Arte deco

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Art Deco, abreviatura de las Arts Décoratifs francesas, y a veces simplemente llamado Deco, es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño de productos, que apareció por primera vez en Francia en la década de 1910 (justo antes de la Primera Guerra Mundial) y floreció en los Estados Unidos y Europa durante las décadas de 1920 y 1930. A través del estilo y el diseño del exterior y el interior de cualquier cosa, desde estructuras grandes hasta objetos pequeños, incluida la apariencia de las personas (ropa, moda y joyería), Art Deco ha influido en puentes, edificios (desde rascacielos hasta cines), barcos, transatlánticos, trenes, automóviles, camiones, autobuses, muebles y objetos cotidianos como radios y aspiradoras.

Recibió su nombre de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925 (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) celebrada en París.

Art Deco combinó estilos modernos con artesanía fina y materiales ricos. Durante su apogeo, representó el lujo, el glamour, la exuberancia y la fe en el progreso social y tecnológico.

Desde sus inicios, el Art Deco estuvo influenciado por las audaces formas geométricas del cubismo y la Secesión de Viena; los colores vivos del fauvismo y de los ballets rusos; la artesanía actualizada de los muebles de las épocas de Luis Felipe I y Luis XVI; y los estilos exóticos de China, Japón, India, Persia, el antiguo Egipto y el arte maya. Presentaba materiales raros y costosos, como ébano y marfil, y una artesanía exquisita. El Empire State Building, el Chrysler Building y otros rascacielos de la ciudad de Nueva York construidos durante las décadas de 1920 y 1930 son monumentos de este estilo.

En la década de 1930, durante la Gran Depresión, el art déco se volvió más discreto. Llegaron nuevos materiales, entre ellos cromado, acero inoxidable y plástico. Una forma más elegante del estilo, llamada Streamline Moderne, apareció en la década de 1930, con formas curvas y superficies lisas y pulidas. Art Deco es uno de los primeros estilos verdaderamente internacionales, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos de la arquitectura moderna y el estilo internacional de arquitectura que siguió.

Etimología

Art Deco tomó su nombre, abreviatura de arts decoratifs, de la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes celebrada en París en 1925, aunque los diversos estilos que lo caracterizaron ya habían aparecido en París y Bruselas antes de la Primera Guerra Mundial.

Arts decoratifs se utilizó por primera vez en Francia en 1858 en el Bulletin de la Société française de photographie. En 1868, el periódico Le Figaro utilizó el término objets d'art decoratifs para los objetos de escenografía creados para el Théâtre de l'Opéra. En 1875, los diseñadores de muebles, textiles, joyeros, vidrieros y otros artesanos recibieron oficialmente el estatus de artistas por parte del gobierno francés. En respuesta, la École royale gratuite de dessin (Escuela Real Libre de Diseño), fundada en 1766 por el rey Luis XVI para capacitar a artistas y artesanos en oficios relacionados con las bellas artes, pasó a llamarse École nationale des arts decoratifs (Escuela Nacional de Artes Decorativas). Tomó su nombre actual, ENSAD (Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas), en 1927.

En la Exposición de 1925, el arquitecto Le Corbusier escribió una serie de artículos sobre la exposición para su revista L'Esprit Nouveau, bajo el título "1925 EXPO. LETRAS. DÉCO.", que se combinaron en un libro, L'art decoratif d'aujourd'hui (Arte decorativo hoy). El libro fue un ataque enérgico a los excesos de los objetos coloridos y lujosos de la Exposición, y a la idea de que los objetos prácticos como los muebles no deberían tener ningún tipo de decoración; su conclusión fue que "La decoración moderna no tiene decoración".

El término real art déco no apareció impreso hasta 1966, en el título de la primera exposición moderna sobre el tema, realizada por el Museo de Artes Decorativas de París, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, que abarcó la variedad de estilos principales en las décadas de 1920 y 1930. Luego, el término se usó en un artículo periodístico de 1966 de Hillary Gelson en The Times (Londres, 12 de noviembre), describiendo los diferentes estilos en la exhibición.

Art Deco ganó popularidad como una etiqueta estilística ampliamente aplicada en 1968 cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro académico importante sobre el tema, Art Deco of the 20s and 30s. Señaló que el término ya estaba siendo utilizado por los comerciantes de arte y cita The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo llamado Les Arts Déco en Elle revista (noviembre de 1967) como ejemplos. En 1971 organizó una exposición en el Minneapolis Institute of Arts, que detalla en su libro The World of Art Deco.

Orígenes

Sociedad de Artistas Decorativos (1901–1945)

El surgimiento del Art Deco estuvo estrechamente relacionado con el ascenso del estatus de los artistas decorativos, quienes hasta finales del siglo XIX eran considerados simplemente como artesanos. El término artes decorativas se inventó en 1875, dando a los diseñadores de muebles, textiles y otras decoraciones un estatus oficial. La Société des artistes decorateurs (Sociedad de Artistas Decorativos), o SAD, fue fundada en 1901, y los artistas decorativos tenían los mismos derechos de autoría que los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. La primera exposición internacional dedicada íntegramente a las artes decorativas, la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna, se celebró en Turín en 1902. Se fundaron en París varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, entre ellas < i>Arts et decoration y L'Art decoratif moderne. Las secciones de artes decorativas se introdujeron en los salones anuales de la Sociéte des artistes français, y más tarde en el Salon d'Automne. El nacionalismo francés también jugó un papel en el resurgimiento de las artes decorativas, ya que los diseñadores franceses se sintieron desafiados por las crecientes exportaciones de muebles alemanes menos costosos. En 1911, SAD propuso una nueva e importante exposición internacional de artes decorativas en 1912. No se permitirían copias de estilos antiguos, solo obras modernas. La exhibición se pospuso hasta 1914; y luego, a causa de la guerra, hasta 1925, cuando da nombre a toda la familia de estilos conocida como "Déco".

Los grandes almacenes parisinos y los diseñadores de moda también jugaron un papel importante en el surgimiento del Art Deco. Empresas prominentes como la firma de platería Christofle, el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron comenzaron a diseñar productos en estilos más modernos. A partir de 1900, los grandes almacenes contrataron artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salon d'Automne de 1912 se encargó a los grandes almacenes Printemps, y ese año creó su propio taller, Primavera. Para 1920, Primavera empleaba a más de 300 artistas, cuyos estilos iban desde versiones actualizadas de Luis XIV, Luis XVI y, especialmente, muebles Luis Felipe hechos por Louis Süe y el taller Primavera, a formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre. Otros diseñadores, incluidos Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Follot, se negaron a utilizar la producción en masa e insistieron en que cada pieza se hiciera individualmente. El estilo Art Deco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como el ébano, el marfil y la seda, colores muy vivos y motivos estilizados, en particular cestas y ramos de flores de todos los colores, dando un aspecto modernista.

Secesión de Viena y Wiener Werkstätte (1897-1912)

Los arquitectos de la Secesión de Viena (formada en 1897), especialmente Josef Hoffmann, tuvieron una influencia notable en el Art Deco. Su Stoclet Palace, en Bruselas (1905–1911), fue un prototipo del estilo Art Deco, con volúmenes geométricos, simetría, líneas rectas, hormigón cubierto con placas de mármol, adornos finamente esculpidos y lujosos interiores, incluidos frisos de mosaico de Gustav Klimt. Hoffmann también fue uno de los fundadores de Wiener Werkstätte (1903-1932), una asociación de artesanos y diseñadores de interiores que trabajan en el nuevo estilo. Este se convirtió en el modelo de la Compagnie des arts français, creada en 1919, que reunió a André Mare y Louis Süe, los primeros diseñadores y decoradores franceses Art Deco destacados.

Nuevos materiales y tecnologías

Los nuevos materiales y tecnologías, especialmente el hormigón armado, fueron clave para el desarrollo y la apariencia del Art Deco. La primera casa de hormigón fue construida en 1853 en los suburbios de París por François Coignet. En 1877, Joseph Monier introdujo la idea de reforzar el hormigón con una malla de varillas de hierro en forma de rejilla. En 1893, Auguste Perret construyó el primer garaje de hormigón en París, luego un edificio de apartamentos, una casa y, en 1913, el Théâtre des Champs-Élysées. El teatro fue denunciado por un crítico como el "Zeppelin of Avenue Montaigne", una supuesta influencia germánica, copiada de la Secesión de Viena. A partir de entonces, la mayoría de los edificios Art Deco se construyeron con hormigón armado, lo que dio mayor libertad de forma y menos necesidad de reforzar pilares y columnas. Perret también fue pionera en revestir el hormigón con baldosas cerámicas, tanto para protección como para decoración. El arquitecto Le Corbusier aprendió por primera vez los usos del hormigón armado trabajando como delineante en el estudio de Perret.

Otras nuevas tecnologías que fueron importantes para Art Deco fueron los nuevos métodos para producir placas de vidrio, que eran menos costosas y permitían ventanas mucho más grandes y fuertes, y para la producción masiva de aluminio, que se usaba para construir y marcos de ventanas y más tarde, de Corbusier, Warren McArthur y otros, para muebles livianos.

Teatro de los Campos Elíseos (1910–1913)

Antoine Bourdelle, 1910–12, Apollon et sa méditation entourée des 9 muses (Apollo y Su Meditación Rodeada por los 9 Muses), bajorrelieve, en el Théâtre des Champs-Élysées. Esta obra representa uno de los primeros ejemplos de lo que se conoció como escultura Art Deco

El Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913), de Auguste Perret, fue el primer edificio emblemático Art Deco que se completó en París. Anteriormente, el hormigón armado se había utilizado solo para edificios industriales y de apartamentos, Perret había construido el primer edificio de apartamentos moderno de hormigón armado en París en la rue Benjamin Franklin en 1903-04. Henri Sauvage, otro importante futuro arquitecto Art Deco, construyó otro en 1904 en 7, rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 años, trabajó como dibujante en la oficina de Perret, aprendiendo las técnicas de construcción con hormigón. El edificio de Perret tenía una forma rectangular limpia, decoración geométrica y líneas rectas, las futuras marcas registradas del Art Deco. La decoración del teatro también fue revolucionaria; la fachada estaba decorada con altos relieves de Antoine Bourdelle, una cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard y una cortina Art Deco de Ker-Xavier Roussel. El teatro se hizo famoso como sede de muchas de las primeras representaciones de los Ballets Russes. Perret y Sauvage se convirtieron en los principales arquitectos Art Deco en París en la década de 1920.

Salón de otoño (1903–1914)

En su nacimiento entre 1910 y 1914, Art Deco fue una explosión de colores, con matices brillantes y a menudo contrastantes, frecuentemente en diseños florales, presentados en tapicería de muebles, alfombras, biombos, papel tapiz y telas. Muchas obras coloridas, incluidas sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una brillante alfombra Gobelin de Paul Follot, se presentaron en el Salon des artistes decorateurs de 1912. En 1912-1913, el diseñador Adrien Karbowsky hizo una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet. Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare hicieron su primera aparición en la exposición de 1912, bajo el nombre de Atelier français, combinando telas policromadas con materiales exóticos y costosos, incluidos el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, se convirtió en una de las firmas francesas de diseño de interiores más destacadas, produciendo muebles para los salones y camarotes de primera clase de los transatlánticos franceses.

Los vívidos tonos del art déco provienen de muchas fuentes, incluidos los exóticos diseños de escenarios de Léon Bakst para los Ballets Russes, que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores se inspiraron en el movimiento fauvista anterior. dirigido por Henri Matisse; otros por el orfismo de pintores como Sonia Delaunay; otros por el movimiento conocido como Les Nabis, y en la obra del pintor simbolista Odilon Redon, quien diseñó pantallas de chimenea y otros objetos decorativos. Los tonos brillantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret, cuyo trabajo influyó tanto en la moda Art Deco como en el diseño de interiores.

Cubismo

Joseph Csaky, 1912, Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche), el yeso original, exhibido en la Salon d'Automne de 1912 y la Salon des Indépendants de 1914, una escultura Proto-Art Deco

El movimiento artístico conocido como cubismo apareció en Francia entre 1907 y 1912, influyendo en el desarrollo del Art Deco. En Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920s and 1930s, Alastair Duncan escribe "El cubismo, en una u otra forma bastarda, se convirtió en la lingua franca de la época' s artistas decorativos." Los cubistas, ellos mismos bajo la influencia de Paul Cézanne, estaban interesados en la simplificación de las formas a sus elementos geométricos esenciales: el cilindro, la esfera, el cono.

En 1912, los artistas de la Section d'Or exhibieron obras considerablemente más accesibles al gran público que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba preparado para atraer a diseñadores de moda, muebles e interiores.

Los escritos de 1912 de André Vera, estilo Le Nouveau, publicados en la revista L'Art decoratif, expresaban el rechazo de las formas Art Nouveau (asimétricas, policromadas y pintoresco) y pidió simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie, temas que eventualmente se volverían comunes dentro del Art Deco; aunque el estilo Deco era a menudo extremadamente colorido y, a menudo, complejo.

En la sección Art Décoratif del Salon d'Automne de 1912, se exhibió una instalación arquitectónica conocida como La Maison Cubiste. La fachada fue diseñada por Raymond Duchamp-Villon. La decoración de la casa fue de André Mare. La Maison Cubiste era una instalación amueblada con fachada, escalera, pasamanos de hierro forjado, un dormitorio, una sala de estar: el Salon Bourgeois, donde pinturas de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger y Roger de La Fresnaye fueron ahorcados. Miles de espectadores en el salón pasaron por el modelo a escala real.

La fachada de la casa, diseñada por Duchamp-Villon, no era muy radical según los estándares modernos; los dinteles y frontones tenían formas prismáticas, pero por lo demás la fachada se asemejaba a una casa ordinaria de la época. Para las dos habitaciones, Mare diseñó el papel tapiz, que presentaba rosas estilizadas y motivos florales, junto con tapicería, muebles y alfombras, todo con motivos extravagantes y coloridos. Fue una clara ruptura con la decoración tradicional. El crítico Emile Sedeyn describió el trabajo de Mare en la revista Art et Décoration: "Él no se avergüenza de la sencillez, porque multiplica flores dondequiera que se puedan poner. El efecto que busca es obviamente pintoresco y alegre. Lo consigue." El elemento cubista lo aportaron las pinturas. La instalación fue atacada por algunos críticos como extremadamente radical, lo que contribuyó a su éxito. Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913, en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston. Gracias en gran parte a la exposición, el término "cubista" comenzó a aplicarse a cualquier cosa moderna, desde cortes de cabello para mujeres hasta ropa y representaciones teatrales."

La influencia cubista continuó dentro del art déco, incluso cuando el déco se ramificó en muchas otras direcciones. En 1927, los cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de una Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, diseñada por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet, también coleccionista de arte posimpresionista de Henri Matisse y pinturas cubistas (incluyendo Les Demoiselles d'Avignon, que compró directamente a Picasso's estudio). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista.

Además de los artistas cubistas, Doucet trajo a otros diseñadores de interiores de Deco para ayudar en la decoración de la casa, incluido Pierre Legrain, que estuvo a cargo de organizar la decoración, y Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray y Rose Adler. para proporcionar muebles. La decoración incluyó piezas masivas hechas de ébano de macassar, inspiradas en el arte africano, y muebles cubiertos con cuero de Marruecos, piel de cocodrilo y piel de serpiente, y patrones tomados de diseños africanos.

La geometría adumbrada del Cubismo se convirtió en moneda del reino en los años 20. El desarrollo de Art Deco de la geometría selectiva del Cubismo en una amplia gama de formas llevó el Cubismo como taxonomía pictórica a un público mucho más amplio y atractivo más amplio. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Museum of Art)

Influencias

Art Deco no era un solo estilo, sino una colección de estilos diferentes y, a veces, contradictorios. En arquitectura, Art Deco fue el sucesor y la reacción contra Art Nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y también reemplazó gradualmente a las Bellas Artes y al neoclásico que predominaban en la arquitectura europea y americana. En 1905 Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de los elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como una desviación de) el ondulado estilo Art Nouveau de Hector Guimard, tan popular en París unos años antes. Grasset enfatizó el principio de que varias formas geométricas simples como triángulos y cuadrados son la base de todos los arreglos compositivos. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y en particular el Théâtre des Champs-Élysées, ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo.

En la decoración, Art Deco tomó prestados y utilizó muchos estilos diferentes. Incluían arte premoderno de todo el mundo y observable en el Musée du Louvre, Musée de l'Homme y el Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. También hubo interés popular en la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya, Troya y la tumba del faraón Tutankamón de la XVIII dinastía. Los artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto, África, Mesopotamia, Grecia, Roma, Asia, Mesoamérica y Oceanía con elementos de la era de las máquinas.

Otros estilos prestados incluyen el constructivismo ruso y el futurismo italiano, así como el orfismo, el funcionalismo y el modernismo en general. Art Deco también usó los colores y diseños en conflicto del fauvismo, especialmente en el trabajo de Henri Matisse y André Derain, inspiró los diseños de textiles art deco, papel tapiz y cerámica pintada. Tomó ideas del vocabulario de alta costura de la época, que presentaba diseños geométricos, galones, zigzags y ramos de flores estilizados. Fue influenciado por los descubrimientos en egiptología y el creciente interés en Oriente y en el arte africano. Desde 1925 en adelante, a menudo se inspiró en la pasión por las nuevas máquinas, como aeronaves, automóviles y transatlánticos, y en 1930 esta influencia dio como resultado el estilo llamado Streamline Moderne.

Estilo de lujo y modernidad

Art Deco se asoció tanto con el lujo como con la modernidad; combinó materiales muy caros y una artesanía exquisita puesta en formas modernistas. Nada era barato en Art Deco: los muebles incluían incrustaciones de marfil y plata, y las piezas de joyería Art Deco combinaban diamantes con platino, jade, coral y otros materiales preciosos. El estilo se utilizó para decorar los salones de primera clase de transatlánticos, trenes de lujo y rascacielos. Se utilizó en todo el mundo para decorar los grandes cines de finales de los años veinte y treinta. Más tarde, después de la Gran Depresión, el estilo cambió y se volvió más sobrio.

Un buen ejemplo del estilo de lujo del Art Deco es el tocador de la diseñadora de moda Jeanne Lanvin, diseñado por Armand-Albert Rateau (1882–1938) realizado entre 1922 y 1925. Estaba ubicado en su casa en 16 rue Barbet de Jouy, en París, que fue demolido en 1965. La sala fue reconstruida en el Museo de Artes Decorativas de París. Las paredes están cubiertas con lambris moldeados debajo de bajorrelieves esculpidos en estuco. La alcoba está enmarcada con columnas de mármol sobre bases y un basamento de madera tallada. El suelo es de mármol blanco y negro, y en los armarios se exponen objetos decorativos sobre un fondo de seda azul. Su baño tenía una bañera y un lavabo de mármol siena, con una pared de estuco tallado y accesorios de bronce.

Para 1928, el estilo se había vuelto más cómodo, con sillones de cuero profundo. El estudio diseñado por la firma parisina de Alavoine para un empresario estadounidense en 1928-1930 se encuentra ahora en el Museo de Brooklyn.

En la década de 1930, el estilo se había simplificado un poco, pero seguía siendo extravagante. En 1932 el decorador Paul Ruaud realizó el Salón de Cristal para Suzanne Talbot. Presentaba un sillón serpentino y dos sillones tubulares de Eileen Gray, un piso de losas de vidrio plateado mate, un panel de patrones abstractos en laca plateada y negra, y una variedad de pieles de animales.

Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (1925)

El evento que marcó el cenit del estilo y le dio su nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Fue patrocinado oficialmente por el gobierno francés y cubrió un sitio en París de 55 acres, que va desde el Grand Palais en la margen derecha hasta Les Invalides en la margen izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, el salón más grande de la ciudad, se llenó de exhibiciones de artes decorativas de los países participantes. Hubo 15.000 expositores de veinte países diferentes, incluidos Austria, Bélgica, Checoslovaquia, Dinamarca, Gran Bretaña, Italia, Japón, Países Bajos, Polonia, España, Suecia y la nueva Unión Soviética. Alemania no fue invitada debido a las tensiones posteriores a la guerra; Estados Unidos, al malinterpretar el propósito de la exposición, se negó a participar. El evento fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de duración. Las reglas de la exposición requerían que todo el trabajo fuera moderno; no se permitieron estilos históricos. El objetivo principal de la Exposición fue promover a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, metalistería, textiles y otros productos decorativos. Para promover aún más los productos, todos los principales grandes almacenes de París y los principales diseñadores tenían sus propios pabellones. La Exposición tuvo un propósito secundario en la promoción de productos de las colonias francesas en África y Asia, incluidos el marfil y las maderas exóticas.

El Hôtel du Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; exhibió los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas Art Deco, alfombras y una pintura de Jean Dupas. El diseño interior siguió los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo distinguen del Art Nouveau, y colores brillantes, artesanía fina, materiales raros y costosos que lo diferencian de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban lujosamente decorados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, el de la Unión Soviética y el Pabellón de L'Esprit Nouveau, construido por la revista del mismo nombre dirigida por Le Corbusier, se construyeron en un estilo austero con paredes blancas lisas y sin decoración; estaban entre los ejemplos más tempranos de la arquitectura modernista.

Rascacielos

Los rascacielos estadounidenses marcaron la cumbre del estilo Art Deco; se convirtieron en los edificios modernos más altos y reconocibles del mundo. Fueron diseñados para mostrar el prestigio de sus constructores a través de su altura, su forma, su color y su espectacular iluminación nocturna. El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinó elementos modernos góticos y déco en el diseño del edificio. Se seleccionó ladrillo negro en la fachada del edificio (que simboliza el carbón) para dar una idea de solidez y darle al edificio una masa sólida. Otras partes de la fachada se cubrieron con ladrillos dorados (que simbolizan el fuego), y la entrada se decoró con mármol y espejos negros. Otro de los primeros rascacielos Art Deco fue el Guardian Building de Detroit, que se inauguró en 1929. Diseñado por el modernista Wirt C. Rowland, el edificio fue el primero en emplear acero inoxidable como elemento decorativo y el uso extensivo de diseños de colores en el lugar. de adornos tradicionales.

El edificio Chrysler en Manhattan (terminado en 1930), diseñado por William Van Alen, cambió radicalmente el horizonte de la ciudad de Nueva York. Era un anuncio gigante de setenta y siete pisos de altura para automóviles Chrysler. La parte superior estaba coronada por una aguja de acero inoxidable y estaba adornada con "gárgolas" en forma de decoraciones de tapa de radiador de acero inoxidable. La base de la torre, treinta y tres pisos por encima de la calle, estaba decorada con coloridos frisos art déco, y el vestíbulo estaba decorado con símbolos e imágenes art déco que expresaban modernidad.

El edificio Chrysler pronto fue superado en altura por el Empire State Building de William F. Lamb (1931), en un estilo Deco un poco menos lujoso y el edificio RCA (ahora 30 Rockefeller Plaza) por Raymond Hood (1933) que juntos cambió por completo el horizonte de la ciudad de Nueva York. Las partes superiores de los edificios estaban decoradas con coronas y agujas Art Deco cubiertas con acero inoxidable y, en el caso del edificio Chrysler, con gárgolas Art Deco modeladas a partir de adornos de radiadores, mientras que las entradas y los vestíbulos estaban lujosamente decorados con esculturas Art Deco. cerámica y diseño. Edificios similares, aunque no tan altos, pronto aparecieron en Chicago y otras grandes ciudades estadounidenses. El Rockefeller Center agregó un nuevo elemento de diseño: varios edificios altos agrupados alrededor de una plaza abierta, con una fuente en el medio.

Art Déco tardío

En 1925 coexistían dentro del Art Deco dos escuelas diferentes en competencia: los tradicionalistas, que habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos; incluyó al diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales caros. Por otro lado estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances de las nuevas tecnologías, la sencillez, la falta de decoración, los materiales económicos y la producción en serie. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos, en 1929. Sus miembros incluían a los arquitectos Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov; la diseñadora irlandesa Eileen Gray; la diseñadora francesa Sonia Delaunay; y los joyeros Georges Fouquet y Jean Puiforcat. Atacaron ferozmente el estilo art déco tradicional, que dijeron que fue creado solo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían estar disponibles para todos y que la forma debería seguir a la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si estaba perfectamente preparado para cumplir su función. Los métodos industriales modernos significaban que los muebles y los edificios podían producirse en masa, no a mano.

El diseñador de interiores Art Deco Paul Follot defendía el Art Deco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se contenta con lo indispensable y que lo superfluo siempre se necesita... Si no, tendríamos que deshacernos de música, flores y perfumes..!" Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante publicista de la arquitectura modernista; afirmó que una casa era simplemente 'una máquina para vivir', y promovió incansablemente la idea de que el Art Deco era el pasado y el modernismo el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura y se abandonó la estética del Art Deco. Las mismas características que hicieron popular al Art Deco en un principio, su artesanía, materiales ricos y adornos, llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en los Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después, redujo considerablemente el número de clientes adinerados que podían pagar los muebles y objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas empresas estaban listas para construir nuevos rascacielos. Incluso la firma Ruhlmann recurrió a la producción de muebles en serie, en lugar de artículos individuales hechos a mano. Los últimos edificios construidos en París en el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (ahora Consejo Económico, Social y Ambiental de Francia), el Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu y Léon Azéma, y el Palais de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937; miraron hacia el grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer, que estaba frente al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante se convirtió en el estilo internacional iniciado por Le Corbusier y Mies van der Rohe. Un puñado de hoteles Art Deco se construyeron en Miami Beach después de la Segunda Guerra Mundial, pero en otros lugares el estilo desapareció en gran medida, excepto en el diseño industrial, donde continuó usándose en el diseño de automóviles y productos como máquinas de discos. En la década de 1960 experimentó un modesto renacimiento académico, gracias en parte a los escritos de historiadores de la arquitectura como Bevis Hillier. En la década de 1970, se hicieron esfuerzos en los Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de arquitectura Art Deco, y muchos edificios fueron restaurados y reutilizados. La arquitectura posmoderna, que apareció por primera vez en la década de 1980, como el Art Deco, a menudo incluye elementos puramente decorativos. Deco continúa inspirando a los diseñadores y se usa a menudo en moda contemporánea, joyería y artículos de tocador.

Pintura

No hubo una sección reservada para pintar en la Exposición de 1925. La pintura Art Deco era por definición decorativa, diseñada para decorar una habitación u obra de arquitectura, por lo que pocos pintores trabajaron exclusivamente en el estilo, pero dos pintores están estrechamente asociados con Art Deco. Jean Dupas pintó murales Art Deco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, y también pintó el cuadro sobre la chimenea en la exposición Maison du Collectionneur en la Exposición de 1925, que contó con muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores Art Deco. Sus murales también destacaron en la decoración del transatlántico francés SS Normandie. Su obra era puramente decorativa, pensada como fondo o acompañamiento de otros elementos de la decoración.

La otra pintora estrechamente asociada con el estilo es Tamara de Lempicka. Nacida en Polonia, emigró a París después de la Revolución Rusa. Estudió con Maurice Denis y André Lhote y tomó prestados muchos elementos de sus estilos. Pintó retratos en un estilo Art Deco realista, dinámico y colorido.

En la década de 1930 apareció en los Estados Unidos una nueva y espectacular forma de pintura art déco. Durante la Gran Depresión, se creó el Proyecto de Arte Federal de la Works Progress Administration para dar trabajo a los artistas desempleados. Muchos se dieron a la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No se utilizó un estilo art déco específico en los murales; los artistas contratados para pintar murales en edificios gubernamentales provenían de muchas escuelas diferentes, desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social; incluyeron a Reginald Marsh, Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera. Los murales eran Art Deco porque todos eran decorativos y estaban relacionados con las actividades del edificio o la ciudad donde fueron pintados: Reginald Marsh y Rockwell Kent decoraron edificios postales de EE. el Instituto de Artes de Detroit. El mural de Diego Rivera Man at the Crossroads (1933) para 30 Rockefeller Plaza presentaba un retrato no autorizado de Lenin. Cuando Rivera se negó a sacar a Lenin, la pintura fue destruida y el artista español Josep Maria Sert pintó un nuevo mural.

Escultura

Escultura monumental y pública

La escultura era una característica muy común e integral de la arquitectura Art Deco. En Francia, bajorrelieves alegóricos que representan la danza y la música de Antoine Bourdelle decoraron el primer hito Art Deco en París, el Théâtre des Champs-Élysées, en 1912. La Exposición de 1925 tenía importantes obras escultóricas colocadas alrededor del sitio, los pabellones estaban decorados con esculturas frisos y varios pabellones dedicados a la escultura de estudio más pequeña. En la década de 1930, un gran grupo de destacados escultores realizó obras para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas en la Vida Moderna de 1937 en Chaillot. Alfred Janniot realizó las esculturas en relieve de la fachada del Palais de Tokyo. El Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y la explanada frente al Palais de Chaillot, frente a la Torre Eiffel, estaban repletas de nuevas estatuas de Charles Malfray, Henry Arnold y muchos otros.

La escultura art déco pública casi siempre era figurativa, generalmente de figuras heroicas o alegóricas relacionadas con el propósito del edificio o la habitación. Los temas generalmente fueron seleccionados por los patrocinadores, no por el artista. La escultura abstracta para decoración era extremadamente rara.

En los Estados Unidos, el escultor Art Deco más destacado para el arte público fue Paul Manship, quien actualizó temas y temas clásicos y mitológicos en un estilo Art Deco. Su obra más famosa fue la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York, una adaptación del siglo XX de un tema clásico. Lee Lawrie realizó otras obras importantes para el Rockefeller Center, incluida la fachada escultórica y la estatua del Atlas.

Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, muchos escultores recibieron el encargo de realizar obras para la decoración de edificios del gobierno federal, con fondos proporcionados por la WPA, o Works Progress Administration. Incluyeron al escultor Sidney Biehler Waugh, quien creó imágenes estilizadas e idealizadas de los trabajadores y sus tareas para los edificios de oficinas del gobierno federal. En San Francisco, Ralph Stackpole proporcionó la escultura para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de Valores de San Francisco. En Washington D.C., Michael Lantz realizó obras para el edificio de la Comisión Federal de Comercio.

En Gran Bretaña, la estatua pública Deco fue realizada por Eric Gill para la BBC Broadcasting House, mientras que Ronald Atkinson decoró el vestíbulo del antiguo edificio Daily Express en Londres (1932).

Una de las esculturas Art Deco públicas más conocidas y sin duda la más grande es el Cristo Redentor del escultor francés Paul Landowski, terminado entre 1922 y 1931, ubicado en la cima de una montaña con vista a Río de Janeiro., Brasil.

Escultura de estudio

Muchas de las primeras esculturas art déco eran pequeñas y estaban diseñadas para decorar salones. Un género de esta escultura se llamó estatuilla criselefantina, llamada así por un estilo de las antiguas estatuas de los templos griegos hechas de oro y marfil. A veces estaban hechos de bronce, oa veces con materiales mucho más lujosos, como marfil, ónice, alabastro y pan de oro.

Uno de los escultores de salón Art Deco más conocidos fue el rumano Demétre Chiparus, que produjo pequeñas y coloridas esculturas de bailarines. Otros escultores de salón notables incluyeron a Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. Otra escultora estadounidense importante en el formato de estudio fue Harriet Whitney Frishmuth, que había estudiado con Auguste Rodin en París.

Pierre Le Paguays fue un destacado escultor de estudio Art Deco, cuyo trabajo se mostró en la Exposición de 1925. Trabajó con bronce, mármol, marfil, ónice, oro, alabastro y otros materiales preciosos.

François Pompon fue un pionero de la escultura animal moderna estilizada. No fue plenamente reconocido por sus logros artísticos hasta los 67 años en el Salon d'Automne de 1922 con la obra Ours blanc, también conocida como The White Bear., ahora en el Musée d'Orsay en París.

Paralelamente a estos escultores art déco, más escultores vanguardistas y modernistas abstractos trabajaban en París y la ciudad de Nueva York. Los más destacados fueron Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff y Pablo Gargallo.

Artes gráficas

El estilo Art Deco apareció temprano en las artes gráficas, en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Apareció en París en los carteles y diseños de vestuario de Léon Bakst para los Ballets Russes, y en los catálogos de los diseñadores de moda. Pablo Poiret. Las ilustraciones de Georges Barbier, Georges Lepape y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton capturaron a la perfección la elegancia y sensualidad del estilo. En la década de 1920, el aspecto cambió; las modas destacadas eran más casuales, deportivas y atrevidas, con las modelos femeninas fumando cigarrillos habitualmente. Revistas de moda americanas como Vogue, Vanity Fair y Harper's Bazaar adoptaron rápidamente el nuevo estilo y lo popularizaron en los Estados Unidos.. También influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent. En Alemania, el artista de carteles más famoso de la época fue Ludwig Hohlwein, quien creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cervezas y, al final de su carrera, para el Partido Nazi.

Durante el período Art Nouveau, los carteles generalmente publicitaban productos teatrales o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viaje, hechos para líneas de barcos de vapor y aerolíneas, se hicieron muy populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920, para centrar la atención en el producto que se anuncia. Las imágenes se volvieron más simples, precisas, más lineales, más dinámicas y, a menudo, se colocaron sobre un fondo de un solo color. En Francia, los diseñadores populares de Art Deco incluyeron a Charles Loupot y Paul Colin, quienes se hicieron famosos por sus carteles de la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker. Jean Carlu diseñó carteles para películas, telenovelas y teatros de Charlie Chaplin; a finales de la década de 1930 emigró a Estados Unidos, donde, durante la Guerra Mundial, diseñó carteles para fomentar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se hizo famoso realizando carteles para la cantante Mistinguett y para Air France. Entre los diseñadores de carteles art déco franceses más conocidos se encuentra Cassandre, que realizó el célebre cartel del transatlántico SS Normandie en 1935.

En la década de 1930 apareció un nuevo género de carteles en los Estados Unidos durante la Gran Depresión. El Federal Art Project contrató a artistas estadounidenses para crear carteles para promover el turismo y los eventos culturales.

Arquitectura

El estilo arquitectónico del art déco hizo su debut en París en 1903–04, con la construcción de dos edificios de apartamentos en París, uno por Auguste Perret en la rue Benjamin Franklin y el otro en la rue Trétaigne por Henri Sauvage. Los dos jóvenes arquitectos utilizaron por primera vez hormigón armado en edificios residenciales de París; los nuevos edificios tenían líneas limpias, formas rectangulares y sin decoración en las fachadas; marcaron una clara ruptura con el estilo art nouveau. Entre 1910 y 1913, Perret utilizó su experiencia en edificios de apartamentos de hormigón para construir el Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Entre 1925 y 1928, Sauvage construyó la nueva fachada art déco de los grandes almacenes La Samaritaine en París.

Después de la Primera Guerra Mundial, los edificios art déco de acero y hormigón armado comenzaron a aparecer en las grandes ciudades de Europa y Estados Unidos. En los Estados Unidos, el estilo se usó más comúnmente para edificios de oficinas, edificios gubernamentales, cines y estaciones de ferrocarril. A veces se combinaba con otros estilos; El Ayuntamiento de Los Ángeles combinó Art Deco con un techo basado en el antiguo mausoleo griego en Halicarnassus, mientras que la estación de tren de Los Ángeles combinó Deco con la arquitectura de la misión española. Los elementos Art Deco también aparecieron en proyectos de ingeniería, incluidas las torres del puente Golden Gate y las torres de entrada de la presa Hoover. En las décadas de 1920 y 1930 se convirtió en un estilo verdaderamente internacional, con ejemplos que incluyen el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México de Federico Mariscal [es], la estación de metro Mayakovskaya en Moscú y el edificio de la Dieta Nacional en Tokio por Watanabe Fukuzo.

El estilo Art Deco no se limitó a edificios en tierra; el transatlántico SS Normandie, cuyo primer viaje fue en 1935, presentaba un diseño Art Deco, incluyendo un comedor cuyo techo y decoración fueron realizados en vidrio por Lalique.

"Catedrales de Comercio"

Los grandes escaparates del diseño de interiores art déco estadounidense fueron los vestíbulos de los edificios gubernamentales, los teatros y, en particular, los edificios de oficinas. Los interiores eran extremadamente coloridos y dinámicos, combinando esculturas, murales y diseños geométricos ornamentados en mármol, vidrio, cerámica y acero inoxidable. Un ejemplo temprano fue el Edificio Fisher en Detroit, de Joseph Nathaniel French; el vestíbulo estaba muy decorado con esculturas y cerámicas. The Guardian Building (originalmente Union Trust Building) en Detroit, por Wirt Rowland (1929), decorado con mármol rojo y negro y cerámica de colores brillantes, resaltado por puertas y mostradores de ascensores de acero muy pulido. La decoración escultórica instalada en las paredes ilustraba las virtudes de la industria y el ahorro; el edificio se denominó inmediatamente "Catedral de Comercio". El edificio médico y dental llamado 450 Sutter Street en San Francisco por Timothy Pflueger se inspiró en la arquitectura maya, en una forma muy estilizada; usaba formas piramidales, y las paredes interiores estaban cubiertas con filas de jeroglíficos muy estilizados.

En Francia, el mejor ejemplo de un interior Art Deco durante este período fue el Palais de la Porte Dorée (1931) de Albert Laprade, Léon Jaussely y Léon Bazin. El edificio (ahora el Museo Nacional de Inmigración, con un acuario en el sótano) fue construido para la Exposición Colonial de París de 1931, para celebrar la gente y los productos de las colonias francesas. La fachada exterior estaba completamente cubierta con esculturas, y el vestíbulo creaba una armonía Art Deco con un piso de parquet de madera en un patrón geométrico, un mural que representaba a la gente de las colonias francesas; y una armoniosa composición de puertas verticales y balcones horizontales.

Palacios de cine

Muchos de los mejores ejemplos sobrevivientes de Art Deco son cines construidos en las décadas de 1920 y 1930. El período Art Deco coincidió con la conversión de películas mudas a sonoras, y las compañías cinematográficas construyeron grandes destinos de exhibición en las principales ciudades para captar la gran audiencia que venía a ver películas. Los palacios de cine en la década de 1920 a menudo combinaban temas exóticos con estilo art deco; El Teatro Egipcio de Grauman en Hollywood (1922) se inspiró en las antiguas tumbas y pirámides egipcias, mientras que el Teatro Fox en Bakersfield, California adjuntó una torre al estilo de la Misión de California a una sala Art Deco. El más grande de todos es el Radio City Music Hall en la ciudad de Nueva York, que se inauguró en 1932. Originalmente diseñado como espacio de actuación teatral, se transformó rápidamente en un cine, con capacidad para 6015 clientes. El diseño interior de Donald Deskey usó vidrio, aluminio, cromo y cuero para crear un escape visual de la realidad. El Teatro Paramount en Oakland, California, de Timothy Pflueger, tenía una colorida fachada de cerámica, un vestíbulo de cuatro pisos de altura y salas de fumadores Art Deco separadas para caballeros y damas. Grandes palacios similares aparecieron en Europa. El Grand Rex de París (1932), con su imponente torre, fue el cine más grande de Europa después de las 6.000 butacas del Gaumont-Palace (1931-1973). El Gaumont State Cinema de Londres (1937) tenía una torre inspirada en el edificio Empire State, cubierta con azulejos de cerámica color crema y un interior de estilo Art Deco-Renacimiento italiano. El Teatro Paramount en Shanghái, China (1933) se construyó originalmente como un salón de baile llamado La puerta de los 100 placeres; se convirtió en un cine después de la Revolución Comunista en 1949, y ahora es un salón de baile y discoteca. En la década de 1930, los arquitectos italianos construyeron un pequeño cine, el Cinema Impero, en Asmara, en lo que ahora es Eritrea. Hoy en día, muchas de las salas de cine se han subdividido en multicines, pero otras se han restaurado y se utilizan como centros culturales en sus comunidades.

Optimizar moderada

(feminine)

A fines de la década de 1930, una nueva variedad de arquitectura Art Deco se hizo común; se llamaba Streamline Moderne o simplemente Streamline, o, en Francia, Style Paquebot, o estilo Ocean Liner. Los edificios de este estilo tenían esquinas redondeadas y largas líneas horizontales; estaban construidos de hormigón armado, y casi siempre eran blancos; ya veces tenían características náuticas, como barandillas y ojos de buey que se parecían a los de un barco. La esquina redondeada no era del todo nueva; había aparecido en Berlín en 1923 en el Mossehaus de Erich Mendelsohn, y más tarde en el Hoover Building, un complejo industrial en el suburbio londinense de Perivale. En los Estados Unidos, se asoció más estrechamente con el transporte; Streamline moderne era raro en los edificios de oficinas, pero a menudo se usaba para estaciones de autobuses y terminales de aeropuertos, como la terminal del aeropuerto La Guardia en la ciudad de Nueva York que manejó los primeros vuelos transatlánticos, a través de los hidroaviones PanAm Clipper; y en la arquitectura vial, como gasolineras y comedores. A fines de la década de 1930, se produjeron e instalaron en ciudades de Nueva Inglaterra una serie de comensales, inspirados en vagones de ferrocarril aerodinámicos; aún quedan al menos dos ejemplos y ahora son edificios históricos registrados.

Decoración y motivos

La decoración en el período Art Deco pasó por varias fases distintas. Entre 1910 y 1920, cuando el Art Nouveau se agotó, los estilos de diseño vieron un regreso a la tradición, particularmente en el trabajo de Paul Iribe. En 1912, André Vera publicó un ensayo en la revista L'Art Décoratif en el que pedía volver a la artesanía y los materiales de siglos anteriores, utilizando un nuevo repertorio de formas extraídas de la naturaleza, en particular cestas y guirnaldas de frutas y flores. Una segunda tendencia de Art Deco, también de 1910 a 1920, se inspiró en los colores brillantes del movimiento artístico conocido como Fauves y en los coloridos trajes y decorados de los Ballets Russes. Este estilo se expresó a menudo con materiales exóticos como piel de tiburón, nácar, marfil, cuero teñido, madera lacada y pintada, e incrustaciones decorativas en los muebles que enfatizaban su geometría. Este período del estilo alcanzó su punto culminante en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925. A finales de la década de 1920 y durante la década de 1930, el estilo decorativo cambió, inspirado en nuevos materiales y tecnologías. Se volvió más elegante y menos ornamental. Los muebles, como la arquitectura, comenzaron a tener bordes redondeados y adquirieron un aspecto pulido y aerodinámico, tomado del estilo moderno aerodinámico. Nuevos materiales, como el acero niquelado o cromado, el aluminio y la baquelita, una forma temprana de plástico, comenzaron a aparecer en muebles y decoración.

A lo largo del período Art Deco, y particularmente en la década de 1930, los motivos de la decoración expresaron la función del edificio. Los teatros estaban decorados con esculturas que ilustraban la música, la danza y la emoción; las compañías eléctricas mostraban amaneceres, el edificio Chrysler mostraba adornos estilizados en el capó; Los frisos del Palais de la Porte Dorée en la Exposición Colonial de París de 1931 mostraban los rostros de las diferentes nacionalidades de las colonias francesas. El estilo Streamline hizo que pareciera que el edificio mismo estaba en movimiento. Los murales de la WPA de la década de 1930 mostraban a personas comunes; trabajadores de fábricas, trabajadores de correos, familias y agricultores, en lugar de héroes clásicos.

Muebles

Los muebles franceses desde 1910 hasta principios de la década de 1920 fueron en gran medida una actualización de los estilos de muebles tradicionales franceses y los diseños art nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet y otros fabricantes. Los fabricantes de muebles franceses se sintieron amenazados por la creciente popularidad de los fabricantes y estilos alemanes, en particular el estilo Biedermeier, que era simple y de líneas limpias. El diseñador francés Frantz Jourdain, presidente del Salon d'Automne de París, invitó a diseñadores de Munich a participar en el Salón de 1910. Los diseñadores franceses vieron el nuevo estilo alemán y decidieron enfrentar el desafío alemán. Los diseñadores franceses decidieron presentar nuevos estilos franceses en el Salón de 1912. Las reglas del Salón indicaban que solo se permitirían estilos modernos. Todos los principales diseñadores de muebles franceses participaron en Salón: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare y Louis Suë participaron, presentando nuevos trabajos que actualizaban los estilos franceses tradicionales de Luis XVI y Luis Felipe con más angulosos. rincones inspirados en el cubismo y colores más vivos inspirados en el fauvismo y los nabis.

El pintor André Mare y el diseñador de muebles Louis Süe participaron en el Salón de 1912. Después de la guerra, los dos hombres se unieron para formar su propia compañía, formalmente llamada Compagnie des Arts Française, pero generalmente conocida simplemente como Suë and Mare. A diferencia de los destacados diseñadores art nouveau como Louis Majorelle, que diseñaron personalmente cada pieza, reunieron a un equipo de hábiles artesanos y produjeron diseños de interiores completos, incluidos muebles, cristalería, alfombras, cerámica, papel tapiz e iluminación. Su trabajo contó con colores vivos y muebles y maderas nobles, como el ébano con incrustaciones de nácar, abulón y metal plateado para crear ramos de flores. Diseñaron de todo, desde los interiores de los transatlánticos hasta los frascos de perfume para la marca de Jean Patou. La firma prosperó a principios de la década de 1920, pero los dos hombres eran mejores artesanos que hombres de negocios. La empresa se vendió en 1928 y ambos hombres se fueron.

El diseñador de muebles más destacado en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 fue Émile-Jacques Ruhlmann, de Alsacia. Primero exhibió sus obras en el Salón de Otoño de 1913, luego tuvo su propio pabellón, la 'Casa del coleccionista rico', en la Exposición de 1925. Utilizó solo los materiales más raros y caros, incluidos el ébano, la caoba, el palo de rosa, el ambo y otras maderas exóticas, decoradas con incrustaciones de marfil, caparazón de tortuga, nácar, pequeños pompones de seda decoraban las manijas de los cajones de los gabinetes. Sus muebles se basaron en modelos del siglo XVIII, pero simplificados y reformados. En toda su obra, la estructura interior del mueble quedó completamente oculta. El armazón, generalmente de roble, estaba completamente cubierto con una capa de tiras delgadas de madera, luego cubierta por una segunda capa de tiras de maderas raras y caras. Luego se cubrió con una chapa y se pulió, de modo que la pieza pareciera haber sido cortada de un solo bloque de madera. El contraste con la madera oscura lo proporcionaban las incrustaciones de marfil y las placas y manijas de las teclas de marfil. Según Ruhlmann, los sillones debían diseñarse de forma diferente según las funciones de las estancias en las que aparecían; los sillones de la sala de estar fueron diseñados para ser acogedores, las sillas de oficina cómodas y las sillas de salón voluptuosas. Solo se fabricó una pequeña cantidad de piezas de cada diseño de muebles, y el precio promedio de una de sus camas o gabinetes fue mayor que el precio de una casa promedio.

Jules Leleu fue un diseñador de muebles tradicional que se mudó sin problemas al Art Deco en la década de 1920; diseñó los muebles para el comedor del Palacio del Elíseo y para los camarotes de primera clase del barco de vapor Normandie. su estilo se caracterizó por el uso de ébano, madera de Macassar, nogal, con decoración de placas de marfil y nácar. Introdujo el estilo de muebles art deco lacados a fines de la década de 1920 y, a fines de la década de 1930, introdujo muebles hechos de metal con paneles de vidrio ahumado. En Italia, el diseñador Gio Ponti fue famoso por sus diseños aerodinámicos.

Los costosos y exóticos muebles de Ruhlmann y otros tradicionalistas enfurecieron a los modernistas, incluido el arquitecto Le Corbusier, lo que le llevó a escribir una famosa serie de artículos denunciando el estilo artes decorativas. Atacó los muebles hechos solo para los ricos y pidió a los diseñadores que crearan muebles hechos con materiales económicos y un estilo moderno, que la gente común pudiera pagar. Diseñó sus propias sillas, creadas para ser económicas y producidas en masa.

En la década de 1930, los diseños de muebles se adaptaron a la forma, con superficies más suaves y formas curvas. Los maestros del estilo tardío incluyeron a Donald Deskey, quien fue uno de los diseñadores más influyentes; creó el interior del Radio City Music Hall. Usó una mezcla de materiales tradicionales y muy modernos, como aluminio, cromo y baquelita, una forma temprana de plástico. Otros maestros del mobiliario art déco de la década de 1930 en los Estados Unidos incluyeron a Gilbert Rohde, Warren McArthur, Kem Weber y Wolfgang Hoffman.

El estilo Waterfall fue popular en las décadas de 1930 y 1940, la forma de mobiliario Art Deco más predominante en ese momento. Las piezas eran típicamente de madera contrachapada acabada con chapa rubia y con bordes redondeados, asemejándose a una cascada.

Diseño

Streamline fue una variedad de Art Deco que surgió a mediados de la década de 1930. Fue influenciado por los principios aerodinámicos modernos desarrollados para la aviación y la balística para reducir la resistencia aerodinámica a altas velocidades. Los diseñadores aplicaron las formas de las balas a automóviles, trenes, barcos e incluso a objetos que no estaban destinados a moverse, como refrigeradores, surtidores de gasolina y edificios. Uno de los primeros vehículos de producción en este estilo fue el Chrysler Airflow de 1933. No tuvo éxito comercial, pero la belleza y funcionalidad de su diseño sentó un precedente; significó la modernidad. Continuó usándose en el diseño de automóviles mucho después de la Segunda Guerra Mundial.

Los nuevos materiales industriales comenzaron a influir en el diseño de automóviles y objetos domésticos. Estos incluían aluminio, cromo y baquelita, una forma temprana de plástico. La baquelita se podía moldear fácilmente en diferentes formas y pronto se usó en teléfonos, radios y otros electrodomésticos.

Gran comedor de la línea de océano SS Normandie por Pierre Patout (1935); bajorrelieves por Raymond Delamarre

Los transatlánticos también adoptaron un estilo Art Deco, conocido en francés como el Estilo Paquebot, o "Estilo transatlántico". El ejemplo más famoso fue el SS Normandie, que realizó su primer viaje transatlántico en 1935. Fue diseñado especialmente para llevar a los estadounidenses adinerados a París a comprar. Las cabañas y los salones presentaban los últimos muebles y decoración Art Deco. El Gran Salón del barco, que era el restaurante de los pasajeros de primera clase, era más grande que el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles. Estaba iluminado por luces eléctricas dentro de doce pilares de cristal Lalique; treinta y seis pilares a juego se alineaban en las paredes. Este fue uno de los primeros ejemplos de iluminación integrada directamente en la arquitectura. El estilo de los barcos pronto se adaptó a los edificios. Un ejemplo notable se encuentra en el paseo marítimo de San Francisco, donde el edificio del Museo Marítimo, construido como un baño público en 1937, se parece a un transbordador, con barandillas de barco y esquinas redondeadas. La terminal Star Ferry en Hong Kong también usó una variación del estilo.

Textil y moda

Los textiles eran una parte importante del estilo Art Déco, en forma de papel tapiz, tapicería y alfombras de colores. En la década de 1920, los diseñadores se inspiraron en los escenarios de los Ballets Russes, los diseños de telas y el vestuario de Léon Bakst y las creaciones por el Wiener Werkstätte. Los primeros diseños de interiores de André Mare presentaban guirnaldas de rosas y flores de colores brillantes y muy estilizadas, que decoraban las paredes, los pisos y los muebles. Los motivos florales estilizados también dominaron el trabajo de Raoul Dufy y Paul Poiret, y en los diseños de muebles de J.E. Ruhlmann. La alfombra floral fue reinventada en estilo Deco por Paul Poiret.

El uso del estilo mejoró enormemente con la introducción del sistema de impresión basado en plantillas pochoir, que permitió a los diseñadores lograr líneas nítidas y colores muy vivos. Las formas Art Deco aparecieron en la ropa de Paul Poiret, Charles Worth y Jean Patou. Después de la Primera Guerra Mundial, las exportaciones de ropa y telas se convirtieron en una de las fuentes de ingresos de divisas más importantes de Francia.

El papel tapiz y los textiles del art déco tardío a veces presentaban escenas industriales estilizadas, paisajes urbanos, locomotoras y otros temas modernos, así como figuras femeninas estilizadas, acabados metálicos y diseños geométricos.

La moda cambió drásticamente durante el período Art Deco, gracias en particular a los diseñadores Paul Poiret y luego a Coco Chanel. Poiret introdujo una innovación importante en el diseño de moda, el concepto de drapeado, una desviación de la sastrería y la creación de patrones del pasado. Diseñó ropa cortada a lo largo de líneas rectas y construida con motivos rectangulares. Sus estilos ofrecían simplicidad estructural. Se abandonaron la apariencia encorsetada y los estilos formales del período anterior, y la moda se volvió más práctica y aerodinámica. con el uso de nuevos materiales, colores más vivos y diseños estampados. La diseñadora Coco Chanel continuó la transición, popularizando el estilo sport chic casual.

Joyas

En las décadas de 1920 y 1930, diseñadores como René Lalique y Cartier intentaron reducir el dominio tradicional de los diamantes mediante la introducción de gemas más coloridas, como pequeñas esmeraldas, rubíes y zafiros. También pusieron mayor énfasis en ambientes muy elaborados y elegantes, con materiales menos costosos como esmalte, vidrio, cuerno y marfil. Los propios diamantes se cortaron en formas menos tradicionales; la Exposición de 1925 vio muchos diamantes cortados en forma de pequeñas varillas o cerillas. Los engastes de los diamantes también cambiaron; Cada vez con mayor frecuencia, los joyeros usaban platino en lugar de oro, ya que era fuerte y flexible y podía engarzar grupos de piedras. Los joyeros también comenzaron a utilizar materiales más oscuros, como esmaltes y ónix negro, que proporcionaban un mayor contraste con los diamantes.

La joyería se volvió mucho más colorida y variada en estilo. Cartier y la firma de Boucheron combinaron diamantes con otras piedras preciosas de colores cortadas en forma de hojas, frutas o flores, para hacer broches, anillos, pendientes, clips y colgantes. Los temas del Lejano Oriente también se hicieron populares; placas de jade y coral se combinaron con platino y diamantes, y neceseres, pitilleras y cajas de pólvora fueron decoradas con paisajes japoneses y chinos elaborados con nácar, esmalte y laca.

Las modas que cambiaban rápidamente en la ropa trajeron nuevos estilos de joyería. Los vestidos sin mangas de la década de 1920 significaban que los brazos necesitaban decoración, y los diseñadores rápidamente crearon brazaletes de oro, plata y platino con incrustaciones de lapislázuli, ónix, coral y otras piedras de colores; Otros brazaletes estaban destinados a la parte superior de los brazos y, a menudo, se usaban varios brazaletes al mismo tiempo. Los cortes de pelo cortos de las mujeres de los años veinte requerían elaborados diseños de aretes decorativos. Cuando las mujeres comenzaron a fumar en público, los diseñadores crearon pitilleras muy ornamentadas y boquillas de marfil. La invención del reloj de pulsera antes de la Primera Guerra Mundial inspiró a los joyeros a crear extraordinarios relojes decorados, con incrustaciones de diamantes y chapados en esmalte, oro y plata. Los relojes colgantes, colgados de una cinta, también se pusieron de moda.

Las casas de joyería establecidas de París en el período, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin y Van Cleef & Arpels creó joyas y objetos a la nueva moda. La firma Chaumet fabricaba pitilleras, mecheros, pastilleros y cuadernos de gran geometría, elaborados con piedras duras decoradas con jade, lapislázuli, diamantes y zafiros. A ellos se unieron muchos nuevos diseñadores jóvenes, cada uno con su propia idea de decoración. Raymond Templier diseñó piezas con patrones geométricos muy intrincados, incluidos aretes de plata que parecían rascacielos. Gerard Sandoz tenía solo 18 años cuando comenzó a diseñar joyas en 1921; diseñó muchas piezas célebres basadas en el aspecto suave y pulido de la maquinaria moderna. El diseñador de vidrio René Lalique también entró en el campo, creando colgantes de frutas, flores, ranas, hadas o sirenas hechos de vidrio esculpido en colores brillantes, colgados en cordones de seda con borlas. El joyero Paul Brandt contrastó patrones rectangulares y triangulares, y perlas incrustadas en líneas sobre placas de ónix. Jean Despres hizo collares de colores contrastantes juntando plata y laca negra, u oro con lapislázuli. Muchos de sus diseños parecían piezas de máquinas muy pulidas. Jean Dunand también se inspiró en la maquinaria moderna, combinada con rojos y negros brillantes que contrastan con el metal pulido.

Arte en vidrio

Al igual que el período Art Nouveau anterior, el Art Deco fue un período excepcional para el vidrio fino y otros objetos decorativos, diseñados para adaptarse a su entorno arquitectónico. El productor de objetos de vidrio más famoso fue René Lalique, cuyas obras, desde jarrones hasta adornos de capó para automóviles, se convirtieron en símbolos de la época. Se había aventurado en el mundo del vidrio antes de la Primera Guerra Mundial, diseñando frascos para los perfumes de François Coty, pero no comenzó una producción seria de vidrio artístico hasta después de la Primera Guerra Mundial. En 1918, a la edad de 58 años, compró un vaso grande. trabaja en Combs-la-Ville y comenzó a fabricar objetos de vidrio tanto artísticos como prácticos. Trató el vidrio como una forma de escultura y creó estatuillas, jarrones, cuencos, lámparas y adornos. Usó semicristal en lugar de cristal de plomo, que era más suave y fácil de moldear, aunque no tan lustroso. A veces usaba vidrio coloreado, pero más a menudo usaba vidrio opalescente, donde parte o la totalidad de la superficie exterior estaba teñida con un lavado. Lalique proporcionó los paneles de vidrio decorativos, las luces y los techos de vidrio iluminados para los transatlánticos SS Île de France en 1927 y el SS Normandie en 1935, y para algunos de los coches cama de primera clase de los ferrocarriles franceses.. En la Exposición de Artes Decorativas de 1925, tuvo su propio pabellón, diseñó un comedor con mesa y techo de cristal a juego para el Pabellón de Sèvres, y diseñó una fuente de cristal para el patio del Cours des Métiers, una esbelta columna de cristal que chorreaba agua por los costados y se iluminaba por la noche.

Otros notables fabricantes de vidrio art déco incluyen a Marius-Ernest Sabino, que se especializó en figurillas, jarrones, cuencos y esculturas de vidrio de peces, desnudos y animales. Para estos, a menudo usaba un vidrio opalescente que podía cambiar de blanco a azul a ámbar, dependiendo de la luz. Sus jarrones y cuencos presentaban frisos moldeados de animales, desnudos o bustos de mujeres con frutas o flores. Su trabajo fue menos sutil pero más colorido que el de Lalique.

Otros notables diseñadores de vidrio Deco incluyeron a Edmond Etling, quien también usó colores brillantes opalescentes, a menudo con patrones geométricos y desnudos esculpidos; Albert Simonet, y Aristide Colotte y Maurice Marinot, conocido por sus botellas y jarrones esculturales profundamente grabados. La firma Daum de la ciudad de Nancy, que había sido famosa por su vidrio Art Nouveau, produjo una línea de jarrones Deco y esculturas de vidrio, sólidas, geométricas y de formas gruesas. Gabriel Argy-Rousseau, que produjo jarrones delicadamente sombreados con mariposas y ninfas esculpidas, y Francois Decorchemont, cuyos jarrones estaban veteados y jaspeados, realizaron obras multicolores más delicadas.

La Gran Depresión arruinó gran parte de la industria del vidrio decorativo, que dependía de clientes adinerados. Algunos artistas se dedicaron a diseñar vidrieras para iglesias. En 1937, la compañía de vidrio Steuben comenzó la práctica de encargar a artistas famosos la producción de cristalería. Louis Majorelle, famoso por sus muebles Art Nouveau, diseñó una notable vidriera Art Deco que retrata a los trabajadores del acero para las oficinas de Aciéries de Longwy, una acería en Longwy, Francia.

La catedral de Amiens tiene un raro ejemplo de vidrieras de estilo art déco en la Capilla del Sagrado Corazón, realizadas entre 1932 y 1934 por el artista del vidrio parisino Jean Gaudin basándose en dibujos de Jacques Le Breton.

Arte del metal

Los artistas Art Deco produjeron una amplia variedad de objetos prácticos en el estilo Art Deco, hechos de materiales industriales desde hierro forjado tradicional hasta acero cromado. El artista estadounidense Norman Bel Geddes diseñó un juego de cócteles que se asemejaba a un rascacielos hecho de acero cromado. Raymond Subes diseñó una elegante rejilla de metal para la entrada del Palais de la Porte Dorée, la pieza central de la Exposición Colonial de París de 1931. El escultor francés Jean Dunand realizó magníficas puertas sobre el tema "La caza", recubiertas con pan de oro y pintura sobre yeso (1935).

Animación

Las imágenes e imágenes Art Deco se utilizaron en múltiples películas animadas, incluidas Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia y Sleeping Beauty. La arquitectura aparece en la ciudad submarina ficticia de Rapture en la serie de videojuegos Bioshock.

Arquitectura Art Deco en el mundo

La arquitectura Art Deco comenzó en Europa, pero en 1939 había ejemplos en las grandes ciudades de todos los continentes y en casi todos los países. Esta es una selección de edificios destacados en cada continente.

Para obtener una lista completa de los edificios existentes por país, consulte: Lista de arquitectura Art Deco.

África

La mayoría de los edificios Art Deco en África se construyeron durante el dominio colonial europeo y, a menudo, fueron diseñados por arquitectos italianos, franceses y portugueses.

Asia

Muchos edificios Art Deco en Asia fueron diseñados por arquitectos europeos. Pero en Filipinas, los arquitectos locales como Juan Nakpil, Juan Arellano y otros fueron preeminentes. Muchos puntos de referencia Art Deco en Asia fueron demolidos durante la gran expansión económica de Asia a fines del siglo XX, pero aún quedan algunos enclaves notables de la arquitectura, particularmente en Shanghai y Mumbai.

Banco Jamuna en Chittagong. Es uno de los mejores edificios de la ciudad.

Jamuna Bhaban, Chittagong 02.JPG

Australia y Nueva Zelanda

Melbourne y Sídney, Australia, tienen varios edificios Art Deco notables, incluidos el edificio Manchester Unity y la antigua sede de la policía de Russell Street en Melbourne, el museo de arte Castlemaine en Castlemaine, el centro de Victoria y el edificio Grace, la torre AWA y el monumento Anzac. En Sydney.

Varias ciudades de Nueva Zelanda, incluidas Napier y Hastings, se reconstruyeron en estilo art déco después del terremoto de Hawke's Bay de 1931, y muchos de los edificios se han protegido y restaurado. Napier ha sido nominado para el estatus de Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, el primer sitio cultural en Nueva Zelanda en ser nominado. Wellington ha conservado una cantidad considerable de edificios Art Deco.

América del Norte

En Canadá, las estructuras Art Deco sobrevivientes se encuentran principalmente en las principales ciudades; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario y Vancouver. Van desde edificios públicos como el Ayuntamiento de Vancouver hasta edificios comerciales (College Park) y obras públicas (Planta de tratamiento de agua R. C. Harris).

En México, el ejemplo Art Deco más imponente es el interior del Palacio de Bellas Artes, terminado en 1934 con su elaborada decoración y murales. Se pueden encontrar ejemplos de arquitectura residencial Art Deco en el distrito de Condesa, muchos diseñados por Francisco J. Serrano.

En los Estados Unidos, los edificios Art Deco se encuentran de costa a costa, en las principales ciudades. Fue más utilizado para edificios de oficinas, estaciones de tren, terminales de aeropuertos y cines; los edificios residenciales son raros. Durante las décadas de 1920 y 1930, los arquitectos del suroeste de los Estados Unidos, particularmente en el estado estadounidense de Nuevo México, combinaron Pueblo Revival con Territorial Style y Art Deco para crear Pueblo Deco, como se ve en el Teatro KiMo en Albuquerque. En la década de 1930, el estilo aerodinámico más austero se hizo popular. Muchos edificios fueron demolidos entre 1945 y fines de la década de 1960, pero luego comenzaron los esfuerzos para proteger los mejores ejemplos. La Ciudad de Miami Beach estableció el Distrito Arquitectónico de Miami Beach para preservar la excelente colección de edificios Art Deco que se encuentran allí.

Centroamérica y el Caribe

Los edificios Art Deco se pueden encontrar en toda América Central, incluso en Cuba.

Europa

El estilo arquitectónico apareció por primera vez en París con el Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) de Auguste Perret, pero luego se extendió rápidamente por Europa, hasta que se pudieron encontrar ejemplos en casi todas las grandes ciudades, desde Londres hasta Moscú. En Alemania florecieron dos variaciones del Art Deco en las décadas de 1920 y 1930: el estilo Neue Sachlichkeit y la arquitectura expresionista. Ejemplos notables incluyen el teatro Mossehaus y Schaubühne de Erich Mendelsohn en Berlín, el Chilehaus de Fritz Höger en Hamburgo y su Kirche am Hohenzollernplatz en Berlín, la Torre Anzeiger en Hannover y la Torre Borsig en Berlín.

Uno de los edificios Art Deco más grandes de Europa Occidental es la Basílica Nacional del Sagrado Corazón en Koekelberg, Bruselas. En 1925, el arquitecto Albert van Huffel ganó el Gran Premio de Arquitectura con su modelo a escala de la basílica en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de París.

España y Portugal tienen algunos ejemplos sorprendentes de edificios Art Deco, en particular salas de cine. Ejemplos en Portugal son el Teatro Capitólio (1931) y el Cine-Teatro Éden (1937) en Lisboa, el Teatro Rivoli (1937) y el Coliseu (1941) en Oporto y el Teatro Rosa Damasceno (1937) en Santarém. Un ejemplo en España es el Cine Rialto de Valencia (1939).

Durante la década de 1930, Art Deco tuvo un efecto notable en el diseño de casas en el Reino Unido, así como en el diseño de varios edificios públicos. Las fachadas rectas de las casas enlucidas en blanco que se elevaban hasta los techos planos, los marcos de las puertas con formas geométricas agudas y las ventanas altas, así como las ventanas de las esquinas de metal con curvas convexas, eran todas características de ese período.

El metro de Londres es famoso por muchos ejemplos de arquitectura Art Deco, y hay varios edificios de este estilo situados a lo largo de la Milla de Oro en Brentford. También en el oeste de Londres se encuentra el edificio Hoover, que se construyó originalmente para The Hoover Company y se convirtió en una gran tienda a principios de la década de 1990.

Bucarest, Rumanía

Bucarest, una vez conocida como el "pequeño París" del siglo XIX, inmerso en nuevos diseños tras la Primera Guerra Mundial, reorientó su inspiración hacia la ciudad de Nueva York. La década de 1930 trajo una nueva moda que resonó en el cine, el teatro, los estilos de baile, el arte y la arquitectura. Bucarest durante la década de 1930 se caracterizó por una arquitectura cada vez más art déco desde los bulevares más grandes como Bulevardul Magheru hasta las casas privadas y los distritos más pequeños. El Palacio del Teléfono, uno de los primeros hitos de la moderna Bucarest, fue el primer rascacielos de la ciudad. Fue el edificio más alto entre 1933 y la década de 1950, con una altura de 52,5 metros (172 pies). Los arquitectos fueron Louis Weeks y Edmond van Saanen Algi y el ingeniero Walter Troy. Los monumentos art déco son una parte crucial del carácter de Bucarest, ya que describen y marcan un período importante de su historia, la vida interbélica (Primera Guerra Mundial-Segunda Guerra Mundial). La mayoría de los edificios de esos años son propensos a sufrir catástrofes, ya que Bucarest se encuentra en una zona sísmica.

India

El Instituto Indio de Arquitectos, fundado en Mumbai en 1929, desempeñó un papel destacado en la propagación del movimiento Art Deco. En noviembre de 1937, este instituto organizó la 'Exposición Hogar Ideal' celebrada en el Ayuntamiento de Mumbai, que duró más de 12 días y atrajo a unos cien mil visitantes. Como resultado, fue declarado un éxito por el 'Journal of the Indian Institute of Architects'. Las exhibiciones mostraban el 'ideal', o mejor descrito como el más 'moderno' arreglos para varias partes de la casa, prestando atención a los detalles para evitar errores arquitectónicos y presentar los modelos más eficientes y bien pensados. La exposición se centró en varios elementos de una casa que van desde muebles, elementos de decoración de interiores hasta radios y refrigeradores utilizando materiales y métodos nuevos y científicamente relevantes. Guiados por su deseo de emular a Occidente, los arquitectos indios quedaron fascinados por la modernidad industrial que ofrecía el Art Deco. Las élites occidentales fueron las primeras en experimentar con las facetas tecnológicamente avanzadas del Art Deco, y los arquitectos comenzaron el proceso de transformación a principios de la década de 1930.

La expansión del comercio portuario de Bombay en la década de 1930 resultó en el crecimiento de la población educada de clase media. También vio un aumento de personas que emigraron a Mumbai en busca de oportunidades laborales. Esto condujo a la necesidad apremiante de nuevos desarrollos a través de planes de recuperación de tierras y la construcción de nuevos edificios públicos y residenciales. Paralelamente, el clima político cambiante en el país y la calidad aspiracional de la estética Art Deco llevaron a una aceptación incondicional del estilo de construcción en el desarrollo de la ciudad. La mayoría de los edificios de este período se pueden ver repartidos por los barrios de la ciudad en áreas como Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra y Chembur.

América del Sur

El Art Déco en América del Sur está especialmente presente en países que recibieron una gran ola de inmigración en la primera mitad del siglo XX, con obras notables en sus ciudades más ricas, como São Paulo y Río de Janeiro en Brasil y Buenos Aires en argentino El edificio Kavanagh en Buenos Aires (1934), de Sánchez, Lagos y de la Torre, fue la estructura de hormigón armado más alta cuando se completó, y es un ejemplo notable del estilo Art Deco tardío.

Preservación y Neo Art Deco

En muchas ciudades, se han realizado esfuerzos para proteger los edificios Art Deco restantes. En muchas ciudades de EE. UU., los cines art deco históricos se han conservado y se han convertido en centros culturales. Incluso se han conservado edificios art déco más modestos como parte del patrimonio arquitectónico de Estados Unidos; una cafetería art déco y una gasolinera a lo largo de la ruta 66 en Shamrock, Texas, es un monumento histórico. El Distrito Arquitectónico de Miami Beach protege varios cientos de edificios antiguos y requiere que los nuevos edificios cumplan con el estilo. En La Habana, Cuba, muchos edificios Art Deco se han deteriorado gravemente. Se están realizando esfuerzos para devolver los edificios a su apariencia original.

En el siglo XXI, las variantes modernas de Art Deco, llamadas Neo Art Deco (o Neo-Art Deco), han aparecido en algunas ciudades estadounidenses, inspiradas en los edificios clásicos Art Deco de las décadas de 1920 y 1930. Los ejemplos incluyen la NBC Tower en Chicago, inspirada en 30 Rockefeller Plaza en la ciudad de Nueva York; y el Smith Center for the Performing Arts en Las Vegas, Nevada, que incluye elementos art déco de la presa Hoover, a 80 km (50 millas) de distancia.

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