Arte chino

El arte chino o arte de China es arte visual que, ya sea antiguo o moderno, se originó o se practica en China o por artistas chinos. El arte de Taiwán también puede considerarse parte de la tradición artística china cuando se basa o se inspira en la herencia y la cultura chinas. El "arte de la Edad de Piedra" temprano se remonta al 10.000 a. C. y consiste principalmente en cerámica y esculturas simples. Después de este período temprano, el arte chino, como la historia china, se clasifica típicamente por la sucesión de dinastías gobernantes de emperadores chinos, la mayoría de las cuales duró varios cientos de años.

Podría decirse que el arte chino tiene la tradición continua más antigua del mundo y está marcado por un grado inusual de continuidad dentro y conciencia de esa tradición, que carece de un equivalente al colapso occidental y la recuperación gradual de los estilos clásicos. Los medios que generalmente se han clasificado en Occidente desde el Renacimiento como artes decorativas son extremadamente importantes en el arte chino, y gran parte del mejor trabajo fue producido en grandes talleres o fábricas por artistas esencialmente desconocidos, especialmente en cerámica china.

Gran parte del mejor trabajo en cerámica, textiles, laca tallada y otras técnicas fue producido durante un largo período por las diversas fábricas o talleres imperiales, que además de ser utilizados por la corte se distribuyeron internamente y en el extranjero a gran escala para demostrar la riqueza y el poder de los emperadores. Por el contrario, la tradición de la pintura con aguada con tinta, practicada principalmente por eruditos-funcionarios y pintores de la corte, especialmente de paisajes, flores y pájaros, desarrolló valores estéticos en función de la imaginación individual y la observación objetiva del artista que son similares a los del artista. West, pero mucho antes de su desarrollo allí. Luego de que los contactos con el arte occidental se hicieran cada vez más importantes a partir del siglo XIX, en las últimas décadas China ha participado con creciente éxito en el arte contemporáneo mundial.

Pintura

La pintura tradicional china involucra esencialmente las mismas técnicas que la caligrafía china y se realiza con un pincel sumergido en tinta negra o de color; No se utilizan aceites. Al igual que con la caligrafía, los materiales más populares sobre los que se realizan las pinturas son el papel y la seda. El trabajo terminado se puede montar en rollos, como rollos colgantes o rollos manuales. La pintura tradicional también se puede realizar en hojas de álbumes, paredes, lacados, biombos y otros medios.

Las dos técnicas principales en la pintura china son:

• Gong-bi (工筆), que significa "meticuloso", utiliza pinceladas muy detalladas que delimitan los detalles con mucha precisión. A menudo tiene mucho color y generalmente representa temas figurativos o narrativos. A menudo lo practican artistas que trabajan para la corte real o en talleres independientes. Las pinturas de pájaros y flores a menudo tenían este estilo.
• Pintura con tinta y aguada, en chino Shui-mo o (水墨) también denominada vagamente acuarela o pintura con pincel, y también conocida como "pintura literaria", ya que era una de las "cuatro artes" de la clase oficial de eruditos chinos. En teoría, este era un arte practicado por caballeros, una distinción que comienza a hacerse en los escritos sobre arte de la dinastía Song, aunque en realidad las carreras de los principales exponentes podrían beneficiarse considerablemente. Este estilo también se conoce como "xie yi" (寫意) o estilo a mano alzada.

Los artistas de las dinastías Han (202 a. C.) a Tang (618–906) pintaron principalmente la figura humana. Gran parte de lo que se sabe de la pintura de figuras china temprana proviene de los lugares de entierro, donde las pinturas se conservaron en pancartas de seda, objetos lacados y paredes de tumbas. Muchas pinturas de las primeras tumbas estaban destinadas a proteger a los muertos o ayudar a sus almas a llegar al paraíso. Otros ilustraban las enseñanzas del filósofo chino Confucio o mostraban escenas de la vida cotidiana. La mayoría de los retratos chinos mostraban una vista frontal formal de cuerpo entero y se usaban en la familia para venerar a los antepasados. Los retratos imperiales eran más flexibles, pero generalmente no se veían fuera de la corte y los retratos no formaban parte de la propaganda imperial, como en otras culturas.

Muchos críticos consideran que el paisaje es la forma más elevada de la pintura china. El tiempo desde el período de las Cinco Dinastías hasta el período Song del Norte (907-1127) se conoce como la "Gran edad del paisaje chino". En el norte, artistas como Jing Hao, Li Cheng, Fan Kuan y Guo Xi pintaron imágenes de montañas altísimas, utilizando fuertes líneas negras, lavado de tinta y pinceladas punteadas y nítidas para sugerir rocas ásperas. En el sur, Dong Yuan, Juran y otros artistas pintaron las colinas ondulantes y los ríos de su campo natal en escenas pacíficas realizadas con pinceladas más suaves y frotadas. Estos dos tipos de escenas y técnicas se convirtieron en los estilos clásicos de la pintura de paisajes china.

• principios de otoño; por Qian Xuan; siglo 13; tinta y colores sobre rollo de papel; 26,7 × 120,7 cm; Instituto de Artes de Detroit (Detroit, EE. UU.). Las hojas de loto en descomposición y las libélulas que se ciernen sobre el agua estancada son probablemente una crítica velada del dominio mongol.
• Lohan manifestándose como un Guanyin de once cabezas; alrededor de 1178; tinta y color sobre seda; 111,5 × 53,1 cm; Museo de Bellas Artes (Boston, EE. UU.)
• Loro e insecto entre flores de pera; por Huang Jucai; segunda mitad del siglo XIII; tinta y color sobre seda; 27,6 × 27,6 cm; Museo de Bellas Artes (Boston)
• Wang Xizhi observando gansos; por Qian Xuan; 1235 - antes de 1307; pergaminos (tinta, color y oro sobre papel); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Las ocho huestes de Deva, Naga y Yakshi; 1454; pergamino colgante, tinta y color sobre seda; dimensiones del cuadro: 140,2 × 78,8 cm; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• Retrato de Zhu Youjiao; después de 1620; pintura; Museo del Palacio Nacional (Taipei, Taiwán)
• Paisaje, parte de un álbum de ocho hojas; por Luhan; 1699; tinta y color sobre papel; imagen: 30,5 × 22,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Otro paisaje, parte del mismo álbum de ocho hojas; por Luhan; 1699; tinta y color sobre papel; imagen: 30,5 × 22,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Paisaje; por Dong Yuan; cambio de siglo 18/19; pergaminos, tinta sobre seda; 39,1 × 717,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Retrato; principios del siglo 20 (?); álbum de veinte hojas, tinta y color sobre seda; 28,3 × 22,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Pintura china – Viajando por el camino.
• Northern Song Dynasty-Finches y bambú
• Paseando en primavera, de Zhan Ziqian, artista de la dinastía Sui (581–618).
• Damas de la corte del ex Shu por Tang Yin
• Tang Yin - La reunión en el pabellón de orquídeas
• Tang Yin – Una belleza – Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island
• Tang Yin – Haciendo el vestido de novia – Walters
• Museo de Brooklyn – El peregrino budista chino Hsuan-Tsang
• China, dinastía Qing – Retrato de monjes budistas de la secta Obaku – Museo de Arte de Cleveland

Escultura

Los bronces rituales chinos de las dinastías Shang y Zhou occidental provienen de un período de más de mil años desde c. 1500 a. C., y han ejercido una influencia continua sobre el arte chino. Están fundidos con una decoración compleja y zoomorfa, pero evitan la figura humana, a diferencia de las enormes figuras descubiertas recientemente en Sanxingdui. El espectacular Ejército de Terracota se reunió para la tumba de Qin Shi Huang, el primer emperador de una China unificada del 221 al 210 a. C., como una gran versión imperial de las figuras colocadas durante mucho tiempo en las tumbas para permitir que los difuntos disfruten del mismo estilo de vida en el más allá como cuando estaba vivo, reemplazando los sacrificios reales de períodos muy tempranos. Figuras más pequeñas en cerámica o madera se colocaron en tumbas durante muchos siglos después, alcanzando un pico de calidad en la dinastía Tang.

Las religiones nativas chinas no suelen usar imágenes de culto de deidades, ni siquiera representarlas, y las grandes esculturas religiosas son casi todas budistas, datan principalmente del siglo IV al XIV e inicialmente utilizan modelos greco-budistas que llegan a través de la Ruta de la Seda. El budismo es también el contexto de todas las grandes esculturas de retratos; en total contraste con algunas otras áreas de la China medieval, incluso las imágenes pintadas del emperador se consideraban privadas. Las tumbas imperiales tienen espectaculares avenidas de acceso bordeadas de animales reales y mitológicos en una escala similar a la de Egipto, y versiones más pequeñas decoran templos y palacios. Se produjeron pequeñas figuras y grupos budistas con una calidad muy alta en una variedad de medios, al igual que la decoración en relieve de todo tipo de objetos, especialmente en metalistería y jade.Los escultores de todo tipo eran considerados artesanos y se registran muy pocos nombres.

• Caldero de trípode ritual (ding); alrededor del siglo XIII a. C.; bronce: altura con asas: 25,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• jarrón de vino (zun); siglo XIII aC; bronce con incrustaciones de pigmento negro; altura: 40cm; Museo Metropolitano de Arte
• Uno de los guerreros del Ejército de terracota, una famosa colección de esculturas de terracota que representa a los ejércitos de Qin Shi Huang, el primer emperador de China.
• Lámpara del Palacio Changxin; alrededor del 172 a. C.; bronce y oro; altura: 48 cm; Museo Provincial de Hebei (China); excavado en la tumba de Dou Wan
• El caballo volador de Gansu; alrededor de 300; bronce; altura: 34,5 cm, largo: 45 cm; ancho: 13,1 cm; Museo Provincial de Gansu (Lanzhou, China)
• Estela votiva con Buda Shakyamuni; fechado en 542 (dinastía Wei del Este); caliza; Museo Rietberg (Zürich, Suiza)
• Escultura probablemente de Amitābha; principios del siglo VII; laca seca hueca con restos de dorado y pigmento policromado y dorado; alto: 96,5 cm, ancho: 68,6 cm, profundidad: 57,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
• El Buda Gigante de Leshan, una estatua de piedra de 71 m de altura, construida entre 713 y 803, dinastía Tang
• estatua de un monje; siglo VIII; piedra caliza con pigmento; piedra caliza con pigmento; altura (incluido el taco de piedra): 175,3 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Estatua del luohan Tamrabhadra, uno del grupo de luohans de cerámica vidriada de Yixian; siglos X-XIII; terracota vidriada; altura: 123 cm; Museo Guimet (París)
• Bodhisattva Avalokiteshvara en forma de luna de agua (Shuiyue Guanyin); Siglo 11; madera (sauce) con trazas de pigmento, construcción con múltiples xilografías; altura: 118,1 cm, ancho: 95,3 cm, profundidad: 71,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Luohan sentado; Siglo XVIII-XIX; lapislázuli; alto: 18,1 cm, ancho: 25,4 cm; Museo Metropolitano de Arte

Cerámica

La cerámica china muestra un desarrollo continuo desde los períodos predinásticos y es una de las formas más significativas del arte chino. China está ricamente dotada de las materias primas necesarias para hacer cerámica. Los primeros tipos de cerámica se hicieron durante la era paleolítica, y en períodos posteriores van desde materiales de construcción como ladrillos y tejas, hasta vasijas de cerámica hechas a mano cocidas en hogueras u hornos, hasta los sofisticados artículos de porcelana china hechos para la corte imperial. La mayoría de las cerámicas chinas posteriores, incluso las de la mejor calidad, se fabricaron a escala industrial, por lo que se conocen muy pocos alfareros o pintores individuales. Muchos de los talleres más renombrados eran propiedad del emperador o estaban reservados para él, y desde una fecha temprana se exportaron grandes cantidades de cerámica como obsequios diplomáticos o para el comercio.

• guardián de la tumba; principios de los 700; loza vidriada, sancai (tres colores); Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• estatuillas de bailarines; Siglo VIII (Imperio Tang); cerámico; Museo Histórico de Berna (Suiza)
• Los jarrones de David; 1351 (la dinastía Yuan); porcelana, decoración azul cobalto bajo vidriado; altura: 63,8 cm; Museo Británico (Londres)
• Dos matraces con dragones; 1403–1424; porcelana azul bajo vidriado; altura (la izquierda): 47,8 cm, altura (la derecha): 44,6 cm; Museo Británico
• figurillas budistas; por Qiao Bin; alrededor de 1503; cerámica vidriada; varias dimensiones; Museo Metropolitano de Arte
• Figura de asistente del Juez del Infierno decorada con esmaltes policromados con detalles pintados en frío; 1522-1620; loza pintada y vidriada; alto: 136 cm, ancho: 39 cm; Museo Británico
• Un asistente del Juez del Infierno, figura de un grupo de juicio; siglo 16; loza vidriada y decoración pintada; alto: 148 cm, ancho: 36 cm, profundidad: 20 cm; Museo Británico
• Tarro: siglo XVIII; porcelana pintada con esmaltes overglaze famille rose; altura: 61cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Florero; último cuarto del siglo XVIII; porcelana con medallones calados, pintada en esmaltes overglaze famille rose, con diseño grabado: altura: 29,8 cm, diámetro: 19,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Florero con tapa; 1662-1722; porcelana con decoración azul bajo vidriado; total: 46,2 cm; Museo de Arte de Cleveland
• Jarrón de porcelana de la República de China
• Jarra china de porcelana, siglo XVII
• Guanyin de porcelana china, siglos XVII-XVIII
• Jarrón chino, dinastía Ming, porcelana con esmalte celadón
• Plato erótico de porcelana china
• 
• Almohada de porcelana Jin
• Tablilla Qing con mapa de la fábrica de porcelana imperial

Artes Decorativas

Además de la porcelana, se trabajaron y decoraron con gran destreza una amplia gama de materiales de mayor valor para diversos usos o simplemente para exhibición. Al jade chino se le atribuían poderes mágicos y se usaba en la Edad de la Piedra y del Bronce para versiones grandes y poco prácticas de armas y herramientas cotidianas, así como para los discos bi y las vasijas de cong. Más tarde se tallaron en jade una serie de objetos y pequeñas esculturas, una técnica difícil y laboriosa. El bronce, el oro y la plata, el cuerno de rinoceronte, la seda china, el marfil, la laca y la laca tallada, el esmalte cloisonné y muchos otros materiales contaron con el trabajo de artistas especialistas. Cloisonne experimentó un interesante proceso de hibridación artística en China, particularmente en las piezas promovidas por misioneros y comunidades cristianas chinas.

Los biombos (chino:屏風; pinyin: píngfēng) suelen estar decorados con bellas artes; los temas principales incluyen mitología, escenas de la vida del palacio y la naturaleza. En la fabricación de biombos se utilizan materiales como el panel de madera, el papel y la seda. Fueron considerados adornos ideales para que muchos pintores exhibieran sus pinturas y caligrafía. Muchos artistas pintaron sobre papel o seda y lo aplicaron sobre la pantalla plegable. Había dos biombos artísticos distintos mencionados en la literatura histórica de la época.

• Palco cubierto con pabellón y figuras; 1300 (la dinastía Yuan); laca tallada; Museo Nacional de Tokio (Tokio)
• sillón chino con respaldo bajo; finales del siglo XVI-XVIII (desde finales de la dinastía Ming hasta la dinastía Qing); palisandro huanghuali; Galería Arthur M. Sackler (Washington DC)
• Taza; principios del siglo XVII; cuerno de rinoceronte; altura: 10,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Pantalla despegable; alrededor de 1690; madera lacada y papel; Museo Calouste Gulbenkian (Lisboa, Portugal)
• Lámina; finales del siglo XVII y principios del XVIII; esmalte cloisonné; altura: 4,4 cm, diámetro: 25,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Quemador de incienso en forma de gallo; siglo 18; esmalte cloisonné sobre cobre; altura: 19,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Florero; siglo 18; esmalte cloisonné; alto: 36,8 cm, ancho: 17,8 cm; Museo Metropolitano de Arte
• cama china de la puerta de la luna; alrededor de 1876; madera satinada (huang lu), otras maderas asiáticas y marfil; Museo Peabody Essex (Salem, Massachusetts, EE. UU.)

Arquitectura

La arquitectura china se refiere a un estilo de arquitectura que ha tomado forma en el este de Asia durante muchos siglos. Especialmente Japón, Corea, Vietnam y Ryukyu. Los principios estructurales de la arquitectura china se han mantenido prácticamente sin cambios, siendo los principales cambios solo los detalles decorativos. Desde la dinastía Tang, la arquitectura china ha tenido una gran influencia en los estilos arquitectónicos de Corea, Vietnam y Japón.

De la cultura Longshan de la era neolítica y la cultura Erlitou de la era de la Edad del Bronce, existen las primeras fortificaciones de tierra apisonada, con evidencia de arquitectura de madera. Las ruinas subterráneas del palacio de Yinxu se remontan a la dinastía Shang (c. 1600 a. C.-1046 a. C.). En la China histórica, el énfasis arquitectónico se puso sobre el eje horizontal, en particular la construcción de una plataforma pesada y un gran techo que flota sobre esta base, con las paredes verticales no demasiado enfatizadas. Esto contrasta con la arquitectura occidental, que tiende a crecer en altura y profundidad. La arquitectura china destaca el impacto visual de la anchura de los edificios. La desviación de este estándar es la arquitectura de la torre de la tradición china, que comenzó como una tradición nativa.y finalmente fue influenciado por el edificio budista para albergar sutras religiosos, la estupa, que vino de Nepal. Las antiguas representaciones de modelos de tumbas chinas de torres residenciales de varios pisos y torres de vigilancia datan de la dinastía Han (202 a. C.-220 d. C.). Sin embargo, la pagoda china budista más antigua que existe es la Pagoda Songyue, una torre de ladrillo de base circular de 40 m (131 pies) de altura construida en la provincia de Henan en el año 523 d.C. Desde el siglo VI en adelante, las estructuras basadas en piedra se vuelven más comunes, mientras que las más antiguas provienen de arcos de piedra y ladrillo encontrados en las tumbas de la dinastía Han. El puente Zhaozhou, construido entre el 595 y el 605 d. C., es el puente de piedra existente más antiguo de China, así como el puente de arco segmentario de enjuta abierta completamente de piedra más antiguo del mundo.

El oficio vocacional de arquitecto, artesano e ingeniero no era tan respetado en la sociedad china premoderna como los eruditos-burócratas que fueron reclutados para el gobierno por el sistema de exámenes del servicio civil. Gran parte del conocimiento sobre la arquitectura china temprana se transmitió de un comerciante a su hijo o aprendiz asociativo. Sin embargo, hubo varios tratados antiguos sobre arquitectura en China, con información enciclopédica sobre arquitectura que se remonta a la dinastía Han. El apogeo de la tradición arquitectónica clásica china en escritura e ilustración se puede encontrar en el Yingzao Fashi, un manual de construcción escrito en 1100 y publicado por Li Jie (1065-1110) en 1103. En él hay numerosas y meticulosas ilustraciones y diagramas que muestran el montaje de salas y componentes de construcción, así como la clasificación de tipos de estructuras y componentes de construcción.

Había ciertas características arquitectónicas que estaban reservadas únicamente para edificios construidos para el Emperador de China. Un ejemplo es el uso de tejas amarillas; habiendo sido el amarillo el color imperial, las tejas amarillas todavía adornan la mayoría de los edificios dentro de la Ciudad Prohibida. El Templo del Cielo, sin embargo, usa tejas azules para simbolizar el cielo. Los techos están sostenidos casi invariablemente por ménsulas, una característica compartida solo con los edificios religiosos más grandes. Las columnas de madera de los edificios, así como la superficie de las paredes, suelen ser de color rojo.

Muchos diseños arquitectónicos chinos actuales siguen estilos posmodernos y occidentales.

• Relieve de los santuarios de la familia Wu (Jiaxiang, Shandong, China) que muestra la arquitectura de la dinastía Han, 151 d.C.
• El Pabellón Guanyian del Monasterio Dule (Jixian, China), 984
• La Pagoda Songyue (Henan, China), 523
• Sala de Oración por las Buenas Cosechas, edificio principal del Templo del Cielo (Beijing), 1703-1790
• El Templo Longxing en Hebei (Zhengding, China), 1052
• Pagoda del Templo Fogong (Shanxi, China), 1056
• El Salón Dacheng del Templo de Confucio (Qufu, Shandong, China), 1499

Chinoiserie

Chinoiserie es la interpretación e imitación europea de las tradiciones artísticas chinas y de Asia oriental, especialmente en las artes decorativas, el diseño de jardines, la arquitectura, la literatura, el teatro y la música. La estética de Chinoiserie se ha expresado de diferentes maneras según la región. Su reconocimiento deriva de la corriente del Orientalismo, que estudió las culturas del Lejano Oriente desde un punto de vista histórico, filológico, antropológico, filosófico y religioso. Esta tendencia, que apareció por primera vez en el siglo XVII, se popularizó en el siglo XVIII debido al aumento del comercio con China y el este de Asia.

Como estilo, la chinoiserie está relacionada con el estilo rococó. Ambos estilos se caracterizan por una decoración exuberante, asimetría, un enfoque en los materiales y una naturaleza estilizada y una temática que se centra en el ocio y el placer. Chinoiserie se centra en temas que los europeos de la era colonial pensaban que eran típicos de la cultura china.

• The Chinese House, un pabellón de jardín chinoiserie en el parque Sanssouci, de Potsdam (Alemania)
• Mesa de escritura con agujero para las rodillas; alrededor de 1760; caoba, chapa de caoba y bronce dorado; 88,9 × 97,8 × 62,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Audiencia del emperador chino; 1766; porcelana de pasta dura; total: 39,8 × 33,2 × 21,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Secretaria de frente abatible (secrètaire à abattant); 1770–1775; monturas pintadas y barnizadas de roble, caoba, palo púrpura y bronce dorado; 152,4 × 67,9 × 34 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Diseño ornamental de "Nouvelle suite de cahiers chinois a l'usage des Dessinateurs et des peintres"; después de 1775; aguafuerte con tintas coloreadas à la pupé sobre papel verjurado blanquecino; Cooper Hewitt, Museo Smithsonian de Diseño (Nueva York)
• La Sala China del Palacio Real (Berlín); 1850; pincel y acuarela y gouache, Grafito sobre Papel Wove; Cooper Hewitt, Museo Smithsonian de Diseño
• Par de botellas de cuerpo redondo y plano; 1870–1880; porcelana; primera botella: 26,4 × 21 × 10,6 cm, segunda botella: 25,7 × 20,2 × 10,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
• La casa de té en la calle Myasnitskaya en Moscú (Rusia)

Arte botánico

Historia y desarrollo

Cerámica neolítica

Las primeras formas de arte en China se encuentran en la cultura neolítica de Yangshao, que data del sexto milenio antes de Cristo. Los hallazgos arqueológicos como los de Banpo han revelado que Yangshao fabricaba cerámica; las primeras cerámicas no estaban pintadas y, en la mayoría de los casos, tenían marcas de cordón. Las primeras decoraciones fueron peces y rostros humanos, pero eventualmente evolucionaron hacia diseños abstractos geométricos simétricos, algunos pintados.

La característica más distintiva de la cultura de Yangshao fue el uso extensivo de cerámica pintada, especialmente diseños faciales humanos, animales y geométricos. A diferencia de la cultura Longshan posterior, la cultura Yangshao no usó ruedas de alfarero en la fabricación de cerámica. Las excavaciones han encontrado que los niños fueron enterrados en vasijas de cerámica pintada.

• Una olla roja con dos "orejas"; por la cultura Peiligang; 6000–5200 a. C.; cerámico; Museo de Shanghái (Shanghái, China)
• Olla de barro punteado, tipo semimontaña; por la cultura Yangshao de China; 2700-2300 a. C.; Museo Provincial de Gansu (Lanzhou; China)
• Frasco; 2650–2350 a. C.; loza con decoración pintada; altura: 34 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Maceta con patrón de celosía geométrica; por la cultura Majiayao; 2600–2300 a. C.; alfarero pintado; Museo de Shanghái

Cultura del jade

La cultura Liangzhu fue la última cultura neolítica de jade en el delta del río Yangtze y estuvo espaciada durante un período de aproximadamente 1300 años. El Jade de esta cultura se caracteriza por grandes jades rituales finamente trabajados como cilindros Cong, discos Bi, hachas Yue y también colgantes y decoraciones en forma de placas caladas cinceladas, platos y representaciones de pequeñas aves, tortugas y peces. El Liangzhu Jade tiene un aspecto blanco lechoso similar al hueso debido a su origen en la roca tremolita y la influencia de los fluidos a base de agua en los lugares de enterramiento.

Fundición de bronce

La Edad del Bronce en China comenzó con la dinastía Xia. Se han recuperado ejemplos de este período de las ruinas de la cultura Erlitou, en Shanxi, e incluyen objetos utilitarios complejos pero sin adornos. En la siguiente dinastía Shang, se fabricaron objetos más elaborados, incluidos muchos vasos rituales. Los Shang son recordados por su fundición de bronce, destacada por su claridad de detalles. Los herreros de bronce de Shang generalmente trabajaban en fundiciones fuera de las ciudades para fabricar vasijas rituales y, a veces, también armas y accesorios para carros. Las vasijas de bronce eran receptáculos para almacenar o servir diversos sólidos y líquidos utilizados en la realización de ceremonias sagradas. Algunas formas como el ku y el jue pueden ser muy elegantes, pero las piezas más poderosas son el ding., a veces descrito como que tiene un "aire de feroz majestad".

Es típico del estilo Shang desarrollado que todo el espacio disponible esté decorado, la mayoría de las veces con formas estilizadas de animales reales e imaginarios. El motivo más común es el taotie, que muestra un ser mitológico presentado frontalmente como aplastado sobre un plano horizontal para formar un diseño simétrico. El significado temprano de taotie no está claro, pero existían mitos al respecto alrededor de finales de la dinastía Zhou. Se consideró que era un hombre codicioso desterrado para proteger un rincón del cielo contra monstruos malvados; o un monstruo equipado sólo con una cabeza que intenta devorar a los hombres pero sólo se hace daño a sí mismo.

La función y apariencia de los bronces cambió gradualmente del Shang al Zhou. Pasaron de ser utilizados en ritos religiosos a fines más prácticos. Para el período de los Reinos Combatientes, las vasijas de bronce se habían convertido en objetos de disfrute estético. Algunas estaban decoradas con escenas sociales, como las de un banquete o una cacería; mientras que otros mostraban patrones abstractos con incrustaciones de oro, plata o piedras preciosas y semipreciosas.

Los artefactos de bronce también tienen un significado y un papel importantes en la dinastía Han. La gente los utilizó con fines funerarios que reflejan las cualidades estéticas y artísticas de la dinastía Han. Muchas vasijas de bronce excavadas en tumbas en la provincia de Jiangsu, China, tienen varias formas, como Ding, Hu y Xun, que representan al esteta tradicional chino. Estas vasijas son representaciones clásicas de formas de arte celestial chino que juegan un papel importante en la comunicación de los antiguos chinos con los espíritus de sus antepasados.Además de las vasijas, también se encuentran armas de bronce, artículos de uso diario e instrumentos musicales en la tumba de las familias reales Han en Jiangsu. Ser capaz de poner un juego completo de Bianzhong en la tumba de uno significa su estatus y clase en la dinastía Han, ya que este tipo particular de instrumento solo es adquirido y poseído por familias reales y ricas. Aparentemente, Bianzhong y la música también se utilizan como un camino para que los gobernantes Han se comuniquen con sus dioses. La excavación de Bianzhong, un instrumento típico y real encontrado en la antigua China, enfatiza el desarrollo de sistemas musicales complejos en la dinastía Han.El conjunto de Bianzhong puede variar en muchos casos; por ejemplo, una excavación específica de Bianzhong de la provincia de Jiangsu incluye diferentes juegos de campanas, como las campanas Niuzhong y Yongzhong, y muchas de ellas aparecen en formas animales como el dragón, un animal espiritual tradicional chino.

Los bronces Shang se hicieron apreciados como obras de arte de la dinastía Song, cuando fueron coleccionados y apreciados no solo por su forma y diseño, sino también por las diversas pátinas verdes, azul verdosas e incluso rojizas creadas por la acción química mientras yacían enterrados en el tierra. El estudio de la fundición de bronce china temprana es un campo especializado de la historia del arte.

• copa Longshan; alrededor de 2500-2000 a. C.; Excavado en Jiaoxian (provincia de Shandong, en 1975)
• Cabeza de bronce de Sanxingdui con una máscara de lámina de oro
• Estatua de pie, probablemente de un rey y líder chamán, es decir, la máxima autoridad asumió el triple estatus de dios, chamán y rey; altura total: 2,62 m, altura de la parte humana: 1,72 m; de Sanxingdui
• conjunto de altar; finales del siglo XI a. C.; bronce; total (mesa): altura: 18,1 cm (7 ¹ ⁄ ₈ pulg.), ancho: 46,4 cm (18 ¹ ⁄ ₄ pulg.), profundidad: 89,9 cm (35 ³ ⁄ ₈ pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York, EE. UU.)
• Houmuwu ding (chino:后母戊鼎; pinyin: Hòumǔwù dǐng), el bronce antiguo más grande jamás encontrado; 1300–1046 a. C.; Museo Nacional de China (Pekín). El nombre de este ding se basa en la inscripción en la pared interior de bronce, que dice Hòumǔwù, que significa "Reina Madre Wu".
• Da He ding (chino:大禾方鼎; pinyin: Dà Hé fāngdǐng); Dinastía Shang; Museo de Hunan. Este bronce ritual es uno de los raros recipientes que está decorado con rostros humanos.
• Servidor de vino ritual (guang); 1100 aC; 21 × 22,9 cm (8,25 × 9 pulgadas); Museo de Arte de Indianápolis (Indiana, EE. UU.). Adornando la superficie de la vasija hay tres motivos decorativos primarios de animales, incluidas quince criaturas imaginarias en relieve a lo largo de los lados.
• Da Yu ding (chino:大盂鼎; pinyin: Dà Yú dǐng); 1054 a. C. (Zhou occidental); altura: 101,9 cm (40,1 pulgadas), ancho: 77,8 cm (30,6 pulgadas); descubierto en 1849, en Li Village (Condado de Mei, Shaanxi); Museo Nacional de China
• Da Ke ding; dinastía Zhou occidental; altura: 93,1 cm (36,7 pulgadas), ancho: 75,6 cm (29,8 pulgadas) (diámetro interior) y 74,9 cm (29,5 pulgadas) (diámetro interior); descubierto en 1890, en Famen Town (condado de Fufeng, Shaanxi); Museo de Shanghái (China)
• Campana (lai zhong); 800–700 a. C. (dinastía Zhou occidental); 70,3 × 37 × 26,6 cm (27 ⁵ ⁄ ₈ × 14 ⁹ ⁄ ₁₆ × 10 ⁷ ⁄ ₁₆ pulg.); de Meixian (Shaanxi); Museo de Arte de Cleveland (Ohio, EE. UU.). En la antigua China, la música y el ritual tenían un significado político y estaban vinculados inseparablemente al poder de los estados.
• Un soporte de bronce para vasos ceremoniales; excavado en la tumba del hijo del rey Zhuang de Chu (r. 613–591 a. C.)
• Shi zun; 1600–1046 a. C.; altura: 40 cm (16 pulgadas); descubierto en Chuanxingshan (condado de Xiangtan, China); Museo de Hunan

Chu y la cultura sureña

Una rica fuente de arte en la China primitiva fue el estado de Chu, que se desarrolló en el valle del río Yangtze. Las excavaciones de las tumbas de Chu han encontrado esculturas de madera pintadas, discos de jade, cuentas de vidrio, instrumentos musicales y una variedad de artículos lacados. Muchos de los objetos de laca están finamente pintados, rojo sobre negro o negro sobre rojo. Un sitio en Changsha, provincia de Hunan, ha revelado algunas de las pinturas sobre seda más antiguas descubiertas hasta la fecha.

China imperial temprana (221 a. C.-220 d. C.)

Arte chino

Durante la dinastía Qin, la fuente china, los sistemas de medición y la moneda se estandarizaron para lograr una mayor unificación. La Gran Muralla China se amplió como una construcción defensiva contra los intrusos del norte.

El ejército de terracota, dentro del mausoleo del primer emperador Qin, consta de más de 7000 figuras de guerreros y caballos de terracota de tumbas de tamaño natural enterradas con el autoproclamado primer emperador de Qin (Qin Shi Huang) en 210-209 a.. Las figuras fueron pintadas antes de ser colocadas en la bóveda. Los colores originales eran visibles cuando las piezas fueron desenterradas por primera vez. Sin embargo, la exposición al aire hizo que los pigmentos se desvanecieran, por lo que hoy en día las figuras desenterradas parecen de color terracota. Las figuras están en varias poses, incluida la infantería de pie y los arqueros arrodillados, así como los aurigas con caballos. La cabeza de cada figura parece ser única, mostrando una variedad de rasgos y expresiones faciales, así como estilos de cabello. El realismo espectacular que muestran las esculturas es una evidencia del avance del arte durante la dinastía Qin.

Durante la dinastía Qin se desarrolló un instrumento musical llamado cítara Qin.

Los componentes estéticos siempre han sido tan importantes como las partes funcionales de un instrumento musical en la historia de China. La cítara Qin tiene siete cuerdas. Aunque la cítara Qin a veces puede recordar a las personas los tiempos corruptos de la historia, a menudo se la considera como una entrega de paz y armonía.

Arte han

La dinastía Han era conocida por los trajes funerarios de jade. Una de las primeras representaciones conocidas de un paisaje en el arte chino proviene de un par de paneles de puerta de azulejos huecos de una tumba de la dinastía Han occidental cerca de Zhengzhou, que data del año 60 a. El zigzag de las líneas que representan los caminos y los muros de los jardines transmite una escena de recesión de profundidad continua, dando la impresión de que uno está mirando hacia abajo desde la cima de una colina. Esta escena artística del paisaje se realizó mediante la impresión repetida de sellos estándar en la arcilla mientras aún estaba blanda y aún no cocida. Sin embargo, la tradición de escena de arte paisajista más antigua conocida en el sentido clásico de la pintura es una obra de Zhan Ziqian de la dinastía Sui (581–618).

Aparte de los artefactos de jade, el bronce es otro medio favorito de los artistas, ya que es duro y duradero. Los espejos de bronce se han producido en masa en la dinastía Han (206 a. C.-220 d. C.), y casi todas las tumbas excavadas que han sido fechadas como de la dinastía Han tienen un espejo en el entierro. El lado reflectante generalmente está hecho de una composición de bronce, cobre, estaño y plomo. La palabra "espejo" significa "reflejar" o "mirar" en chino, por lo que los espejos de bronce se han utilizado como un tropo para reflejar la realidad. Los antiguos chinos creen que el espejo puede actuar como una representación de la realidad, lo que podría hacerlos más conscientes de la situación actual; además, los espejos se utilizan como medio para transmitir o presentar un reflejo de los eventos pasados.Los espejos de bronce fabricados en la dinastía Han siempre tienen decoraciones complejas en su lado no reflectante; algunos de ellos consisten en narraciones que cuentan historias. Las propias narrativas siempre reflejan las teorías comunes pero esenciales de la vida del pueblo Han.

• Estatuilla de Han occidental de una mujer sentada y un asistente de la corte; 202 aC - 8 dC; cerámico; de una tumba de Xianyang (Shaanxi, China)
• lámpara del palacio de Changxin; 172 aC; bronce y oro; de la dinastía Han Occidental; Museo de Hebei (China); excavado en la tumba de Dou Wan. Este farol de palacio está totalmente dorado y tiene la forma de una doncella de palacio arrodillada sosteniendo una lámpara. Los caracteres "changxin shangyu" están inscritos en la parte inferior de la pieza, de ahí el nombre de Changxin Palace Lantern. La doncella del palacio lleva el pelo recogido en un moño con un pañuelo en la cabeza, y está vestida con una prenda de cuerpo completo, con mangas espaciosas.
• Fresco de la tumba Han occidental que representa al filósofo Confucio; 202 aC - 9 dC; del condado de Dongping, provincia de Shandong
• Dos caballeros enfrascados en una conversación mientras otros dos observan, una pintura en un azulejo de cerámica de una tumba cerca de Luoyang, provincia de Henan, que data de la dinastía Han del Este (25–220 d. C.)
• Una sección de un fresco de Han del Este (25-220 d. C.) de 9 carros, 50 caballos y más de 70 hombres, de una tumba en Luoyang, China
• Dos paneles de puertas de una cámara funeraria (con un león y un dragón que simbolizan el oeste y el este); arenisca; 25–220; de la provincia de Sichuan, región de Xinjin; Museo Rietberg (Zúrich, Suiza)
• Mural de la tumba de Dahuting (chino:打虎亭漢墓; pinyin: Dáhǔting hàn mù) de finales de la dinastía Han del Este (25-220 d. C.), ubicada en Zhengzhou, Henan
• Mural de la tumba de Dahuting (打虎亭漢墓; Dáhǔting hàn mù) de finales de la dinastía Han del Este (25-220 d. C.), ubicada en Zhengzhou, Henan
• Mural de la tumba de Dahuting (打虎亭漢墓; Dáhǔting hàn mù) de finales de la dinastía Han del Este (25-220 d. C.), ubicada en Zhengzhou, Henan
• Mural de la tumba de Dahuting (打虎亭漢墓; Dáhǔting hàn mù) de finales de la dinastía Han del Este (25-220 d. C.), ubicada en Zhengzhou, Henan
• Una figurilla de cerámica Han del Este (25-220 d. C.) de una mujer sentada con un espejo de bronce, desenterrada de una tumba de Songjialin, condado de Pi, Sichuan

Período de división (220–581)

Influencia del budismo

El budismo llegó a China alrededor del siglo I d. C. (aunque hay algunas tradiciones sobre la visita de un monje a China durante el reinado de Asoka), y hasta el siglo VIII se volvió muy activo y creativo en el desarrollo del arte budista, particularmente en el área de las estatuas.. Al recibir esta religión lejana, China pronto incorporó fuertes rasgos chinos en su expresión artística.

En los siglos V y VI, las dinastías del Norte, más bien alejadas de las fuentes originales de inspiración, tendieron a desarrollar modos de representación más bien simbólicos y abstractos, con líneas esquemáticas. También se dice que su estilo es solemne y majestuoso. La falta de corporeidad de este arte, y su alejamiento del objetivo budista original de expresar el ideal puro de la iluminación de una manera accesible y realista, condujo progresivamente a una investigación hacia un mayor naturalismo y realismo, dando lugar a la expresión del arte budista Tang.

Caligrafía

En la antigua China, la pintura y la caligrafía eran las artes más apreciadas en los círculos cortesanos y eran producidas casi exclusivamente por aficionados, aristócratas y eruditos-funcionarios que eran los únicos que tenían tiempo para perfeccionar la técnica y la sensibilidad necesarias para una gran pincelada. Se pensaba que la caligrafía era la forma más alta y pura de pintura. Los implementos eran el pincel, hecho con pelo de animal, y la tinta negra hecha con hollín de pino y cola animal. Tanto la escritura como la pintura se hacían sobre seda. Pero después de la invención del papel en el siglo I, la seda fue reemplazada gradualmente por un material nuevo y más barato. Los escritos originales de calígrafos famosos han sido muy valorados a lo largo de la historia de China y están montados en rollos y colgados en las paredes de la misma manera que las pinturas.

Wang Xizhi fue un famoso calígrafo chino que vivió en el siglo IV d.C. Su obra más famosa es el Lanting Xu, el prefacio de una colección de poemas. El guión a menudo se celebraba como el punto culminante del "estilo de carrera" semicursivo en la historia de la caligrafía china.

Wei Shuo fue un conocido calígrafo de la dinastía Jin del Este que estableció reglas consecuentes sobre la escritura regular. Sus obras más conocidas incluyen Inscripción de concubina famosa (名姬帖 Ming Ji Tie) y La inscripción de Wei-shi He'nan (衛氏和南帖 Wei-shi He'nan Tie).

Pintura

Gu Kaizhi es un célebre pintor de la antigua China nacido en Wuxi. Escribió tres libros sobre teoría de la pintura: Sobre la pintura (畫論), Introducción a las pinturas famosas de las dinastías Wei y Jin (魏晉名畫記) y Pintura de la montaña Yuntai (畫雲臺山記). Escribió: "En las pinturas de figuras, la ropa y las apariencias no eran muy importantes. Los ojos eran el espíritu y el factor decisivo". Tres de las pinturas de Gu aún sobreviven hoy: Advertencias de la instructora a las damas de la corte, Ninfa del río Luo (洛神 賦) y Mujeres sabias y benevolentes.

Hay otros ejemplos de pinturas de tumbas de la dinastía Jin. Esto incluye a los Siete Sabios del Bosque de Bambú, pintado en una pared de ladrillos de una tumba ubicada cerca de la moderna Nanjing y que ahora se encuentra en el Museo Provincial de Shaanxi. Cada una de las figuras está etiquetada y se muestra bebiendo, escribiendo o tocando un instrumento musical. Otras pinturas de tumbas también representan escenas de la vida cotidiana, como hombres arando campos con yuntas de bueyes.

• Siete sabios de la arboleda de bambú, una pintura de la tumba de Jin del Este de Nanjing, ahora ubicada en el Museo Provincial de Shaanxi.
• Murales de Wei del Norte y figurillas pintadas de las Grutas de Yungang, que datan de los siglos V y VI.
• Una escena de dos jinetes de una pintura mural en la tumba de Lou Rui en Taiyuan, Shanxi, dinastía Qi del Norte (550–577)

Las dinastías Sui y Tang (581–960)

Arquitectura y escultura budista

Tras una transición bajo la dinastía Sui, la escultura budista de Tang evolucionó hacia una expresión marcadamente realista. Como consecuencia de la apertura de la dinastía al comercio exterior y las influencias a través de la Ruta de la Seda, la escultura budista de la dinastía Tang asumió una forma más bien clásica, inspirada en el arte greco-budista de Asia Central.

Sin embargo, las influencias extranjeras llegaron a ser percibidas negativamente hacia el final de la dinastía Tang. En el año 845, el emperador Tang Wu-Tsung prohibió todas las religiones "extranjeras" (incluido el nestorianismo cristiano, el zoroastrismo y el budismo) para apoyar el taoísmo indígena. Confiscó las posesiones budistas y obligó a la fe a pasar a la clandestinidad, lo que afectó el desarrollo ulterior de la religión y sus artes en China.

Las figuras de las tumbas de la dinastía Tang de loza vidriada o pintada son famosas y están bien representadas en museos de todo el mundo. La mayoría de las esculturas Tang de madera no han sobrevivido, aunque todavía se pueden ver representaciones del estilo internacional Tang en Nara, Japón. La longevidad de la escultura de piedra ha demostrado ser mucho mayor. Algunos de los mejores ejemplos se pueden ver en Longmen, cerca de Luoyang (Henan), Yungang cerca de Datong (Shanxi) y el Templo Bingling en Gansu. Una de las pagodas budistas chinas más famosas es la Pagoda Gigante del Ganso Salvaje, construida en el año 652 d.C.

• Un hombre pastoreando caballos, de Han Gan (706–783 d. C.), original de la dinastía Tang.
• Pintura de la dinastía Tang de Dunhuang.

Pintura

A partir de la dinastía Tang (618–907), el tema principal de la pintura fue el paisaje, conocido como pintura shanshui (agua de montaña). En estos paisajes, generalmente monocromáticos y dispersos, el objetivo no era reproducir exactamente la apariencia de la naturaleza sino captar una emoción o atmósfera para captar el "ritmo" de la naturaleza.

La pintura en el estilo tradicional involucraba esencialmente las mismas técnicas que la caligrafía y se hacía con un pincel mojado en tinta negra o de color; No se usaron aceites. Al igual que con la caligrafía, los materiales más populares sobre los que se hacían las pinturas eran el papel y la seda. Luego, las obras terminadas se montaban en rollos, que podían colgarse o enrollarse. La pintura tradicional también se realizó en álbumes, en paredes, trabajos de laca y en otros medios.

Dong Yuan fue un pintor activo en el Reino Tang del Sur. Era conocido por sus pinturas de figuras y paisajes, y ejemplificó el estilo elegante que se convertiría en el estándar para pintar con pincel en China durante los siguientes 900 años. Al igual que con muchos artistas en China, su profesión fue la de funcionario donde estudió los estilos existentes de Li Sixun y Wang Wei. Sin embargo, agregó a la cantidad de técnicas, incluida una perspectiva más sofisticada, el uso del puntillismo y el sombreado cruzado para generar un efecto vívido.

Zhan Ziqian fue pintor durante la dinastía Sui. Su única pintura que existe es Paseando por la primavera con montañas dispuestas en perspectiva. Debido a que las pinturas de paisajes puros apenas se ven en Europa hasta el siglo XVII, Paseando en primavera bien puede ser la primera pintura de paisajes del mundo.

Las dinastías Song y Yuan (960-1368)

Pintura de canciones

Durante la dinastía Song (960-1279), aparecieron paisajes de expresión más sutil; Se transmitieron distancias inconmensurables mediante el uso de contornos borrosos, contornos de montañas que desaparecían en la niebla y el tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. Se hizo hincapié en las cualidades espirituales de la pintura y en la capacidad del artista para revelar la armonía interna del hombre y la naturaleza, tal como se percibe según los conceptos taoísta y budista.

Liang Kai fue un pintor chino que vivió en el siglo XIII (dinastía Song). Se hacía llamar "Loco Liang" y se pasaba la vida bebiendo y pintando. Finalmente, se retiró y se convirtió en monje zen. A Liang se le atribuye la invención de la escuela Zen de arte chino. Wen Tong fue un pintor que vivió en el siglo XI. Era famoso por sus pinturas en tinta de bambú. Podía sostener dos pinceles en una mano y pintar dos bambúes distanciados diferentes simultáneamente. No necesitaba ver el bambú mientras los pintaba porque había visto muchos.

Zhang Zeduan fue un pintor notable por su paisaje horizontal A lo largo del río durante el Festival de Qingming y su pintura de paisajes urbanos. Se considera una de las pinturas más famosas de China y ha tenido muchos remakes conocidos a lo largo de la historia china. Otras pinturas famosas incluyen The Night Revels of Han Xizai, pintado originalmente por el artista Tang del Sur Gu Hongzhong en el siglo X, mientras que la versión más conocida de su pintura es una nueva versión del siglo XII de la dinastía Song. Este es un gran rollo horizontal de una escena doméstica que muestra a hombres de la clase alta siendo entretenidos por músicos y bailarines mientras disfrutan de comida, bebida y lavabos provistos por sirvientas. En 2000, el artista moderno Wang Qingsong creó una parodia de esta pintura con una fotografía larga y horizontal de personas con ropa moderna haciendo expresiones faciales, poses y gestos con las manos similares a los de la pintura original.

• Botella de porcelana ding-ware de la dinastía Song con pigmento de hierro bajo un esmalte transparente e incoloro, siglo XI.
• Niños jugando, del artista de canciones Su Hanchen, c. 1150 d.C.
• Bodhisattva sentado Avalokitesvara (Guanyin), madera y pigmento, siglo XI, dinastía Song del norte de China, Museo de Arte de St. Louis

Una procesión imperial de la dinastía Song del Norte que rinde homenaje al Señor de los Cielos, que representa guardias de honor y funcionarios armados, fechada entre 1053 y 1065

Pintura de yuanes

Con la caída de la dinastía Song en 1279, y la posterior dislocación causada por el establecimiento de la dinastía Yuan por parte de los conquistadores mongoles, muchos artistas de la corte y literatos se retiraron de la vida social y regresaron a la naturaleza, a través de pinturas de paisajes y renovando el estilo "azul y verde" de la era Tang.

Wang Meng fue uno de esos pintores, y una de sus obras más famosas es la Gruta del bosque. Zhao Mengfu fue un erudito, pintor y calígrafo chino durante la dinastía Yuan. Se considera que su rechazo de la pincelada refinada y suave de su época a favor del estilo más crudo del siglo VIII provocó una revolución que creó la pintura de paisaje china moderna. También estaban las obras de arte vívidas y detalladas de Qian Xuan (1235-1305), que había servido en la corte de Song y, por patriotismo, se negó a servir a los mongoles y, en cambio, se dedicó a la pintura. También fue famoso por revivir y reproducir un estilo de pintura más de la dinastía Tang.

La dinastía Yuan posterior se caracteriza por el trabajo de los llamados "Cuatro Grandes Maestros". El más notable de ellos fue Huang Gongwang (1269-1354), cuyos paisajes frescos y moderados fueron admirados por los contemporáneos y por los pintores literatos chinos de los siglos posteriores. Otro de gran influencia fue Ni Zan (1301-1374), quien con frecuencia organizaba sus composiciones con un primer plano y un fondo fuertes y distintos, pero dejaba el término medio como una extensión vacía. Este esquema fue adoptado con frecuencia por los pintores posteriores de las dinastías Ming y Qing.

Cerámica

La porcelana china está hecha de una pasta dura hecha de caolín de arcilla y un feldespato llamado petuntse, que cementa el recipiente y sella los poros. China se ha convertido en sinónimo de porcelana de alta calidad. La mayoría de las ollas de porcelana provienen de la ciudad de Jingdezhen, en la provincia china de Jiangxi. La porcelana Jingdezhen, bajo una variedad de nombres, ha sido fundamental para la producción de porcelana en China desde al menos la dinastía Yuan.

China imperial tardía (1368-1911)

Pintura Ming

Bajo la dinastía Ming, floreció la cultura china. La pintura narrativa, con una gama de colores más amplia y una composición mucho más compleja que las pinturas de Song, fue inmensamente popular durante ese tiempo.

Wen Zhengming (1470–1559) desarrolló el estilo de la escuela Wu en Suzhou, que dominó la pintura china durante el siglo XVI.

La cultura europea comenzó a tener un impacto en el arte chino durante este período. El sacerdote jesuita Matteo Ricci visitó Nanjing con muchas obras de arte occidentales, que fueron influyentes para mostrar diferentes técnicas de perspectiva y sombreado.

• Fiesta del melocotón de la Reina Madre de Occidente, principios del siglo XVII, dinastía Ming.
• Una estatua de gres vidriado de un juez del infierno, dinastía Ming, siglo XVI, en el Museo Británico.

Pintura Qing temprana

La dinastía Qing temprana se desarrolló en dos corrientes principales: la escuela ortodoxa y los pintores individualistas, los cuales siguieron las teorías de Dong Qichang, pero enfatizando aspectos muy diferentes.

Los "Cuatro Wangs", incluidos Wang Jian (1598-1677) y Wang Shimin (1592-1680), fueron particularmente reconocidos en la escuela ortodoxa y buscaron inspiración en la recreación de estilos pasados, especialmente las habilidades técnicas en pinceladas y caligrafía de antiguos maestros El joven Wang Yuanqi (1642-1715) ritualizó el enfoque de involucrarse e inspirarse en el trabajo de un maestro antiguo. Sus propias obras fueron a menudo anotadas con sus teorías de cómo su pintura se relaciona con el modelo del maestro.

Los pintores individualistas incluyeron a Bada Shanren (1626–1705) y Shitao (1641–1707). Tomaron más de las ideas revolucionarias de trascender la tradición para lograr estilos individualistas originales; de esta manera, seguían más fielmente el camino de Dong Qichang que la escuela ortodoxa (que eran sus seguidores directos oficiales).

Los pintores fuera de las tradiciones literarias, académicas y aristocráticas también ganaron renombre, y algunos artistas crearon pinturas para venderlas por dinero. Estos incluyeron a Ma Quan (finales del siglo XVII-XVIII), quien representó flores, pájaros e insectos comunes que no eran un tema típico entre los académicos. Sin embargo, estos pintores no estaban separados de las escuelas formales de pintura, sino que generalmente estaban bien versados ​​​​en estilos y técnicas artísticas. Ma Quan, por ejemplo, modeló su pincelada en ejemplos de la dinastía Song. Simultáneamente, pintores como Yun Shouping (1633-1690) y su descendiente Yun Bing continuaron con la técnica deshuesada (chino:沒骨畫), que se cree que se originó como un paso preparatorio al pintar imágenes de líneas doradas durante el Tang.

A medida que se perfeccionaron las técnicas de impresión en color, comenzaron a publicarse manuales ilustrados sobre el arte de la pintura. Jieziyuan Huazhuan (Manual del jardín de semillas de mostaza), una obra de cinco volúmenes publicada por primera vez en 1679, se ha utilizado como libro de texto técnico para artistas y estudiantes desde entonces.

• El emperador Yongzheng divirtiéndose durante el octavo mes lunar, por artistas anónimos de la corte, 1723–1735 d. C., Museo del Palacio, Beijing, que muestra el uso de la perspectiva lineal.
• Hoja de álbum, Yun Bing, siglo XVII, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, que muestra la técnica "deshuesada".
• Pintura china de 1664 del pintor de la dinastía Qing, Kun Can.

Arte Qing tardío

Nianhua era una forma de grabados en madera de colores en China, que representaban imágenes para la decoración durante el Año Nuevo chino. En el siglo XIX, los Nianhua se utilizaron como medios de comunicación.

Escuela de Shanghái

La Escuela de Shanghai es una escuela china de artes tradicionales muy importante durante la dinastía Qing y el siglo XX. Bajo los esfuerzos de los maestros de esta escuela, el arte tradicional chino alcanzó otro clímax y continuó hasta el presente en forma de "pintura china" (中國畫), o guohua.(國畫) para abreviar. La Escuela de Shanghái desafió y rompió la tradición literaria del arte chino, al mismo tiempo que rindió homenaje técnico a los antiguos maestros y mejoró las técnicas tradicionales existentes. Los miembros de esta escuela eran literatos educados que habían llegado a cuestionar su propio estatus y el propósito del arte, y habían anticipado la inminente modernización de la sociedad china. En una era de rápidos cambios sociales, las obras de la Escuela de Shanghái fueron muy innovadoras y diversas, y a menudo contenían comentarios sociales reflexivos pero sutiles. Las figuras más conocidas de esta escuela son Ren Xiong, Ren Bonian, Zhao Zhiqian, Wu Changshuo, Sha Menghai, Pan Tianshou, Fu Baoshi, He Tianjian y Xie Zhiliu. Otros pintores conocidos incluyen a Wang Zhen, XuGu, Zhang Xiong, Hu Yuan y Yang Borun.

Nuevo arte de China (1912-1949)

Movimiento de arte moderno

El movimiento para modernizar el arte chino comenzó hacia el final de la dinastía Qing. La forma de arte tradicional comenzó a perder su atractivo a medida que se disolvía la estructura feudal de la sociedad. La visión moderna del mundo tenía que expresarse de una forma diferente. Las exploraciones siguieron dos caminos principales: uno era extraer del pasado para enriquecer el presente (汲古潤今)*, el otro era "aprender los nuevos métodos" (學習新法).*

Dibujo del pasado:

El arte literario para la élite social no atraía a los mecenas burgueses. Wu Changshuo 吳昌碩 (1844–1927) fue uno de los artistas de Shanghái responsables de las flores y las plantas como tema. Sus pinturas usaban colores llamativos y pinceladas enérgicas, haciéndolas más accesibles al público en general. Qi Baishi 齊白石 (1864–1957) pintó imágenes como cangrejos y camarones que eran aún más accesibles para la gente común. Huang Binhong 黄宾虹 (1865–1955) denunció las pinturas literarias de la dinastía Qing y creó su propio estilo de pinturas de paisajes mediante extensas investigaciones en la historia del arte chino. Zhang Daqian 張大千 (1899–1983) usó pinturas murales en las cuevas de Dunhuang 敦煌 para ayudarlo a ir más allá de la tradición literaria.

II Aprender nuevos métodos

La Escuela Lingnan 岭南画派 hizo algunos préstamos del lenguaje del arte occidental en sus pinturas en tinta. Gao Jianfu 高剑父 (1879–1951), uno de los fundadores de la Escuela Lingnan, participó activamente en el movimiento revolucionario de Sun Yat-sen 孫中山 (1866–1925). Fue innovador en el sentido de que tenía la intención de utilizar sus pinturas para resaltar problemas nacionales, un medio para un cambio positivo en la sociedad.

• Llamas en el frente de batalla oriental de Gao Jianfu, 1937 tinta y colores sobre papel
• Retrato de Madam Cheng (1941) Óleo sobre tabla Xu Beihong

Un cambio de estilo más radical comenzó con Kang Youwei 康有為 (1858-1927), un reformador que admiraba el arte más basado en la realidad de la dinastía Song. Creía que el arte chino podía rejuvenecerse empleando las técnicas artísticas europeas orientadas a la realidad. Xu Beihong徐悲鴻 (1895–1953) tomó esta idea en serio y fue a París para adquirir las habilidades necesarias. Liu Haisu刘海粟(1896–1994), por otro lado, fue a Japón para aprender técnicas occidentales. Tanto Xu como Liu se convirtieron en presidentes de prestigiosas escuelas de arte, inculcando nuevos conceptos y habilidades en la próxima generación de artistas. Cai Yuanpei 蔡元培 (1868-1940) fue uno de los líderes del "Movimiento de la Nueva Cultura" 新文化运动. Los involucrados creían que las actividades intelectuales deberían beneficiar a todos, no solo a las élites. La creencia de Cai de que el arte podía representar un público,

Junto con Yan Wenliang 顏文樑(1893–1988), Xu, Liu y Lin fueron considerados los "Cuatro Grandes Presidentes de la Academia" 四大校長, quienes encabezaron el movimiento nacional de arte moderno. Sin embargo, la subsiguiente agitación provocada por la guerra chino-japonesa y la guerra civil no permitió que este movimiento creciera. El movimiento de arte moderno chino después de la guerra se desarrolló de manera diferente en las cuatro regiones: China continental, Taiwán, Hong Kong y en el extranjero.

Arte chino de posguerra (1949-1976)

La era de la posguerra es aproximadamente desde 1949, el final de la guerra civil china, hasta 1976, la apertura de China continental al mundo exterior.

El continente

La era de la posguerra en China continental podría dividirse en dos períodos: 1949 a 1966 generalmente se denomina "Los 17 años"; 1966 a 1976 es el período de la "Revolución Cultural".

Los 17 años

Los artistas chinos adoptaron el realismo social como forma de expresión; fue una combinación de realismo revolucionario y romanticismo revolucionario. Las obras de arte no se valoraban en sus propios términos, sino que estaban subordinadas a un propósito político. Según Mao Zedong, el arte debe ser un "arma poderosa para unir y educar al pueblo, combatir y destruir al enemigo". Elogiar a los líderes políticos y celebrar los logros del socialismo se convirtió en el tema de todas las obras de arte. Las formas de arte occidentales, incluidos el cubismo, el fauvismo, la abstracción y el expresionismo, se consideraron superficiales y se clasificaron como formalismo.

El mayor golpe al arte fue la Campaña Antiderechista de 1957. A los artistas que fueron etiquetados como derechistas se les despojó de su derecho a crear e incluso de sus trabajos, y peor aún, la posición social de los artistas y sus familias fue colocada en el nivel más bajo., causando un gran sufrimiento psíquico.

Algunas pinturas influyentes de este período son:

• Li Keran, Reddinging of Ten Thousand Mountains (李可染《万山红遍》)
• Huang Wei, La tormenta de nieve (黄胄《洪荒风雪》)
• Dong Xiwen, La ceremonia de fundación de la nación (董希文《开国大典》) había pasado por varias revisiones debido a la cambiante situación política. Gao Gang fue eliminado cuando perdió el favor, Liu Shaoqi fue reemplazado por Dong Biwu por un tiempo, luego se restauró el prototipo.

La revolucion cultural

Estos diez años también podrían llamarse los "Diez años de calamidad" (十年浩劫). Con el fin de destruir todo lo que sustentaba el antiguo orden social, innumerables templos, sitios históricos, obras de arte y libros fueron devastados y quemados. Durante este período, el retrato de Mao y los carteles de propaganda de la revolución estaban por todas partes. Se destruyó todo lo que se sospechaba remotamente que estaba fuera de lugar y se procesó a la persona que estaba detrás. Por ejemplo, Owl de Huang Youyu tenía un ojo abierto y otro cerrado; se consideró una expresión de insatisfacción con los acontecimientos actuales. La pintura de Zong Qixiang, que muestra tres tigres, se consideró crítica con el líder Lin Biao, cuyo nombre contenía un personaje que tenía tres tigres. Loto residualpor Li Kuchan tenía ocho flores de loto; se consideró crítico con las ocho películas aprobadas por los comunistas (样板戏). Muchos artistas destacados fueron perseguidos durante este tiempo. Por ejemplo, Yan, Xu, Liu y Lin, los "Cuatro Grandes Presidentes de la Academia" 四大校長 (excepto Xu, que murió antes de la Revolución Cultural), fueron procesados ​​y encarcelados, y todo su trabajo fue destruido durante este tiempo. Sin embargo, a pesar del entorno difícil, se crearon algunas pinturas notables. Los siguientes son algunos ejemplos:

• Chen Yifei, El río amarillo (陈逸飞《黄河颂》)
• Sun Jingbo, nueva canción de Ah Xi (孙景波《阿细新歌》)

Taiwán

Debido a su historia, el arte tradicional chino no tiene fuertes raíces en Taiwán. Las formas de arte en Taiwán eran generalmente decorativas, hasta que hubo jóvenes que crecieron bajo la ocupación japonesa y recibieron educación artística formal en Japón. Sin la carga de la forma de arte tradicional, su exploración generalmente siguió el camino de "aprender los nuevos métodos" (學習新法). Cuando los nacionalistas llegaron a Taiwán, un grupo de jóvenes ambiciosos, que llegaron con los nacionalistas, continuaron con el movimiento de arte moderno. Los más notables fueron el Grupo de la Quinta Luna 五月畫會 y el Grupo de Arte Ton-Fan東方畫會.

Grupo de la Quinta Luna五月畫會

Los miembros originales del grupo eran ex alumnos con especialización en arte del Academic Teachers College師範大學 (la única universidad con especialización en arte en ese momento). Su primera intención era mostrar que el esfuerzo por crear arte nuevo valía la pena en sí mismo, incluso si no mejoraba directamente la pedagogía del arte. (El miembro de la facultad que brindó el mayor apoyo fue 廖繼春, un nativo de Taiwán que recibió capacitación en el extranjero en Japón). Más tarde, se convirtió en un movimiento para modernizar el arte chino.

Los miembros del Grupo de la Quinta Luna estudiaron los movimientos artísticos occidentales y concluyeron que la forma de arte abstracto era el mejor medio para el arte chino moderno. Sintieron que las mejores pinturas chinas eran las que restaban importancia a la representación realista y enfatizaban la atmósfera y la "vivacidad" 氣韻生動, que proviene de las pinceladas y la interacción natural entre la tinta y el papel. Para promover esa idea, uno no necesita la representación de objetos en la pintura, o usar estrictamente tinta y papel. La belleza de una pintura se puede apreciar directamente a partir de las formas, texturas y colores del lienzo sin su relación con los objetos reales. El grupo estuvo activo desde 1957 hasta 1972. Los miembros principales son Liu Guosong 劉國松, Chuang Che 莊喆, Hu Chi-Chung胡奇中, Fong Chung-ray 馮鍾睿 y Han Hsiang-ning 韓湘寧.

• Liu Guosong, 1964
• Chuang-che, 1965

Ton-Fan Art Group東方畫會

Los miembros de este grupo eran estudiantes que asistían a clases de arte privadas ofrecidas por 李仲生, un artista nacido en el continente que había sido uno de los participantes activos en el movimiento de arte moderno. Él y varios artistas del continente que pintaron al estilo occidental continuaron el movimiento de arte moderno publicando revistas y escribiendo artículos para introducir el arte moderno en Taiwán. El estilo de enseñanza de 李仲生 era poco convencional y de naturaleza socrática. La intención original del grupo era presentar el arte moderno al público. Creían que no debería haber restricciones en la forma o el estilo de una pintura china moderna, siempre que la pintura expresara un significado de naturaleza china. El grupo estuvo activo desde 1957 hasta 1971. Los miembros principales fueron: 霍剛Ho Kan, 李元佳Li Yuan-chia, 吳昊Wu Hao, 歐陽文苑Oyan Wen-Yuen, 夏陽Hsia Yan, 蕭勤Hsiao Chin, 陳道明Tommy Chen,蕭明賢Hsiao Ming-Hsien.

• Ho Kan, 1967
• Hsia Yan, 1965
• Hsiao Chin, 1955

Hong Kong

Hong Kong fue una colonia británica desde 1842 hasta 1997. Las organizaciones de arte locales estaban dirigidas principalmente por occidentales que superaban en número a los pintores chinos hasta que se produjo una gran migración de chinos del sur de China durante la guerra chino-japonesa. Se establecieron colegios de arte innovadores después de la guerra. Los espectáculos organizados por artistas locales comenzaron a principios de la década de 1960. Después de una reacción contra las prácticas artísticas occidentales tradicionales de las décadas de 1940 y 1950, se realizaron algunas obras experimentales que combinaban técnicas occidentales y orientales. Luego vino el llamado a regresar al arte tradicional chino y la creación de formas de arte que Hong Kong pudiera considerar propias. La tendencia fue liderada por Lui Shou Kwan 呂壽琨. Algunos conceptos occidentales se incorporaron a sus pinturas con tinta china.

• Lui Shou Kwan, 1965

Exterior

París

Muchos artistas chinos estudiaron arte occidental en París a principios del siglo XX, por ejemplo: Fang Ganmin 方幹民, Wu Dayu 吳大羽, Ong Schan Tchow 翁占秋, Lin Fengmian 林風眠, Yan Wenliang 顏文樑, Wu Guanzhong 吳冠中, Zao Wou-Ki 極趟. Todos excepto Zao completaron su educación antes de 1949 y volvieron a convertirse en líderes del movimiento de arte moderno. (Zao estuvo en París en 1949 y no regresó). Algunos artistas chinos fueron a quedarse allí debido al rico entorno artístico internacional, por ejemplo: Sanyu 常玉, Pang Yuliang 潘張玉良, 朱德群Chu Teh Chun. Zao, Sanyu, Pang y Chu tuvieron espectáculos en París y la República. Todas sus pinturas tenían diversos grados de elementos chinos. Estos artistas no solo tuvieron una profunda influencia en el arte moderno chino, sino que también continuaron involucrando a los parisinos con el arte moderno de Oriente.

• Zao Wou Ki, 1959

Estados Unidos

Li Tiefu 李鐵夫 (1869–1952) fue un consumado pintor al óleo educado en Canadá y Estados Unidos. Fue un participante activo en el movimiento revolucionario de Sun Yat-sen 孫中山 (1866–1925).

Zeng Youhe 曾佑和 (1925–2017) nació en Pekín. Comenzó a recibir reconocimiento internacional en 1946, cuando Michael Sullivan comenzó a elogiar y escribir sobre su trabajo. Zeng se mudó a Honolulu en 1949 y visitó Hong Kong y Taiwán en 1960. Al igual que las del Grupo de la Quinta Luna 五月畫會, sus pinturas eran abstractas; pero el sabor de las pinturas tradicionales de tinta china no era tan pronunciado.

• Zeng Youhe, 1961

Reurbanización (mediados de la década de 1980 - década de 1990)

Arte contemporáneo

El arte chino contemporáneo (中國當代藝術, Zhongguo Dangdai Yishu), a menudo denominado arte de vanguardia chino, continuó desarrollándose desde la década de 1980 como una consecuencia de los desarrollos del arte moderno posteriores a la Revolución Cultural.

El arte chino contemporáneo incorpora completamente pintura, cine, video, fotografía y performance. Hasta hace poco, las exhibiciones de arte consideradas controvertidas han sido clausuradas de forma rutinaria por la policía, y los artistas de performance en particular enfrentaron la amenaza de arresto a principios de la década de 1990. Más recientemente, ha habido una mayor tolerancia por parte del gobierno chino, aunque a muchos artistas de renombre internacional todavía se les restringe la exposición a los medios en casa o se ordena el cierre de exposiciones. Los principales artistas visuales contemporáneos incluyen a Ai Weiwei, Cai Guoqiang, Cai Jin, Chan Shengyao, Concept 21, Ding Yi, Fang Lijun, Fu Wenjun, He Xiangyu, Huang Yan, Huang Yong Ping, Han Yajuan, Kong Bai Ji, Li Hongbo, Li Hui, Liu Bolin, Lu Shengzhong, Ma Liuming, Qiu Deshu, Qiu Shihua, Shen Fan, Shen Shaomin, Shi Jinsong, Song Dong, Li Wei, Wang Guangyi, Wenda Gu, Xu Bing,

Arte visual

A partir de fines de la década de 1980, hubo una exposición sin precedentes para los artistas visuales chinos más jóvenes en el oeste hasta cierto punto a través de la agencia de curadores con sede fuera del país, como Hou Hanru. Curadores locales dentro del país como Gao Minglu y críticos como Li Xianting (栗憲庭) reforzaron esta promoción de marcas particulares de pintura que habían surgido recientemente, al mismo tiempo que difundieron la idea del arte como una fuerte fuerza social dentro de la cultura china. Hubo cierta controversia ya que los críticos identificaron que estas representaciones imprecisas del arte chino contemporáneo se construyeron a partir de preferencias personales, una especie de relación artista-curador programatizada que solo alejó aún más a la mayoría de la vanguardia de la burocracia china y del patrocinio del mercado del arte occidental..

Mercado del arte

Hoy en día, el mercado del arte chino, tanto antiguo como contemporáneo, es ampliamente reconocido como uno de los más populares y de más rápido crecimiento en el mundo, atrayendo a compradores de todo el mundo. La Voz de América informó en 2006 que el arte chino moderno está alcanzando precios récord tanto a nivel internacional como en los mercados nacionales, y algunos expertos incluso temen que el mercado se esté sobrecalentando. The Economist informó que el arte chino se ha convertido en el último favorito del mercado mundial según las ventas récord de Sotheby's y Christie's, las mayores casas de subastas de bellas artes.

El arte chino contemporáneo registró ventas récord a lo largo de la década de 2000. En 2007, se estimó que 5 de los 10 artistas vivos más vendidos del mundo en subastas de arte eran de China, con artistas como Zhang Xiaogang cuyas obras se vendieron por un total de $ 56,8 millones en subastas en 2007. En términos de mercado de compra, China superó a Francia a fines de la década de 2000 como el tercer mercado de arte más grande del mundo, después de Estados Unidos y el Reino Unido, debido a la creciente clase media en el país. Sotheby's señaló que el arte chino contemporáneo ha transformado rápidamente el mundo del arte asiático contemporáneo en uno de los sectores más dinámicos del mercado del arte internacional. Durante la crisis económica mundial, el mercado del arte asiático contemporáneo y el mercado del arte chino contemporáneo experimentaron una desaceleración a finales de 2008. El mercado del arte asiático y chino contemporáneo experimentó un gran resurgimiento a finales de 2009 con un nivel récord de ventas en Christie's.

Durante siglos, compuesto en gran parte por compradores europeos y estadounidenses, el mercado internacional de compras de arte chino también ha comenzado a estar dominado por comerciantes y coleccionistas chinos en los últimos años. En 2011 se informó que China se ha convertido en el segundo mercado más grande del mundo de arte y antigüedades, representando el 23 por ciento del mercado de arte total del mundo, detrás de Estados Unidos (que representa el 34 por ciento del mercado de arte mundial). Otra transformación que impulsa el crecimiento del mercado del arte chino es el aumento de una clientela que ya no es mayoritariamente europea o estadounidense. Las nuevas fortunas de países que alguna vez se consideraron pobres a menudo prefieren el arte no occidental; un gran galerista en el campo tiene oficinas tanto en Nueva York como en Beijing, pero los clientes provienen principalmente de América Latina, Asia y Medio Oriente.

Una de las áreas que ha revivido la concentración de arte y también ha comercializado la industria es el Distrito de Arte 798 en Dashanzi de Beijing. El artista Zhang Xiaogang vendió una pintura de 1993 por 2,3 millones de dólares estadounidenses en 2006, que incluía familias chinas con rostros inexpresivos de la era de la Revolución Cultural, mientras que la obra de Yue Minjun Execution in 2007 se vendió por un récord de casi 6 millones de dólares en Sotheby's. Coleccionistas como Stanley Ho, el propietario de Macau Casinos, el administrador de inversiones Christopher Tsai y el desarrollador de casinos Steve Wynn, aprovecharían las tendencias artísticas. Se subastaron artículos como jarrones de la dinastía Ming y una variedad de piezas imperiales.

Otras obras de arte se vendieron en lugares como Christie's, incluida una pieza de porcelana china con la marca del emperador Qianlong, vendida por 151,3 millones de dólares de Hong Kong. Sotheby's y Christie's actúan como las principales plataformas de mercado para la venta de piezas de arte de porcelana china clásica, incluida la dinastía Ming, la marca Xuande y el tarro azul y blanco (estampado de dragón de cinco garras) del período (1426-1435), que se subastó por aprox. USD 19.224.491,2, a través de Christie's en la primavera de 2016 El International Herald Tribune informó que las porcelanas chinas se disputaban en el mercado del arte como "si no hubiera un mañana".

Una pintura de 1964 de Li Keran "Todas las montañas cubiertas de rojo" se vendió por 35 millones de dólares de Hong Kong. También se realizaron subastas en Sotheby's, donde la obra maestra de Xu Beihong de 1939 "Put Down Your Whip" se vendió por 72 millones de dólares de Hong Kong. La industria no se limita a las bellas artes, ya que también se vendieron muchos otros tipos de piezas contemporáneas. En 2000, varios artistas chinos fueron incluidos en Documenta y en la Bienal de Venecia de 2003. China ahora tiene su propio gran escaparate de arte contemporáneo con la Bienal de Venecia. Fuck Off fue una notoria exhibición de arte que se realizó junto con el Festival Bienal de Shanghái en 2000 y fue comisariada por el curador independiente Feng Boyi y el artista contemporáneo Ai Weiwei.

Museos

• Museo Nacional de Arte de China (Pekín)
• Museo del Palacio (Ciudad Prohibida, Pekín)
• Museo de Arte de China (Shanghái)
• Central eléctrica del arte (Shanghai)
• Museo del Palacio Nacional (Taipei, Taiwán)