros lugares de Francia; se cree que esta aparición comenzó en el quinto milenio a. C., aunque algunos autores especulan sobre raíces mesolíticas. En Francia existen unos 5.000 monumentos megalíticos, principalmente en Bretaña, donde se encuentra la mayor concentración de estos monumentos. En esta zona existe una gran variedad de estos monumentos que han sido bien conservados, como menhires, dolmen, cromlechs y mojones. El Cairn de Gavrinis en el sur de Bretaña es un ejemplo destacado del arte megalítico: su corredor interior de 14 metros está casi completamente adornado con tallas ornamentales. El gran menhir roto de Er-Grah, ahora en cuatro pedazos, tenía originalmente más de 20 metros de altura, convirtiéndolo en el menhir más grande jamás erigido. Francia también tiene numerosas piedras pintadas, hachas de piedra pulida y menhires inscritos de este período. El área de Grand-Pressigny era conocida por sus preciosas hojas de sílex y se exportaron ampliamente durante el Neolítico.

En Francia, desde el Neolítico hasta la Edad del Bronce, se encuentra una variedad de culturas arqueológicas, incluida la cultura Rössen de c. 4500–4000 a. C., cultura del vaso de c. 2800-1900 a. C., cultura Tumulus de c. 1600-1200 a. C., cultura Urnfield de c. 1300–800 a. C. y, en una transición a la Edad del Hierro, la cultura de Hallstatt de c. 1200–500 a.

Para obtener más información sobre los sitios prehistóricos en el oeste de Francia, consulte Prehistoria de Bretaña.

Periodos celta y romano

A partir de las culturas Proto-Celtic Urnfield y Hallstat, se desarrolló un arte celta continental de la Edad del Hierro; principalmente asociado con la cultura La Tène, que floreció durante la Edad del Hierro tardía desde el 450 a. C. hasta la conquista romana en el siglo I a. Este arte se basó en fuentes nativas, clásicas y, quizás, mediterráneas, orientales. Los celtas de la Galia son conocidos por las numerosas tumbas y túmulos que se encuentran por toda Francia.

El arte celta es muy ornamental, evita las líneas rectas y sólo ocasionalmente utiliza la simetría, sin la imitación de la naturaleza ni el ideal de belleza central de la tradición clásica, pero aparentemente, a menudo implica un simbolismo complejo. Esta obra de arte incluye una variedad de estilos y, a menudo, incorpora elementos sutilmente modificados de otras culturas, un ejemplo es el característico entrelazado por encima y por debajo que llegó a Francia solo en el siglo VI, aunque ya era utilizado por artistas germánicos. La tumba de Celtic Vix en la actual Borgoña reveló el cráter de bronce más grande de la Antigüedad, que probablemente fue importado por aristócratas celtas de Grecia.

La región de la Galia (latín: Gallia) estuvo bajo el dominio del Imperio Romano desde el siglo I a.C. hasta el siglo V d.C. El sur de Francia, y especialmente Provenza y Languedoc, es conocido por sus numerosos monumentos galorromanos intactos. Lugdunum, la actual Lyon, fue en la época del Imperio Romano la ciudad más grande fuera de Italia y dio a luz a dos emperadores romanos. La ciudad todavía cuenta con algunos restos romanos, incluido un teatro. Las obras monumentales de este período incluyen el anfiteatro en Orange, Vaucluse, la "Maison Carrée" en Nîmes, que es uno de los templos romanos mejor conservados de Europa, la ciudad de Vienne, cerca de Lyon, que cuenta con un templo excepcionalmente bien conservado (el templo de Augustus y Livia), un circo entre otros restos, el acueducto Pont du Gard que también se encuentra en un estado de conservación excepcional, las ciudades romanas de Glanum y Vaison-la-Romaine,

Período medieval

Arte merovingio

El arte merovingio es el arte y la arquitectura de la dinastía merovingia de los francos, que duró desde el siglo V hasta el siglo VIII en las actuales Francia y Alemania. El advenimiento de la dinastía merovingia en la Galia durante el siglo V provocó importantes cambios en las artes. En arquitectura, ya no existía el deseo de construir edificios robustos y armoniosos. La escultura retrocedió a ser poco más que una simple técnica para la ornamentación de sarcófagos, altares y mobiliario eclesiástico. Por otra parte, el auge de la orfebrería y la iluminación de manuscritos provocó un resurgimiento de la decoración celta, que, con aportaciones cristianas y de otros países, constituye la base del arte merovingio. La unificación del reino franco bajo Clodoveo I (465-511) y sus sucesores se correspondió con la necesidad de construir iglesias. Los planos para ellos probablemente fueron copiados de las basílicas romanas. Desafortunadamente, estas estructuras de madera no han sobrevivido debido a la destrucción por el fuego, ya sea accidental o causado por los normandos en el momento de sus incursiones.

Arte carolingio

El arte carolingio es el período aproximado de 120 años del 750 al 900, durante el reinado de Carlos Martel, Pipino el Joven, Carlomagno y sus herederos inmediatos, conocido popularmente como el Renacimiento carolingio. La era carolingia es el primer período del movimiento de arte medieval conocido como prerrománico. Por primera vez, los reyes del norte de Europa patrocinaron las formas clásicas del arte romano mediterráneo, combinando las formas clásicas con las germánicas, creando innovaciones completamente nuevas en el dibujo lineal de figurillas y sentando las bases para el surgimiento del arte románico y, finalmente, del arte gótico en Occidente..

Manuscritos iluminados, trabajos en metal, esculturas a pequeña escala, mosaicos y frescos sobreviven de la época. Los carolingios también emprendieron importantes campañas de construcción arquitectónica en numerosas iglesias de Francia. Estos incluyen los de Metz, Lyon, Vienne, Le Mans, Reims, Beauvais, Verdun, Saint-Germain en Auxerre, Saint-Pierre en Flavigny y Saint-Denis, así como el centro de la ciudad de Chartres. La Abadía de Centula de Saint-Riquier (Somme), terminada en 788, fue un logro importante en la arquitectura monástica. Otro edificio importante (en su mayoría perdido hoy) fue la "Villa de Theodulf" en Germigny-des-Prés.

Con el fin del dominio carolingio alrededor del año 900, la producción artística se detuvo durante casi tres generaciones. Después de la desaparición del Imperio carolingio, Francia se dividió en una serie de provincias enemistadas, sin ningún patrocinio organizado. El arte francés de los siglos X y XI fue producido por los monasterios locales para promover la alfabetización y la piedad, sin embargo, los estilos primitivos producidos no eran tan hábiles como las técnicas del período carolingio anterior.

Se desarrollaron múltiples estilos regionales basados ​​en la disponibilidad casual de manuscritos carolingios como modelos para copiar y la disponibilidad de artistas itinerantes. El monasterio de Saint Bertin se convirtió en un centro importante bajo su abad Odbert (986-1007), quien creó un nuevo estilo basado en formas anglosajonas y carolingias. La cercana abadía de St. Vaast (Pas-de-Calais) también creó una serie de obras importantes. En el suroeste de Francia se produjeron varios manuscritos c. 1000, en el monasterio de San Marcial en Limoges, así como en Albi, Figeac y Saint-Sever-de-Rustan en Gascuña. En París se desarrolló un estilo único en la abadía de Saint-Germain-des-Prés. En Normandía surgió un nuevo estilo en 975. A finales del siglo X, con el movimiento de reforma de Cluny y un espíritu revivido del concepto de Imperio, se reanudó la producción artística.

Arte románico

El arte románico se refiere al arte de Europa occidental durante un período de ciento cincuenta años, desde aproximadamente el año 1000 dC hasta el auge del estilo gótico, que surgió a mediados del siglo XII en Francia. El "Arte Románico" estuvo marcado por un renovado interés por las técnicas de construcción romanas. Por ejemplo, los capiteles del siglo XII del claustro de Saint-Guilhem-le-Désert adoptan un motivo de hoja de acanto y el uso decorativo de perforaciones, que se encuentran comúnmente en los monumentos romanos. Otros edificios románicos importantes en Francia incluyen la abadía de Saint-Benoît-sur-Loire en Loiret, las iglesias de Saint-Foy en Conques de Aveyron, Saint-Martin en Tours, Saint-Philibert en Tournus de Saône-et-Loire, Saint -Remi en Reims y Saint-Sernin en Toulouse. En particular,

La mayor parte de la escultura románica se integró en la arquitectura de la iglesia, no solo por motivos estéticos, sino también estructurales. La escultura a pequeña escala durante el período prerrománico estuvo influenciada por la escultura bizantina y paleocristiana. Se adoptaron otros elementos de varios estilos locales de países del Medio Oriente. Los motivos se derivaron de las artes del "bárbaro", como figuras grotescas, bestias y patrones geométricos, que fueron adiciones importantes, particularmente en las regiones al norte de los Alpes. Entre las importantes obras escultóricas de la época se encuentran las tallas de marfil del monasterio de Saint Gall. La escultura monumental rara vez se practicaba separadamente de la arquitectura en el período prerrománico. Por primera vez después de la caída del imperio romano, la escultura monumental surgió como una forma de arte importante. Las fachadas de las iglesias cubiertas, las puertas y los capiteles aumentaron y se expandieron en tamaño e importancia, como en el Tímpano del Juicio Final, Beaulieu-sur-Dordogne, y el Profeta Permanente en Moissac. Las puertas monumentales, las pilas bautismales y los candeleros, frecuentemente decorados con escenas de la historia bíblica, fueron fundidos en bronce, lo que da fe de las habilidades de los trabajadores metalúrgicos contemporáneos. Se aplicaron frescos a las bóvedas y paredes de las iglesias. Ricos textiles y objetos preciosos en oro y plata, como cálices y relicarios, se produjeron en cantidades cada vez mayores para satisfacer las necesidades de la liturgia y servir al culto de los santos. En el siglo XII, la escultura en piedra a gran escala se extendió por toda Europa. En las iglesias románicas francesas de Provenza, Borgoña y Aquitania,

Gótico

El arte y la arquitectura gótica fueron productos de un movimiento de arte medieval que duró unos trescientos años. Se inició en Francia, desarrollándose a partir del período románico a mediados del siglo XII. A fines del siglo XIV, había evolucionado hacia un estilo más secular y natural conocido como gótico internacional, que continuó hasta fines del siglo XV, cuando evolucionó aún más, hacia el arte renacentista. Los principales medios del arte gótico fueron la escultura, la pintura sobre paneles, las vidrieras, los frescos y los manuscritos iluminados.

La arquitectura gótica nació a mediados del siglo XII en Île-de-France, cuando el abad Suger construyó la abadía de St. Denis, c. 1140, considerado el primer edificio gótico, y poco después, la Catedral de Chartres, c. 1145. Antes de esto, no había tradición escultórica en Île-de-France, por lo que se trajeron escultores de Borgoña, quienes crearon las figuras revolucionarias que actuaban como columnas en el Portal Occidental (Real) de la Catedral de Chartres (ver imagen) - fue un invento completamente nuevo en el arte francés y proporcionaría el modelo para una generación de escultores. Otras iglesias góticas notables en Francia incluyen la Catedral de Bourges, la Catedral de Amiens, Notre-Dame de Laon, Notre Dame en París, la Catedral de Reims, la Sainte-Chapelle en París, la Catedral de Estrasburgo.

Las designaciones de estilos en la arquitectura gótica francesa son las siguientes: gótico temprano, gótico alto, rayonnant y gótico tardío o "flamígero". La división en estas divisiones es efectiva, pero discutible. Debido a que las catedrales góticas se construyeron durante varios períodos sucesivos y los artesanos de cada período no necesariamente siguieron los deseos de períodos anteriores, el estilo arquitectónico dominante a menudo cambiaba durante la construcción de un edificio en particular. En consecuencia, es difícil declarar un edificio como perteneciente a cierta época de la arquitectura gótica. Es más útil usar los términos como descriptores de elementos específicos dentro de una estructura, en lugar de aplicarlos al edificio como un todo.

Las ideas francesas se difunden. La escultura gótica evolucionó del estilo rígido y alargado temprano, todavía en parte románico, a un tratamiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. Las influencias de las esculturas griegas y romanas antiguas que sobrevivieron se incorporaron al tratamiento de las cortinas, la expresión facial y la pose del escultor holandés-borgoñón Claus Sluter, y el gusto por el naturalismo marcó por primera vez el final de la escultura gótica, evolucionando hacia el estilo renacentista clasicista. a finales del siglo XV.

La pintura en un estilo que puede llamarse "gótico" no apareció hasta alrededor de 1200, casi cincuenta años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y de ninguna manera claramente delineada, pero se puede ver el comienzo de un estilo más sombrío, oscuro y emocional que el período anterior. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania alrededor de 1220 y en Italia alrededor de 1300. La pintura, la representación de imágenes en una superficie, se practicaba durante el período gótico en cuatro oficios principales, frescos, pinturas sobre paneles, iluminación de manuscritos. y vidrieras. Los frescos continuaron utilizándose como el principal arte narrativo pictórico en las paredes de las iglesias en el sur de Europa como una continuación de las tradiciones cristianas y románicas primitivas. En el norte, Las vidrieras siguieron siendo la forma de arte dominante hasta el siglo XV. A finales del siglo XIV y durante el siglo XV cortes principescas francesas como la de los duques de Borgoña, el duque de Anjou o el duque de Berry así como el papa y los cardenales en Aviñón emplearon pintores de renombre, como los hermanos Limbourg, Barthélemy d'Eyck, Enguerrand Quarton o Jean Fouquet, quien desarrolló el llamado estilo gótico internacional que se extendió por Europa e incorporó la nueva influencia flamenca así como las innovaciones de los artistas italianos del primer Renacimiento.

Período moderno temprano

A fines del siglo XV, la invasión francesa de Italia y la proximidad de la vibrante corte de Borgoña, con sus conexiones flamencas, pusieron a los franceses en contacto con los bienes, las pinturas y el espíritu creativo del Renacimiento del norte e italiano. Los cambios artísticos iniciales en ese momento en Francia fueron ejecutados por artistas italianos y flamencos, como Jean Clouet y su hijo François Clouet, junto con los italianos Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio y Niccolò dell'Abbate de lo que a menudo se llama la primera Escuela. de Fontainebleau desde 1531. Leonardo da Vinci también fue invitado a Francia por Francisco I, pero aparte de las pinturas que trajo consigo, produjo poco para el rey francés.

El arte del período desde Francisco I hasta Enrique IV a menudo se inspira en gran medida en los desarrollos pictóricos y escultóricos italianos tardíos comúnmente conocidos como manierismo, que se asocia con las obras posteriores de Miguel Ángel y Parmigianino, entre otros. Se caracteriza por figuras alargadas y elegantes que se basan en la retórica visual, incluido el uso elaborado de la alegoría y la mitología. Quizás el mayor logro del Renacimiento francés fue la construcción de los Castillos del Valle del Loira. Estos palacios de recreo, que ya no se conciben como fortalezas, aprovechan la riqueza de los ríos y las tierras de la región del Loira y muestran una notable habilidad arquitectónica.

Barroco y clasicismo

El siglo XVII marcó una época dorada para el arte francés en todos los campos. En la primera parte del siglo XVII, las tendencias manieristas tardías y barrocas tempranas continuaron floreciendo en la corte de María de Médicis y Luis XIII. El arte de este período muestra influencias tanto del norte de Europa, a saber, las escuelas holandesa y flamenca, como de los pintores romanos de la Contrarreforma. Los artistas en Francia debatieron con frecuencia los méritos contrastantes de Peter Paul Rubens con su barroco flamenco, líneas y colores voluptuosos a Nicolas Poussin con su control racional, proporción, estilo barroco clasicista romano. Otro exponente del clasicismo que trabajaba en Roma fue Claude Gellée, conocido como Le Lorrain, quien definió la forma del paisaje clásico.

Muchos jóvenes pintores franceses de principios de siglo fueron a Roma a formarse y pronto asimilaron la influencia de Caravaggio como Valentin de Boulogne y Simon Vouet. A este último se le atribuye haber traído el barroco a Francia y, a su regreso a París en 1627, fue nombrado primer pintor del rey. Pero la pintura francesa pronto se apartó de la extravagancia y el naturalismo del barroco italiano y pintores como Eustache Le Sueur y Laurent de La Hyre, siguiendo el ejemplo de Poussin, desarrollaron una vía clasicista conocida como Aticismo parisino, inspirada en la Antigüedad, y centrada en la proporción, la armonía y la importancia del dibujo. Incluso Vouet, después de su regreso de Italia, cambió su estilo a un estilo más comedido pero aún muy decorativo y elegante.

Pero al mismo tiempo, todavía existía una fuerte escuela barroca caravaggista representada en el período por las asombrosas pinturas a la luz de las velas de Georges de La Tour. Los desdichados y los pobres aparecían a la manera casi holandesa en las pinturas de los tres hermanos Le Nain. En las pinturas de Philippe de Champaigne hay tanto retratos propagandísticos del ministro de Luis XIII, el cardenal Richelieu, como otros retratos más contemplativos de personas de la secta católica jansenista.

En arquitectura, arquitectos como Salomon de Brosse, François Mansart y Jacques Lemercier ayudaron a definir la forma francesa del barroco, desarrollando la fórmula del urban hôtel particulier que influiría en toda Europa y se apartaría considerablemente del equivalente italiano, el palazzo. Muchos castillos aristocráticos fueron reconstruidos en el nuevo estilo clásico-barroco, algunos de los más famosos son Maisons y Cheverny, caracterizados por techos altos "a la francesa" y una forma que conservaba el modelo medieval del castillo adornado con torres prominentes.

Desde mediados hasta finales del siglo XVII, el arte francés se denomina más a menudo con el término "clasicismo", que implica la adhesión a ciertas reglas de proporción y sobriedad poco características del barroco, tal como se practicaba en la mayor parte del resto de Europa durante el Mismo periodo. Bajo Luis XIV, el barroco, tal como se practicaba en Italia, no era del gusto de los franceses, por ejemplo, ya que la famosa propuesta de Bernini para rediseñar el Louvre fue rechazada por Luis XIV.

A través de la propaganda, las guerras y las grandes obras arquitectónicas, Luis XIV lanzó un vasto programa diseñado para la glorificación de Francia y su nombre. El Palacio de Versalles, inicialmente un pequeño pabellón de caza construido por su padre, fue transformado por Luis XIV en un maravilloso palacio para fiestas y fiestas, bajo la dirección de los arquitectos Louis Le Vau (que también había construido el castillo de Vaux-le-Vicomte) y Jules Hardouin Mansart (quien construyó la iglesia de los Inválidos en París), el pintor y diseñador Charles Le Brun, y el paisajista André Le Nôtre quien perfeccionó la forma racional del jardín francés que desde Versalles se extendió por toda Europa.

Para la escultura, el reinado de Luis XIV también fue un momento importante gracias a la protección del rey de artistas como Pierre Puget, François Girardon y Antoine Coysevox. En Roma, Pierre Legros, trabajando de una manera más barroca, fue uno de los escultores más influyentes de finales de siglo.

Rococó y Neoclasicismo

Rococó y Neoclasicismo son términos utilizados para describir las artes plásticas y visuales y la arquitectura en Europa desde principios del siglo XVIII hasta finales del siglo XVIII. En Francia, la muerte de Luis XIV en 1715 dio lugar a un período de libertad comúnmente llamado Régence. Versalles fue abandonada de 1715 a 1722, residiendo en París el joven rey Luis XV y el gobierno encabezado por el duque de Orleans. Allí surgió un nuevo estilo en las artes decorativas, conocido como rocalla.: se mantiene la asimetría y el dinamismo del barroco pero se renueva en un estilo menos retórico y con menos efectos pomposos, una investigación más profunda de la artificialidad y el uso de motivos inspirados en la naturaleza. Esta manera de decorar habitaciones y muebles también existía en la pintura. La pintura de Rocaillle se volvió hacia temas más ligeros, como las "fêtes galantes", las escenografías teatrales, las agradables narraciones mitológicas y el desnudo femenino. La mayoría de las veces se omiten los aspectos moralizantes de los mitos o cuadros de historia y se pone el acento en el aspecto decorativo y ameno de las escenas representadas. Las pinturas de la época muestran un énfasis más en el color que en el dibujo, con aparentes pinceladas y escenas muy coloridas. Importantes pintores franceses de este período incluyen a Antoine Watteau,, Nicolas Lancret y François Boucher, conocido por sus suaves escenas pastoriles y galantes. La pintura de retratos al pastel se puso particularmente de moda en Europa en ese momento y Francia fue el principal centro de actividad de los pastelistas, con las figuras prominentes de Maurice Quentin de La Tour, Jean-Baptiste Perronneau y el suizo Jean-Étienne Liotard.

El estilo de decoración Luis XV, aunque ya evidente a finales del último reinado, era más claro con colores pastel, paneles de madera, salas más pequeñas, menos dorados y menos brocados; predominaban las conchas, las guirnaldas y, en ocasiones, los temas chinos. Las fábricas de Chantilly, Vincennes y luego Sèvres produjeron algunas de las mejores porcelanas de la época. Los ébénistes altamente calificados, ebanistas en su mayoría con sede en París, crearon elaborados muebles con adornos de madera preciosa y bronce que serían muy elogiados e imitados en toda Europa. Los más famosos son Jean-François Oeben, creador del escritorio de trabajo del rey Luis XV en Versalles, Bernard II van Risamburgh y Jean-Henri Riesener. Artistas altamente calificados, llamados ciseleur-doreurs, especializada en adornos de bronce para muebles y otras piezas de artes decorativas, siendo los más famosos Pierre Gouthiére y Pierre-Philippe Thomire. Plateros talentosos como Thomas Germain y su hijo François-Thomas Germain crearon elaborados servicios de platería que fueron muy elogiados por las distintas realezas de Europa. Las habitaciones de los châteaux y hôtels particuliers eran más íntimas que durante el reinado de Luis XIV y estaban decoradas con boiseries estilo rocaille (paneles de madera tallada que cubrían las paredes de una habitación) concebidas por arquitectos como Germain Boffrand y Gilles-Marie Oppenord u ornemanistes (diseñadores de objetos decorativos) como Juste-Aurèle Meissonnier.

Los arquitectos más destacados de la primera mitad del siglo fueron, además de Boffrand, Robert de Cotte y Ange-Jacques Gabriel, quienes diseñaron plazas públicas como la place de la Concorde en París y la place de la Bourse en Burdeos en un estilo conscientemente inspirado por la de la era de Luis XIV. Durante la primera mitad del siglo, Francia reemplazó a Italia como centro artístico y principal influencia artística en Europa y muchos artistas franceses trabajaron en otras cortes del continente.

La segunda mitad del siglo XVIII continuó viendo la preeminencia francesa en Europa, particularmente a través de las artes y las ciencias, y se esperaba que los miembros de las cortes europeas hablaran el idioma francés. El sistema académico francés continuó produciendo artistas, pero algunos, como Jean-Honoré Fragonard y Jean-Baptiste-Siméon Chardin, exploraron estilos de pintura nuevos y cada vez más impresionistas con pinceladas gruesas. Aunque oficialmente se siguió respetando la jerarquía de los géneros, la pintura de género, el paisaje, el retrato y la naturaleza muerta estuvieron muy de moda. Chardin y Jean-Baptiste Oudry fueron aclamados por sus naturalezas muertas, aunque oficialmente se consideraba el más bajo de todos los géneros en la jerarquía de los temas pictóricos.

También se encuentra en este período un aspecto prerromántico. Las imágenes de ruinas de Hubert Robert, inspiradas en las pinturas capriccio italianas, son típicas a este respecto, así como la imagen de tormentas y marines a la luz de la luna de Claude Joseph Vernet. También el cambio del jardín francés racional y geométrico de André Le Nôtre al jardín inglés, que enfatizaba artificialmente la naturaleza salvaje e irracional. También se encuentran en algunos de estos jardines -curiosas ruinas de templos- llamados "locuras".

La última mitad del siglo XVIII vio un giro hacia el neoclasicismo en Francia, es decir, un uso consciente de las formas e iconografías griegas y romanas. Este movimiento fue promovido por intelectuales como Diderot, como reacción a la artificialidad y la esencia decorativa de la rocalla.estilo. En pintura, el máximo representante de este estilo es Jacques-Louis David, quien, reflejando los perfiles de los jarrones griegos, enfatiza el uso del perfil. Su tema a menudo involucraba la historia clásica como la muerte de Sócrates y Brutus. La dignidad y el tema de sus pinturas se inspiraron en gran medida en las obras de Nicolas Poussin del siglo XVII. Poussin y David fueron, a su vez, grandes influencias en Jean Auguste Dominique Ingres. Otros pintores neoclásicos importantes de la época son Jean-Baptiste Greuze, Joseph-Marie Vien y, en el género del retrato, Élisabeth Louise Vigée Le Brun. El neoclasicismo también penetró en las artes decorativas y la arquitectura.

Arquitectos como Ledoux y Boullée desarrollaron un estilo radical de arquitectura neoclásica basado en formas geométricas simples y puras con una búsqueda de simetría y armonía, elaborando proyectos visionarios como el complejo de las Salinas de Arc-et-Senans de Ledoux, modelo de un ideal fábrica desarrollada a partir de los conceptos racionales de los pensadores de la Ilustración.

Período moderno

Siglo 19

La Revolución Francesa y las guerras napoleónicas trajeron grandes cambios a las artes en Francia. El programa de exaltación y creación de mitos del emperador Napoleón I de Francia estuvo estrechamente coordinado en las pinturas de David, Gros y Guérin. Jean-Auguste-Dominique Ingres fue la figura principal del neoclasicismo hasta la década de 1850 y un destacado maestro, dando prioridad al dibujo sobre el color. Mientras tanto, el orientalismo, los motivos egipcios, el antihéroe trágico, el paisaje salvaje, la novela histórica y las escenas de la Edad Media y el Renacimiento, todos estos elementos del romanticismo, crearon un período vibrante que desafía la clasificación fácil. El pintor romántico más importante de la época fue Eugène Delacroix, que tuvo una exitosa carrera pública y fue el principal opositor de Ingres. Antes que él,Balsa de la Medusa expuesta en el Salón de 1819. Camille Corot trató de escapar de la forma convencional e idealizada de la pintura de paisaje influenciada por el clasicismo para ser más realista y sensible a las variaciones atmosféricas al mismo tiempo.

Las tendencias románticas continuaron a lo largo del siglo, tanto el paisajismo idealizado como el Realismo tienen su germen en el Romanticismo. La obra de Gustave Courbet y la escuela de Barbizon son desarrollos lógicos de ella, al igual que el simbolismo de finales del siglo XIX de pintores como Gustave Moreau, el profesor de Henri Matisse y Georges Rouault, así como Odilon Redon.

La pintura académica desarrollada en la Ecole des Beaux-Arts fue la que más éxito tuvo entre el público y el Estado: pintores altamente capacitados como Jean-Léon Gérôme, William Bouguereau y Alexandre Cabanel pintaron escenas históricas inspiradas en la antigüedad, siguiendo los pasos de Ingres y el neoclásicos. Aunque criticados por su convencionalismo por los jóvenes pintores y críticos de vanguardia, los más talentosos de los pintores académicos renovaron el género histórico, inspirándose en múltiples culturas y técnicas, como Oriente y los nuevos encuadres posibles gracias a la invención de la fotografía.

Para muchos críticos, Édouard Manet escribió sobre el siglo XIX y el período moderno (como lo hace Charles Baudelaire en poesía). Su redescubrimiento de la pintura española del Siglo de Oro, su voluntad de mostrar el lienzo sin pintar, su exploración del desnudo absoluto y sus radicales pinceladas son los primeros pasos hacia el impresionismo. El impresionismo llevaría a la escuela de Barbizon un paso más allá, rechazando de una vez por todas un estilo elaborado y el uso de colores mixtos y negro, por frágiles efectos transitivos de luz como capturados al aire libre en luz cambiante (en parte inspirados en las pinturas de JMW Turner y Eugène Boudin). Condujo a Claude Monet con sus catedrales y pajares, Pierre-Auguste Renoir con sus primeros festivales al aire libre y su posterior estilo plumoso de desnudos rojizos, Edgar Degas con sus bailarines y bañistas.

Después de cruzar ese umbral, los siguientes treinta años se convirtieron en una letanía de experimentos asombrosos. Vincent van Gogh, nacido en Holanda, pero residente en Francia, abrió el camino al expresionismo. Georges Seurat, influenciado por la teoría del color, ideó una técnica puntillista que rigió el experimento impresionista y fue seguida por Paul Signac. Paul Cézanne, pintor de pintores, intentó una exploración geométrica del mundo que dejó indiferentes a muchos de sus coetáneos. Paul Gauguin, banquero, encontró el simbolismo en Bretaña junto a Émile Bernard y luego el exotismo y el primitivismo en la Polinesia Francesa. Estos pintores fueron referidos como postimpresionistas. Les Nabis, un movimiento de la década de 1890 que reagrupa a pintores como Paul Sérusier, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard y Maurice Denis, fue influenciado por el ejemplo de Gauguin en Bretaña: exploraron un arte decorativo en planos planos con el enfoque gráfico de una estampa japonesa. Predicaron que una obra de arte es el producto final y la expresión visual de la síntesis de la naturaleza de un artista en metáforas y símbolos estéticos personales. Henri Rousseau, el administrador de correos autodidacta y aficionado, se convirtió en el modelo de la revolución ingenua.

Siglo 20

Los primeros años del siglo XX estuvieron dominados por los experimentos de color y contenido que habían desencadenado el impresionismo y el posimpresionismo. Los productos del Lejano Oriente también trajeron nuevas influencias. Aproximadamente al mismo tiempo, Les Fauves (Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Albert Marquet, Raoul Dufy, Othon Friesz, Charles Camoin, Henri Manguin) explotaron en color, al igual que el expresionismo alemán.

El descubrimiento de las máscaras tribales africanas por parte de Pablo Picasso, español afincado en París, le llevó a crear Les Demoiselles d'Avignon de 1907. Trabajando de forma independiente, Picasso y Georges Braque retomaron y refinaron la forma de Cézanne de comprender racionalmente los objetos de un piso. medio, sus experimentos en el cubismo también los llevarían a integrar todos los aspectos y objetos de la vida cotidiana, collage de periódicos, instrumentos musicales, cigarrillos, vino y otros objetos en sus obras. El cubismo en todas sus fases dominaría las pinturas de Europa y América durante los siguientes diez años. (Consulte el artículo sobre el cubismo para una discusión completa).

La Primera Guerra Mundial no detuvo la dinámica creación de arte en Francia. En 1916 un grupo de descontentos se reunió en un bar de Zúrich, el Cabaret Voltaire, y crearon el gesto más radical posible, el antiarte dadaísta. Al mismo tiempo, Francis Picabia y Marcel Duchamp exploraban nociones similares. En una muestra de arte de 1917 en Nueva York, Duchamp presentó un urinario de porcelana blanca (Fountain) firmado por R. Mutt como obra de arte, convirtiéndose en el padre del ready-made.

Cuando Dada llegó a París, fue acogido con avidez por un grupo de jóvenes artistas y escritores que estaban fascinados con los escritos de Sigmund Freud, en particular con su noción de la mente inconsciente. El espíritu provocador del dadá se vinculó a la exploración de la mente inconsciente mediante el uso de la escritura automática, operaciones al azar y, en algunos casos, estados alterados. Los surrealistas se volcaron rápidamente a la pintura y la escultura. El choque de elementos inesperados, el uso de Frottage, el collage y la decalcomanía, la interpretación de paisajes misteriosos e imágenes soñadas se convertirían en las técnicas clave durante el resto de la década de 1930.

Inmediatamente después de esta guerra, la escena artística francesa divergió aproximadamente en dos direcciones. Hubo quienes continuaron con los experimentos artísticos de antes de la guerra, especialmente el surrealismo, y otros que adoptaron el nuevo expresionismo abstracto y la pintura de acción de Nueva York, ejecutándolos a la francesa utilizando el tachismo o L'art informel. Paralelamente a estas dos tendencias, Jean Dubuffet dominó los primeros años de la posguerra mientras exploraba dibujos infantiles, graffiti y caricaturas en una variedad de medios.

A fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, en Francia se produjeron formas de arte que podrían considerarse arte pop. Yves Klein hizo que atractivas mujeres desnudas rodaran en pintura azul y se arrojaran a los lienzos. Victor Vasarely inventó Op-Art mediante el diseño de patrones ópticos sofisticados. Artistas del movimiento Fluxus como Ben Vautier incorporaron graffiti y objetos encontrados en su trabajo. Niki de Saint Phalle creó figuras de plástico hinchadas y vibrantes. Arman reunió objetos encontrados en ensamblajes en cajas o recubiertos de resina, y César Baldaccini produjo una serie de grandes esculturas-objeto comprimidas. César Baldaccini fue un destacado escultor francés de la década de 1960, que creó grandes esculturas de desechos comprimiendo materiales desechados como automóviles, metal, basura y objetos domésticos.

En mayo de 1968, el movimiento juvenil radical, a través de su atelier populaire, produjo una gran cantidad de carteles de protesta contra las políticas moribundas del presidente Charles de Gaulle.

Muchos artistas contemporáneos siguen siendo perseguidos por los horrores de la Segunda Guerra Mundial y el espectro del Holocausto. Las desgarradoras instalaciones de Christian Boltanski sobre lo perdido y lo anónimo son particularmente poderosas.

Museos de arte francés y occidental de Francia

En París

• museo de Louvre
• Museo de Orsay
• Museo Nacional de Arte Moderno
• Museo de Cluny
• Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París
• Pequeño Palacio
• Museo Picasso
• Museo Rodin
• Museo de la Orangerie
• Museo Zadkine
• Museo Maillol
• Museo Bourdelle
• Museo Gustave Moreau
• Museo Jacquemart-André
• Musée national Eugène Delacroix
• Museo Nacional Jean-Jacques Henner
• Museo Marmottan Monet
• Musée des Arts Décoratifs, París
• Museo Nissim de Camondo
• Museo Cognacq-Jay
• Museo Carnavalet

Cerca de Paris

• Museo Condé en Chantilly
• Museo de Bellas Artes de Chartres en Chartres
• Museo del Renacimiento en Écouen
• Musée d'archéologie nationale en Saint-Germain-en-Laye
• Museo departamental Maurice Denis "El Priorato" en Saint-Germain-en-Laye
• Musée d'art et d'archéologie de Senlis en Senlis
• Sèvres - Museo de la cerámica de Sèvres

Fuera de París

Principales museos

(alfabéticamente por ciudad)

• Museo Faure en Aix-les-Bains
• Museo Granet en Aix-en-Provence
• Museo Toulouse-Lautrec en Albi
• Museo de Picardía en Amiens
• Museo de antigüedades de l'Arles et de la Provence en Arles
• Musée du Petit Palais en Aviñón
• Fundación Calvet en Aviñón
• Museo Albert-André en Bagnols-sur-Cèze
• Musée Bonnat en Bayona
• Musée des Beaux-Arts et d'archéologie de Besançon en Besançon
• Musée Fernand Léger en Biot, Alpes Marítimos
• Musée des beaux-arts de Bordeaux en Burdeos
• Museo de Bellas Artes de Caen en Caen
• Museo Goya en Castres
• Museo de Arte Moderno de Céret en Céret
• Museo de arte Roger-Quilliot en Clermont-Ferrand
• Museo Unterlinden en Colmar
• Museo de Bellas Artes de Dijon en Dijon
• Musée départemental d'Art ancien et contemporain en Épinal
• Museo Jacquemart-André en Fontaine-Chaalis
• Museo de Grenoble en Grenoble
• Museo Arqueológico de Grenoble en Grenoble
• Museo Matisse en Le Cateau-Cambrésis
• Museo de Bellas Artes André-Malraux en Le Havre
• Palacio de Bellas Artes de Lille en Lille
• Musée des beaux-arts de Lyon en Lyon
• Musée gallo-romain en Lyon
• Museo de Bellas Artes de Marsella en Marsella
• Musée Cantini en Marsella
• Museos de Metz en Metz
• Centro Pompidou-Metz en Metz
• Museo Ingres en Montauban
• Musée Fabre en Montpellier
• Castillo de Montsoreau-Museo de Arte Contemporáneo de Montsoreau
• Museo de Bellas Artes de Nancy en Nancy
• Museo de la École de Nancy en Nancy
• Museo Lorrain de Nancy
• Museo de Bellas Artes de Nantes en Nantes
• Museo de Bellas Artes de Niza
• Musée national Message Biblique Marc Chagall en Niza
• Museo arqueológico de Nimes en Nimes
• Museo Camille Claudel en Nogent-sur-Seine
• Museo de Bellas Artes de Reims en Reims
• Palacio del Tau en Reims
• Museo de Bellas Artes de Rennes en Rennes
• Museo de Bellas Artes de Rouen en Rouen
• Museo de arte moderno de Saint-Étienne en Saint-Étienne
• Fundación Maeght en Saint-Paul, Alpes Marítimos
• Museo de Bellas Artes de Estrasburgo en Estrasburgo
• Musée d'art moderne et contemporain de Estrasburgo en Estrasburgo
• Museo de la Obra Notre-Dame de Estrasburgo
• Museo de Artes Decorativas, Estrasburgo en Estrasburgo
• Musée des Augustins en Toulouse
• Museo Saint-Raymond de Toulouse
• Fundación Bemberg en Toulouse

Otros museos

(alfabéticamente por ciudad)

• Museo de Bellas Artes de Brest en Brest
• Musée Théodore Deck et des pays du Florival en Guebwiller
• Museo histórico de Haguenau en Haguenau
• Museo Eugène Boudin en Honfleur
• Museo Crozatier en Le Puy-en-Velay
• Museo de Bellas Artes de Libourne en Libourne
• Museo Girodet en Montargis
• Museo de Bellas Artes de Mulhouse en Mulhouse
• Museo de Bellas Artes de Nimes en Nimes
• Musée des Beaux-Arts de Pau en Pau
• Musée Hyacinthe Rigaud en Perpiñán
• Museo de Bellas Artes de Pont-Aven en Pont-Aven
• Museo La Piscine en Roubaix
• Museo Paul-Dupuy de Toulouse
• Museo de Bellas Artes de Valenciennes en Valenciennes

Museos textiles y de tapices

(alfabéticamente por ciudad)

• Musée des tapisseries en Aix-en-Provence
• Castillo de Angers en Angers
• Musée de la tapisserie de Bayeux en Bayeux
• Musée des Tissus et des Arts decoratifs en Lyon
• Musée de l'impression sur étoffes en Mulhouse
• Museo Galliera de París
• Fábrica de gobelinos en París
• Museo del papel pintado en Rixheim

Vocabulario

Palabras y expresiones francesas relacionadas con las artes:

• peintre - pintor
  • peinture à l'huile - pintura al óleo
• cuadro - pintura
• toile - lienzo
• huecograbado - impresión
• diseño - dibujo
• acuarela - acuarela
• croquis - boceto
• ébauche - borrador
• crayón - lápiz
• paisaje - paisaje
• naturaleza muerta — naturaleza muerta
• la peinture d'histoire - Pintura de historia, ver Jerarquía de géneros
• tapicería – tapiz
• vitral – vidrieras