Arte de la Antigua Grecia

El arte griego antiguo se destaca entre el de otras culturas antiguas por su desarrollo de representaciones naturalistas pero idealizadas del cuerpo humano, en las que las figuras masculinas en gran parte desnudas eran generalmente el foco de innovación. La tasa de desarrollo estilístico entre aproximadamente 750 y 300 a. C. fue notable según los estándares antiguos, y en las obras sobrevivientes se ve mejor en la escultura. Hubo importantes innovaciones en la pintura, que deben ser esencialmente reconstruidas debido a la falta de supervivencias originales de calidad, además del campo distinto de la cerámica pintada.

La arquitectura griega, técnicamente muy simple, estableció un estilo armonioso con numerosas convenciones detalladas que fueron adoptadas en gran medida por la arquitectura romana y aún se siguen en algunos edificios modernos. Utilizaba un vocabulario de adornos que compartía con la cerámica, la metalistería y otros medios, y tuvo una enorme influencia en el arte euroasiático, especialmente después de que el budismo lo llevara más allá del mundo griego ampliado creado por Alejandro Magno. El contexto social del arte griego incluía cambios políticos radicales y un gran aumento de la prosperidad; los igualmente impresionantes logros griegos en filosofía, literatura y otros campos son bien conocidos.

El arte más antiguo de los griegos generalmente se excluye del "arte griego antiguo" y, en cambio, se conoce como arte neolítico griego seguido del arte del Egeo; este último incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y micénica de la Edad del Bronce griega. El arte de la antigua Grecia generalmente se divide estilísticamente en cuatro períodos: el geométrico, el arcaico, el clásico y el helenístico. La edad geométrica suele datarse alrededor del año 1000 a. C., aunque en realidad se sabe poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años anteriores, tradicionalmente conocido como la Edad Oscura griega. El siglo VII a. C. fue testigo del lento desarrollo del estilo arcaico, como lo demuestra el estilo de pintura de jarrones de figuras negras. Alrededor del 500 a. C., poco antes del inicio de las guerras persas (480 a. C. a 448 a. C.), se suele tomar como la línea divisoria entre los períodos arcaico y clásico, y el reinado de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es tomado como una separación entre el período clásico y el helenístico. A partir de algún momento del siglo I a. C. en adelante se utiliza "grecorromano",

En realidad, no hubo una transición brusca de un período a otro. Las formas de arte se desarrollaron a diferentes velocidades en diferentes partes del mundo griego y, como en cualquier época, algunos artistas trabajaron en estilos más innovadores que otros. Las fuertes tradiciones locales y los requisitos de los cultos locales permiten a los historiadores localizar los orígenes incluso de las obras de arte que se encuentran lejos de su lugar de origen. El arte griego de varios tipos se exportó ampliamente. Todo el período vio un aumento generalmente constante en la prosperidad y los vínculos comerciales dentro del mundo griego y con las culturas vecinas.

La tasa de supervivencia del arte griego difiere marcadamente entre los medios. Tenemos enormes cantidades de cerámica y monedas, muchas esculturas de piedra, aunque incluso más copias romanas, y algunas esculturas de bronce de gran tamaño. Falta casi por completo la pintura, las vasijas de metal fino y todo lo que sea de materiales perecederos, incluida la madera. Ha sobrevivido la estructura de piedra de varios templos y teatros, pero poco de su extensa decoración.

Cerámica

Por convención, las vasijas finamente pintadas de todas las formas se denominan "jarrones", y hay más de 100.000 piezas sobrevivientes significativamente completas, que brindan (con las inscripciones que muchas llevan) una visión incomparable de muchos aspectos de la vida griega. La cerámica escultórica o arquitectónica, también muy a menudo pintada, se denomina terracota y también sobrevive en grandes cantidades. En gran parte de la literatura, "cerámica" significa solo vasijas pintadas o "jarrones". La cerámica era la principal forma de ajuar funerario depositado en las tumbas, a menudo como "urnas funerarias" que contenían las cenizas cremadas, y se exportaba ampliamente.

El estilo famoso y distintivo de la pintura de vasijas griegas con figuras representadas con contornos marcados, con líneas finas dentro de los contornos, alcanzó su apogeo aproximadamente entre el 600 y el 350 a. -Pintura de figura y figura roja, formando el otro color el fondo en cada caso. Otros colores estaban muy limitados, normalmente a pequeñas áreas de blanco y más grandes de un rojo púrpura diferente. Dentro de las restricciones de estas técnicas y otras convenciones fuertes, los pintores de vasijas lograron resultados notables, combinando refinamiento y expresión poderosa. La técnica de fondo blanco permitió una mayor libertad en la representación, pero no se usó bien y se hizo principalmente para el entierro.

Convencionalmente, se dice que los antiguos griegos fabricaban la mayoría de las vasijas de cerámica para uso diario, no para exhibición. Las excepciones son los grandes vasos monumentales arcaicos hechos como lápidas, los trofeos ganados en los juegos, como las Ánforas Panatenaicas llenas de aceite de oliva, y las piezas hechas específicamente para ser dejadas en las tumbas; algunos frascos de perfume tienen un fondo para ahorrar dinero justo debajo de la boca, por lo que una pequeña cantidad los hace parecer llenos. En las últimas décadas, muchos académicos han cuestionado esto, al ver mucha más producción de lo que se pensaba anteriormente para colocar en tumbas, como un sustituto más barato de los artículos de metal tanto en Grecia como en Etruria.

La mayor parte de la cerámica sobreviviente consta de recipientes para almacenar, servir o beber líquidos como ánforas, cráteres (cuencos para mezclar vino y agua), hydria (jarras de agua), cuencos de libación, botellas de aceite y perfume para el inodoro, jarras y tazas. Los recipientes pintados para servir y comer alimentos son mucho menos comunes. La cerámica pintada era asequible incluso para la gente común, y una pieza "decorada decentemente con unas cinco o seis cifras costaba alrededor de dos o tres días de salario". También se produjeron grandes cantidades de miniaturas, principalmente para su uso como ofrendas en los templos. En el período helenístico se produjo una gama más amplia de cerámica, pero la mayor parte tiene poca importancia artística.

En períodos anteriores, incluso las ciudades griegas bastante pequeñas producían cerámica para su propio lugar. Estos variaban ampliamente en estilo y estándares. La cerámica distintiva que se clasifica como arte se produjo en algunas de las islas del Egeo, en Creta y en las ricas colonias griegas del sur de Italia y Sicilia. Sin embargo, en el período arcaico tardío y clásico temprano, las dos grandes potencias comerciales, Corinto y Atenas, llegaron a dominar. Su cerámica se exportó a todo el mundo griego, expulsando las variedades locales. Las vasijas de Corinto y Atenas se encuentran en lugares tan lejanos como España y Ucrania, y son tan comunes en Italia que se recolectaron por primera vez en el siglo XVIII como "jarrones etruscos". Muchas de estas ollas son productos fabricados en masa y de baja calidad. De hecho, en el siglo V a. C., la cerámica se había convertido en una industria y la pintura de cerámica dejó de ser una forma de arte importante.

La gama de colores que se podía utilizar en las vasijas estaba restringida por la tecnología de cocción: el negro, el blanco, el rojo y el amarillo eran los más comunes. En los tres períodos anteriores, las vasijas se dejaban en su color claro natural y se decoraban con engobe que se volvía negro en el horno.

La cerámica griega suele estar firmada, a veces por el alfarero o el maestro de la cerámica, pero solo ocasionalmente por el pintor. Sin embargo, cientos de pintores son identificables por sus personalidades artísticas: cuando sus firmas no han sobrevivido, reciben el nombre de sus elecciones de tema, como "el pintor de Aquiles", por el alfarero para el que trabajaron, como el "pintor de Kleophrades" del arcaico tardío., o incluso por sus ubicaciones modernas, como el "Pintor de Berlín" del Arcaico Tardío.

Historia

La historia de la cerámica griega antigua se divide estilísticamente en cinco períodos:

• el Protogeométrico de alrededor de 1050 aC
• el geométrico de alrededor del 900 a.
• el geométrico tardío o arcaico de alrededor del 750 a.
• la figura negra de principios del siglo VII a.
• y la figura roja de alrededor del 530 a.

Durante los períodos Protogeométrico y Geométrico, la cerámica griega estaba decorada con diseños abstractos, en el primero generalmente elegante y grande, con mucho espacio sin pintar, pero en el Geométrico a menudo cubriendo densamente la mayor parte de la superficie, como en las grandes vasijas del Maestro Dipylon., que trabajó alrededor del año 750. Él y otros alfareros de su época comenzaron a introducir figuras de siluetas muy estilizadas de humanos y animales, especialmente caballos. Estos a menudo representan procesiones fúnebres o batallas, presumiblemente representando aquellas peleadas por el difunto.

La fase geométrica fue seguida por un período orientalizante a fines del siglo VIII, cuando algunos animales, muchos míticos o no nativos de Grecia (como la esfinge y el león respectivamente) fueron adaptados del Cercano Oriente, acompañados de motivos decorativos, como el loto y la palmeta. Estos se mostraron mucho más grandes que las figuras anteriores. El estilo de cabra salvaje es una variante regional, muy a menudo mostrando cabras. Las figuras humanas no recibieron tanta influencia de Oriente, pero también se hicieron más grandes y detalladas.

La técnica de figuras negras completamente madura, con detalles rojos y blancos agregados e incisión para contornos y detalles, se originó en Corinto a principios del siglo VII a. C. y se introdujo en Ática aproximadamente una generación después; floreció hasta finales del siglo VI a. La técnica de las figuras rojas, inventada alrededor del 530 a. C., invirtió esta tradición, con las vasijas pintadas de negro y las figuras pintadas de rojo. Los jarrones de figuras rojas reemplazaron lentamente el estilo de figuras negras. A veces, las vasijas más grandes se grababan además de pintar. Los temas eróticos, tanto heterosexuales como homosexuales masculinos, se hicieron comunes.

Hacia el 320 a. C., la pintura figurativa fina de jarrones había cesado en Atenas y otros centros griegos, con el estilo policromático de Kerch como florecimiento final; probablemente fue reemplazada por carpintería metálica para la mayoría de sus funciones. West Slope Ware, con motivos decorativos en un cuerpo vidriado negro, continuó durante más de un siglo después. La pintura italiana de figuras rojas terminó alrededor del año 300, y en el siglo siguiente, los jarrones Hadra relativamente primitivos, probablemente de Creta, la cerámica Centuripe de Sicilia y las ánforas panatenaicas, ahora una tradición congelada, fueron los únicos jarrones grandes pintados que aún se fabricaban.

• Pyxis geométrico tardío, Museo Británico
• Jarra orientalizante corintia, c. 620 aC, Antikensammlungen Múnich
• Olpe (recipiente de vino) de figura negra del pintor Amasis, que representa a Heracles y Atenea, c. 540 aC, Museo del Louvre
• Interior (tondo) de una figura roja kylix, que representa a Heracles y Atenea, por Phoinix (alfarero) y Douris (pintor), c. 480-470 aC, Antikensammlungen Múnich
• Detalle de un ánfora de figuras rojas que representa a un sátiro atacando a una ménade, de Pamphaios (alfarero) y Oltos (pintor), c. 520 aC, Museo del Louvre
• Lécito de fondo blanco con una escena de luto del Reed Painter, c. 420-410 aC, Museo Británico
• Recipiente en relieve helenístico con la cabeza de una ménade, siglo II a. C. (?), Museo Británico

Metalistería

La orfebrería fina era un arte importante en la antigua Grecia, pero la producción posterior está muy pobremente representada por las supervivencias, la mayoría de las cuales provienen de los confines del mundo griego o más allá, de lugares tan lejanos como Francia o Rusia. Las vasijas y las joyas se producían con altos estándares y se exportaban a otros lugares. Los objetos de plata, que en ese momento valían más en relación con el oro que en los tiempos modernos, a menudo eran inscritos por el fabricante con su peso, ya que se los trataba en gran medida como depósitos de valor y era probable que se vendieran o se volvieran a fundir antes de muy poco tiempo. largo.

Durante las fases geométrica y arcaica, la producción de grandes vasijas de metal fue una expresión importante de la creatividad griega y una etapa importante en el desarrollo de las técnicas de trabajo del bronce, como la fundición y el martillado repujado. Los primeros santuarios, especialmente Olimpia, produjeron muchos cientos de cuencos trípodes o vasos trípodes de sacrificio, en su mayoría en bronce, depositados como votivos. Estos tenían un cuenco poco profundo con dos asas elevadas sobre tres patas; en versiones posteriores, el soporte y el cuenco eran piezas diferentes. Durante el período orientalizante, estos trípodes se decoraban con frecuencia con protomos figurativos, en forma de grifos, esfinges y otras criaturas fantásticas.

Las espadas, el casco griego y, a menudo, la armadura corporal, como la coraza muscular, estaban hechos de bronce, a veces decorados con metales preciosos, como en la coraza Ksour Essef del siglo III. Armadura y "bandas de escudo" son dos de los contextos para tiras de escenas arcaicas en bajorrelieve, que también se adjuntaron a varios objetos en madera; la banda del Vix Krater es un gran ejemplo. Los espejos de bronce pulido, inicialmente con respaldos decorados y manijas de kore, eran otro elemento común; el tipo posterior de "espejo plegable" tenía piezas de cubierta con bisagras, a menudo decoradas con una escena en relieve, típicamente erótica. Las monedas se describen a continuación.

Desde el Arcaico tardío, la mejor metalurgia siguió el ritmo de los desarrollos estilísticos en la escultura y otras artes, y Fidias se encuentra entre los escultores que se sabe que la practicaron. El gusto helenístico alentó demostraciones muy complejas de virtuosismo técnico, que tendían a "inteligencia, fantasía o elegancia excesiva". Muchas o la mayoría de las formas de la cerámica griega se tomaron de formas que se usaron por primera vez en metal, y en las últimas décadas ha habido una opinión cada vez mayor de que gran parte de la pintura de jarrones más fina reutilizó diseños de plateros para vasijas con grabados y secciones enchapadas en un metal diferente, trabajando de diseños dibujados.

Sobrevivientes excepcionales de lo que pudo haber sido una clase relativamente común de grandes recipientes de bronce son dos cráteras de voluta, para mezclar vino y agua. Estos son el Vix Krater, c. 530 a. C., 1,63 m (5'4 ") de altura y más de 200 kg (450 libras) de peso, con capacidad para unos 1100 litros, y encontrado en el entierro de una mujer celta en la Francia moderna, y el Derveni Krater del siglo IV, 90.5 cm (35 pulg.) de altura. Las élites de otros vecinos de los griegos, como los tracios y los escitas, eran grandes consumidoras de orfebrería griega, y probablemente atendidas por orfebres griegos asentados en sus territorios, que adaptaron sus productos al gusto y las funciones locales. Estas piezas híbridas forman una gran parte de las supervivencias, incluido el Tesoro de Panagyurishte, el Tesoro de Borovo y otros tesoros tracios, y varios entierros escitas, que probablemente contenían obras de artistas griegos establecidos en los asentamientos griegos en el Mar Negro. Al igual que con otras artes de lujo, el cementerio real macedonio de Vergina ha producido objetos de primera calidad desde la cúspide de los períodos clásico y helenístico.

La joyería para el mercado griego suele ser de excelente calidad, con una forma inusual que son las coronas de oro intrincadas y muy delicadas que imitan formas de plantas, que se usan en la cabeza. Estos probablemente rara vez, si es que alguna vez, se usaron en vida, pero se entregaron como votivos y se usaron en la muerte. Muchos de los retratos de momias de Fayum los usan. Algunas piezas, especialmente en el período helenístico, son lo suficientemente grandes como para ofrecer posibilidades para las figuras, al igual que el gusto de los escitas por las piezas de oro relativamente sustanciales.

• Prótomo de cabeza de grifo de bronce de Olimpia, siglo VII a.C.
• El Vix Krater, una vasija de bronce monumental del Arcaico tardío, exportada a los celtas franceses
• Elegante espejo de bronce del Clásico Temprano con mango de cariátide humana, c. 460 aC
• Corona de oro, 370-360, del sur de Italia
• Ritón de plata para el mercado tracio, finales del siglo IV.
• Ritón griego de oro y bronce del siglo IV a. C. con cabeza de Dioniso, Tamoikin Art Fund
• Fragmento de una corona de oro, c. 320-300 aC, de un entierro en Crimea
• Adorno para el cabello y red de oro, siglo III a.C.
• Medallón de plata helenístico tardío

Escultura monumental

Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. Al ver a sus dioses con forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles tenía solo ligeras diferencias en el trato con uno del campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico, la forma escultórica más importante fue el kouros (plural kouroi), el desnudo masculino de pie (ver, por ejemplo, Biton y Kleobis). El kore (plural korai), o figura femenina vestida de pie, también era común, pero dado que la sociedad griega no permitía la exhibición pública de desnudez femenina hasta el siglo IV a. C., se considera que la kore tiene menos importancia en el desarrollo de la escultura. Al final del período, la escultura arquitectónica en los templos se estaba volviendo importante.

Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas monumentales simplemente para exhibiciones artísticas. Las estatuas fueron encargadas por individuos aristocráticos o por el estado, y se usaron para monumentos públicos, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como se muestra con frecuencia en las inscripciones de las estatuas), o como marcadores de tumbas. No todas las estatuas del período Arcaico estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Estas siempre fueron representaciones de hombres jóvenes, con edades que van desde la adolescencia hasta la madurez temprana, incluso cuando se colocan en las tumbas de (presuntamente) ciudadanos ancianos. Los kouroi eran todos estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargó la estatua se indicaron por el tamaño más que por las innovaciones artísticas.

A diferencia de los autores, aquellos que practicaban las artes visuales, incluida la escultura, inicialmente tenían un estatus social bajo en la antigua Grecia, aunque los escultores cada vez más destacados podían volverse famosos y bastante ricos, y a menudo firmaban sus obras (lamentablemente, a menudo en el pedestal, que normalmente se convertía en separada de la estatua misma). Plutarco (Vida de Pericles, II) dijo "admiramos la obra de arte pero despreciamos al que la hizo"; esta era una opinión común en el mundo antiguo. La escultura griega antigua se clasifica por los períodos estilísticos habituales de "arcaico", "clásico" y "helenístico", aumentado con algunos adicionales que se aplican principalmente a la escultura, como el estilo daédalico orientalizante y el estilo severo de la escultura clásica temprana.

Materiales, formas

Las esculturas griegas antiguas sobrevivientes estaban hechas principalmente de dos tipos de material. La piedra, especialmente el mármol u otras calizas de alta calidad, se usaba con mayor frecuencia y se tallaba a mano con herramientas de metal. Las esculturas de piedra pueden ser independientes, completamente talladas en redondo (estatuas), o solo relieves parcialmente tallados que aún están unidos a una placa de fondo, por ejemplo, en frisos arquitectónicos o estelas de tumbas.

Las estatuas de bronce tenían un estatus más alto, pero han sobrevivido en cantidades mucho más pequeñas debido a la reutilización de los metales. Generalmente se hacían en la técnica de la cera perdida. Las estatuas criselefantinas, o de oro y marfil, eran imágenes de culto en los templos y se consideraban la forma más alta de escultura, pero solo han sobrevivido algunas piezas fragmentarias. Normalmente eran de tamaño superior al natural, construidos alrededor de un marco de madera, con finas losas talladas de marfil que representaban la carne y láminas de pan de oro, probablemente sobre madera, que representaban las prendas, la armadura, el cabello y otros detalles.

En algunos casos, se utilizó pasta de vidrio, vidrio y piedras preciosas y semipreciosas para detalles como ojos, joyas y armas. Otras grandes estatuas acrolíticas usaban piedra para las partes de carne y madera para el resto, y las estatuas de mármol a veces tenían peinados de estuco. La mayoría de las esculturas estaban pintadas (ver más abajo) y muchas usaban joyas reales y tenían ojos incrustados y otros elementos en diferentes materiales.

Ocasionalmente se empleó terracota, para estatuas grandes. Pocos ejemplos de esto sobrevivieron, al menos en parte debido a la fragilidad de tales estatuas. La excepción más conocida a esto es una estatua de Zeus que lleva a Ganimedes encontrada en Olimpia, ejecutada alrededor del 470 a. En este caso, la terracota está pintada. Sin duda, hubo esculturas puramente en madera, que pueden haber sido muy importantes en períodos tempranos, pero efectivamente ninguna ha sobrevivido.

Arcaico

El arte cicládico de la Edad del Bronce, hacia el 1100 a. C., ya había mostrado un enfoque inusual en la figura humana, que generalmente se muestra en una posición de pie frontal directa con los brazos cruzados sobre el estómago. Entre las características más pequeñas, solo se tallaron narices, a veces ojos y senos femeninos, aunque aparentemente las figuras generalmente estaban pintadas y es posible que originalmente se vieran muy diferentes.

Inspirándose en la monumental escultura en piedra de Egipto y Mesopotamia, durante el período Arcaico los griegos comenzaron nuevamente a tallar en piedra. Las figuras independientes comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (período Arcaico temprano, c. 660–580 a. C., ambos en el Louvre, París). Después de alrededor del 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, usaban la llamada sonrisa arcaica. Esta expresión, que no tiene una adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva.

Se utilizaron tres tipos de figuras: el joven desnudo de pie (kouros), la niña vestida de pie (kore) y, con menos frecuencia, la mujer sentada.Todos enfatizan y generalizan las características esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Los ejemplos son Apolo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Strangford Apollo de Anafi (Museo Británico, Londres), obra muy posterior; y el Anavyssos Kouros (Museo Arqueológico Nacional de Atenas). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las niñas de pie y vestidas tienen una amplia gama de expresión, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas. Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y minuciosidad propias de los detalles escultóricos de esta época.

Han sobrevivido relieves arcaicos de muchas tumbas y de edificios más grandes en Foce del Sele (ahora en el museo de Paestum) en Italia, con dos grupos de paneles metopa, de alrededor de 550 y 510, y el Tesoro de Siphnian en Delphi, con frisos y un pequeño frontón. Partes, todas ahora en museos locales, sobreviven de los grandes grupos de frontones triangulares del Templo de Artemisa, Corfú (c. 580), dominado por una enorme Gorgona, y el Antiguo Templo de Atenea en Atenas (c. 530-500).

• Dipylon Kouros, c. 600 aC, Atenas, Museo Kerameikos
• El Moschophoros o becerro, c. 570 aC, Atenas, Museo de la Acrópolis
• Peplos Kore, c. 530 aC, Atenas, Museo de la Acrópolis
• Friso del Tesoro de Siphnian, Delphi, que representa una Gigantomaquia, c. 525 aC, Museo Arqueológico de Delfos
• El Strangford Apollo, 500-490, uno de los últimos kouroi
• La cabeza de Sabouroff, un ejemplo importante de la escultura de mármol griego arcaico tardío, ca. 550-525 a.
• Los Perserschutt, o "escombros persas", que datan de la destrucción de Atenas en 480/479 a. C. durante la Segunda invasión persa de Grecia, ofrecen un marcador de datación claro para la estatuaria arcaica.

Clásico

En el período clásico hubo una revolución en la estatuaria griega, generalmente asociada con la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con los kouroi. El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (ver el Auriga de Delfos para un ejemplo de la transición a una escultura más naturalista), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en una variedad de poses aumentó considerablemente. Desde aproximadamente el año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar personas reales. Se decía que las estatuas de Harmodius y Aristogeiton erigidas en Atenas para marcar el derrocamiento de la tiranía eran los primeros monumentos públicos a personas reales.

Al mismo tiempo, la escultura y las estatuas se destinaron a usos más amplios. Los grandes templos de la era clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, requerían esculturas en relieve para los frisos decorativos y esculturas redondas para llenar los campos triangulares de los frontones. El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho en el camino de la innovación escultórica. Desafortunadamente, estas obras sobreviven solo en fragmentos, los más famosos de los cuales son los Mármoles del Partenón, la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico.

La estatuaria funeraria evolucionó durante este período desde los kouros rígidos e impersonales del período Arcaico hasta los grupos familiares muy personales del período Clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" (la madre en duelo, el hijo obediente), representan cada vez más a personas reales, típicamente mostrando al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Se encuentran entre los restos más íntimos y conmovedores de los antiguos griegos.

En el período clásico conocemos por primera vez los nombres de escultores individuales. Fidias supervisó el diseño y la construcción del Partenón. Praxiteles hizo que el desnudo femenino fuera respetable por primera vez en el período clásico tardío (mediados del siglo IV): Plinio dijo que su Afrodita de Knidos, que sobrevive en copias, era la estatua más grande del mundo.

Las obras más famosas del período clásico para los contemporáneos fueron la colosal estatua de Zeus en Olimpia y la estatua de Athena Parthenos en el Partenón. Ambos fueron criselefantinos y ejecutados por Fidias o bajo su dirección, y ahora están perdidos, aunque todavía existen copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones de ambos. Su tamaño y magnificencia llevaron a los emperadores a apoderarse de ellos en el período bizantino, y ambos fueron trasladados a Constantinopla, donde más tarde fueron destruidos por incendios.

• Copia del Diadumenos de Policlito, Museo Arqueológico Nacional, Atenas
• La llamada Venus Braschi de Praxíteles, tipo de la Afrodita knidiana, Gliptoteca de Múnich
• The Marathon Youth, estatua de bronce del siglo IV a. C., posiblemente de Praxíteles, Museo Arqueológico Nacional, Atenas
• Hermes, posiblemente por Lysippos, Museo Arqueológico Nacional, Atenas

Helenístico

La transición del período clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. Tras las conquistas de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.), la cultura griega se extendió hasta la India, como revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán, y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos. El arte greco-budista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Así, el arte griego se volvió más diverso y más influenciado por las culturas de los pueblos atraídos por la órbita griega.

En opinión de algunos historiadores del arte, también decayó en calidad y originalidad. Este, sin embargo, es un juicio que los artistas y amantes del arte de la época no habrían compartido. De hecho, muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas ahora se reconocen como helenísticas. La habilidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo. Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría, Antioquía, Pérgamo y otras ciudades, donde las nuevas monarquías eran pródigas mecenas. Para el siglo II, el poder creciente de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos.

Durante este período, la escultura se volvió más naturalista y también expresiva; el interés en representar los extremos de la emoción a veces se lleva al extremo. Los temas de género de gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que fue encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines; el Niño con Thorn es un ejemplo. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física.

El mundo de Dioniso, un idilio pastoral poblado por sátiros, ménades, ninfas y silenos, se había representado a menudo en pinturas y figurillas de jarrones anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño completo. Ahora se hicieron tales obras, sobreviviendo en copias que incluyen el Barberini Faun, el Belvedere Torso y el Resting Satyr; los centauros furietti y el hermafrodito durmiente reflejan temas relacionados. Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgían por todo Egipto, Siria y Anatolia requerían estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto hizo de la escultura, como la cerámica, una industria, con la consiguiente estandarización y cierta rebaja de calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que en el caso del período clásico.

Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria alada de Samotracia (siglo II o I a. C.), la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a. C.), el galo moribundo (alrededor de 230 a.C.), y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emocional de lo que hubiera permitido el gusto austero del período clásico o sus habilidades técnicas.

El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, tomando las batallas épicas de los relieves del frontón del templo anterior de sus paredes y colocándolas como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo a menudo se llama "barroco", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. Los relieves del Altar de Pérgamo son los supervivientes originales más cercanos, pero se cree que varias obras conocidas son copias romanas de originales helenísticos. Estos incluyen el galo moribundo y el galo de Ludovisi, así como un galo arrodillado menos conocido y otros, todos los cuales se cree que copiaron los encargos de Pérgamo de Atalo I para conmemorar su victoria alrededor de 241 sobre los galos de Galacia, probablemente formados por dos grupos.

El Grupo Laocoonte, el Toro Farnesio, Menelao sosteniendo el cuerpo de Patroclo ("grupo Pasquino"), Arrotino, y las esculturas de Sperlonga, son otros ejemplos. Desde el siglo II, diferentes eruditos ven el estilo neoático o neoclásico como una reacción a los excesos barrocos, volviendo a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional para las estatuas de culto. Los talleres del estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería las copias de piezas clásicas a las helenísticas.

Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia (ahora sumergida) de Heracleum incluyen una representación inusualmente sensual, detallada y feminista (en oposición a deificada) de Isis del siglo IV a. formas que comienzan alrededor de la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno. Sin embargo, esto no era típico de la escultura de la corte ptolemaica, que generalmente evitaba mezclar estilos egipcios con su estilo helenístico bastante convencional, mientras que los templos del resto del país continuaron usando versiones tardías de fórmulas egipcias tradicionales. Los eruditos han propuesto un "estilo alejandrino" en la escultura helenística, pero de hecho hay poco que lo conecte con Alejandría.

La escultura helenística también estuvo marcada por un aumento de escala, que culminó en el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que tenía el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad. El efecto combinado de los terremotos y los saqueos han destruido esta y otras obras muy importantes de este período.

• El príncipe helenístico, una estatua de bronce que originalmente se pensó que era un seléucida, o Átalo II de Pérgamo, ahora se considera un retrato de un general romano, realizado por un artista griego que trabajaba en Roma en el siglo II a.
• La victoria alada de Samotracia (helenística), el Louvre, París
• Laocoonte y sus hijos (helenística tardía), Museo del Vaticano
• Bronce helenístico tardío de un jinete montado, Museo Arqueológico Nacional, Atenas

Figuritas

Figuras de terracota

La arcilla es un material frecuentemente utilizado para la fabricación de estatuillas o ídolos votivos, incluso antes de la civilización minoica y continuando hasta la época romana. Durante el siglo VIII a. C., las tumbas en Beocia a menudo contienen "ídolos de campana", estatuillas femeninas con piernas móviles: la cabeza, pequeña en comparación con el resto del cuerpo, se alza al final de un cuello largo, mientras que el cuerpo es muy lleno. en forma de campana. Las tumbas de los héroes arcaicos, para los héroes locales, podían albergar un gran número de figurillas de formas toscas, con figuración rudimentaria, generalmente representando personajes con los brazos levantados.

En el período helenístico, la mayoría de las figurillas de terracota han perdido su naturaleza religiosa y representan personajes de la vida cotidiana. Las figurillas de Tanagra, de uno de varios centros de producción, se fabrican en masa utilizando moldes y luego se pintan después de la cocción. Muñecas, figuras de damas vestidas a la moda y de actores, algunos de estos probablemente retratos, se encontraban entre los nuevos temas, representados con un estilo refinado. Estos eran baratos e inicialmente se mostraban en el hogar de forma muy parecida a las figurillas ornamentales modernas, pero a menudo se enterraban con sus dueños. Al mismo tiempo, ciudades como Alejandría, Esmirna o Tarso produjeron una gran cantidad de figurillas grotescas, que representaban individuos con miembros deformados, ojos saltones y contorsionados. Tales figurillas también estaban hechas de bronce.

Para terracotas arquitectónicas pintadas, consulte Arquitectura a continuación.

Figuras de metal

Las figurillas hechas de metal, principalmente de bronce, son un hallazgo extremadamente común en los primeros santuarios griegos como Olimpia, donde se han encontrado miles de estos objetos, en su mayoría con imágenes de animales. Por lo general, se producen con la técnica de la cera perdida y pueden considerarse la etapa inicial en el desarrollo de la escultura de bronce griega. Los motivos más comunes durante el período geométrico fueron los caballos y los ciervos, pero también se representan perros, vacas y otros animales. Ocasionalmente aparecen figuras humanas. La producción de pequeñas velas de metal continuó a lo largo de la antigüedad griega. En los períodos clásico y helenístico, también se hicieron comunes las estatuillas de bronce más elaboradas, estrechamente relacionadas con la escultura monumental. Los griegos adinerados y más tarde los romanos recopilaron con atención ejemplos de alta calidad, pero relativamente pocos han sobrevivido.

• Bell Idol, siglo VII a.C.
• Caballo votivo de bronce del siglo VIII a. C. de Olimpia
• Actor de la Comedia Nueva, hacia el 200 a.C.
• Figurilla de Tanagra de dama a la moda, 32,5 cm (12,8 pulgadas), 330-300 a. C.

Arquitectura

La arquitectura (es decir, edificios ejecutados con un diseño considerado estéticamente) cesó en Grecia desde el final del período micénico (alrededor de 1200 a. C.) hasta el siglo VII, cuando la vida urbana y la prosperidad se recuperaron hasta el punto en que se pudo emprender la construcción pública. Dado que la mayoría de los edificios griegos de los períodos arcaico y clásico temprano estaban hechos de madera o adobe, no queda nada de ellos excepto algunos planos de planta, y casi no hay fuentes escritas sobre arquitectura temprana o descripciones de edificios. La mayor parte de nuestro conocimiento de la arquitectura griega proviene de los edificios sobrevivientes de los períodos arcaico tardío, clásico, helenístico y romano (ya que la arquitectura romana antigua usaba mucho los estilos griegos), y de fuentes escritas tardías como Vitruvio (siglo I a. C.). Esto significa que hay un fuerte sesgo hacia los templos, los edificios principales más comunes para sobrevivir. Aquí, los bloques de piedra cuadrados utilizados para las paredes fueron útiles para edificios posteriores, y por lo general todo lo que sobrevive son partes de columnas y metopas que eran más difíciles de reciclar.

Durante la mayor parte del período se utilizó un estricto sistema de construcción de postes y dinteles de piedra, que se mantenía en su lugar solo por gravedad. El ménsula era conocido en la Grecia micénica, y el arco se conocía a partir del siglo V a más tardar, pero apenas se hizo uso de estas técnicas hasta la época romana. La madera solo se utilizó para techos y vigas de techo en edificios de piedra prestigiosos. El uso de grandes tejas de terracota, que solo se mantenían en su lugar mediante ranuras, significaba que los techos debían tener una pendiente baja.

Hasta la época helenística, solo los edificios públicos se construían con el estilo formal de piedra; estos incluían sobre todo los templos y los edificios de tesoros más pequeños que a menudo los acompañaban, y fueron construidos en Delfos por muchas ciudades. Otros tipos de edificios, a menudo sin techo, eran el ágora central, a menudo con una o más estoas con columnas alrededor, los teatros, el gimnasio y la palestra o escuela de lucha, el ekklesiasterion o bouleuterion para asambleas y los propileos o puertas monumentales. Los edificios redondos para diversas funciones se llamaban tholos, y las estructuras de piedra más grandes solían ser murallas defensivas de la ciudad.

Durante la mayor parte del período, las tumbas solo se hicieron como mausoleos elaborados alrededor de los bordes del mundo griego, especialmente en Anatolia. Las casas particulares se construyeron alrededor de un patio donde los fondos lo permitían y mostraban paredes en blanco a la calle. A veces tenían un segundo piso, pero muy rara vez sótanos. Por lo general, se construyeron con escombros en el mejor de los casos, y se sabe relativamente poco sobre ellos; al menos para los hombres, gran parte de la vida transcurría fuera de ellos. Se han excavado algunos palacios del período helenístico.

Los templos y algunos otros edificios, como los tesoros de Delfos, se planificaron como un cubo o, más a menudo, un rectángulo hecho de piedra caliza, de la que Grecia tiene abundancia, y que se cortó en grandes bloques y se revistió. Esto se complementó con columnas, al menos en el frente de entrada y, a menudo, en todos los lados. Otros edificios tenían un plano más flexible, e incluso las casas más ricas parecen haber carecido de muchos adornos externos. El mármol era un material de construcción costoso en Grecia: el mármol de alta calidad provenía solo del monte Pentelus en Ática y de algunas islas como Paros, y su transporte en grandes bloques era difícil. Se utilizó principalmente para la decoración escultórica, no estructuralmente, excepto en los edificios más grandiosos del período clásico, como el Partenón de Atenas.

Había dos órdenes clásicos principales de la arquitectura griega, el dórico y el jónico, y el orden corintio solo apareció en el período clásico y no se volvió dominante hasta el período romano. Las características más obvias de los tres órdenes son los capiteles de las columnas, pero existen diferencias significativas en otros puntos de diseño y decoración entre los órdenes. Estos nombres fueron utilizados por los propios griegos y reflejaban su creencia de que los estilos descendían de los griegos dorio y jónico de la Edad Media, pero es poco probable que esto sea cierto. El dórico fue el más antiguo, probablemente apareció por primera vez en piedra a principios del siglo VII, habiéndose desarrollado (aunque quizás no muy directamente) a partir de predecesores en madera. Se utilizó en la Grecia continental y en las colonias griegas de Italia. El estilo jónico se usó por primera vez en las ciudades de Jonia (ahora la costa oeste de Turquía) y algunas de las islas del Egeo, probablemente a partir del siglo VI. El estilo dórico era más formal y austero, el jónico más relajado y decorativo. El orden corintio más ornamentado fue un desarrollo posterior del jónico, inicialmente aparentemente solo se usaba dentro de los edificios y usaba formas jónicas para todo excepto los capiteles. El famoso y bien conservado Monumento Coragico de Lysicrates cerca de la Acrópolis de Atenas (335/334) es el primer uso conocido del orden corintio en el exterior de un edificio.

La mayoría de los edificios griegos sobrevivientes más conocidos, como el Partenón y el Templo de Hefesto en Atenas, son dóricos. El Erecteión, junto al Partenón, sin embargo, es jónico. El orden jónico se volvió dominante en el período helenístico, ya que su estilo más decorativo se adaptaba mejor a la estética del período que el dórico más sobrio. Algunos de los mejores edificios helenísticos supervivientes, como la Biblioteca de Celso, se pueden ver en Turquía, en ciudades como Éfeso y Pérgamo. Pero en la mayor de las ciudades helenísticas, Alejandría en Egipto, casi nada sobrevive.

• Modelo de la vía procesional en la antigua Delfos, sin mostrar gran parte de las estatuas.
• El antiguo teatro de Epidauro, siglo IV a.C.
• El Erecteion en la Acrópolis de Atenas, finales del siglo V a.C.
• Monumento corágico de Lysicrates, Atenas, 335/334

Diseño de monedas

Las monedas se inventaron (probablemente) en Lydia en el siglo VII a. C., pero primero fueron los griegos las que las usaron ampliamente, y los griegos establecieron el canon del diseño de monedas que se ha seguido desde entonces. Hoy en día, el diseño de monedas aún sigue de manera reconocible patrones descendientes de la antigua Grecia. Los griegos no veían el diseño de monedas como una forma de arte importante, aunque algunas fueron diseñadas con un alto coste por orfebres destacados, especialmente fuera de la propia Grecia, entre los reinos de Asia Central y en ciudades sicilianas deseosas de promocionarse. Sin embargo, la durabilidad y abundancia de las monedas las han convertido en una de las fuentes más importantes de conocimiento sobre la estética griega. Las monedas griegas son la única forma de arte del mundo griego antiguo que aún puede ser comprada y propiedad de coleccionistas privados de medios modestos.

Las monedas más extendidas, utilizadas mucho más allá de sus territorios nativos y copiadas y falsificadas por otros, fueron el tetradracma ateniense, emitido desde c. 510 a c. 38 aC, y en la época helenística el tetradracma macedonio, ambos de plata. Ambos mantuvieron el mismo diseño familiar durante largos períodos. Los diseñadores griegos comenzaron la práctica de colocar un retrato de perfil en el anverso de las monedas. Este fue inicialmente un retrato simbólico del dios o diosa patrón de la ciudad que emite la moneda: Atenea para Atenas, Apolo en Corinto, Deméter en Tebas, etc. Más tarde se utilizaron cabezas de héroes de la mitología griega, como Heracles en las monedas de Alejandro Magno.

Los primeros retratos humanos en monedas fueron los de los sátrapas del imperio aqueménida en Asia Menor, comenzando con el general ateniense exiliado Temístocles, que se convirtió en sátrapa de Magnesia alrededor del 450 a. C., y continuando especialmente con las dinastías de Licia hacia fines del siglo V. Ciudades griegas en Italia, como Siracusa, comenzaron a poner cabezas de personas reales en monedas en el siglo IV a. C., al igual que los sucesores helenísticos de Alejandro Magno en Egipto, Siria y otros lugares. En el reverso de sus monedas, las ciudades griegas suelen poner un símbolo de la ciudad: un búho para Atenas, un delfín para Siracusa, etc. La colocación de inscripciones en monedas también comenzó en la época griega. Todas estas costumbres fueron posteriormente continuadas por los romanos.

Las monedas artísticamente más ambiciosas, diseñadas por orfebres o grabadores de gemas, a menudo procedían de los confines del mundo griego, de nuevas colonias en el período inicial y de nuevos reinos más tarde, como una forma de comercializar sus "marcas" en términos modernos. De las ciudades más grandes, Corinto y Siracusa también emitieron monedas consistentemente atractivas. Algunas de las monedas grecobactrianas se consideran los mejores ejemplos de monedas griegas con grandes retratos con "una agradable combinación de realismo e idealización", incluidas las monedas más grandes que se acuñaron en el mundo helenístico: la moneda de oro más grande fue acuñada por Eucratides (reinó entre 171 y 145 a. C.), la moneda de plata más grande del rey indogriego Amyntas Nikator (reinó entre 95 y 90 a. C.). Los retratos "muestran un grado de individualidad nunca igualado por las representaciones a menudo insípidas de sus contemporáneos reales más al oeste".

• Tetradracma macedonio con imagen de Alejandro Magno como Heracles, posterior al 330 a.
• Dracma de Egina con tortuga y sello, posterior al 404 a.
• Heracles luchando contra el león de Nemea. Moneda de plata de Heraclea Lucania
• Aretusa en una moneda de Siracusa, Sicilia, 415–400

Pintura

Los griegos parecen haber valorado la pintura por encima incluso de la escultura, y en el período helenístico la apreciación informada e incluso la práctica de la pintura eran componentes de una educación caballeresca. La écfrasis era una forma literaria que consistía en una descripción de una obra de arte, y tenemos una cantidad considerable de literatura sobre la pintura y los pintores griegos, con más adiciones en latín, aunque no se ha conservado ninguno de los tratados de artistas que se mencionan. Desgraciadamente, apenas tenemos pinturas del tipo más prestigioso, sobre tabla de madera o al fresco, de las que se ocupase esta literatura.

El contraste con la pintura de jarrones es total. No hay menciones de eso en la literatura en absoluto, pero más de 100,000 ejemplos sobrevivientes, lo que le da a muchos pintores individuales una obra sobreviviente respetable. Nuestra idea de cómo era la mejor pintura griega debe extraerse de una cuidadosa consideración de los paralelos en la pintura de vasijas, las copias grecorromanas tardías en mosaicos y frescos, algunos ejemplos muy tardíos de pintura real en la tradición griega y la literatura antigua..

Había varias tradiciones interconectadas de pintura en la antigua Grecia. Debido a sus diferencias técnicas, sufrieron desarrollos algo diferenciados. La pintura temprana parece haberse desarrollado de manera similar a la pintura de jarrones, dependiendo en gran medida del contorno y las áreas planas de color, pero luego floreció y se desarrolló en el momento en que la pintura de jarrones entró en declive. Hacia el final del período helenístico, los desarrollos técnicos incluyeron modelado para indicar contornos en formas, sombras, escorzos, alguna forma probablemente imprecisa de perspectiva, fondos de interiores y paisajes, y el uso de colores cambiantes para sugerir distancia en paisajes, de modo que "los griegos los artistas disponían de todos los dispositivos técnicos necesarios para una pintura totalmente ilusionista".

Pintura de paneles y paredes

La forma de arte más común y respetada, según autores como Plinio o Pausanias, eran las pinturas sobre tabla, pinturas individuales y portátiles sobre tablas de madera. Las técnicas utilizadas fueron pintura encáustica (cera) y temple. Tales pinturas normalmente representaban escenas figurativas, incluidos retratos y naturalezas muertas; tenemos descripciones de muchas composiciones. Fueron recolectados y, a menudo, exhibidos en espacios públicos. Pausanias describe tales exposiciones en Atenas y Delfos. Conocemos los nombres de muchos pintores famosos, principalmente de los períodos clásico y helenístico, de la literatura (ver lista ampliable a la derecha). El más famoso de todos los pintores griegos antiguos fue Apeles de Kos, a quien Plinio el Viejo elogió por haber "superado a todos los demás pintores que lo precedieron o lo sucedieron".

Desgraciadamente, debido al carácter perecedero de los materiales utilizados y a las grandes convulsiones de finales de la antigüedad, no se ha conservado ninguna de las célebres obras de la pintura sobre tabla griega, ni siquiera de las copias que sin duda existieron y que nos aportan la mayor parte de nuestro conocimiento de la escultura griega. Tenemos supervivencias ligeramente más significativas de composiciones murales. Los ejemplos griegos sobrevivientes más importantes de antes del período romano son los paneles Pitsa de calidad bastante baja de c. 530 aC,la Tumba del Buceador de Paestum y varias pinturas de las tumbas reales de Vergina. Las pinturas más numerosas en las tumbas etruscas y campanianas se basan en estilos griegos. En el período romano, hay una serie de pinturas murales en Pompeya y sus alrededores, así como en la propia Roma, algunas de las cuales se cree que son copias de obras maestras anteriores específicas.

En particular, se han identificado con confianza copias de pinturas murales específicas en Alexander Mosaic y Villa Boscoreale. Hay un gran grupo de supervivencias arqueológicas grecorromanas muy posteriores de las condiciones secas de Egipto, los retratos de momias de Fayum, junto con el similar Severan Tondo, y un pequeño grupo de retratos en miniatura pintados en vidrio dorado. Los íconos bizantinos también se derivan de la tradición de la pintura de paneles encáusticos, y los manuscritos iluminados bizantinos a veces continuaron con un estilo ilusionista griego durante siglos.

La tradición de la pintura mural en Grecia se remonta al menos a la Edad del Bronce minoica y micénica, con la lujosa decoración al fresco de sitios como Cnosos, Tirinto y Micenas. No está claro si existe alguna continuidad entre estos antecedentes y las pinturas murales griegas posteriores.

Las pinturas murales se describen con frecuencia en Pausanias, y muchas parecen haber sido realizadas en los períodos clásico y helenístico. Debido a la falta de arquitectura que sobreviva intacta, no se conservan muchas. Los ejemplos más notables son una monumental escena arcaica del siglo VII a. C. de combate hoplita desde el interior de un templo en Kalapodi (cerca de Tebas), y los elaborados frescos de la "Tumba de Phillipp" del siglo IV y la "Tumba de Perséfone" en Vergina. en Macedonia, o la tumba en Agios Athanasios, Thessaloniki, a veces se sugiere que están estrechamente relacionados con las pinturas de paneles de alta calidad mencionadas anteriormente. La inusual supervivencia de la Tumba de las Palmettes (siglo III a. C., excavada en 1971) con pintura en buen estado incluye retratos de la pareja enterrada en el interior en el tímpano.

La tradición griega de la pintura mural también se refleja en las decoraciones de tumbas contemporáneas en las colonias griegas en Italia, por ejemplo, la famosa Tumba del Buceador en Paestum. Algunos eruditos sugieren que los célebres frescos romanos en sitios como Pompeya son descendientes directos de la tradición griega, y que algunos de ellos copian pinturas de paneles famosas.

• Pintura mural funeraria de terracota griega helenística, siglo III a.
• Antiguas pinturas macedonias de armaduras, armas y equipo de la Tumba de Lyson y Kallikles en la antigua Mieza (actual Lefkadia), Imathia, Macedonia Central, Grecia, siglo II a.
• Una estela de Dioskourides, fechada en el siglo II a. C., que muestra a un soldado ptolemaico thyreophoros, un ejemplo característico de la "romanización" del ejército ptolemaico.
• Fresco de la Tumba del Juicio en la antigua Mieza (actual Lefkadia), Imathia, Macedonia Central, Grecia, que representa imágenes religiosas del más allá, siglo IV a.
• Un fresco que muestra a Hades y Perséfone montados en un carro, de la tumba de la reina Eurídice I de Macedonia en Vergina, Grecia, siglo IV a.C.
• Una escena de banquete de una tumba macedonia de Agios Athanasios, Tesalónica, siglo IV a. C.; Se muestra a seis hombres reclinados en sofás, con la comida dispuesta en mesas cercanas, un sirviente atendiendo y músicas femeninas brindando entretenimiento.
• Fresco de un antiguo soldado macedonio (thorakitai) con armadura de cota de malla y escudo de thureos, siglo III a.
• El tapiz de Sampul, una pared de lana que cuelga del condado de Lop, prefectura de Hotan, Xinjiang, China, que muestra a un posible soldado griego del reino greco-bactriano (250-125 a. C.), con ojos azules, empuñando una lanza y vistiendo lo que parece ser diadema diadema; representado encima de él hay un centauro, de la mitología griega, un motivo común en el arte helenístico; Museo de la Región de Xinjiang.
• Una pintura encáustica griega helenística sobre una lápida de mármol que representa el retrato de un joven llamado Theodoros, fechada en el siglo I a. C. durante el período de la Grecia romana, Museo Arqueológico de Tebas.

Policromía: pintura sobre estatuaria y arquitectura

Gran parte de la escultura figurativa o arquitectónica de la antigua Grecia estaba pintada de colores. Este aspecto de la mampostería griega se describe como policromado (del griego πολυχρωμία, πολύ = muchos y χρώμα = color). Debido a la intensa meteorización, la policromía en la escultura y la arquitectura se ha desvanecido sustancial o totalmente en la mayoría de los casos.

Aunque la palabra policromía se crea a partir de la combinación de dos palabras griegas, no se usaba en la antigua Grecia. El término fue acuñado a principios del siglo XIX por Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy.

Arquitectura

La pintura también se utilizó para mejorar los aspectos visuales de la arquitectura. Ciertas partes de la superestructura de los templos griegos fueron pintadas habitualmente desde el período Arcaico. Tal policromía arquitectónica podría tomar la forma de colores brillantes aplicados directamente a la piedra (evidenciado, por ejemplo, en el Partenón, o de patrones elaborados, frecuentemente elementos arquitectónicos hechos de terracota (ejemplos arcaicos en Olimpia y Delfos). A veces, las terracotas también representan escenas figurativas, al igual que las metopas de terracota del siglo VII a. C. de Thermon.

Escultura

La mayoría de las esculturas griegas estaban pintadas con colores fuertes y brillantes; esto se llama "policromía". La pintura se limitaba con frecuencia a partes que representaban ropa, cabello, etc., dejando la piel en el color natural de la piedra o el bronce, pero también podía cubrir esculturas en su totalidad; la piel femenina en el mármol tendía a no tener color, mientras que la piel masculina podía ser de color marrón claro. La pintura de la escultura griega no debe verse simplemente como una mejora de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo de arte distinto.

Por ejemplo, recientemente se ha demostrado que las esculturas del frontón del Templo de Aphaia en Aegina fueron pintadas con patrones audaces y elaborados, representando, entre otros detalles, ropa estampada. La policromía de las estatuas de piedra fue acompañada por el uso de diferentes materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas criselefantinas, y por el uso de diferentes metales para representar labios, uñas, etc. en bronces de alta calidad como los bronces de Riace.

Pintura florero

La evidencia más copiosa de la pintura griega antigua sobrevive en forma de pinturas de jarrones. Estos se describen en la sección "cerámica" anterior. Dan al menos cierto sentido de la estética de la pintura griega. Las técnicas involucradas, sin embargo, eran muy diferentes a las utilizadas en la pintura de gran formato. Lo mismo probablemente se aplica al tema representado. Los pintores de jarrones parecen haber sido por lo general especialistas dentro de un taller de cerámica, ni pintores en otros medios ni alfareros. También debe tenerse en cuenta que la pintura de jarrones, aunque con mucho la fuente sobreviviente más conspicua de la pintura griega antigua, no se tuvo en la más alta estima en la antigüedad y nunca se menciona en la literatura clásica.

Mosaicos

Los mosaicos se hacían inicialmente con cantos rodados, y más tarde con teselas de vidrio que le daban más color y una superficie plana. Fueron populares en el período helenístico, al principio como decoración para los pisos de los palacios, pero finalmente para las casas particulares. A menudo, una imagen del emblema central en un panel central se completó con un trabajo mucho más fino que la decoración circundante. Los motivos de Xenia, en los que una casa mostraba ejemplos de la variedad de alimentos que los invitados podrían esperar disfrutar, proporcionan la mayoría de los especímenes supervivientes de la naturaleza muerta griega. En general, el mosaico debe considerarse como un medio secundario que copia la pintura, a menudo de forma muy directa, como en el Mosaico de Alejandro.

El piso sin barrer de Sosus de Pérgamo (c. 200 a. C.) fue una pieza de trampantojo original y famosa, conocida por muchas copias grecorromanas. Según John Boardman, Sosus es el único artista de mosaicos cuyo nombre ha sobrevivido; sus palomas también se mencionan en la literatura y se copian. Sin embargo, Katherine MD Dunbabin afirma que dos artistas de mosaicos diferentes dejaron sus firmas en los mosaicos de Delos. El artista del mosaico de la caza del ciervo del siglo IV a. C. quizás también dejó su firma como Gnosis, aunque esta palabra puede ser una referencia al concepto abstracto de conocimiento.

Los mosaicos son un elemento importante del arte macedonio sobreviviente, con una gran cantidad de ejemplos conservados en las ruinas de Pella, la antigua capital de Macedonia, en la actual Macedonia Central. Mosaicos como el "Mosaico de la caza del ciervo y la caza del león" demuestran cualidades ilusionistas y tridimensionales que generalmente se encuentran en las pinturas helenísticas, aunque la búsqueda rústica macedonia de la caza es notablemente más pronunciada que otros temas. François Chamoux consideró que los mosaicos del siglo II a. C. de Delos, Grecia, representaban el pináculo del arte del mosaico helenístico, con estilos similares que continuaron durante todo el período romano y quizás sentaron las bases para el uso generalizado de mosaicos en el mundo occidental a través de a la Edad Media.

• Un mosaico de la tumba de Kasta en Anfípolis que representa el secuestro de Perséfone por Plutón, siglo IV a.
• Panel central del Rapto de Helena por Teseo, piso de mosaico, detalle del auriga, de la Casa del Rapto de Helena (c. 300 a. C.), antigua Pella
• Alejandro Magno (izquierda), vestido con una kausia y luchando contra un león asiático con su amigo Craterus (detalle); mosaico de finales del siglo IV a. C. de Pella
• Mosaico de una ninfa del Palacio del Gran Maestre de los Caballeros de Rodas, siglo II a.C.
• El dios alado Dioniso montando un tigre, de la Casa de Dioniso en Delos, Grecia, siglo II a.C.
• Detalle del panel del suelo con periquito alejandrino, Pérgamo Turquía moderna, mediados del siglo II a. C. (reinados de Eumenes II y Attalus II)
• Mosaico ptolemaico de un perro y una vasija de vino askos del Egipto helenístico, fechado entre 200 y 150 a.
• Mosaico helenístico de Thmuis (Mendes), Egipto, firmado por Sophilos c. 200 aC; La reina ptolemaica Berenice II (gobernante conjunta con su esposo Ptolomeo III) como personificación de Alejandría.

Gemas grabadas

La gema grabada era un arte de lujo con alto prestigio; Pompeyo y Julio César estuvieron entre los coleccionistas posteriores. La técnica tiene una antigua tradición en el Cercano Oriente, y los sellos cilíndricos, cuyo diseño solo aparece cuando se enrolla sobre arcilla húmeda, a partir de los cuales se desarrolló el tipo de anillo plano, se extendieron al mundo minoico, incluidas partes de Grecia y Chipre. La tradición griega surgió bajo la influencia minoica en la cultura heládica continental y alcanzó un apogeo de sutileza y refinamiento en el período helenístico.

Las gemas griegas redondas u ovaladas (junto con objetos similares en hueso y marfil) se encuentran en los siglos VIII y VII a. C., generalmente con animales en poses geométricas enérgicas, a menudo con un borde marcado por puntos o un borde. Los primeros ejemplos se encuentran principalmente en piedras más blandas. Las gemas del siglo VI son más a menudo ovaladas, con un dorso de escarabajo (en el pasado, este tipo se llamaba "scarabaeus") y figuras humanas o divinas, así como animales; la forma de escarabajo aparentemente fue adoptada de Fenicia.

Las formas son sofisticadas para la época, a pesar del tamaño generalmente pequeño de las gemas. En el siglo V, las gemas se hicieron algo más grandes, pero aún tenían solo 2 o 3 centímetros de altura. A pesar de esto, se muestran detalles muy finos, incluidas las pestañas de una cabeza masculina, quizás un retrato. Cuatro gemas firmadas por Dexamenos de Chios son las mejores de la época, dos muestran garzas.

El tallado en relieve se hizo común en el siglo V a. C. en Grecia, y gradualmente la mayoría de las espectaculares gemas talladas estaban en relieve. Generalmente, una imagen en relieve es más impresionante que una en huecograbado; en la forma anterior, el destinatario de un documento vio esto en la cera de sellado impresa, mientras que en los relieves posteriores fue el dueño del sello quien lo guardó para sí mismo, probablemente marcando la aparición de gemas destinadas a ser coleccionadas o usadas como colgantes de joyería. en collares y similares, en lugar de usarse como sellos; los últimos a veces son bastante grandes para usar para sellar cartas. Sin embargo, las inscripciones generalmente todavía están al revés ("escritura en espejo"), por lo que solo se leen correctamente en las impresiones (o al mirar desde atrás con piedras transparentes). Este aspecto también explica en parte la recolección de impresiones en yeso o cera de gemas,

Las tallas y camafeos de piedra dura más grandes, que son raros en forma de huecograbado, parecen haber llegado a Grecia alrededor del siglo III; Farnese Tazza es el único ejemplo helenístico importante que se conserva (dependiendo de las fechas asignadas al Gonzaga Cameo y la Copa de los Ptolomeos), pero otras imitaciones de pasta de vidrio con retratos sugieren que se hicieron camafeos tipo gema en este período. Las conquistas de Alejandro abrieron nuevas rutas comerciales hacia el mundo griego y aumentaron la gama de piedras preciosas disponibles.

Ornamento

La síntesis en el período Arcaico del repertorio nativo de motivos geométricos simples con motivos importados, en su mayoría basados ​​en plantas, del lejano oriente creó un vocabulario considerable de ornamentos, que los artistas y artesanos utilizaron con confianza y fluidez. Hoy este vocabulario se ve sobre todo en el gran corpus de cerámica pintada, así como en restos arquitectónicos, pero originalmente se habría utilizado en una amplia gama de medios, ya que una versión posterior se usa en el Neoclasicismo europeo.

Los elementos de este vocabulario incluyen el meandro geométrico o "llave griega", el huevo y el dardo, la cuenta y el carrete, el pergamino de Vitruvio, el guilloché y, del mundo vegetal, las hojas de acanto estilizadas, la voluta, la palmeta y la media palmeta, los rollos de plantas de varios tipos, roseta, flor de loto y flor de papiro. Originalmente utilizado de manera prominente en vasijas arcaicas, a medida que se desarrolló la pintura figurativa, estos fueron relegados para servir como bordes que demarcaban los bordes de la vasija o diferentes zonas de decoración. La arquitectura griega se destacó por desarrollar convenciones sofisticadas para el uso de molduras y otros elementos ornamentales arquitectónicos, que utilizaron estos motivos en un todo armoniosamente integrado.

Incluso antes del período clásico, este vocabulario había influido en el arte celta, y la expansión del mundo griego después de Alejandro, y la exportación de objetos griegos aún más lejos, expuso gran parte de Eurasia a él, incluidas las regiones del norte del subcontinente indio. donde el budismo se estaba expandiendo y creando arte greco-budista. A medida que el budismo se extendió por Asia Central a China y el resto de Asia Oriental, en una forma que hizo un gran uso del arte religioso, se tomaron versiones de este vocabulario y se usaron para rodear imágenes de budas y otras imágenes religiosas, a menudo con un tamaño y énfasis que habría parecido excesivo a los antiguos griegos. El vocabulario fue absorbido por el ornamento de la India, China, Persia y otros países asiáticos, además de desarrollarse aún más en el arte bizantino. Los romanos se hicieron cargo del vocabulario más o menos en su totalidad y, aunque muy alterado, se puede rastrear en todo el arte medieval europeo, especialmente en la ornamentación a base de plantas.

El arte islámico, donde el ornamento reemplaza en gran medida a la figuración, desarrolló el rollo de plantas bizantinas en el arabesco completo e interminable, y especialmente de las conquistas mongolas del siglo XIV recibió nuevas influencias de China, incluidos los descendientes del vocabulario griego. Desde el Renacimiento en adelante, varios de estos estilos asiáticos se representaron en textiles, porcelana y otros productos importados a Europa e influyeron en la ornamentación allí, un proceso que aún continúa.

Otras artes

Aunque el vidrio se fabricó en Chipre en el siglo IX a. C. y se desarrolló considerablemente al final del período, solo quedan unos pocos trabajos de vidrio anteriores al período grecorromano que muestran la calidad artística del mejor trabajo. La mayoría de las supervivencias son pequeñas botellas de perfume, en estilos de "plumas" de colores elegantes similares a otros vidrios mediterráneos. El vidrio helenístico se volvió más barato y accesible para una población más amplia.

No ha sobrevivido ningún mueble griego, pero hay muchas imágenes de él en jarrones y relieves conmemorativos, por ejemplo, el de Hegeso. Evidentemente, a menudo era muy elegante, al igual que los estilos derivados de él desde el siglo XVIII en adelante. Se han conservado algunas piezas de marfil tallado que se utilizaron como incrustaciones, como en Vergina, y algunas tallas de marfil; este era un arte de lujo que podía ser de muy buena calidad.

De las pinturas de vasijas se desprende claramente que los griegos a menudo usaban ropa elaboradamente estampada, y la habilidad para tejer era la marca de la mujer respetable. Sobreviven dos lujosas piezas de tela, de la tumba de Filipo de Macedonia. Existen numerosas referencias a tapices decorativos tanto para casas como para templos, pero ninguno de ellos ha sobrevivido.

Difusión y legado

El arte griego antiguo ha ejercido una influencia considerable en la cultura de muchos países del mundo, sobre todo en el tratamiento de la figura humana. En Occidente, la arquitectura griega también tuvo una gran influencia, y tanto en Oriente como en Occidente, la influencia de la decoración griega se remonta a la época moderna. El arte etrusco y romano se derivaron en gran medida y directamente de los modelos griegos, y los objetos y la influencia griegos llegaron al arte celta al norte de los Alpes, así como a todo el mundo mediterráneo y a Persia.

En Oriente, las conquistas de Alejandro Magno iniciaron varios siglos de intercambio entre las culturas griega, asiática central e india, a lo que contribuyó en gran medida la difusión del budismo, que desde el principio recogió muchos rasgos y motivos griegos en el arte grecobudista, que fueron luego se transmitió como parte de un paquete cultural al este de Asia, incluso hasta Japón, entre artistas que sin duda desconocían por completo el origen de los motivos y estilos que utilizaron.

Tras el Renacimiento en Europa, la estética humanista y los altos estándares técnicos del arte griego inspiraron a generaciones de artistas europeos, con un importante renacimiento en el movimiento del neoclasicismo que comenzó a mediados del siglo XVIII, coincidiendo con un acceso más fácil desde Europa occidental a Grecia. en sí mismo, y una renovada importación de originales griegos, más notoriamente los Mármoles de Elgin del Partenón. Hasta bien entrado el siglo XIX, la tradición clásica derivada de Grecia dominaba el arte del mundo occidental.

Historiografía

Las clases altas romanas helenizadas de la República tardía y el Imperio temprano generalmente aceptaron la superioridad griega en las artes sin muchas objeciones, aunque el elogio de Plinio por la escultura y la pintura de los artistas prehelenísticos puede basarse en escritos griegos anteriores en lugar de mucho conocimiento personal.. Plinio y otros autores clásicos eran conocidos en el Renacimiento, y esta suposición de la superioridad griega volvió a ser generalmente aceptada. Sin embargo, los críticos del Renacimiento y mucho más tarde no tenían claro qué obras eran realmente griegas.

Como parte del Imperio Otomano, solo unos pocos europeos occidentales podían llegar a Grecia hasta mediados del siglo XVIII. No solo los jarrones griegos encontrados en los cementerios etruscos, sino también (más controvertido) los templos griegos de Paestum se consideraron etruscos, o en cursiva, hasta finales del siglo XVIII y más allá, una idea errónea prolongada por el sentimiento nacionalista italiano.

Los escritos de Johann Joachim Winckelmann, especialmente sus libros Pensamientos sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre griego antiguo, arte etrusco y romano, y definen períodos dentro del arte griego, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o la decadencia que continúa teniendo influencia hasta el día de hoy.

La separación completa de las estatuas griegas de sus copias romanas posteriores, y una mejor comprensión del equilibrio entre lo griego y lo romano en el arte grecorromano, llevaría mucho más tiempo, y tal vez aún continúe. El arte griego, especialmente la escultura, siguió gozando de una enorme reputación, y estudiarlo y copiarlo fue gran parte de la formación de los artistas, hasta la caída del arte académico a finales del siglo XIX. Durante este período, el corpus real conocido del arte griego y, en menor medida, la arquitectura, se ha expandido enormemente. El estudio de los jarrones desarrolló una enorme literatura a finales del siglo XIX y XX, basada en gran medida en la identificación de las manos de artistas individuales, con Sir John Beazley como figura principal. Esta literatura generalmente asumió que la pintura de jarrones representaba el desarrollo de un medio independiente, solo en términos generales a partir del desarrollo estilístico en otros medios artísticos. Esta suposición ha sido cuestionada cada vez más en las últimas décadas, y algunos académicos ahora la ven como un medio secundario.